Buena muestra de que la realidad a veces supera a la ficción. Spielberg logra ser verosímil al contarnos la historia basada en hechos reales del joven estafador Frank Abagnale, cuya prematura y extravagante carrera delictiva dejará con la boca abierta a más de uno. Ésta es para mi la mejor y más redonda película de Spielberg desde “La lista de Schindler” uniéndose a ese selecto grupo de obras maestras del rey midas de Hollywood que completan “Tiburón” y “En busca del arca perdida”. “Atrápame si puedes” no es solo una gran película de aventuras, es también un gran drama, una gran comedia, un gran thriller, un gran biopic... Lo tiene todo, perfectamente encuadrado, prodigiosamente estructurado. En definitiva, es una de las películas mas completas de éste siglo.

Alguien dijo una vez que una película inteligente sabe engancharte en los primeros cinco minutos. Uno comienza a ver “Atrápame si puedes” y en tan solo unos segundos se queda pegado a la silla. Los animados títulos de crédito consigue que el espectador automáticamente sienta simpatía por la película. Luego entramos directos al grano, con ese show que nos adelanta, como una azafata de avión, la magnitud de lo que vamos a ver a continuación. Y ahí nos enchufamos definitivamente, enfrascándonos en la trama de un film ligero, ameno, divertido, emocionante y que nos hará pasar dos horas y pico realmente placenteras. El guión, basado en la novela del propio protagonista, consigue una dinámica entre los dos personajes principales que agrada al público y los ayuda a sentir afecto hacia ellos, lo cual hace que éstos mantengan aún más interés por la trama. Virtud del texto es también la excelente forma de condensar una historia larga y salpicada de hechos que dan sentido y forma a toda una vida y de concretar una buena cohesión de todos esos elementos cómicos, trágicos, intrigantes... que componen el relato, haciéndolo, como he dicho antes, un film completísimo.

“Atrápame si puedes” está tan bien hecha como injustamente valorada. De todas formas es normal sabiendo que el cine de comedia y aventuras no suele ser tomado muy en serio por el régimen academicista. Un complejo extraño que lleva a que las películas de este estilo no reciban justicia hasta tiempo después. No hablemos ya de los famosos festivales de cine. Sin ir más lejos, en Cannes obras maestras como “Arsénico por compasión” o “Con faldas y a lo loco” jamás serían siquiera tenidas en cuenta... a no ser que estuviesen firmadas por Theo Angelopoulos o Abbas Kiarostami (sin menospreciar la obra de éstos). Pero confío en que el tiempo coloque ésta obra maestra en su lugar, sin miedo a meterla en esa estantería alta donde se encuentran los grandes títulos del séptimo arte. Más de dos horas que nuestro paladar saborea como el mejor plato de un cocinero de lujo y que se pasan volando (gracias a ese guión agilísimo), como Frank Abagnale, mientras nos preguntamos qué pasará después, a dónde irá ésta noche. A algún país exótico... seguro.

La comedia juvenil de los ochenta tiene con esta película su madurez dramática. De hecho, “St. Elmo, punto de encuentro” tiene más de drama que de comedia, y la comedia que tiene está teñida de un agridulce tono nostálgico. Supone el reflejo del paso a la madurez de los mismos personajes “tipo” de filmes antológicos como “El club de los cinco” (que ya tenía su toque dramático), “Todo en un día”, “Dieciséis velas”, “La revancha de los novatos”, “Más vale muerto”, “Class” (que también tenía a Andrew McCarthy -actor estupendo que fue a menos después de los 80- y Rob Lowe de protagonistas), etc... Es, en definitiva, el paso generacional a una etapa que va reduciendo considerablemente nuestro numero de sonrisas diarias.

El reparto es precisamente una selección de actores conocidos por sus papeles en filmes pertenecientes a esa corriente de comedias gamberras adolescentes que tanto éxito tuvieron en los 80 y que han quedado para la posteridad como las precursoras de un género explotado hasta la saciedad que a día de hoy ha perdido todo su encanto (tan solo salvaría de la quema a “Van Wilder; Animal Party”). De todas formas “St. Elmo, punto de encuentro” es una rareza y quizá por eso es un film olvidado. Mi opinión es que es brillante, no tanto como obra cinematográfica si no como punto de inflexión (desgraciada o afortunadamente –no sabría qué pensar- fracasado). Por ello es por lo que considero este pequeño film obsoleto el mejor de toda la filmografía de Joel Schumacher, del que, exceptuando la película que nos ocupa, la mayoría de sus proyectos me han parecido mediocres (y se que esta película podría ser perfectamente considerada como claro ejemplo de ello si no se mira con la parte del prisma que la miro yo).

Sin duda, esta película no llegará verdaderamente a todos los espectadores, tan solo a una minoría. El resto seguramente la observarán como un telefilm de los que pone Antena 3 en la sobremesa. Mi consejo es que antes de ver esta película se visionen los títulos clásicos de la comedia juvenil ochentera (los antes mencionados más “No puedes comprar mi amor”, “La chica de rosa”, “Aquel excitante curso”...). Si se ha disfrutado con ellas (los nostálgicos de los 80 serán más proclives a hacerlo) entonces será el mejor momento para ver esta “St. Elmo, punto de encuentro”. De esa manera se empezará a poder darle sentido al paralelismo que yo expongo, y que de otra forma parecería absurdo e inexistente.

Ésta una película que siempre me agrada ver y no precisamente por su componente terrorífico. Como film de terror es mediocre, pero como crítica social es fantástica, una de las mejores sátiras de la última década. En ese sentido diría que me parece incluso una gran comedia de humor negro, ya que “American psycho” me ha hecho reír (o al menos sonreír) mucho más que darme miedo. He de reconocer que no tuve ganas de seguir leyendo la novela de Bret Easton Ellis más allá del primer capítulo y que ésta versión cinematográfica se me hace mucho más amena. Es curioso lo que salió de un proyecto formado por un guión basado en una obra polémica y difícil, realizado por una directora nada destacable e interpretado por unos actores o bien desconocidos (Bale) o venidos a menos (Dafoe).

Tiene un ritmo ágil, muy ligero. Al principio esperas los toques terroríficos, pero luego va sumergiéndote en esa comedia satírica y extraña sin abandonar su atmósfera perturbadora en la que no se sabe qué esperar de un protagonista que parece ser un demente. Ejemplo perfecto de esa mezcla es la impactante escena en la que todos los yuppies se enseñan sus tarjetas en esa especie de típico juego infantilmente masculino en plan “¿Quién la tiene más grande?”. La reacción del personaje de Bale es tan detalladamente obsesiva que llega a sorprender. Consigue ser incluso lírico en su demostración de admiración y envidia por la tarjeta de otro. Una escena enfermiza que define la película a la perfección en todos sus aspectos.

Mary Harron dirige con buen pulso y contundencia. La ambientación está muy conseguida, apoyada por una banda sonora magnífica de temas imprescindibles de los ochenta (a veces la interpretación de Bale, sobre todo cuando baila, me recuerda por momentos al Phil Collins de "Sussudio", canción que también sale en la película). Es una crítica a una sociedad marcada por el consumo, la perfección, el individualismo, la moda, el poder banal... Por que los yuppies que se retratan en ésta película son eso, la crema de la banalidad. Individuos que viven hacia fuera y que al entrar en casa encuentran un vacío tan inmenso que cuesta digerirse con cordura. Y en ese punto es en el que ataca éste american psycho. Su confesión final es el colofón que ya nos adelanta con algunos guiños a lo largo del metraje, como en una de las escenas iniciales, mientras nos muestra su ritual higiénico y estético de cada mañana: “Aunque pueda ocultarte mi mirada fría, si me das la mano notarás que mi carne roza la tuya, e incluso quizá intuyas que es probable que tengamos estilos de vida parecidos, pero yo sencillamente no estoy”.

Esto es un acto de altruismo. Si gracias a esto que escribo alguien ve ésta película me daré por satisfecho. Y si consigo acercar la obra de Bukowski de paso entonces ya mi objetivo se verá cumplido con creces. “Factotum” es una película que pasó sin pena ni gloria por las carteleras españolas, como la mayoría de buenas películas. Si algún día entráis en una sala de cine vacía, ¡cuidado! Corréis el riesgo de estar ante una obra cinematográfica verdaderamente interesante.

Ahora llegamos a ésta última versión dirigida por Bent Hamer (autor de la aplaudida “Kitchen Stories” que yo no he visto) y protagonizada por un Matt Dillon en estado de gracia que venía de uno de los mejores años de su carrera con la nominación al Oscar por “Crash”. Aquí borda al perdedor escritor borracho en su justa medida, convirtiéndose en el actor que mejor ha sabido llevar a la pantalla a Bukowski/Chinasky. Tiene una presencia ante la cámara descomunal y consigue que toda la fuerza del filme recaiga sobre él sin problemas. Cosas como ésta diferencian a los grandes actores de los actores mediocres.

“Factotum” es el vómito prodigioso de Bukowski. Las mujeres dan a luz niños, él daba a luz excrementos en forma de poesía. El mundo, la sociedad, su hipocresía, todo se le indigestaba y sentía la necesidad de escribir. “Escribir por necesidad” decía él. Por sinceridad y consecuencia humana, ya que cuando un escritor pierde esto “puedes dejarlo flotar río abajo con la mierda”.

Es un filme respetuoso, aunque infiel (siempre hay que serlo un poco en el cine), con la obra de Bukowski. Muy lírico, repleto de pasajes literarios que harán las delicias de los espectadores de buen paladar. Atención a esa escena en la ventana de un edificio, con Dillon fumando un cigarrillo y recitando en voz en off “Un poema es una ciudad”. Es ligera, no llega a la hora y media de metraje, y consigue cumplir las expectativas que tiene como obra de cine independiente y adaptación literaria. Está realizada de una forma fría, pero eso resalta más la sordidez y la cruda distancia que aparecen en las novelas del escritor. Todo está al servicio de la traslación del universo Bukowski al celuloide, incluida la fantástica fotografía, destacable especialmente en escenas de interior en bares y clubs. Muy recomendable como obra de interés, no tanto de entretenimiento, hay que ir a verla como se pone uno a leer un buen libro. “Si vas a intentarlo, ve hasta el final”.

Film que nos narra la odisea de un ejecutivo que experimenta un salto de resorte y decide abandonar las ataduras de su vida rutinaria para encontrarse a si mismo en medio de la noche infernal de la gran ciudad, haciendo paradas en diversos lugares a los que se ve guiado por una fuerza oscura en lo más profundo de si mismo. La historia tiene semejanzas con la infravalorada (y para mi genial) obra póstuma de Kubrick: “Eyes Wide Shut”. Si bien en este caso se nos presenta de una forma menos sutil, en una suerte de versión hardcore salvando las distancias. También se pueden encontrar reminiscencias de David Lynch y Paul Schrader. De este último podríamos rescatar su guión para “Taxi Driver”, donde el protagonista, Travis Bickle, tiene cierto paralelismo con el Edmond Burke de la película de Gordon.

La principal pega que le pondrán la mayoría de cinéfilos conservadores es que sobrepasa los límites que dividen lo bizarro del esperpento y en determinados momentos puede rozar el ridículo por ello. Yo pienso que es algo presente por deseo del autor y que, por lo tanto, digamos que es la proposición de una de tantas reglas que el espectador puede aceptar o no. Para disfrutar de un film suele ser imprescindible aceptar las reglas o códigos que nos proponen, ya que solo así podremos comprender verdaderamente las pretensiones de la obra que tenemos delante. Si bien reconozco que “Edmond” tiene carencias en la presentación de esos códigos del mismo modo que las tiene en la presentación de la historia, en la que entramos de sopetón y puede parecernos que todo sucede de forma demasiado repentina y sin razón. Aunque, al igual que dije antes, también tiene momentos brillantes, como el diálogo carcelario.

Pero se nota que Gordon no es Scorsese, ni Lynch, ni Kubrick... Visualmente la película es bastante mejorable. Todo el valor de “Edmond” reside en la historia (con un hasta cierto punto happy end que es tan bizarro como todo el film). No hay planos exquisitos ni nada que nos llame la atención en cuanto a valores técnicos se refiere. Incluso la ambientación, que en obras como esta es de vital importancia, podría estar más conseguida. Al menos mantiene un nivel correcto y suficiente para no empañar todo lo que esconde la magistral aventura introspectiva de Edmond Burke. En el reparto se hace notar la troupe de Mamet, donde es imposible no encontrarse a Macy y Mantenga. El último apenas aparece unos minutos, pero Macy nos ofrece una fantástica encarnación del personaje principal.