La primera película de uno de los últimos éxitos del anime televisivo como ha sido “SpyxFamily” (Kazuhiro Furuhashi, 2022) es un buen divertimento cinematográfico que, más que una película, la podríamos considerar como un largo episodio perteneciente a la propia serie, pero que presenta una duración de dos horas y con mayores valores productivos en lo referente a la animación y puesta en escena. Esto, que se podría considerar como un punto negativo, es en sí uno de los puntos fuertes de la película, ya que permite a los creadores ser conscientes del público al que se dirigen, el cual, después de 37 episodios de la serie televisiva es fan y conocedor de sus códigos y, en general, solo esperan presenciar lo mismo, pero con un guion original y la oportunidad de verlo y disfrutarlo en una pantalla cinematográfica. En términos de guion e historia “SpyxFamily Code: White”, dirigida por Takashi Katagiri y con guion de Ichiro Okouchi, no se diferencia mucho de las misiones secundarias y otras grandes y divertidísimas subtramas ya expuestas en la serie de televisión, como la sucesión de episodios en los que Yor tiene que proteger a una mujer y su hijo durante un crucero al final de la tercera temporada. En este sentido, la historia y desarrollo de los personajes quizá no estén a la altura de otras últimas películas anime proveniente de series pero que sí pretenden presentar guiones, historias y desarrollos más cinematográficos, como las increíbles “My Hero Academia the Movie-Heroes: Rising” (Kenji Nagasaki, 2019), “Dragon Ball Super: Broly (Tatsuya Nagamine, 2019), “Kimetsu no Yaiba-The Movie: Mugen Train” (Haruo Sotozaki, 2020) y “Jujutsu Kaisen 0” (Sung Hoo Park, 2021).

No obstante, “SpyxFamily Code: White” si está a la altura de estas últimas en términos de animación, espectacularidad, diversión y entretenimiento. Con un guion sencillo pero muy efectivo, con unos villanos tópicos pero que funcionan muy bien en contraposición con los protagonistas, se trata de una película muy placentera de ver, emocionante y divertida, con muchísima acción espectacular y excelentemente animada, con una dirección ideada para sacarle el máximo potencial a su clímax y con un ritmo activo en el que todos los personajes tienen sus muchos momentos de gloria y en los que destacan sin contradecirse en ningún momento con lo expuesto anteriormente en la serie. En definitiva, una excelente película que honra a su serie y es consciente de donde viene, dejando una obra audiovisual divertida que recuerda a las grandísimas películas de “Sin-Chan”.

No obstante, estos elementos en los que el filme destaca son los mismos por los que no la recomiendo como primera toma de contacto con el universo y personajes de “SpyxFamily”, ya que los códigos con los que juega están fuertemente vinculados con los desarrollados en la serie. Un espectador que no conozca la serie se puede encontrar una película lenta en su primera mitad, con un guion simple y desequilibrado que pretende mostrar acciones familiares y cotidianas con cierta extravagancia más que un guion desarrollado que tenga un trasfondo y profundidad emocional, llegando a un clímax que, aunque espectacular, no lleva a ningún lado ya que todo vuelve a la normalidad sin ninguna consecuencia real. Es una película ideada para los fans, lo cual no es nada malo sino todo lo contrario, ya que estas películas provenientes de series forman parte de todos los componentes que han hecho al anime ser anime. “SpyxFamily Code: White” es una película para fans, para que disfruten de sus personajes en la pantalla grande, pero con un guion original que mantenga la atención, el atractivo y a la vez sea digno de verlo en una gran pantalla.

Así, “SpyxFamily Code: White” no se puede comparar a otros filmes anime con mayúsculas de los últimos años, como la espectacular “BELLE” (Mamoru Hosoda, 2021) o la emocionante e increíble “Suzume” (Makoto Shinkai, 2023). Pero en su propia liga y códigos “SpyxFamilty Code: White” es una excelente película de animación y que a su vez es una gran película de espías y misiones secretas que amenazan el mundo, mucho mejor que algunas patochadas de Netflix como “Agente Stone” (Tom Harper). Además, esta película es el primer gran trabajo como director de Takashi Katagiri (quien ha trabajado principalmente como animador y director de episodios en distintas series anime), por lo que ha demostrado de sobra que en el futuro puede traer otras películas igualmente de divertidas y entretenidas.

En el año 2024 los fans del anime ya saben de sobra que Netflix es capaz de producir y crear animes originales de una gran calidad narrativa, expresiva y visual, destacando recientemente la humanista “Pluto” (Toshio Kawaguchio, 2023) y la trágica “Cyberpunk: Edgerunners” (Hiroyuki Imaishi, 2022). Sin embargo, está bien recordar de vez en cuando uno de sus primeros animes originales y que no solo sigue siendo uno de los mejores de la plataforma, sino también uno de los mejores y más emocionantes a la vez que traumáticos relatos que ha dejado el medio en los últimos lustros. “DEVILMAN Crybaby”, dirigida por el talentoso Masaaki Yuasa, destaca por abrazar sin miedo y sin complejos una historia ultraviolenta, terrorífica, gore, pornográfica en su explicitud de los desmembramientos y carnicerías y descarnada en su declaración de la humanidad como una especie sin esperanza de salvación que está destinada a su propia extinción.

Desde los inicios televisivos de “DEVILMAN” en los años 70 adaptando el manga del mítico Go Nagai, la franquicia se ha ido extendiendo durante los años, siempre narrando una historia de humanos contra demonios en la que se acaba tratando una lucha de los humanos contra ellos mismos o contra otros humanos, preguntándose si la raza humana no son los verdaderos demonios que pueblan la tierra, incapaces de crear un mundo pacífico, siempre con la necesidad de crear guerras con las que poner a prueba su egocentrismo e inhabilidad de comprender y empatizar con otros seres humanos. En este recorrido ya se encuentran algunas cintas ultraviolentas que hiperbolizan estos elementos no tan alejados de la realidad, como la OVA “Amon: Apocalypse of Devilman” (Kenichi Takeshita, 2000). En esta ocasión, Yuasa y el guionista Ichiro Okouchi se basan en la obra y personajes originales, adaptándolos al particular y característico estilo visual y psicodélico del director, el cual roza la pura plasticidad y abstracción como vía de expresar la psicología humana más depresiva y pesimista a la vez que eufórica y descontrolada, como ya hizo en la magnífica “Pin Pon: The Animation” (2014).

Aprovechándose de la abstracción y contemplación que causa la violencia y acción de las imágenes, Yuasa plasma una delicada trama con múltiples aristas y lecturas, en la que la línea principal es la historia de un niño, Fudo Akira, que carga toda su vida con el abandono de sus padres, buscando el amor ajeno en amigos y otra familia, por los que llora por sus tragedias para que ellos no carguen con un pesar semejante como el que ha cargado él durante su juventud. El protagonista de la historia es un héroe trágico y dramático que es capaz de empatizar y salvar a las personas más moralmente deplorables, como los deportistas que venden su alma al diablo con el fin de ganar a sus contrincantes, lo que finalmente les acaba pesando hasta el arrepentimiento. Y utilizando una gran paleta de personajes secundarios magníficamente escritos, Yuasa utiliza la sutil parábola de correr, no para huir de nuestros miedos y problemas, sino para enfrentarnos a ellos, superarlos con todas nuestras fuerzas posibles y ser capaces de entendernos con nuestros semejantes, lo que es en sí la esperanza que esconde la historia y se personifica en el personaje de Miki. Aun con todo, la realidad es más trágica y pesimista, por lo que, a pesar de los esfuerzos de Akira por salvar a la humanidad, nuestros propios demonios que hemos creado con nuestras decisiones y traumas son incapaces de entenderse entre ellos, buscando excusas en cualquier parte y demonios en cualquier persona para acabar autodestruyéndonos de forma vengativa, lo cual siempre será más sencillo que comunicar nuestros sentimientos los unos con los otros.

En todo ello se esconde la tristeza de un relato que en toda su pornografía grotesca y visceral es emocionante, excitante, optimista, triste, pesimista, épico, trágico y dramático a partes iguales, con un ritmo excelente y una narrativa compleja y madura que trata con mucha inteligencia y respeto al espectador que se comprometa con la esencia de la obra. Y todo esto se envuelve de una espectacular banda sonora compuesta por Kensuke Uhsio, que hila y equipara los momentos más gore, los más psicodélicos, los más épicos, los más emocionales, los más trágicos y los más tristes. “DEVILMAN Craybaby” es una obra oscura pero excelente, con mucha personalidad y complejidad en su representación de la vengativa naturaleza humana, convirtiéndose en un clásico que se citará entre lo mejor del medio anime en su historia, a la altura de obras como “Neon Genesis Evangelion” (Hideaki Anno, 1995).

“Hero Mask” es una ONA (Original Net Anime) de 24 episodios, que nace como un proyecto original de Netflix y está creada, dirigida y guionizada por Hiroyasu Aoki, sin basarse en ningún manga anterior, lo que inevitablemente se ve reflejado en un guion incompleto que en su segunda mitad peca en lo que muchos animes, decayendo en ritmo, seriedad, sentido y cohesión hasta un final nada satisfactorio y en cierta medida irrisorio. La gran N roja ha contribuido a crear en los últimos años diferentes animes originales, muy dispares en su éxito y calidad, algunos absolutamente increíbles e incuestionables como “Devilman Crybaby” (Masaaki Yuasa, 2018), otros horrorosos e infames como “SWORDGAI The Animation” (2018), y otros corrientes y ordinarios como el presente “Hero Mask”, todos ellos diferentes también en temática y contenido, por lo que no se puede decir que al menos no haya variedad para abordar entre su catálogo original. “Hero Mask” es un thriller conspiratorio y policíaco con aires de ciencia ficción y cierto componente existencialista y humanista, elementos todos ellos que ya han dejado en el medio obras magníficas y descomunales como “Psycho-Pass” (Katsuyuki Motohiro y Naoyoshi Shiotani, 2012), la que a su vez bebe de cintas de culto como “Ghost in the Shell” (Mamoru Oshii, 1995) y su secuela “Ghost in the Shell: Innocence” (Mamoru Oshii, 2004). Sin embargo, “Hero Mask” —la cual más que ciencia ficción presenta un mundo con una tecnología muy avanzada—, no se centra tanto en el componente existencialista, dando más peso a la parte policíaca, como en “Ghost in the Shell: Arise” (Kazuchika Kise, 2013), lo que desemboca en que lo mejor de la serie sea su acción y el cómo está dirigida.

El gran lastre de la obra es una historia que, aunque bien construida en su premisa, se desarrolla a través de un guion caótico e incoherente, tramposo y alarmante en sus cambios sacados de la manga y en el desarrollo y relación inexistente entre sus personajes. La trama se presenta en cómo el departamento de policía SSC descubre e investiga una trama que involucra grandes empresas, las cuales están creando una especie de biomáscaras que otorgan poderes sobrenaturales. Los involucrados en la creación de las máscaras descubren que la fiscal Monica Campbell, amiga de los integrantes del SSC, los está investigando, por lo que la asesinan y es entonces cuando el SSC toma cartas en el asunto para descubrir quién es el asesino y las intenciones detrás de la creación de las máscaras. Hasta el capítulo 14 todo funciona correctamente, con una trama bien construida que mantiene la intriga, seria, con un ritmo muy bueno y con unos buenos personajes que, aunque muy planos (pero sí bellísimos y atractivos en sus diseños), sostienen gratamente el desarrollo argumental; todo ello apoyado por diferentes escenas de acción, persecución, tiroteos, peleas, enfrentamientos y secuencias que sinceramente están estupendamente realizadas, impactantes y entretenidas, a la altura de la acción de la excelente “Durarara!!” (Takahiro Oumori, 2010). El problema: que a partir del capítulo 15 y hasta el 24 todo desaparece menos la acción. La trama se encamina a su decadencia a través de personajes que desaparecen sin rastro, otros que mágicamente aparecen y son determinantes para la trama, personajes que nunca se desarrollan, historias secundarias que encajan por sorpresa con la principal, unos villanos indefinidos, la falta de un objetivo claro y potente para la creación de las máscaras, y otros cambios a terrenos más humanistas y discusiones sobre la evolución humana que no pueden levantar ni mantener la atención de un guion que cae desde un precipicio. Al final, hacen lo que pueden y se precipitan para acabar la serie, dejando un final ultra predecible y nada elocuente.

Con todo, y a pesar de este gran desequilibrio entre sus dos partes, la serie se toma lo suficientemente en serio y tiene algunas decisiones inteligentes para que el espectador pueda entrar en ella y poniendo mucho (mucho) de su parte pueda encontrarla entretenida y disfrutable, involucrándose con la historia, cubriendo los huecos que deja, descubriendo las capas de los personajes que en la serie no muestran y reflexionando sobre ciertos acontecimientos y temas. Aunque esto sea confiar mucho en el espectador, si pone mucho de su parte y “perdona” su segunda mitad, puede considerar a la serie decente y aceptable. No obstante, en su conjunto, es una serie fallida que no está a la altura de otros animes policíacos de ciencia ficción como el magistral “Psycho-Pass” (2012), el sobrenatural “Ajin” (Hiroyuki Seshita y Hiroaki Ando, 2016), u otras obras de thriller mafioso como “91 Days” (Hiro Kaburagi, 2016), todas ellas mucho más recomendables que “Hero Mask”.

Al final, una de las cosas más destacables de “Hero Mask” es la animación en sí, la acción y el diseño de personajes, que sobresalen por encima de un guion descontrolado. Esto no debería pillar por sorpresa ya que el creador, Hiroyasu Aoki, aún tiene poca experiencia y el estudio encargado de la obra, Pierrot, a pesar de haber creado clásicos incontestables del medio como “Urusei Yatsura” (1981) y “Naruto” (2000) entre varios otros, tiene una carrera muy irregular con obras cuestionables como “Blue Dragon” (2007) y “Black Clover” (2017).

“My Home Hero” es la adaptación a serie anime con 12 episodios del manga homónimo de Naoki Yamakawa y Masahi Asaki, en el que se narra la cuestionable historia de un padre normal y corriente que, en el intento de salvar a su hija, que está siendo maltratada por un yakuza, asesina y mata a dicho yakuza. Para encubrir su muerte, que está siendo investigada por un grupo de mafiosos y el padre del yakuza muerto, el padre protagonista, Tetsuo, se ve envuelto en las situaciones más peligrosas y peliagudas, de las que tiene que sobrevivir a base ingenio y de la incondicional ayuda de su mujer.

Con esta trama, sin ánimo de comparar con el cine, pero sí ampliar la perspectiva para un mayor contexto, el argumento no se distancia mucho de las películas de venganza de serie B de los años 70 protagonizadas por Charles Bronson (como la saga “Death Wish”), la saga de películas “Venganza” protagonizada por Liam Neeson u otras obras como “Edge of Darkness” (“Al límite”, Martin Campbell, 2010), protagonizada por Mel Gibson. Sin embargo, la diferencia fundamental radica en que el protagonista Tetsuo no es un “tipo duro” e “inmortal” con habilidades físicas, sino un tipo normal y corriente, con un carácter pusilánime e infantil que no es el perfil más adecuado para un héroe. Esto, que por un lado es la parte más atractiva y original de la serie, ya que pretende aportar cierto “realismo” de lo que un padre normal realizaría por su hija y su familia en dichas situaciones, resulta por abuso el componente más surrealista y cuestionable de la obra, ya que da lugar a situaciones incoherentes que, aunque originales en sus desenlaces resultan poco creíbles en un contexto de mafiosos y delincuentes. El protagonista no se salva pegando tiros y matando mafiosos, sino engañando a los mismos, mintiéndoles y trabajando con su mujer para intentar incriminar a otro de los mafiosos.

Estos elementos, sumado a una animación cuadriculada, poco fluida y atorada, a los villanos tópicos y locos en un guion ligeramente catastrófico e incoherente que nunca se llega a resolver y cerrar del todo, hacen sentir que la obra nunca se toma en serio a si misma, pareciendo en algunos momentos un pastiche y parodia grotesca que contrasta y se contradice con otros elementos más profundos y emocionales de la trama, como la relación de Tetsuo con su hija, la cual nunca se explica del todo bien hasta el final de la serie. Sin embargo, son por estos mismos elementos que la serie puede resultar atractiva y embaucadora, ya que crea cierta necesidad y deseo de querer saber qué pasa en la siguiente situación, qué suceso más loco y desequilibrado es el siguiente y qué solución imaginativa o estrafalaria se le ocurrirá al protagonista. Si se quiere entrar en esos códigos de la serie, en no tomarla en serio y no exigirle mucho, puede resultar disfrutable. Además, la obra tiene otros elementos destacables, como la música del legendario Kenji Kawai y el personaje de la madre y esposa de Tetsuo, Kasen, la cual es el personaje mejor escrito por parte del guionista Kohei Kiyasu y a la única a la que se le llega a coger verdadero cariño por resultar la más “normal” de todos los personajes desequilibrados.

El director de la obra, Takashi Kamei, a pesar de tener una larga carrera como animador, tiene poca experiencia como director, siendo este su primer trabajo más grande y “serio”, por lo que aún puede traer obras que estén más logradas y sean más coherentes que “My Home Hero”. Lo mismo podría decirse del polifacético guionista Kohei Kiyasu, el cual es también seiyu, poniendo la voz del mítico Ippo en el anime “Hajime no Ippo” (2000). En resumen, una obra con potencial pero floja que no destaca de entre lo mejor del anime. No obstante, su opening y ending, “Ai no Uta” de Chiai Fujikawa y “Decided” de Dizzy Sunfist, sí son excelentes canciones que escuchar y cuyas letras y música representan esa emoción y sentimiento de amor que en la serie se queda difuminado.

“Steve y la liga de los monstruos” (“Rumble” en su título original) falla en lo el espectáculo al que hace homenaje (la WWE) sí logra conseguir con creces, entretener y divertir mediante un espectáculo absurdo, incoherente, gamberro y circense que es autoconsciente de su propia sandez y acciones disparatadas. La película animada dirigida por Hamish Grieve pretende tomarse demasiado en serio, a la vez que ser divertida y entretenida, basándose en un guion insípido, mal construido, muy tramposo en demasiadas ocasiones, demasiado genérico, aburridamente predecible y lleno de personajes poco empáticos que no enganchan en ningún momento. La protagonista y entrenadora tiene un trasfondo dramático muy mal construido, ya que nunca se llega a explicar ni empatizar en la relación con su difunto padre, sobre la que supuestamente se basa y se cimienta la trama y la necesidad del argumento de llegar a ese clímax y combate final. A esto hay que sumar que el otro protagonista, Steve, no se presenta hasta el primer cuarto de hora de la película y en la forma más tramposa posible, mediante un flashback sacado de la manga y que mágicamente enlaza con la desaparición y muerte de los predecesores, los que por otro lado nunca se sienten del todo reales, recayendo demasiado en ellos (cuando nunca aparecen) para explicar la trascendencia de la trama. Y a todo esto hay que añadirle el villano más tópico posible movido por los ideales más genéricos que se han contado en mil ocasiones y de mil maneras diferentes.

Con todo, la película resulta ser ligeramente entretenida y divertida cuando se olvida de todos los componentes dramáticos del guion y se centra en explotar el carácter infantil, pasota y repelente de Steve y en ponerlo a combatir con los otros monstruos. Es en estas escenas de acción y combate entre “monstruos” cuando la película consigue engancharte, ya que sí se ve ese homenaje ridículo y autoconsciente a los monstruos histriónicos y exagerados que protagonizan los absurdos, pero divertidos combates de la WWE. La película hubiera ganado mucho más si se hubiera preocupado menos por un guion dramático y hubiera priorizado esos combates disparatados y divertidos con los que tanto hemos disfrutado los fans de este espectáculo. Dudo mucho que los fans encuentran algo en esta película más allá de un mediocre y fallido homenaje, igual que dudo que un espectador ajeno a la WWE vea en esta película una historia coherente y con sentido, la que nunca, por otro lado, conseguirá que se interese por este deporte/espectáculo.