Hay películas que aunque no sean perfectas uno sabe que van a funcionar desde el principio pues tienen algo de mágico o tal vez sea la fuerza inspiradora de lo que nos anhela la cual no es más que la vida de un hombre sabio o mejor dicho un genio matemático.

Esta obra de manera sencilla podríamos decir, que es un homenaje a las artes matemáticas, a la búsqueda de perfecciones y de avances que supusieron un cambio significativo en la era moderna.

Sí, porque si Newton fue considerado el genio clásico de la teoría de la gravitación universal a pesar que pueda haber contradicciones con la relatividad especial de Einstein, la figura que tratamos ahora el indio Ramanujan fue el gran ilustre y patentor sobre el misterioso mundo de los números primos y sobre todo de las diversas series divergentes sobre el número Pi.

Un hombre que tuvo que traspasar fronteras, dejar su vida de atrás, su familia, su esposa, sus raíces, etc. para adentrarse en un mundo a veces un tanto envidioso, un tanto rencoroso pero que a pesar de ello, él siempre como fiel creyente estaba seguro que sus fórmulas, demostraciones, valores, ecuaciones, números, etc. iban a suponer un cambio en el modo de enseñanza, divulgación y sobre todo fe en las Matemáticas.

Sí, porque tampoco hay que ser un experto en la materia para entender que las matemáticas de Ramanujan supuso una globalidad en el mundo de las Artes ya que en ellas se pueden intuir los colores de la pintura de Vincent van Gogh a través de los números, la literatura poética de Gustavo Adolfo Bécquer en sus fórmulas y finalmente la musicalidad de Ludwig van Beethoven en las propias demostraciones de sus teóremas como si todo este conjunto de componentes cuánticos no fuesen más que verdaderas partituras musicales.

Sí, porque las matemáticas de Ramanujan supusieron la principal contribución académica a las matemáticas puras, gracias a las extraordinarias dimensiones que a partir de entonces alcanzaría el análisis matemático a través de sus descubrimientos o digamos la ayuda inspiradora de su Dios que le dio la fuerza suficiente para que una sociedad como la inglesa y sobre todo los ilustres, académicos y también sabios de la Universidad de Cambridge de Reino Unido al final reconociesen su labor sin antes por supuesto impedírselo o incluso ver en algunos de ellos un punto discriminatorio.

¿Cómo ingleses matemáticos sabios y ricos de una de las Universidades de mayor prestigio van a ser enseñados por un joven indio que viene de su país pobre y apenas sin dinero?

¿Cómo es posible que un hombre proveniente de un país pobre pueda romper en la sociedad occidental con lo establecido y cambiar las ideas preconcebidas en aquella época?

Pues sí, al final aunque con mucho sufrimiento logró el reconocimiento más preciso y pudo volver a sus orígenes a pasar los últimos momentos de su vida.

No obstante, en esta vida un tanto tal vez discriminatoria y egoísta en la que se tuvo que adaptar desde muy joven no estuvo solo ya que otro gran matemático inglés Hardy (interpretado de manera notable por Jeremy Irons) y que curiosamente a pesar de ser un ateo acérrimo creyó desde el principio en las teorías y demostraciones del joven Ramanujan con lo cual cabe preguntarse si es verdad que los ateos no creen en nada o más bien solo creen en lo que ven.

Y es que Gordfrey Harold Hardy a pesar de no ser creyente y considerado como el mejor matemático de su tiempo en el Reino Unido fue el principal valedor y director de tesis del matemático autodidacta indio Srinivasa Ayyangar Ramanujan durante sus años en la Universidad de Cambridge y ambos trabajaron juntos en una gran diversidad de temas que a veces les colocaron en posiciones incómodas entre sus colegas.

Una vida corta, la del genio Ramanujan (interpretado de manera también convincente por Dev Patel) tal vez demasiado porque de no haber sido así, seguramente que con sus continuos y futuros trabajos hubiera creado nuevas ecuaciones que habrían contribuido con mayor exactitud a las matemáticas del siglo XX.

Pero eso sí, a pesar de su fallecimiento prematuro, su auténtico legado a través de la teoría de los números primos, las series, las fracciones o sus particiones sobre el número Pi han dejado huella e incluso en el Universo del Cosmos.

¿Qué es lo peor que puede pasar cuando uno va al cine? Estar mirando casi todo el tiempo el reloj y deseando que termine. Digo esto no porque esta versión teatral y muy arriesgada de Anna Karenina dirigida por Joe Wright sea mala. A veces, cuando esto ocurre se encuentra una cierta gracia sino porque se trata de una película muy aburrida que no me ha despertado pasión alguna a pesar de conocer ya la historia.

¡Ay! Si Leon Tolstoy hubiese visto esta adaptación, un poco frenesí, un poco alocada pero sin ningún ápice de sentimientos, sufrimientos e ilusiones entre sus personajes.

¡Ay! Si los que dirigieron las dos primeras versiones cinematográficas haya por 1935 y luego en el 48 con las inolvidables Greta Garbo también conocida como la DIVA y posteriormente Vivien Leigh en los papeles de Anna Karenina levantasen cabeza.

¡Qué grandes actrices! Ellas se metían en el papel principal y con su fuerza y viveza daban una auténtica personalidad y templanza al personaje. Nos hacían sentir, emocionarnos, sufrir, amar y sobre todo daba la sensación de ser la auténtica Anna Karenina.

Sin embargo, esta nueva versión se queda en agua de borraja, no transmite nada, uno no siente tristeza al finalizar la película a pesar de la trágica historia de amor, romanticismo, odio, rencor, o quizás adulterio que existe.

Las escenas de amor, de felicidad, de alegría, de tristeza, de locura, de enfermedad, de pasión de la propia Anna Karenina interpretada por Keira Knigthley se ven pero no se sienten quizás sea porque toda la película en sí salvo pequeños detalles es muy floja o tal vez porque igualmente el resto de las interpretaciones dejen bastante que desear.

Sí, ya sé que ustedes me dirán pero si esta película tenía cuatro nominaciones a los Oscar por tanto, no debe ser tan mala. Viéndolo así, tal vez tengan razón pero observen que éstas fueron premios de menor calibre: Mejor fotografía, mejor banda sonora, mejor dirección artística y mejor vestuario (qué ganó) cosa normal por otra parte ya que éste con una buena partitura musical es de lo poco que se salva.

Pero se darán cuenta que esta película no fue nominada en una categoría que tal vez si se hubiese planteado la historia de otro modo a lo mejor hubiese triunfado estoy hablando del guión adaptado pero éste ha fallado al igual que todo el conjunto en sí pues no hay cosa peor que querer “emocionarte” con un personaje o varios personajes y estar deseando que desaparezcan, simplemente porque en realidad esta película artísticamente hablando funciona sin ton ni son.

Queridos amantes del cine: En los tiempos que corren ver una película de estas dimensiones, en la que impera las imágenes por encima de cualquier tipo de sonido (salvo la majestuosa partitura musical de Ludovic Bource que acompaña a la mayor parte del film) es un auténtico honor y nos hace recordar el origen del cine a través de la melancolía y los sentimientos.

Sí señores, es cierto que una imagen vale más que mil palabras y es por ello, que sabemos que el cine debe su origen al arte de la fotografía y a la expresividad de los gestos, luego llegaron las palabras, el sonido como parte de un modernismo o de un cambio para hacerlo más espectacular.

Quién no recuerda alguna película muda que le haya emocionado, con la que se haya reído, en la que haya visto o mejor dicho se haya identificado; un cine mudo en estado puro que bien más parecía una obra teatral mímica acompañada con buena música.

The Artist es una excelente película no sólo por lo que transmite sino porque nos deja una huella imborrable plasmada a través de un cine lleno de matices que hoy ya por lo general no existen pero que supuso en su día el nacimiento de este arte. Un arte que empezó a través del cuerpo y del alma de los diferentes actores y actrices que se ponían delante de las cámaras y que más adelante cuando parecía que se quedaba un tanto obsoleto surgió el sonido de las palabras, como algo mágico, como si el cine de un niño pequeño se tratara, empezará a hablar y no sólo a caminar.

Esta es una película en la que a lo largo de la hora y media se observa y se siente momentos de dulzura, de amor, de romanticismo, de ternura, de tristeza, de pasión, etc. unidos claro está por una gran dirección e interpretación.

Ha sido un auténtico riesgo afrontar una película de este tipo en los tiempos actuales pero ese riesgo ha triunfado entre público y crítica y es que está claro, si al espectador le das un buen manjar lo sabe apreciar. Es por ello, que invito a todo el mundo que vaya a ver esta auténtica obra de arte, que no sean reticentes a no ir porque sea en blanco y negro y muda, puesto que se entiende perfectamente gracias a la ayuda de los rótulos aunque realmente éstos no son necesarios ya que cuando por ejemplo, vemos una escultura de Auguste Rodin, un cuadro de Diego Velázquez o una fotografía de Cartier Bresson también nos emociona y no hacen falta el acompañamiento de las palabras ni tampoco el sonido de una voz.

Rebecca es una mujer extraordinaria que vive con fervor sus dos principales pasiones; por un lado, su amor y dedicación a su familia y por otro, su responsabilidad, esfuerzo e ilusión por el trabajo. Dejando aparte este último campo seguramente la gran mayoría de personas y sobre todo de madres, verán con cierta naturalidad que nuestra protagonista sea una mujer luchadora y que ante cualquier situación discordante de la vida quiera dar también, el máximo cariño a sus dos hijas y amor a su marido.

En las últimas décadas y con la incorporación de la mujer en la vida laboral y haciendo frente a diversas coyunturas presentes en la Sociedad tal vez nos preguntemos si ellas han dejado de lado ese entusiasmo o afán por los que le rodean en el campo familiar. No obstante, pensar esto sería seguramente bastante discriminatorio porque independiente de las tareas que una mujer tenga en su empleo e incluso si no las tuviera no se puede llegar a creer que si le apasiona su trabajo entonces no podrá amar igualmente a su familia. Y aunque sea verdad que por ejemplo, si no trabaja estará más rato con los suyos; a lo mejor este tiempo puede devenir en una mayor esclavitud mientras que si trabaja fuera de casa y además, le gusta lo que hace se sentirá mucho más libre.

Rebecca interpretada por Juliette Binoche es una mujer que vive en auténtica tensión o sea en el ojo del huracán o si ustedes quieren en la boca del lobo y no es porque ella trabaje en una cadena de montaje o en una empresa química en la cual pueda verse sometida a radiaciones. En realidad, y a pesar que su trabajo es en la calle siempre está con la incertidumbre de si lo que hace puede acarrear un cierto peligro para su vida.

Y es que Rebecca a pesar de entregarse con plenitud en su ocupación también, es madre de dos hijas la pequeña de unos seis años y la mayor ya adolescente a las cuales quiere mucho y hace lo posible de estar junto a ellas y atenderlas aunque muchas veces llega extenuante del trabajo más que por las horas hechas podríamos decir por lo vivido.

E igualmente, también ama a su marido, biólogo marino que no entiende la labor de su mujer pues cree que no es solo peligroso para ella sino para él y para sus hijas y es que realmente, tiene un cierto temor a quedarse viudo y es por ello, que a lo largo de la película y a pesar de los gestos de ternura que hay en ciertas ocasiones entre ellos dos también se ve que cuando llega el momento que el trabajo se aproxima a la peligrosidad de la vida de Rebecca entonces él tal vez en un tono un poco egoísta pero entendible le da un ultimátum: "Su trabajo o su familia" provocando una tremenda tormenta emocional familiar la cual se suaviza gracias a que su hija mayor y ya con una cierta madurez comprende a su madre y en cierta medida, empieza a experimentar junto a ella los peligros que presenta su quehacer.

Pero quién es Rebecca y a qué se dedica para que su trabajo sea tan peligroso se preguntarán ustedes. Pues bien, ella es fotógrafa pero no pensemos que se centra en sacar bellos paisajes montañosos, en los cuales puede verse sometida a una cierta amenaza su integridad física acercándose a acantilados hermosos para sacar las mejores fotografías de los rayos de sol que penetran de forma radiante y uniforme entre los torrentes de agua que caen de las cascadas. No supongamos tampoco que corre un cierto riesgo o trance porque penetra en plena selva amazónica para filmar hermosas imágenes de la fauna y flora. Que va, todo esto sería muy bonito pero no saca la naturaleza misma sino la vida misma desde el punto de vista del conflicto y el odio entre los humanos. Ella como fotógrafa de guerra y siendo una de las mejores del mundo viajará a aquellos lugares donde las bombas golpearán como martillos alrededor de sus oídos y vivirá situaciones de evidente pánico. Sin embargo, a pesar de ello, dedicará cuerpo, alma y espíritu a su pasión para sacar las mejores escenas de los conflictos armados, de los niños que trabajan desde edades muy tempranas, de las personas más desamparadas, de los hombres mutilados y heridos a consecuencias de las guerras o de las niñas jóvenes que en lugar de vivir felices son capturadas para ser mártires poniendo en la frontera de la muerte a muchas personas inocentes incluso a sus familias y a ellas mismas.

Así pues, esta película nos cuenta y con verdadera emoción el trabajo periodístico de muchos fotógrafos que día y noche viven en esa continua tensión y que a veces tal vez lo que hacen no es muy bien valorado.

Curiosamente, Erik Popper es el director de este hermoso filme que en los premios AMANDA que son los máximos galardones del cine noruego equivalentes a nuestros premios Goya obtuvieron el pasado 16 de agosto el triunfo en la categoría de mejor Película y es que quién mejor que Erik Poppe, realizador, guionista fotógrafo y reportero gráfico que ha trabajado como fotógrafo para el periódico Verdens Gang y para la agencia Reuters cubriendo noticias nacionales así como conflictos internacionales en Angola, Mozambique, Camboya o Beirut para presentarnos una historia donde la principal protagonista es una mujer luchadora, gran reportera de guerra pero que vive tal vez un poco obsesionada sin darse cuenta que en ciertos momentos, el valor y la perseverancia por su trabajo puede dar lugar a pequeñas heridas emocionales en el ámbito familiar que la rodea.

¿Qué es mejor una película que la consideremos buena o una que digamos que es entretenida? En principio, si a estrellas calificativas nos referimos diremos que tiene más valor lo primero que lo segundo ya que muchas veces acuñamos el término entretenido cuando decimos: “Esta película no está mal, se deja ver al menos es entretenida”.

Sin embargo, el fenómeno social causado por “Ocho apellidos vascos” que ha tenido tanto éxito en la taquilla española barriendo a todos los demás estrenos incluidos al Capitán América y que ha sido dirigida por Emilio Martínez Lázaro que ya hace unos años también cosechó un gran éxito gracias a “El otro lado de la cama” y “Los peores años de nuestra vida” es algo que más allá que tenga como objetivo que el público se lo pase bien durante algo más de hora y media desde el punto de vista totalmente desenfadado podemos reseñar que se trata de una parodia o una exageración a modo de tragicomedia de la vida misma.

Porque sí, esta película queridos espectadores como dirían los vascos es la hostia ¡Jo tío! Vete a verla, te vas a partir de risa, es divertidísima y tiene unos golpes muy buenos.

Golpes de humor, que por otra parte reflejan el modo, las costumbres, las raíces, la vida, la forma de ser y de pensar de dos sociedades, dos culturas muy diferentes, muy contrapuestas pero que por supuesto, no podemos creer que los andaluces se pasan toda su vida sin dar golpe y bailando en los tablaos flamencos o que los vascos son tan rudos que lo único que saben hacer es levantar piedras y jugar a la pelota vasca.

Geniales están todos los actores desde el padre Koldo (Karra Alejalde) que aunque parezca una persona tosca al final iremos descubriendo su sensibilidad, pasando por la chica joven vasca Amaia (Clara Lago) que no quiere saber nada en principio del tipo andaluz Rafa (Dani Rovira) que llega a su tierra desde Sevilla totalmente engominado y que lo único que le importa es el Betis y conquistar a las mujeres pero que luego por circunstancias o enredos de la vida tendrá que hacerse pasar por vasco, adoptando el nombre del antiguo ex novio de la chica Antxon seguido de ocho apellidos vascos a cada cual más conocido para conseguir una buena reputación y éxito entre los habitantes de ese pueblo de las Vascongadas.

Por no olvidar por supuesto, a la que se hace pasar por madre Anne (Carmen Machi) o a los amigos que desde Andalucía llegan para rescatarlo cuando ven por televisión que su querido Rafa se ha metido en un embrollo y es un radical independista capaz de mover a masas y de alterar a la policía.

Pero todo lo que se ve en ella, está tratado de una manera totalmente fina como si fuese una verdadera farsa costumbrista del panorama de la vida misma, como si en verdad estuviéramos formando una caricatura humorística elegante de los distintos tópicos de dos pueblos como son el andaluz y el vasco.

Ahora bien, voy a ir más allá, imagínense que está película que ha causado auténtico furor en taquilla y que de boca en boca se ha convertido en uno de los mejores estrenos del cine español de todos los tiempos, se hubiera realizado cuarenta o cincuenta años atrás y que en lugar de estar protagonizada por Dani Rovira, Clara Lago, Carmen Machi o Karra Alejalde algunos de ellos más conocidos por series de televisión pero que aquí forman un cuarteto excepcional, lo estuviera por algunos de los siguientes: José Luis López Vázquez o Pepe Isbert como el padre, Alfredo Landa como el chico andaluz, Paco Martínez Soria como uno de sus amigos y Gracita Morales como la chica vasca; entonces estoy seguro que usted se hubiera muerto a lo Martes y Trece de risa.

Pero aunque no haya sido así, aunque nos hemos tenido que trasladar a los tiempos actuales debemos ser conscientes que de vez en cuando, es bueno que nos transmitan un sentido actual de la vida a modo de hipérbole como ya nos lo hizo saber en el XVII el gran Francisco de Quevedo y su famosa poesía en homenaje a Luis de Góngora “Erase un hombre a una nariz pegado” y es que aquí podríamos empezar esta historia divertida, grandilocuente, entrañable, y miles de adjetivos más que se podrían poner contando chistes sobres vascos y andaluces.

En definitiva, si usted se quiere reír a carcajada limpia o al menos salir con una sonrisa en la boca véala ya que estoy seguro que no se arrepentirá. Es más, si tiene entre sus amistades a un vasco o a un andaluz que le acompañe ya que estoy seguro que al igual que usted saldrá del cine muy feliz ya que habrá visto reflejado de forma irónicamente perfecta los distintos estereotipos como son la fama de brutos o exagerados de los vascos o el carácter festivo andaluz.

Por tanto, a la pregunta ¿Está película es buena? No, está película es… ¡Jo tío! Es la hostia…Es la mar de divertida…Es un auténtico cachondeo de la vida misma…Es totalmente graciosa, ocurrente y original.

Eso sí, lo que vale es la primera vez, luego aunque se hagan otras parodias sobre catalanes, gallegos, canarios, asturianos o castellanos me temo que no tendrá tanta gracia. Por ello, quédense con esta primera vez y disfruten a lo grande de “Ocho apellidos vascos”.