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Críticas de Un hombre sin piedad
Críticas ordenadas por:
The Tribe
The Tribe (2014)
  • 6,6
    1.663
  • Ucrania Miroslav Slaboshpitsky
  • Grigoriy Fesenko, Yana Novikova, Rosa Babiy, Alexander Dsiadevich, ...
7
La rabia silenciosa
“The Tribe” es la ópera prima del ucraniano Miroslav Slaboshpitsk que filma la primera película rodada íntegramente en lenguaje de signos, sin ningún tipo de subtítulos o doblaje para el espectador y con ausencia absoluta de banda sonora. El elenco de la película está formado por actores y actrices sordos que utilizan el lenguaje de signos ucraniano para mantener conversaciones entre ellos durante todo el film. En su visionado tendremos que prestar especial atención y deducir que sucede entre los diferentes personajes según el tono de sus actuaciones y a sus propios actos. Un joven ingresa en un centro para jóvenes con sordera. La rutina diaria se sucede entre las clases, el patio y la hora de la comida, pero al llegar la noche la cosa cambia. Los jóvenes tienen una organización en la que realizan atracos asaltando a gente por la calle, roban en vagones de trenes y llevan a sus compañeras de clase a una zona de descanso de camioneros para que se prostituyan. El joven protagonista se involucra rápidamente en esos actos, hasta que se obsesiona con una de las chicas del grupo y decide tomar sus propias decisiones. La película se aleja de las típicas propuestas en las que las personas con discapacidad resultan adorables o tienen afán de superación. En “The Tribe” la mayoría de personajes que aparecen realizan actos reprochables y son mostrados de forma explícita y sin minimizar un ápice la violencia o el sexo. A base de largos planos secuencia y extenuantes planos fijos, Slaboshpitsk nos adentra en la cruda realidad de unos jóvenes que han nacido marcados por una discapacidad en un país en el que tienen pocas oportunidades, donde sobrevive el más fuerte y el sentido de comunidad hace tiempo que desapareció.

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Los asesinos de Snowtown
Los asesinos de Snowtown (2011)
  • 6,5
    1.099
  • Australia Justin Kurzel
  • Lucas Pittaway, Daniel Henshall, Craig Coyne, Louise Harris, ...
7
La toxicidad de la comunidad
“Los asesinos de Snowtown” supone el debut en la dirección de largometraje de Justin Kurzel, director de la más reciente adaptación de “Macbeth” protagonizada por Michael Fassbender y Marion Cotillard y de la vapuleada adaptación del videojuego “Assassin’s Creed”. En los suburbios de Adelaida, en el sur de Australia, vive Jaime de 16 años junto a su atormentada madre Elizabeth y sus hermanos. Un día, el novio de su madre toma fotografías indecentes de los chicos. La policía no hace nada al respecto, por lo que Elizabeth acaba contactando con John, un hombre que desprecia a los homosexuales y a los pedófilos, y que se encarga de espantar del barrio a su ex novio. John comienza a salir con Elizabeth y se convierte en la figura paterna de Jamie, que lentamente se ve atrapado en una espiral de odio y violencia. Mientras tanto, diversas personas de la comunidad van desapareciendo dejando como despedida un mensaje en los contestadores de familiares y amigos. El debut de Kurzel pretende ser un retrato fiel de los mayores asesinos en serie de la historia de Australia, responsables del asesinato de personas que supuestamente consideraban pedófilas, aunque finalmente acabaron torturando y ejecutando a personas simplemente por ser homosexuales o tener algún tipo de discapacidad. Como en la posterior y quizás más conocida “My Friend Dahmer” que adapta la novela gráfica del mismo nombre y relata la adolescencia del carnicero de Milwaukee, el film se centra en la figura de Jamie, y pretende contextualizar los sucesos para entender como un joven de 16 años es capaz de involucrarse en hechos tan violentos y crueles. Una mezcla de thriller y drama de ritmo pausado y cargado de elipsis que pone el foco en la familia y la comunidad, aunque sin omitir los brutales asesinatos, que resulta tan crudo como morbosamente adictivo.

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Dog Pound (La perrera)
Dog Pound (La perrera) (2010)
  • 6,1
    2.168
  • Canadá Kim Chapiron
  • Adam Butcher, Shane Kippel, Mateo Morales, Lawrence Bayne, ...
8
La furia de la adolescencia
“Dog Pound (La perrera)” es la segunda película del director francés Kim Chapiron, tras “Sheitan”, una propuesta de terror protagonizada por Vincent Cassel. El film se convierte en su primera película rodada en inglés y es un intenso remake de “Escoria (Scum)” de Alan Clarke. Pese a tratarse de una obra independiente con poco presupuesto, sus energéticas actuaciones y su frenética dirección, consiguen un ritmo endiablado a lo largo de todo su metraje. Butch, Davis y Angel son tres adolescentes que han sido detenidos y encerrados en un reformatorio. Butch ha atacado a un funcionario del estado dejándolo ciego de un ojo, Davis se dedica al tráfico de pastillas y cocaína y Angel ha robado un coche y acuchillado a su propietario. Los tres son vigilados de cerca por el equipo de funcionarios del reformatorio, especialmente por Goodyear, un hombre duro pero justo. Intentan amoldarse a las reglas del centro, pero pronto se verán acosados por Banks y sus matones, otros jóvenes recluidos que saben como saltarse las normas sin que haya repercusión alguna. Con un uso de la violencia explícito y un gran ritmo de narración, la película consigue transmitir desde el primer minuto la energía de la adolescencia, y como ésta puede ser mal utilizada, tanto en la calle, como en los centros de menores donde debería ser redirigida. Funcionarios extenuados por una situación que les desborda, jóvenes llenos de rabia con ganas de luchar contra todo y contra todos e instalaciones anacrónicas. Todos estos elementos ya se han visto muchas veces anteriormente en el subgénero de “cárceles”, y es cierto que el desarrollo de situaciones y de personajes tiene sus flaquezas, pero la obra consigue desprender una furia que hace que se diferencie del resto. “La perrera” obtuvo el reconocimiento a mejor nuevo director en el prestigioso Festival de cine de Tribeca.

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La ley de la calle
La ley de la calle (1983)
  • 7,3
    15.319
  • Estados Unidos Francis Ford Coppola
  • Matt Dillon, Mickey Rourke, Diane Lane, Dennis Hopper, ...
7
La poesía de las bandas callejeras
“La ley de la calle” pertenece a la filmografía de Francis Ford Coppola de los años ochenta. Después de su etapa más gloriosa y aplaudida enmarcada en los años 70 con obras maestras de la historia del cine como “El padrino”, “La conversación” o “Apocalypse Now”, Coppola dirige dos proyectos en los que se adentra en el mundo de las bandas callejeras. En 1983 filma dos adaptaciones de novelas de Susan E. Hinton, la más realista “Rebeldes” y la más onírica y cargada de simbolismo “La ley de la calle”. Ambas obras suponen el debut de un gran nombre de actores que triunfarían en el cine norteamericano en las siguientes décadas (Tom Cruise, Matt Dillon, Patrick Swayze, Emilio Estévez, su sobrino Nicolas cage, Mickey Rourke…). Rusty James es un adolescente líder de una pequeña banda. Anhela los tiempos en los que las bandas controlaban las calles y echa de menos a su hermano, leyenda viva de las peleas callejeras. Una noche es retado por el líder de una banda rival, y en mitad de la pelea, hace aparición “el chico de la motocicleta”, el hermano mayor de Rusty. Ahora volverán a convivir, ya que su hermano ha estado desaparecido durante meses. Tiene 21 años, es daltónico, parcialmente sordo y su comportamiento es extremadamente calmado y distante, lo opuesto totalmente al de Rusty, desbordante de energía y siempre inquieto. La película está filmada en un blanco y negro que juega un doble papel, el de mostrar la realidad tal como la percibe el hermano de Rusty (un Mickey Rourke que borda el papel de personaje contenido y taciturno) y a su vez rinde culto al propio género de cine negro. “La lista de Schindler” de Spielberg y su famosa escena de la niña de la chaqueta roja suponen un homenaje a ciertos peces que aparecen a color en la película. El paso del tiempo, las drogas, la idealización de los recuerdos y la búsqueda de una figura paterna se abren paso en esta obra independiente de tono poético. La película fue presentada en el Festival de cine de San Sebastián en 1984, donde obtuvo la prestigiosa Concha de oro.

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París, bajos fondos
París, bajos fondos (1952)
  • 7,7
    3.300
  • Francia Jacques Becker
  • Simone Signoret, Serge Reggiani, Claude Dauphin, Raymond Bussières, ...
9
La belle époque de la clase baja
“París, bajos fondos” está dirigida por el reputado director francés Jacques Becker, un hombre que inició su carrera como ayudante de dirección de Jean Renoir para después realizar su propia filmografía en la que destacan especialmente dos obras convertidas en clásicos: “La evasión” y la presente “París, bajos fondos”. Becker tenia especial predilección por hablar de problemáticas sociales y por la elaboración de personajes, consiguiendo además un equilibrio perfecto entre el desarrollo de éstos y la puesta en escena. En una tarde soleada de domingo de 1898, a las afueras de París, un grupo de hombres y mujeres llega en barca por el río hasta un bonito local. El grupo está formado por los hombres de Félix Leca, un comerciante de licores que en realidad es líder de una banda criminal. Todos van acompañados por mujeres que ejercen la prostitución. De todas ellas sobresale Marie, una preciosa mujer amante de Roland, uno de los hombres más violentos de Félix. Marie no puede dejar de mirar a Manda, un humilde carpintero que trabaja en el local y que resulta ser amigo de Raymond, uno de los miembros más respetados del grupo. El fuerte sentimiento de amor que surge entre los dos provocará el odio en miembros de la banda, y eso conducirá inevitablemente a la tragedia. La obra es un retrato de la vida durante la belle époque en los barrios parisinos más humildes y aparte de hablar de amor y traición, supone un canto a la fraternidad y a la pureza de los sentimientos. Especial atención a dos momentos: el duelo de poder entre Leca y su banda mostrado en un movimiento de cámara con juego de plano y contraplano impecable y el fulminante y desconcertante desenlace que deja una sensación de vacío enorme tras su visionado. “París, bajos fondos” fue reconocida por el propio Becker como su gran obra maestra y supuso una fuerte influencia para grandes directores de la nouvelle vague como Truffaut.

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Dolor y gloria
Dolor y gloria (2019)
  • 7,4
    6.091
  • España Pedro Almodóvar
  • Antonio Banderas, Asier Etxeandia, Penélope Cruz, Leonardo Sbaraglia, ...
7
Tormentos pasados y presentes
“Dolor y gloria” sirve de cierre de la trilogía involuntaria iniciada por “La ley del deseo” y seguida por “La mala educación”. En este último film Pedro Almodóvar se abre absolutamente para ponerse en el ojo del huracán y mostrar todo lo que lo define como persona, como figura mitificada y como cineasta: sus referencias y gustos, sus miedos y desengaños, sus pasiones y aflicciones. Antonio Banderas interpreta concienzudamente a Salvador Mallo, el personaje en el que Almodóvar ha reflejado su realidad deformada. Un director de cine atormentado, con problemas físicos, adicto a los medicamentos y que vive entre los reencuentros con personas que parecían desaparecidas de su vida y los recuerdos del pasado. Una obra que mezcla momentos de gran fuerza, como los flashbacks de la infancia del director, los últimos tiempos de convivencia con su madre anciana (interpretada por una gran Julieta Serano) o su magnífico y redondo desenlace, con otros más tediosos, como el frío arranque de la película o escenas con algunos cameos que no acaban de aportar demasiado al conjunto. Gran cierre de trilogía (mi preferida de las 3) para una obra que resulta ser la más personal del director, que gustará a la mayoría de sus seguidores e incluso puede conseguir aproximar a sus detractores. Eso sí, no se vuelve a acercar a su cine más iniciático y sin complejos y abraza de nuevo la tragedia y el drama más sesudo.

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Nosotros
Nosotros (2019)
  • 6,0
    5.475
  • Estados Unidos Jordan Peele
  • Lupita Nyong'o, Winston Duke, Elisabeth Moss, Tim Heidecker, ...
5
La venganza de los olvidados
“Nosotros” es la nueva propuesta de Jordan Peele tras la exitosa “Déjame salir”. Una familia afroamericana es atacada por una familia que es una réplica exacta de esta. Cada miembro de la familia tiene un doble, vestido con mono rojo, armado con unas afiladas tijeras y mostrando un comportamiento agresivo. Conocer el porqué de su existencia y de su inusitado ataque es el gran enigma de la película. El film consigue una gran tensión gracias a la magnífica banda sonora, a la dirección de Peele y a la actuación de una sobresaliente y duplicada Lupita Nyong’o, pero conforme se acerca al último tercio la obra va perdiendo fuelle, las situaciones se alargan en el tiempo y ofrece una resolución explícita y absurda que puede resultar decepcionante (como ha sido en mi caso). Incluye giro final poco inesperado y crítica a la desigualdad a través de una alegoría incluida en la venganza de los considerados “ciudadanos de segunda”, olvidados por todos. Sensación de oportunidad perdida.

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Mula
Mula (2018)
  • 6,7
    8.056
  • Estados Unidos Clint Eastwood
  • Clint Eastwood, Bradley Cooper, Dianne Wiest, Michael Peña, ...
7
Contrabando en la tercera edad
Al ver “Mula” es inevitable pensar en esa gran obra que filmó Clint Eastwood en 2008 llamada “Gran Torino”. En ella Clint interpretaba a un hombre anciano, con prejuicios ante los inmigrantes, muy mal carácter y salidas de tono muy divertidas. El personaje sigue un proceso de aceptación de sus vecinos asiáticos, con los que acaba teniendo más vínculo que con su propia familia. En “Mula” vuelve a interpretar a un hombre anciano con prejuicios aunque esta vez con un carácter mucho más afable, que se consigue ganar el afecto de los que tratan con él. De todos, menos de su propia familia, de la que se ha desvinculado por obsesionarse por el trabajo y no prestar la atención que necesitaban. Aquí su personaje también seguirá un proceso de adaptación para acercarse a su familia, reconociendo la culpa de sus actos pasados y presentes. Dos obras que tienen conexión en su historia, personajes y temas de trasfondo.

La última película de Clint Eastwood respira el tono del cine clásico, tanto a nivel formal como en su contenido, que aparte de narrar una historia pretende transmitir ciertos valores con su visionado. La obra funciona, consigue que sea fácil conectar con el personaje protagonista y que sucedan momentos emotivos a lo largo de la obra, aunque peca de cierto subrayado melodramático en algunas escenas que buscan poner el dedo en la llaga de forma demasiado evidente. En su reparto se suma un gran elenco de actores y actrices entre los que destacan por encima de todos Clint Eastwood y Dianne Wiest, pero queda cierto sabor agridulce al ver actuaciones de grandes actores que resultan totalmente desaprovechadas (principalmente Andy Garcia y Lawrence Fishburne en dos papeles prácticamente anecdóticos). También la trama policial perpetrada por Bradley Cooper y Michael Peña da cierto dinamismo a la historia, pero acaba aportando poco a la trama principal. “Mula” es una película que deja cierta sensación a film visto una y mil veces, que en cualquier otras manos hubiera sido una obra que pasaría sin pena ni gloria por la cartelera de cine, pero que en las manos de Clint Eastwood consigue convertirse en una película notable.

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Pájaros de verano
Pájaros de verano (2018)
  • 7,4
    842
  • Colombia Ciro Guerra, Cristina Gallego
  • Carmina Martínez, José Acosta, Natalia Reyes, Jhon Narváez, ...
8
Narcos y tradiciones
“Pájaros de verano” es la última obra de Ciro Guerra después de la premiada “El abrazo de la serpiente”, en esta ocasión acompañado en la dirección por Cristina Gallego. La obra centra gran parte de la acción en mostrar la vida de los indígenas wayú, sus tradiciones, celebraciones y forma de vida, con un realismo mágico que resulta absorbente pero que descoloca al espectador que espera tiroteos y baños de sangre. Al avanzar la trama, se muestra como la influencia del supuesto mundo civilizado (representado por unos activistas norteamericanos que están en contra del comunismo) corrompe a los wayú, los llena de avaricia y consigue destruirlos prácticamente por completo cuando se introducen en el mundo del tráfico de drogas. Todas las veneradas tradiciones quedarán sepultadas por las ansias de poder y dinero.

Lejos queda la enaltecida imagen de Pablo Escobar. En “Pájaros de verano” no hay grandes y carismáticos líderes. La autenticidad al demostrar los sucesos vividos en esa región impregnará el relato al mostrar a los miembros de una misma familia que harán crecer el negocio, se traicionaran entre ellos y desencadenarán una serie de sucesos violentos. Los paisajes desérticos en los que se mueven los wayú contrastan con los frondosos bosques de plantaciones de marihuana, ambos mostrados por una fotografía de gran belleza. Las actuaciones son correctas, destacando por encima de todas la de Carmina Martínez como gran matriarca y dirigente de la familia. El ritmo puede ser pausado en su inicio, pero conforme avanza la historia y se suceden las brillantes elipsis, la película entra en una espiral de ritmo y violencia que cala en los huesos y no te deja ir hasta su catarsis final, donde la obra recupera la esencia de realismo mágico de su arranque y la historia vuelve a poner el acento en las tradiciones más arraigadas a la tierra. Una obra sobre el origen del narcotráfico en Colombia que sirve de metáfora para mostrar la corrupción del ser humano.

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Goodnight Mommy
Goodnight Mommy (2014)
  • 6,4
    3.902
  • Austria Severin Fiala, Veronika Franz
  • Susanne Wuest, Elias Schwarz, Hans Escher, Lukas Schwarz, ...
7
El terror dentro de casa
“Goodnight Mommy” es una película austriaca dirigida y escrita a cuatro manos por Severin Fiala y Veronika Franz. De tono frío y distante, la obra recuerda a ese cruel home invasion llamado “Funny Games” del también austriaco Michael Haneke, aunque con una invasión del hogar perpetrada por la que en principio ha de ser un miembro de la propia familia y no unos desconocidos. Elias y Lukas son dos gemelos que esperan la llegada de su madre jugando en los campos que hay alrededor de su moderna y aislada casa. Su madre vuelve después de haberse sometido a una cirugía estética facial, que le hace llevar un vendaje que cubre toda su cabeza menos los ojos y la boca. Los gemelos quedan impactados por la apariencia de su madre, y éste se acentúa cuando comienza a mostrar un extraño comportamiento. Aunque estén en verano, ordena que se mantengan las persianas bajadas, impone una estricta regla de silencio dentro de la casa y les permite jugar solo al aire libre. Cuando los gemelos son traviesos son reprendidos de forma cruel, llegando incluso a la agresión física. Lukas y Elias sospechan que debajo de los vendajes no se encuentra su verdadera madre. El aislamiento, una familia con una relación tóxica y el terror de estar bajo el mismo techo con un personaje que está suplantando a la matriarca de la familia consigue un conjunto perturbador. Planos fijos, fríos y silencios incómodos que se reflejan en el cine de Haneke, momentos inquietantes que unen deformidad física e insectos que recuerdan al oscuro cine de Cronenberg y giros argumentales inconcebibles que parecen escritos por el propio M. Night Shyamalan. El mayor de los horrores, puede estar dentro de nuestro propio hogar, en nuestra propia familia.

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Excisión
Excisión (2012)
  • 5,7
    2.520
  • Estados Unidos Richard Bates Jr.
  • AnnaLynne McCord, Traci Lords, Ariel Winter, Roger Bart, ...
5
Una adolescencia problemàtica (más aún)
“Excision” supuso el debut en la dirección de Richard Bates Jr. director al que me pude acercar gracias al festival de Sitges con la proyección de la oscura y divertida “Trash Fire”, obra que recomiendo sin ninguna duda. Existen muchos elementos en común entre las dos obras y que son marca propia del director: familias disfuncionales, fervor religioso y mezcla de tono desenfadado con escenas sangrientas. La protagonista absoluta de la película es Pauline, una joven adolescente que sueña con hacer carrera en Medicina y convertirse en cirujana. Pauline tiene una hermana menor que sufre de fibrosis quística, una madre fanática religiosa, y un padre con poca autoridad en casa. Por las noches tiene sueños en los que aparece ella misma en entornos quirúrgicos con personas mutiladas o cubiertas de sangre. Y por extraño que parezca, no son pesadillas, son sueños que le producen gran placer. Ha estado mucho tiempo meditándolo, y está deseando perder su virginidad, así que ha escogido a un compañero de clase y ha organizado una cita con él para que su relación coincida con el momento en el que tenga el período. Su pasión por la sangre y la perdida de virginidad, se mezclarán en su primera relación sexual. “Excision” es una obra que ha sido etiquetada como comedia de terror, y aunque de tono desenfadado, no acaba de despuntar en ninguno de los dos géneros. Lo mejor del film son los constantes cameos (Malcolm McDowell, Ray Wise, Ariel Winter…) y las desagradables pesadillas quirúrgicas de Pauline, que resultan chocantes y generan malestar con cada aparición. Nadie dijo que la adolescencia fuera algo sencillo.

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Al interior
Al interior (2007)
  • 6,2
    5.414
  • Francia Alexandre Bustillo, Julien Maury
  • Béatrice Dalle, Alysson Paradis, Nathalie Roussel, François-Régis Marchasson, ...
4
Embarazoso despropósito (aunque divertido)
“Al interior” es una película de género que se enmarca dentro de la oleada de cine francés de terror extremo que nació en la anterior década con autores como Alexandre Aja o Pascal Laugier. Las películas enmarcadas en este movimiento tienen un sello común: sangre, gore y sexo sin tapujos, absoluta falta de humanidad, invasión del hogar y miedo a los desconocidos. La obra arranca con la imagen de un feto en calma en el interior de su madre, para rápidamente mostrar como sufre un fuerte impacto provocado por un accidente de coche donde sus padres aparecen cubiertos de sangre. Toda una muestra de intenciones por parte de Alexandre Bustillo y Julien Maury de lo que está por venir. Sarah se queda viuda y tendrá que afrontar el embarazo sola, solo con el apoyo de su madre y de su jefe en el periódico. Deprimida y enfadada, decide pasar la nochebuena sola en casa. Todo parece tranquilo, hasta que de repente suena el timbre de su puerta. Al acercarse, una voz de mujer le pide que abra la puerta y le deje hacer una llamada. Sarah no cede a sus peticiones, por lo que la mujer del exterior cambia su tono de forma más agresiva haciendo temer a Sarah por su propia seguridad y la de su bebé. A partir de aquí el film se convierte en un festín sangriento de golpes, cuchilladas, cortes y amputaciones en el que los personajes tomarán constantemente decisiones sin pies ni cabeza, provocando momentos hilarantes en los que se mezclan tensión y carcajadas (involuntarias). La película gira entorno al peligro que cierne sobre el bebé que está en el interior de Sarah y el miedo a lo que la intrusa pueda hacer, todo aderezado con una realización de telefilm y unos efectos especiales centrados en el gore muy conseguidos. Sinceramente, resulta un despropósito sangriento con un guion lleno de situaciones ridículas, pero que por contra, resulta sumamente entretenido en su visionado.

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Audition
Audition (1999)
  • 6,4
    9.231
  • Japón Takashi Miike
  • Ryo Ishibashi, Eihi Shiina, Tetsu Sawaki, Jun Kunimura, ...
7
La dulzura de la maldad
“Audition” es la obra que hizo saltar al estrellato internacional a Takashi Miike. Probablemente junto a “Ichi the Killer” y “13 asesinos” formen el triplete de obras más reconocidas del prolífico director japonés, con una filmografía de más de 100 películas a lo largo de su carrera, que además, no para de crecer año tras año. Aoyama está en el hospital sentado al lado de la cama donde está tumbada su mujer. Justo antes de llegar su hijo de la escuela, su mujer fallece. Siete años después, Aoyama ha prosperado como ejecutivo de una gran compañía, pero no ha tenido el valor de comenzar otra relación seria. Un día animado por su hijo, reflexiona sobre la posibilidad de casarse de nuevo. Para encontrar pareja se deja aconsejar por un amigo director y productor de cine, que le propone organizar una audición para una película que no está aprobada. El objetivo inicial es seleccionar a 30 mujeres para que se presenten al casting, y allí, escoger a su futura esposa. De entre todas las candidatas se encapricha de Asami Yamazaki, una introvertida joven que tuvo que dejar el ballet por una lesión de cadera. Aoyama se arma de valor y decide cortejar a Asami. La joven parece amable e inocente, pero esconde un perturbador pasado y unas oscuras intenciones. “Audition” ofrece lo que se espera de ella. Es cierto que adormece con su primera hora en que la trama avanza de forma pausada y los hechos resultan aparentemente irrelevantes, pero después consigue explosionar en su recta final. El último tercio de película va cargada de violencia explícita, momentos surrealistas y una mayor complejidad de la trama, con lecturas que mezclan el abuso infantil, el machismo de la sociedad japonesa y el cambio de rol de los personajes femeninos en las películas de terror, con una malvada terrorífica. Nunca mejor dicho: las apariencias engañan.

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Ocurrió cerca de su casa
Ocurrió cerca de su casa (1992)
  • 6,7
    2.348
  • Bélgica Rémy Belvaux, André Bonzel, ...
  • Benoît Poelvoorde, Rémy Belvaux, Jacqueline Poelvoorde Pappaert, Nelly Pappaert, ...
7
Before natural born killers
“Ocurrió cerca de su casa” supone el debut en la dirección del trío formado por Rémy Belvaux, André Bonzel y Benoît Poelvoorde, quienes también escriben el guion y protagonizan la película. Un falso documental que obtuvo en el festival de Sitges de 1992 el reconocimiento a mejor película y mejor actor protagonista para un Benoît Poelvoorde divertidísimo y detestable a partes iguales. Ben es un excéntrico asesino en serie que comete asesinatos como si tal cosa para conseguir algo de dinero. Un equipo de filmación le acompaña, registrando todas y cada una de las fechorías que realiza. Ben financia el documental sobre si mismo, en el que aprovecha para hacer reflexiones sobre la vida, el trabajo, la muerte, la sociedad y en el que no tiene reparo alguno en mostrar sus métodos asesinando. Violaciones, estrangulamientos, palizas y tiroteos son realizados con frialdad y rutina, como si se trataran de un trabajo cualquiera. El equipo de filmación se involucra cada vez más en los actos de Ben, siendo víctimas involuntarias inicialmente y convirtiéndose en cómplices activos de sus fechorías después. Años antes de la realización de “Asesinos natos” de Oliver Stone o de “La casa de Jack” de Lars Von Trier y siguiendo la estela de “This is Spinal Tap” de Rob Reiner o de la más reciente “Lo que hacemos en las sombras” de Taika Waititi y Jemaine Clement, la película supone un ingenioso falso documental que mezcla la violencia atroz con el humor negro, consiguiendo momentos que de carcajada con otros que dejan la sangre helada. Una obra humilde, violenta y divertida a la que acercarse con sentido del humor y sin escandalizarse por los deplorables actos que muestra. La violencia como puente hacia la comedia.

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Green Book
Green Book (2018)
  • 7,6
    18.331
  • Estados Unidos Peter Farrelly
  • Viggo Mortensen, Mahershala Ali, Iqbal Theba, Linda Cardellini, ...
8
Viajes que forjan una amistad
“Green Book” es la película optimista del año. Como ya lo fueron “Intocable” o “Pequeña Miss Sunshine” en su día, la nueva obra de Peter Farrelly consigue gustar tanto a público como a la crítica especializada a través de una obra sencilla, llena de humor y con un mensaje lleno de luminosidad al tratar de hablar sobre temáticas delicadas. En las anteriormente mencionadas se tratan la discapacidad física y las complejas relaciones familiares, en la presente, el racismo. Viggo Mortensen interpreta magníficamente a un tipo rudo, callejero y con prejuicios en la cabeza. Mahersala Ali en cambio, es un hombre sofisticado, de alto nivel educativo y cultural, y cargado de complejos. El viaje que emprenden juntos hará que tengan que convivir, comprender mejor al otro y afrontar situaciones límite provocadas por el racismo imperante. Todo sin perder un ápice de sentido del humor y con un ritmo que no decae en todo el metraje.

La sensación de estar viendo una historia ya contada acompaña a lo largo del film, tanto, que incluso seremos capaces de anticiparnos a algunos de los sucesos que aparecen en pantalla. También existe el resquemor de que muchas situaciones se refuerzan en exceso con una banda sonora que no cesa en ningún momento. Todo lo comentado, además, está aderezado con una puesta en escena discreta, sin alardes. ¿Entonces estamos hablando de una película corriente o de un film del montón? Ni de lejos. Su sencillez, sentido del humor, el tratamiento de los conflictos raciales (aunque de forma superficial) y su historia de comprensión y forja de amistad entre dos personas que están inicialmente a años luz una de otra, funciona a la perfección. Engancha desde el primer minuto y consigue llevar en volandas al espectador hasta su evidente y más que esperado final. Cine cien por cien optimista, con una ligera crítica social y absolutamente disfrutable.

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Mug
Mug (2018)
  • 6,3
    186
  • Polonia Malgorzata Szumowska
  • Mateusz Kosciukiewicz, Agnieszka Podsiadlik, Malgorzata Gorol, Roman Gancarczyk, ...
8
El verdadero rostro
“Mug” es la última obra dirigida por Malgorzata Szumowska, directora polaca que pretende mostrar las realidades que menos le gustan de su país de forma ácida y crítica. Al principio del film vemos como una multitud accede a unos grandes almacenes en el que se celebran unas rebajas. Las peleas en ropa interior por conseguir los grandes televisores se suceden a cámara lenta ante nuestros ojos. Toda una declaración de intenciones para mostrar a una sociedad que ha abandonado el comunismo para caer en las garras del capitalismo más agresivo, aunque éste mire de ocultarse entre las buenas intenciones de una religión que no consigue tapar el egoísmo y odio al diferente. La crítica religiosa y a la sociedad polaca se hace todavía más perceptible al hablar de la construcción de la estatua de Cristo más grande del mundo (existe, es real, está en el pueblo de Świebodzin en Polonia y se finalizó en 2010), y comprobar como después de sufrir un accidente en la propia obra, el protagonista verá como ni la iglesia, ni la comunidad, ni incluso su pareja o familia, le aceptan y ayudan. Su hermana será la única que apoyará al nuevo Jacek, pero no se dará cuenta de que él, es el de siempre. Para enmarcar la escena del protagonista con su padre, único momento de trato normalizado que tiene el protagonista en toda la película desde que sufre el accidente. El resto no son capaces de tratarlo con normalidad. El temor a lo diferente. El odio a lo extraño.

El film muestra de forma costumbrista el día a día de Jacek y de su familia. Sus tradiciones, hábitos y relaciones propias y con la comunidad. Momentos absurdos que bañan con cierto tono de comedia una película que rápidamente vira hacia el drama por las vivencias de su protagonista. La cámara se mantiene mayoritariamente cercana al reparto, pero sabe cuando ampliar su foco para mostrar los paisajes o las tradiciones de la comunidad. El desenfoque constante de la imagen descoloca inicialmente, pero resulta justificado al darnos cuenta de que es un recurso narrativo que se sustenta en dos ideas principales: ver el mundo como lo percibe Jacek y mostrar una parte de la sociedad polaca. No se enfoca todo, pero la realidad que se muestra resulta absurda, triste, caduca y despreciable.

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The Old Man & the Gun
The Old Man & the Gun (2018)
  • 6,3
    2.162
  • Estados Unidos David Lowery
  • Robert Redford, Sissy Spacek, Casey Affleck, Danny Glover, ...
6
Los atracadores carrozas
“The Old Man and the Gun” tiene el tono del cine policíaco de finales de los años 70, pero con un tempo pausado y centrado en fijarse por completo en la figura de Robert Redford. Al ver al personaje de Forrest Tucker atracando bancos y recordando las fugas realizadas de las diferentes cárceles en las que estuvo atrapado, también vemos a un Robert Redford despidiéndose de la actuación y haciéndonos pensar en la gran cantidad de películas realizadas anteriormente. Toda la película tiene un aura de melancolía que no nos deja ir, y a su vez, nos habla de las motivaciones personales al mostrar a un Tucker que siempre ha atracado bancos porqué es su verdadera pasión, igual que la de Redford es la actuación y el mundo del cine. En la película aparece un plantel de actores y actrices de renombre: Sissy Spacek, Casey Affleck, Danny Glover, Elisabeth Moss, Tom Waits… Pero el total y absoluto protagonista es Robert Redford, haciendo del resto de reparto unos secundarios de los que no sabemos prácticamente nada y por los que no sentiremos interés o aprecio alguno.

Su principal virtud resulta su mayor defecto. Al poner tanto énfasis en el protagonismo del personaje de Tucker y en su gran bondad pese a tratarse de un atracador de bancos, el pulso que mantiene con el inspector John Hunt no acaba de conseguir tensión y hace decrecer el interés por lo que sucede en su investigación policial. Eso unido al ritmo pausado de la película en el que nunca acaba de existir un in crescendo, ni siquiera en los momentos de persecución policial, hace que tengamos una sensación de oportunidad desperdiciada. Un gran homenaje a la figura de Robert Redford que quedará en el recuerdo especialmente por suponer la última actuación del mítico actor, no por otro tipo de méritos.

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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Princesa (Han Gong-Ju)
Princesa (Han Gong-Ju) (2013)
  • 6,6
    1.349
  • Corea del Sur Lee Su-jin
  • Chun Woo-Hee, Jung In-Sun, Kim So-Young, Lee Young-Ran
9
La criminalización de la víctima
“Princesa” o “Han Gong Ju” como es conocida en tierras coreanas, supone el debut en la dirección de Lee Su-jin en una obra en la que también es guionista y donde debuta como protagonista la actriz Chun Woo-Hee después de tener un pequeño papel en “Mother” de Bong Joon-ho. Han Gong Ju es una joven y atractiva estudiante de instituto a la que le apasiona la música. Podría llevar la vida de cualquier otra adolescente, si no fuera porqué ha sido señalada culpable por la administración de su instituto por ser la desencadenante de un detestable suceso. La ausencia de sus padres hace que uno de los profesores se responsabilice de su cambio de instituto y de acogerla en casa de su madre. En el nuevo instituto, Han Gong Ju decide permanecer lo más oculta posible. Ha sufrido y no ha recibido ayuda de nadie, por lo que permanecer oculta parece ser la mejor opción. No llama la atención y se aleja de los acercamientos de otras compañeras de clase, pero con el tiempo parece que se atreve a salir de su propia burbuja de protección. El problema es que el pasado siempre vuelve para impedirle poder pasar página. Con especial sensibilidad al tratar un tema de esa complejidad y con una dosificación modélica de la información, Lee Su-jin nos muestra un caso en el que la victima será injustamente criminalizada. La frustración en la actuación contenida de la joven Chun Woo-Hee cobrará todo el sentido del mundo conforme avance la trama y conozcamos su pasado, y nuestra indignación irá en aumento cuando veamos como todo su entorno, uno a uno, irá justificando lo sucedido, culpabilizándola y dándole la espalda. Cine de denuncia social del que te destroza por dentro y te llena de rabia después de su visionado. Los símiles con ciertos sucesos de actualidad en nuestro país son inevitables. Una vergüenza.

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El hombre sin pasado
El hombre sin pasado (2010)
  • 7,0
    7.449
  • Corea del Sur Lee Jeong-beom
  • Won Bin, Kim Sae-ron, Kim Tae-hoon, Kim Hee-won, ...
7
Una venganza trepidante
“El hombre sin pasado” es un thriller de acción filmado por el director Lee Jeong-beom que se convirtió en la película más taquillera en Corea del Sur el año 2010. Cha Tae-sik no se relaciona demasiado con la gente. Es un tipo callado que tiene un pequeño negocio, una casa de empeños que le aporta algo de dinero y anonimato. Solo se relaciona con So-mi, una niña pequeña que vive al lado y que siempre está sola. La madre de So-mi, Hyo-jeong, es adicta a la heroína y trabaja de noche bailando en un club. Un día la madre de So-mi decide robarle a una banda criminal un paquete con drogas que acaban en la tienda de empeños. La banda criminal al saberlo, secuestra a Hyo-jeong y a So-mi, y se enfrenta a Cha Tae-sik. Lo que no saben es que en el interior de este misterioso hombre marcado por los sucesos del pasado, hay una máquina de matar bien engrasada a la que hubieran preferido no enfrentarse. El actor protagonista, Won Bin, sigue la estela de tipo duro que mostró en “Mother” para interpretar ésta vez a un personaje más puro, aunque corrompido por su trágico pasado, y encarado puramente a la acción. La película se toma su tiempo para mostrar a los diferentes personajes que marcan la trama para que especialmente en su segunda hora de metraje todo vire hacia a la acción pura y dura, con constantes persecuciones, tiroteos y luchas de artes marciales. Una trama que exige saltos de fe por parte del espectador, con unos malvados caricaturizados al máximo y que cae en muchos de los tópicos del cine de acción pero que resulta un divertimento sin complejos con grandes coreografías y un ritmo trepidante en su montaje. Especial atención al flashback en el que el traumatizado personaje protagonista recuerda lo sucedido con su esposa. Una escena que consigue cortar el aliento de cualquiera. Cine de acción bien realizado, divertido y sin complejos.

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Encontré al diablo
Encontré al diablo (2010)
  • 7,2
    12.960
  • Corea del Sur Kim Jee-woon
  • Lee Byung-Hun, Choi Min-sik, Jeon Gook-hwan, Oh San-ha, ...
8
La encarnación del mal
“Encontré al diablo” es un film del director Kim Jee-woon, conocido por obras anteriores como “Dos hermanas” o “El bueno, el malo y el raro”. En esta ocasión presenta un thriller sangriento que se inspira directamente en obras referentes del cine negro y de terror contemporáneo como “Seven”, “Zodiac” o “Saw”. Joo-yun es la joven hija del jefe de la policía Jang y pareja de Soo-hyun, un agente secreto. El coche de Joo-yun ha sufrido un pinchazo y Soo-hyun trabaja, así que espera a que llegue la grúa para recogerla. En esos momentos aparece Kyung-chul en su furgoneta de transporte escolar y se ofrece a echarle una mano. Joo-yun sospecha y decide rechazar la ayuda. Kyung-chul se aleja de nuevo hacia su furgoneta, pero al poco tiempo muestra sus verdaderas intenciones atacándola y secuestrándola. En su casa, tortura y asesina salvajemente a la joven. La policía investiga la desaparición y cuando descubren sus restos, Soo-hyun decide dejar su trabajo temporalmente y emprender una venganza que satisfaga todo su odio y dolor. Un sendero para detener a la bestia, en el que la barbarie se irá abriendo camino cada vez que se acerque más a ella, y en el que el protagonista irá sufriendo una inevitable transformación hacia aquello que más odia. El film resulta impactante por cometer el atrevimiento de detener al personaje malvado de forma temprana (como también sucede en “The Chaser”) para después ofrecer un giro sorprendente e inesperado que nos hará abrir los ojos en cada secuencia. La obra tiene un uso explícito de la violencia y cierta cercanía al género del terror que hará que muchos espectadores se sientan incómodos ante su brutal propuesta, pero que también hará de las delicias de los aficionados a ambos géneros. Un gran thriller coreano que se sustenta en tres pilares: los momentos sangrientos, la representación del mal encarnada en el personaje de Choi Min‑sik (conocido mundialmente por su papel protagonista en “Oldboy”) y el giro de situaciones habituales en el género. Mucha atención a su siniestra secuencia final.

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