Con estas palabras comienza la largamente esperada secuela de “Ghost in the Shell”, gran éxito del anime en 1994, cuya estética y planteamiento fueron fuentes inspiradoras de “The Matrix”. En esta ocasión acompañamos a Bato, quien fuera compañero de la Mayor Kusanagi en la primera parte, que aquí asume el protagonismo de la historia. Han pasado tres años desde la desaparición de la Mayor. Bato junto a su compañero Togusa, investigan una serie de homicidios cometidos por prototipos de androides diseñados para el sexo. Lo que comienza como la búsqueda de un asesino se convertirá pronto en la lucha desesperada de un hombre por aferrarse a lo que le queda de humanidad.

Desde los primeros instantes nos encontramos ante una película deslumbrante, hipnótica, y con un trasfondo argumental de gran complejidad. En esta ocasión no rige el dicho de “Segundas partes nunca fueron buenas”. Ya nos hemos encontrado con excepciones a lo largo de los tiempos: “El Padrino II”, “El Imperio Contraataca”, “Las Dos Torres”, entre otras muchas. “Innocence” no sólo está a la altura de su predecesora, sino que en ciertos momentos logra superarla. Visualmente está mucho más conseguida. Se nota el paso del tiempo, y la evolución tecnológica ha conseguido esta vez integrar perfectamente animación tradicional con animación digital (consiguiendo secuencias tan espectaculares como la de los créditos iniciales, o la del desfile en Locus Solus). La música de Kenji Kawai sigue siendo magistral, acompañando perfectamente a las imágenes (especialmente en esos momentos líricos, sin diálogo, tan del gusto de Mamoru Oshii, que suelen ser la contrapartida visual y poética a las escenas de exposición), con un tema principal que constituye una variante épica del que sonara en “Ghost in the Shell”. Destacar también la cancion “Follow Me”, que suena en los créditos finales, procedente del Concierto de Aranjuez. En cuanto a la historia, vuelve a haber ciertos temas recurrentes como la soledad del individuo, la invasión progresiva de la tecnolgía en el ámbito humano, la pérdida de la identidad… todo ello sazonado con abundantes citas de filósofos clásicos como Confucio o Descartes (que en algunos momentos pueden llegar a saturar) y el omnipresente perro basset (aparece en casi todas las pelis de Mamoru Oshii), que se erige como testigo imparcial de los actos de su amo, y en un futuro donde domina lo artificial y tecnológico, se convierte en símbolo de vida.

Mamoru Oshii, vuelve a conseguir un filme que funciona a la perfección a dos niveles (como película de animación, y como obra de ciencia ficción), manteniendo sus señas de identidad, brindándonos escenas de una belleza arrebatadora, y otras que nos hacen dudar de si el futuro sombrío y deshumanizado que nos presenta “Innocence”, no será posible a la vuelta de unos años…

Allá por 2003 se estrenó una pequeña producción llamada “Underworld”, cuya premisa argumental era el enfrentamiento milenario entre vampiros y licántropos. El film era de un estilo similar a otros títulos del género como “Blade” (aunque introducía algunos elementos interesantes: vampiros ancianos en estado de letargo, recuerdos contenidos en la sangre, balas ultravioletas para usar contra los vampiros…). Lo cierto es que la película supo jugar bien sus bazas (diseño de producción, efectos de maquillaje, y heroína carismática), y obtuvo una buena recaudación en taquilla.

Woody Allen dijo una vez “El sexo sin amor es una experiencia vacía. Pero como experiencia vacía es una de las mejores”. Con esta película ocurré algo parecido. Quien vaya a verla que no se espere cine de arte y ensayo tipo Bergman, un guión elaboradísimo, o interpretaciones dignas de un Oscar. “Underworld Evolution” es una película intrascente, de las de “pasar el rato”, pero bien hecha y entretenida, que si uno acepta sus reglas y pasa por alto sus limitaciones, de seguro pasará un buen rato viéndola. Esta vez el haber contado con el doble de presupuesto ha permitido mayores dosis de acción (él prólogo y el clímax final sobresalen), mejores efectos especiales (las criaturas lucen mucho más realistas), así como mayor variedad de escenarios.

En el apartado interpretativo nos encontramos con una Kate Beckinsale que demuestra que ya no queda nada de aquella chica modosita y recatada en producciones británicas como “Mucho Ruido y Pocas Nueces” o “La Copa Dorada”, convirtiéndose en una heroína de acción muy creíble, y que consigue eclipsar por completo a su partenaire masculino, Scott Speedman. Entre los secundarios, destacar el siempre excelente Bill Nighy, que retoma su papel del vampiro Viktor, y la aportación del gran Derek Jacobi (“Yo, Claudio”).

Como puntos negativos, resaltar una cierta sensación “déjà vu” (son inevitables ciertas coincidencias en las formas, con otros films de género como “Van Helsing”, o la trilogía “Blade”), y cierta falta de ritmo en algunos pasajes. Sin embargo, y a pesar de tratarse de un film claramente comercial, es de agradecer en estos tiempos de violencia “descafeinada” en el cine, un título que no duda en mostrar todo un recital de formas de morir (a cada cual más cafre...).

En definitiva, un film de género que sin ser una joya (como sí lo son “Dracula” de Francis Ford Coppola, o “Entrevista con el Vampiro”), sí que está muy por encima de (sub)productos como “Van Helsing”, “Guardianes de la Noche”, o “Blade Trinity”.

PD:Trantándose de una producción yankee, es curioso que no esté ambientada en EEUU, sino en Hungría (país fértil en leyendas, entre las que destaca la de Elizabeth Bathory, más conocida como "La Condesa Sangrienta", personaje vampírico menos popular que Drácula, pero igual de fascinante)

Con “Munich” Steven Spielberg vuelve a dar una lección de cine, y a demostrar que es uno de los mejores realizadores de todos los tiempos.

En esta ocasión la propuesta es arriesgada, polémica, y casi diría que anticomercial. Durante cerca de tres horas presenciamos todo el desarrollo de la llamada “Operación Ira de Dios”(que fue la respuesta israelí a la matanza de atletas de ese país a manos del grupo terrorista “Septiembre Negro”), y acompañamos al comando responsable de dicha misión. Cinco hombres especializados en distintas facetas (un pistolero, un falsificador, un especialista en explosivos…) que al principio afrontan con seguridad y convicción su cometido, pero más tarde con dudas y remordimientos. Creo que el hecho de que Spielberg haya tratado de ser imparcial redunda en beneficio de la película. Tanto israelíes como palestinos tienen ocasión de plantear sus posiciones ante el conflicto, si bien el gobierno de Israel y algunas asociaciones judías han mostrado su descontento por el filme (cierto es que Israel y sus servicios secretos no salen muy bien parados terminada la película).

A pesar de su larga duración Spielberg consigue dotar a la película de un ritmo que nunca decae, y de un estilo que recuerda a algunos de los mejores thrillers de los años 70 como “Chacal”, “French Connection”, o “Los tres Días del Cóndor”.

En cuanto al reparto, la decisión de contar esta vez con actores competentes en lugar de grandes estrellas, constituye todo un acierto. Todos ellos hacen una excelente labor, en especial Eric Bana, Geoffrey Rush, Ciarán Hinds, pero el que se lleva la palma es Michael Lonsdale (quien no por casualidad, fue protagonista de “Chacal” en los 70) en el papel del informante francés. La partitura de John Williams es en esta ocasión bastante funcional, al servicio de las imágenes, no habiendo ningún tema especialmente destacable. La ambientación setentera (vestuario, diseño de producción, selección de canciones…) también merece una mención especial.

En conclusión, un trabajo magistral a la altura de las mejores obras de este director, e imprescindible para entender la situación actual del mundo. Absténganse estómagos sensibles (hay escenas muy crudas), y no esperen ver el optimismo de otros trabajos de Spielberg. La película deja muy mal cuerpo. Avisados quedan.

“Hierro 3” es uno de esos títulos cuyas alabanzas y premios acaban jugando en su contra. La ví ayer por pura curiosidad. Había oído de su paso por el festival de Venecia 2004, así como de ciertas críticas que no dudaban en calificarla como “Magistral”, “Obra Maestra”, “Sublime”… sublime ha sido el aburrimiento que he sufrido durante su visionado. Creo que los adjetivos apropiados serían más bien: sobrevalorada, pedante y aburrida hasta la extenuación, ridícula por momentos, pretenciosa…

Kim Ki-Duk pertenece a esa clase de directores de los llamados “innovadores”, que hagan lo que hagan van a tener el beneplácito de los críticos de turno, como el de pedante ese de “Días de Cine". Creo que muchos de los elogios hacia esta película parten desde el más puro snobismo, ese que encumbra a autores tan pretenciosos y pseudointelectuales como Lars Von Trier o Michael Haneke (esos dos que se dedican a matar animales en sus películas para transmitir más “realismo”…), a la categoría de maestros.

En definitiva, quien quiera ver buen cine oriental y de Corea del Sur, que eche un vistazo a películas mucho más interesantes como “Old Boy”, “Memories Of Murder”, “Lazos de Guerra”… y se deje de tonterías como este “Hierro 3”, que por coñazo, pretenciosa y snob acaba siendo una especie de “Lost in Translation” elevada al cubo.