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Críticas de Alvaro Zamora Cubillo
Críticas ordenadas por:
El Hotel New Hampshire
El Hotel New Hampshire (1984)
  • 5,1
    519
  • Reino Unido Tony Richardson
  • Jodie Foster, Rob Lowe, Beau Bridges, Nastassja Kinski, ...
6
Sigue dejando las ventanas abiertas
Terminando de ver “The Hotel New Hampshire” (1984) de Tony Richardson con Jodie Foster, Rob Lowe, Beau Bridges, Nastassja Kinski, Paul McCrane, Seth Green, Joely Richardson, Amanda Plummer, entre otros. Comedia y película de culto basada en la novela homónima de John Irving, escrita en 1981, sobre los éxitos y los fracasos de una familia estadounidense que hace frente a todo tipo de desastres, y aun así, continúa adelante a pesar de todo; al tiempo que presenta un historia del “paso de la adolescencia a la adultez” centrándose en los hijos de la familia. Este fue el último largometraje dirigido por Tony Richardson, una historia que cubre varias décadas, incluyendo ciertos elementos surrealistas, paroxísticos, y ciertamente atrevidos, como el incesto, el terrorismo, la homosexualidad y la mezcla interracial; de esa manera, sigues a toda la familia desde que son jóvenes hasta que son mayores, y empiezas a entender, cómo se han convertido en la forma en que son, y por qué actúan de la manera en que lo hacen. El filme está muy centrado en el sexo y el amor, y de la manera más extraña posible; al tiempo que la película pierde algo de interés en el segundo tramo, cuando se trasladan a Austria con todo el enredo político/terrorismo. El reparto “adolescente” es lo más destacado, brillan cada uno con sus personajes, impagable el perro pedorro; y me atrevo a decir que lograron una mejor proyección a partir de aquí. En el fondo, el “dejar ir la tragedia” es lo más importante de la película, de ahí el lema de la perseverancia familiar: “Sigue dejando las ventanas abiertas”
RECOMENDADA
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Caza al asesino
Caza al asesino (2013)
  • 5,2
    3.820
  • Estados Unidos Scott Walker
  • Nicolas Cage, John Cusack, Vanessa Hudgens, Curtis '50 Cent' Jackson, ...
5
Cazador Cazado
Terminando de ver “The Frozen Ground” (2013) de Scott Walker con Nicolas Cage, John Cusack, Vanessa Hudgens, Katherine LaNasa, Radha Mitchell, 50 Cent, entre otros. Película de suspense, basada en los crímenes del asesino en serie Robert Hansen, llamado “El Carnicero de Baker”, en activo entre 1971 y 1983, cuando secuestró, violó y asesinó al menos 17 mujeres en Anchorage, Alaska y sus alrededores, cazándolas en el desierto con un Ruger Mini-14 y un cuchillo. Hansen fue arrestado y condenado a 461 años, cadena perpetua, y sin posibilidad de libertad condicional en 1983; por lo que la película muestra la investigación de un policía estatal de Alaska, para aprehender a Hansen, mediante la asociación con una mujer que escapó de sus garras. Esta es la ópera prima del director, que dijo “quería lograr la sensación de que el clima se cerraba sobre la historia, y congelaba el caso” de ahí el título del filme; pero tuvo criticas mixtas, siendo estrenado en muy pocos cines, pasando directamente a sistemas de video bajo demanda. “The Frozen Ground” no pretende mucho, y cuenta una historia sin sorprender, de hecho, se basa más en el detective interpretado por Cage, que en el asesino, interpretado por Cusack, por lo que se sabe poco de sus motivos y su psique; y en la estructura, la película se parece a cualquier otro “thriller” que hayamos visto antes, y cuando el final debió sorprender, recurre a elementos predecibles. Del reparto, Nicolas Cage tiene un rol en el que no encaja, manteniendo todo el estereotipo de un personaje así; John Cusack es intrigante, pero el director ni el guión se preocupan en indagar sobre su vida, y hace que toda la historia a su alrededor sea insuficiente. Mientras que Vanessa Hudgens, que no cambia de registro, hace que su personaje se vea real y creíble. En el fondo queda una trama que ha sido muy mal utilizada, ya conocida en su desarrollo en otras películas, y me atrevo a decir que sobre el asunto de Hansen, el film “Naked Fear” que se inspira en Hansen, es superior; sin embargo logra ser convincente en el manejo de la atmósfera y del suspense sin exagerar, y sin detalles sangrientos. Al final, el filme es dedicado a las víctimas y muestra las fotografías verdaderas de las asesinadas por Hansen. ¿Era necesario? “Cazador Cazado”
NO RECOMENDADA
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Marat/Sade
Marat/Sade (1967)
  • 7,2
    479
  • Reino Unido Peter Brook
  • Patrick Magee, Ian Richardson, Michael Williams, Clifford Rose, ...
4
¡Cuán delicada es la guillotina con respecto a la tortura!
Terminando de ver “The Persecution and Assassination of Jean-Paul Marat as Performed by The Inmates of The Asylum of Charenton Under The Direction of The Marquis de Sade” (1967) de Peter Brook con Patrick Magee, Ian Richardson, Michael Williams, Clifford Rose, Glenda Jackson, Freddie Jones, Hugh Sullivan, John Hussey, entre otros. Drama independiente británico, generalmente acortado como “Marat/Sade”, basado en la obra teatral homónima, escrita en alemán en 1963 por Peter Weiss; que muestra la puesta en escena de una obra teatral creada por El Marqués de Sade durante su reclusión en el sanatorio para enfermos mentales de Charenton; por lo que la película se basa en la anécdota histórica, sobre las representaciones que se realizaban allí para distracción de los burgueses del París napoleónico. La película sigue las reglas de la tragedia griega, dígase coro, corifeo y parlamentos sazonados con interludios musicales; donde veremos los últimos días de Marat, uno de los líderes de La Revolución Francesa, asesinado por Carlota Corday en una tina de baño. La trama sirve como excusa para plantear fuertes críticas sociales, universales y atemporales; y también sirven al propio Marqués, para dejar en claro algunos pensamientos propios; donde los enfrentamientos dialécticos entre Marat y Sade, tocan temas atemporales como la libertad, la violencia y el sexo; siendo a la vez, una representación de la lucha de clases y el sufrimiento humano, lo que hace preguntarse si la verdadera revolución proviene del cambio de la sociedad, o del cambio de uno mismo. Peter Brook, maestro del teatro inglés y cineasta, supo trasladar con acierto a la gran pantalla, una obra de teatro dentro del teatro y dentro del cine, que funciona bastante bien gracias a una espectacular puesta en escena en un reducido espacio, con brillantes actuaciones de Magee como El Marqués, de Richardson como Marat y la 2 veces oscarizada como Mejor Actriz, como Carlota; pero también se destaca por su historia, maquillaje, estilo de filmación y música. Sin embargo, el filme es demasiado vanguardista, muy trasgresor incluso hoy, que llega a ser perturbadora por los personajes y las actuaciones absolutamente intrigantes; y en ello reside su factura, al ser un cine arte/de autor, la película lleva el sello que la mirada de su director le imprimió, y revela su autoría de manera inconfundible; por lo que evidentemente no es para todo espectador, muy diferente al cine comercial, pero si es una buena prueba donde el director se expresa como creador, al margen de especulaciones comerciales. Uno al final queda con la sensación de “¡Cuán delicada es la guillotina con respecto a la tortura!”
NO RECOMENDADA.
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Leaving Neverland
Leaving Neverland (2019)
  • 6,2
    1.039
  • Estados Unidos Dan Reed
  • Documentary, Wade Robson, James Safechuck
6
The King IS Dead, Long Live The King
“Who’s Bad?” decía el finado Rey del Pop…
No lo sé, y léase que este no es un alegato pro Michael Jackson ni contra Wade Robson y ni contra Jimmy Safechuck; esto es solo el resultado, o la percepción de un filme muy, pero muy incompleto, manoseado, viciado y dirigido a crear el sentimiento de inseguridad de los tiempos.
“The King IS Dead, Long Live The King”
RECOMENDADA.
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Naked Fear
Naked Fear (2007)
  • 4,4
    25
  • Estados Unidos Thom Eberhardt
  • Danielle De Luca, Joe Mantegna, Sonja Runar, Arron Shiver, ...
5
¿Cazar humanos es la máxima emoción?
Terminando de ver “Naked Fear” (2007) de Thom Eberhardt con Danielle De Luca, Joe Mantegna, Sonja Runar, Arron Shiver, Ronald Dunas, entre otros. Película de terror, sobrevivencia y venganza, que sigue a un psicópata que cansado de cazar animales, se dedica a secuestrar prostitutas, y tras violarlas, las deja en el descampado para cazarlas… sin embargo, la llegada de una mujer le dará pelea en su propio terreno cuando ella se convierta en la siguiente víctima. La trama está inspirada en el asesino en serie Robert Hansen, que raptaba prostitutas y les daba caza en los remotos parajes de Alaska. Aquí se nos presenta un título hiperrealista, de bajo presupuesto, pues contó con tan solo $500 mil, de formato casero, que ahonda mucho en el tema de la prostitución, el drama de las chicas explotadas, y sobre todo, del asesinato de mujeres que “a nadie parece importarle” El filme tiene éxito al cometer un tabú consumado: Hacer que la trama de fondo sea casi irrelevante, al hacer que el espectador se sienta más intrigado por su dirección, cinematografía y sobre todo, por la anatomía de la actriz, que se pasa casi 1 hora mostrando palmito ¿Innecesario? Pues no importa, es un filme de explotación, donde lo que interesa en hacer pasar al espectador un mal rato, sobre todo al femenino, pues este drama de sobrevivencia es realmente misógino, a tal punto que algún hombre tendrá morbosas erecciones por ver a la víctima correr desnuda todo el tiempo… Vaya que hay gente enferma… y es que el filme tiene un alto rendimiento en lo que es el terror de la caza de humanos, como si fueran animales, y en no saber qué pasará a continuación, pero el filme está estructurado de manera tan pobre y tan “ingenua”, que cumple con todos los clichés del género, sin agregar nada nuevo. Del reparto, el filme es tristemente realizado para lucimiento exclusivo de la fisonomía de la actriz Danielle De Luca, donde Joe Mantegna y demás reparto que no sea el asesino, es dejado en el camino, sin importar qué fue de ellos, como los chicos de la van; del mismo modo la trama matrimonial del otro policía, y la ambigüedad del personaje de Mantegna, que debió ser más explotado, por lo que su crédito parece que solo agregó “caché” a la película. Técnicamente poseedora de un panorama natural bien fotografiado, que nos dice que bajo esa belleza campa “el hombre que es un lobo para el hombre”, tiene una agilidad y un suspense impresionante, pero solo en las escenas de acción, donde las muertes son muchas veces filmadas fuera de campo, terrible lo de los campistas; pero con un efecto arrollador, así como la parte de la persecución, pero todo se cae en la parte final, con un giro feminista “reivindicativo” ya visto en otros filmes, que no cuaja con la temática, pues termina siendo un filme de venganza. Como dato, esta producción tiene características que se reflejan en el “modus operandi” de la vida real del asesino en serie de Alaska, Robert Hansen; que al igual que él, el asesino Colin Mandle es un exitoso y reconocido empresario en la industria alimentaria, es un galardonado cazador de arco, posee y vuela su propio avión, y guarda las joyas de sus víctimas como trofeos... también frecuenta clubes de “striptease”, y contrata a prostitutas que se convierten en sus víctimas. ¡Vamos, todo un caballero del siglo XXI! Y en el fondo, el filme nos dice que la caza es un absurdo, pues solo falta que “cazar humanos sea la máxima emoción” Algo muy de estos tiempos.
NO RECOMENDADA.
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Capitana Marvel
Capitana Marvel (2019)
  • 6,2
    8.259
  • Estados Unidos Anna Boden, Ryan Fleck
  • Brie Larson, Samuel L. Jackson, Jude Law, Ben Mendelsohn, ...
3
Investigar sobre quién es Carol Danvers es una pérdida de tiempo
Terminando de ver “Captain Marvel” (2019) de Anna Boden & Ryan Fleck con Brie Larson, Samuel L. Jackson, Jude Law, Ben Mendelsohn, Gemma Chan, Annette Bening, Lee Pace, entre otros. Comic basado en el personaje de Carol Danvers/Captain Marvel; producida por MARVEL Studios y distribuida por Walt Disney, es la 21ª película del Universo Cinematográfico de MARVEL. Situada en los 90, la acción sigue a una piloto de La Fuerza Aérea de Estados Unidos, que se convierte en Captain Marvel después de que La Tierra queda atrapada en el centro de un conflicto intergaláctico. Película ridículamente panfletera del movimiento feminista, donde la banda sonora de canciones de la época, que dejó de ser “emblemática” para convertirse en un tema plano que refuerza la temática. Técnicamente, lo esperado, los efectos especiales nada sorprendentes, y debo confesar que antes pensaba que los FXs producían asombro, ahora ya nada emociona ni sorprende, porque el género comic ya tocó techo y se ha agotado. Y es que la historia es la misma, contando el mismo relato, solo cambiando los personajes, los escenarios, y el malo contra el bueno… nada cinematográfico realmente valorable, donde vemos acción ya vista en otros filmes como “ID4”, con un maquillaje “de máscaras” vistas en otras películas… junto a la horripilante corrección política, los espantosos chistes, y el “feeling” Disney, pero no culpo al guión, pues la tira cómica tiene ese mismo sabor torpe y tonto. Del reparto, la oscarizada Brie Larson, actriz desperdiciada que ya entró en el club de actores que sólo buscan pagar cuentas, en vez de demostrar amor al Séptimo Arte, se comprueba que esto no es lo suyo… pero lo que me horrorizó, y confieso, lo único que me gustó fue ver a la GRAN Annette Bening, actriz vilipendiada por Los Académicos que ahora sólo buscan “blockbusters” y el tan deseado “filme más popular” al estilo MTV, porque eso genera que la gente vaya a los cines para entretenerse con estupideces como esta película; pero aquí Mrs. Bening hace lo mejor que saber hacer. La verdad, me dormí en muchos segmentos, por lo que me perdí completamente de un guión mal estructurado, con saltos extraños en el tiempo para nada cronológico, por lo que demanda que el espectador no pestañee para no perder el hilo entre “flashbacks/forwards” Sobre la heroína y sus poderes… mejor que quede para los fanáticos, pues para los que amamos El Séptimo Arte, investigar sobre quién es Carol Danvers es una pérdida de tiempo. Lo peor es que se hará lo que sea para que conecte con Avenger 4… ¿O será 5? No sé cuantos más habrán, que verán lo mismo, una y otra vez; al menos Stan Lee que tiene todos sus cameos en el “intro” de la productora, puede dormir “en paz…” aunque creo que su cameo aquí fue creado en CGI, y viendo lo rapaces que son en Hollywood, tal vez el amigo Stan volverá.
NO RECOMENDADA.
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13 de 27 usuarios han encontrado esta crítica útil
El regreso de Ben
El regreso de Ben (2018)
  • 6,3
    756
  • Estados Unidos Peter Hedges
  • Julia Roberts, Lucas Hedges, Courtney B. Vance, Kathryn Newton, ...
10
Ben regresó... literalmente
Terminando de ver “Ben Is Back” (2018) de Peter Hedges con Lucas Hedges, Julia Roberts, Kathryn Newton, Emily Cass McDonnell, Courtney B. Vance, entre otros. Drama que sigue a una madre desesperada por rescatar a su hijo de las drogas… esta es una IMPRESIONANTE película de actores, cuyo relato tiene solo 24 horas para poner en la pantalla el amor, la esperanza, la redención y la realidad más horrorosa y cruda de la adicción a las drogas. El filme se narra como si fuera un mundo en otra galaxia, una bajada al averno, turbio, oscuro y sin esperanza, donde el flagelo es el único escape; es tan espantoso lo narrado, que horroriza identificarlo en el barrio más cercano. Desde lo técnico, la historia no es original, no agrega nada al género de “filmes sobre drogadictos”, el mérito reside en cómo se narra, donde qué fue lo pasó, la causa, es dicho en unas cuantas líneas que lamentablemente no fueron explotadas… al tiempo que muy elegante y sutilmente se nos dice lo que son capaces de hacer los drogodependientes por obtener el narcótico que en algún momento les quitará la vida. Lo terriblemente usual en este tipo de filmes, siempre ha sido ver el declive o le proceso del drogadicto, aquí eso no se ve, pero sí que se nota la esperanza arrolladora de una madre por salvar a su hijo, y en eso, el dúo Hedges/Roberts hace un gran trabajo con sus personajes, que explora la verdad de sentimientos demasiado cercanos, que llegan a tocar la fibra más sensible. Ambos tienen un carisma único e irrepetible, donde Roberts se adueña de la historia, sin olvidar la gran promesa que es Lucas Hedges, que ya ha sido reconocido con nominaciones por La Academia y La Prensa Extranjera de Hollywood, aunque no por esta película, lo cual es una pena; porque Hedges se ha vuelto en un valor de la nueva juventud en Hollywood, tanto por su facilidad en los registros, como en lo histriónico de sus personajes, sin caer en sobreactuaciones ni impostados. Nuevamente, la trama está mil veces vista, y eso puede llamar al rechazo; pero si tienen la oportunidad de verla, podrán participar en ese viaje donde “Ben está de regreso”, y no porque volvió a casa, sino porque volvió a la vida, literalmente.
RECOMENDADA.
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Cromwell, el rey de los bárbaros
Cromwell, el rey de los bárbaros (1982)
  • 4,8
    242
  • Estados Unidos Albert Pyun
  • Lee Horsley, Kathleen Beller, George Maharis, Richard Lynch, ...
3
¡Tenemos reinos para salvar y mujeres para amar!
Terminando de ver “The Sword and The Sorcerer” (1982) de Albert Pyun con Lee Horsley, Kathleen Beller, George Maharis, Richard Lynch, Simon MacCorkindale, entre otros. Película de fantasía y clásico de culto que sigue a un mercenario con una espada de 3 filos, que redescubre su herencia real cuando es reclutado para ayudar a una Princesa a frustrar los planos de un tirano brutal, y un poderoso hechicero para conquistar La Tierra. La historia no es original, pues contiene lo usual: Héroes, Princesas y Villanos, aventuras alucinantes, grandes castillos y mazmorras, complicadas aventuras, y una gran cantidad de eventos; que puede confundir al espectador que se duerma, y eso tiene en contra, muchos personajes, tanto que hay hasta una guerra de villanos que no se sabe cuál es el principal… donde el más poderoso es un pelele… Con todo y sus fallos y errores de continuidad y exageraciones propias del género, la película llegó a recaudar más de $39 millones en la taquilla, convirtiéndose en la película independiente más rentable de 1982, tanto que engendró una línea de productos y una secuela que nunca se realizó. Cabe señalar que los efectos especiales artesanales, son propios de una época sin CGI donde todo era hecho, desde los interiores y decorados hasta el maquillaje, por ejemplo, Richard Moll que interpretó al hechicero, sólo aparece en la escena de apertura, porque tuvo una mala reacción a las lentes de contacto, y fue enviado al hospital; por lo que las otras escenas fueron hechas por un suplente, y luego dobladas por Moll; además, cabe señalar la muerte del actor de riesgo, Jack Tyree que murió cuando saltó de un acantilado, y perdió sus bolsas de aire… En el fondo, el relato es mediocre, los actores planos y estereotipados, sin talento; y las escenas de acción son atroces, sin ningún tipo de emoción; y es que la idea de la película era una epopeya lujuriosa de venganza y magia; de mazmorras y dragones, de magos y brujas, de doncellas y deseo; y de un guerrero atrapado entre todos; en algunos tópicos cumple y en otros hasta se pasa, con un desnudo por ahí… y un humor para niños. ¿Acaso debemos juzgar la película por ser la primera película de fantasía de Albert Pyun, un director más conocido por haber hecho muchos filmes de bajo presupuesto, películas de serie B y películas de acción que fueron directo al vídeo? Rescato al menos, la hermosa banda sonora de David Whitaker “¡Tenemos reinos para salvar y mujeres para amar!”
NO RECOMENDADA.
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O Menino e o Vento
O Menino e o Vento (1967)
  • Brasil Carlos Hugo Christensen
  • Ênio Gonçalves, Luiz Fernando Ianelli, Wilma Henriques, Odilon Azevedo, ...
8
Si todos ustedes aquí se consideran normales, entonces soy un fenómeno
Terminando de ver “O Menino e o Vento” (1967) de Carlos Hugo Christensen con Ênio Gonçalves, Luiz Fernando Ianelli, Wilma Henriques, Odilon Azevedo, Oscar Felipe, entre otros. Drama brasileño de suspenso y “realismo mágico”, posiblemente una de las primeras películas brasileñas de temática gay jamás realizadas; basada en el cuento “El Viento Comenzó” de Aníbal Machado; que sigue a un hombre que es acusado de la desaparición de un adolescente, cuando el relata que “se lo llevó el viento”, sin embargo, una mujer y un primo homosexual del desaparecido, tratan de chantajearlo para cambiar los testimonios que aluden a un probable crimen de homicidio con motivación sexual, que él habría cometido. El relato se conocerá en “flashbacks”, donde la mayor parte de la película, consiste en la prueba del personaje principal, y la reacción que recibe de la gente local que cree que él mató al muchacho, y que ambos tenían más que una simple relación de amistad. Y es que los testigos del caso se lo ponen difícil al hombre, revelando actos sospechosos que nunca son lo que parecen… El gran director argentino, Carlos Hugo Christensen, fue un titán del cine latinoamericano, pues hizo su primera película en 1939, y la última en 1996, y trabajó en todos los géneros: Desde cine negro hasta erótico, melodramas, horror, comedia y cine “queer”, e hizo películas en Argentina, Brasil y Chile; y a pesar de su producción masiva y su importancia cultural, permanece hoy más o menos olvidado; ya que ninguna de sus películas ha sido restaurada, y solo están disponibles en copias de muy baja calidad, lo que no es justo. En concreto, esta película puede que tarde un poco de arrancar para poner en contexto el ambiente del lugar y los personajes, y poder “hacer creíble” lo que propone, al tiempo que los actores hacen un gran papel, aportando credibilidad a hechos sobrenaturales, donde el contraste es lo principal para demostrar la vida de la mala gente del pueblo, totalmente morbosa, como si se tratase de un estudio de la hipocresía y de la mala fe. Pero el filme sobresale a dura penas, por la fotografía, pues consigue transmitir todos los sentimientos que ambos jóvenes sienten, de manera poética, simbólica y metafórica cuando el viento sopla sobre ellos, y los sentimientos que les angustian cuando se calma… así que se juega también con la delgada línea que separa la realidad del sueño; donde los elementos homoeróticos se ven afectados por el viento; aunque todo ello se maneje de una manera muy sutil y elegante, pues Christensen nunca explota “lo gay”, todo está en la mente y en el juicio del espectador… en última instancia, se trata de una película sobre personas particulares, y la lucha por equilibrar el individualismo con las expectativas de la sociedad en general; y sin embargo, también hay un elemento metafísico en juego, que Christensen, más de una vez, se acerca a una especie de horror psico-supernatural, sin explicación, con un final climático que solo profundiza el sentido del misterio y la maravilla. Del reparto, Ênio Gonçalves como el ingeniero José Roberto Nery, hace un gran papel donde su mirada demuestra un gran dominio de su personaje, hay que verlo para saber si él realmente dice la verdad o no… mientras que Luiz Fernando Ianelli como el joven Zeca, en su debut en el cine, es más tratado como un objeto de deseo, aportando misterio y fascinación por sus “poderes sobrenaturales”; y finalmente, Wilma Henriques, como Laura la propietaria del hotel, como la figura de una sociedad cerrada e inquisidora. Es un hecho que la película se basa en el sentido alegórico de esos 2 personajes principales, y en cómo comparten gustos similares… donde se revelará al espectador, la verdad en ese disparo icónico cuando ambos se abrazan mientras se avecinaba la gran tormenta de viento… ¿Qué le pasó a Zeca? Mi teoría es que su primo, al mal interpretar la relación entre el ingeniero y Zeca, lo mata por envidia, pues el primo es el único personaje abiertamente gay en la historia. En definitiva, a pesar de ser un filme muy lento en su narración, revela solo lo necesario para generar suspenso, y eso tiene un gran mérito, ya que hace que el espectador se meta de lleno en una historia de fantasías, donde la dirección de Christensen es escasa y gótica, pero la no restauración de la película, va en detrimento de una obra maestra del surrealismo y lo absurdo: “Si todos ustedes aquí se consideran normales, entonces soy un fenómeno”
RECOMENDADA.
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La intrusa
La intrusa (1979)
  • 6,1
    22
  • Brasil Carlos Hugo Christensen
  • José de Abreu, Arlindo Barreto, Maria Zilda Bethlem, Palmira Barbosa, ...
8
Caín andaba por ahí, pero el cariño entre los Nilsen era muy grande como para matarse
Terminando de ver “A Intrusa” (1979) de Carlos Hugo Christensen con José de Abreu, Arlindo Barreto, Maria Zilda Bethlem, Palmira Barbosa, entre otros. Drama brasileño de temática gay, basado en el cuento “La Intrusa” (1966) de Jorge Luis Borges, inspirado en el relato bíblico del amor de David por Jonatán; por ello, la película da rienda suelta a la pasión incestuosa entre 2 bellos y rubios hermanos gauchos, con ascendencia danesa; sin embargo, la tranquilidad de sus vidas tomará un giro trágico a la llegada de una joven mujer. Cabe señalar que este filme está muy adelantado a su tiempo, recordar que hablamos de 1979, y su director fue uno de los precursores del melodrama homoerótico latinoamericano, donde la homosexualidad suele aparecer soslayada en términos de paranoia, trampa, sordidez y criminalidad, donde abundan amores prohibidos con finales infelices, al estilo Hollywood y su Código Hays. La curiosidad aquí, es la enorme sutiliza de la acción gay, de la vida privada y del “entre muros” que se hace muy evidente sin mostrar absolutamente nada. No obstante, el filme se puede catalogar de duramente misógino, el mal trato dado a una mujer, de 13 años en el cuento de Borges, por parte de unos hermanos incestuosos que ven en ella a “la intrusa” de la paz y la tranquilidad” de sus vidas; así ella pasa de ser una mal tratada sirvienta a un objeto sexual maltratado, solo ver cómo ellos tienen sexo con ella es de un horror insoportable, es más violación… así, tras un tiempo de compartirla, nacen los celos entre los hermanos, al tiempo que ella se da cuenta de la verdadera relación, y eso genera la tragedia. Acotar que por los años 60, el tema de la homosexualidad era un tabú, por eso Borges despista con la referencia bíblica; al tiempo que su madre, una mujer muy severa y religiosa, que cuando él quedó casi ciego, era ella la que escribía sus cuentos dictados por él, ella no hubiera aceptado que su hijo escribiera un relato sobre homosexuales; por lo que se sabe que fue ella la que le sugirió el final de la historia, donde “la intrusa” representa la sociedad que los hermanos detestan, que no cumplían con los valores de la misma, incluso la conducta del arrabal no admitía que 2 hombres convivieran con la misma mujer. El filme está inteligentemente narrado, pero está muy mal iluminado, hay demasiadas sombras que no son metafóricas, y que probablemente sea un síntoma de la necesidad de restauración, pues tanto el tema de la misoginia y la homosexualidad es interesante como la vida del arrabal a finales del siglo antepasado, al tiempo que el relato no da tiempo para conocer a Juliana, que tiene muy poco diálogo, debido en parte a su condición de objeto; mientras que la relación entre Cristiano (José de Abreu) y Eduardo (Arlindo Barreto) es muy sutil, aunque se nota la jerarquía entre ellos muy bien. Las escenas panorámicas de día y atardeceres son hermosas, así como cierto aire de “realismo mágico” muy bien empleado, pero nuevamente, se necesita una restauración de la película para poder tener una mejor apreciación y valoración, pues ese detalle le cobra una alta factura. A destacar también la hermosa e inquietante banda sonora a cargo de Astor Piazzolla y su trío, con canciones que se amoldan muy bien a la ambientación. Se dice aquí que “Caín andaba por ahí, pero el cariño entre los Nilsen era muy grande como para matarse”
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Menino do Rio
Menino do Rio (1982)
  • Brasil Antônio Calmon
  • André de Biase, Cláudia Magno, Ricardo Graça Mello, Sergio Mallandro, ...
3
Tall and tan and young and lovely...
Terminando de ver “Menino do Rio” (1982) de Antônio Calmon con André de Biase, Cláudia Magno, Ricardo Graça Mello, Sergio Mallandro, entre otros. Película de aventura y romance brasileño, que sigue a un joven surfista que se enamora de una bailarina. El filme recuerda los filmes de John Travolta, donde hay mucho baile y música, al tiempo que tiene algo de los finales de las comedias románticas como “The Graduate” El filme tiene una fotografía bonita de Rio de Janeiro, imposible pasarlo por alto, donde la ambientación y el vestuario es totalmente ochentero, con el maquillaje y peluquería muy acorde a los tiempos, y aquí se mete uno que otro desnudo de los protagonistas, que es de agradecer… para nada gratuitos, y que eleva la propuesta al nivel erótico, pero sin morbo, mostrando mucha piel expuesta y algún ángulo de cámara sutil… imposible no hacerlo al ser “un filme de playa” Del reparto, debido al tono melodramático, televisivo, y de telenovela, el filme contiene los estereotipos acostumbrados, “nada nuevo ni original bajo El Sol”; sin embargo, el filme sigue a André de Biase, se enfoca en su vida y en su belleza: “Tall and tan and young and lovely”
NO RECOMENDADA.
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Violación en el último tren de la noche
Violación en el último tren de la noche (1975)
  • 5,7
    196
  • Italia Aldo Lado
  • Flavio Bucci, Macha Méril, Gianfranco De Grassi, Enrico Maria Salerno, ...
2
Solo la vamos a cortar un poco
Terminando de ver “L'ultimo treno della notte” (1975) de Aldo Lado con Flavio Bucci, Macha Méril, Gianfranco De Grassi, Enrico Maria Salerno, entre otros. Película de terror italiana, o “Giallo” de explotación, sobre 3 pervertidos que someten a 2 jóvenes mujeres a toda clase de vejaciones y sufrimientos… el giro será una encarnizada venganza. Atípica “película navideña”, si me permiten la broma, que sigue la estela de miles de películas morbosas que aprovecharon los tabúes del cine erótico, añadiéndole sadismo, perversión y violencia para darle morbo y dañar la sensibilidad del espectador; tanto que ganó notoriedad cuando fue prohibida en El Reino Unido como “un video desagradable” en la década de 1980; aunque fue absuelto en 1984, y no obtuvo estreno completo hasta 2008. La producción sigue la línea trazada por “Jungfrukällan” (1960) de Ingmar Bergman, siendo más una copia de “The Last House On The Left” (1972) de Wes Craven; pero realmente, viendo los filmes referenciados, cabe decir que aquí hay más insinuaciones que “gore”; y prácticamente no hay sangre ni desnudez; los 2 matones no son tan sádicos, mientras que el aditivo de la mujer sádica, si es perturbador… por lo que si buscas algo brutal y sangriento, esta película aburrirá, pues sabiendo la sinopsis, uno ya espera la violación y la venganza; algo ya visto miles de veces y de la misma manera. De los actores, todos son malos, excepto la cabra loca que da miedo… y en el fondo, la película no disimula sus pretensiones políticas: Ricos y pobres son distintos, pero a la hora de la depravación, todos tenemos los mismos deseos. Lo interesante es la banda sonora de Ennio Morricone, que realiza aquí un pequeño “auto-homenaje”, pues la inquietante melodía que Curly entona repetidas veces con su armónica, es la misma que aparece en “Once Upon a Time In The West” (1968) de Sergio Leone. Eso no quita que la película sea un tormento eterno, literal. “Solo la vamos a cortar un poco”
NO RECOMENDADA.
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Free Solo
Free Solo (2018)
  • 7,4
    1.543
  • Estados Unidos Jimmy Chin, Elizabeth Chai Vasarhelyi
  • Documentary, Alex Honnold
10
La vida más allá del miedo
Terminando de ver “Free Solo” (2018) de Jimmy Chin & Elizabeth Chai Vasarhelyi con Alex Honnold, Sanni McCandless, Jimmy Chin, Tommy Caldwell, entre otros. Documental producido por NATGEO, ganador del Premio OSCAR al Mejor Documental, que sigue el proceso y la hazaña de Alex Honnold, de 33 años, al escalar sin ningún tipo de ayuda, la formación rocosa vertical llamada “El Capitan” con una altura de unos 900 metros, ubicada dentro del Parque Nacional Yosemite, en Mariposa County, Estados Unidos; siendo el primer escalador en lograrlo. La película sirve también como una biografía del escalador, pues llegamos a conocer su infancia y adolescencia, y así la película nos ayuda a crear una imagen de su personalidad y su mentalidad aventurera de alto riesgo. Al tiempo que el filme pone en evidencia la importancia de la salud física, el vegetarianismo, la amistad, la familia y el amor. Técnicamente asombrosa, pues al principio la idea era mostrar la escalada con cámaras y drones a la par… pero todo lo planeado se vino abajo, pues en realidad, molestaba en la concentración, y no aplicaba en aquello del “estilo libre y solo” del título. Así vemos toda la trastienda de la preparación, las lesiones provocadas por los intentos, “los fallos y el error” en Las Leyendas del Alpinismo que intentaron la escalada “Free Solo” pero que fallaron y murieron, muchos de los cuales, la película homenajea y rinde tributo al dedicársela a ellos. Así como también vemos imágenes asombrosas, de vértigo, inquietantes que ayudan a que la proeza de este meta-humano, logre con éxito una hazaña sin precedentes, literalmente, con habilidades no adquiridas por cualquiera, sino por aquellos que tienen una preparación mental, física, de salud y emocional, pues también conocemos el amor y las decisiones que toma ante retos que no son precisamente alpinistas. En lo personal, Alex Honnold se nos muestra ido… casi como si “estuviera en otro planeta”, no es casual que sea una persona excepcional, reservada y decidida, con dudas y temores, pero con una determinación inquebrantable que es digna de elogio, pues no hay obstáculo ni temor, cuando la voluntad es más grande. Pero no todo es suspenso, hay momentos de comedia, como el camarógrafo que no puede mirar las escaladas porque le da terror, o románticos como la relación que tiene Alex con su novia; como verán, la película es muy completa, para todos los gustos, y está narrada de manera convencional, pero muy amena y fluida, siendo un filme familiar, de esos “de vencimiento a la adversidad” algo que gusta mucho en los EEUU. Nos queda: “La vida más allá del miedo”
RECOMENDADA.
PRONTO una nota en el blog de Lecturas Cinematográficas.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
The Crawling Hand
The Crawling Hand (1963)
  • 3,8
    24
  • Estados Unidos Herbert L. Strock
  • Peter Breck, Kent Taylor, Rod Lauren, Alan Hale Jr., ...
3
Algo hace que mi brazo se mueva... ¡me obliga a hacer cosas!
Terminando de ver “The Crawling Hand” (1963) de Herbert L. Strock con Peter Breck, Kent Taylor, Rod Lauren, Alan Hale Jr., Allison Hayes, Sirry Steffen, entre otros. Película de terror y ciencia ficción, sobre una mano amputada “asesina” de un astronauta que cobra vida; y un adolescente poseído por ella para asesinar. Cabe señalar que la explicación de porqué la mano cobra vida, añade un componente nuevo al terror, en tiempos en que los viajes al espacio estaban en boga y se desconocía lo que había allá afuera; por lo que se nos habla de organismos extraterrestres… el problema es que pretende ser un filme de terror, y falla estrepitosamente, porque los ataques de “la mano que se arrastra” son muy escasos, y los alargan innecesariamente. Técnicamente, el filme es de bajo presupuesto, “de serie B”, con actores malos, aunque muy conocidos en la TV, pero que no levantan el filme por su actuación, y solo lo salvan Peter Breck como el investigador y Rod Lauren como el joven poseído. De ahí, la trama contiene algo de suspenso, con ambientación típica del género, y unos efectos especiales muy malos, sobre todo el de la mano que se nota muy cutre… pero que sí logra impactar cuando “de repente” aparece para atacar. Como dato, Burt Reynolds hizo 2 veces el casting para el joven protagonista, pero según se informa, actuó con tanta firmeza que no fue elegido. En el fondo, el filme tiene connotaciones de descubrimiento sexual en la mente del joven "poseído", que acaba de descubrir el sexo, y la masturbación lo vuelve loco, tanto que llega a matar… no es casual el final simbólico, de un gato (pussy) heroico y hambriento, que lo salva… de ahí que el personaje diga: “Algo hace que mi brazo se mueva... ¡me obliga a hacer cosas!” Todo está entrelíneas.
NO RECOMENDADA.
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Once Before I Die
Once Before I Die (1965)
  • Estados Unidos John Derek
  • Ursula Andress, John Derek, Richard Jaeckel, Ron Ely, ...
5
Uno antes de que todos mueran
Terminando de ver “Once Before I Die” (1966) de John Derek con Ursula Andress, John Derek, Richard Jaeckel, Ron Ely, Vance Skarstedt, Bessie Barredo, entre otros. Película bélica, también conocida como “No Toys for Christmas” y “The 26th Cavalry” basada en la novela “Quit for The Next” (1945) del Teniente Anthony March; que sigue a un grupo de soldados del 26º Regimiento de Caballería de EEUU, poco después del ataque a Pearl Harbor, cuando los japoneses atacan Las Islas Filipinas; en el viaje, un tímido soldado de 22 años, confiesa a una bella refugiada sobre sus miedos, y solo una vez antes de morir, del título, le gustaría tener relaciones sexuales por primera vez… Filmada en 1964, pero estrenada hasta 1967, toma una historia potencialmente interesante, la guerra de guerrillas emprendida contra los japoneses después de su toma de posesión de Filipinas en La Segunda Guerra Mundial, y por alguna razón, se convierte en un juego de quién va a acostarse con Ursula Andress, antes de que los japoneses maten a todos. La historia es innegablemente ridícula, pero sí compensa al espectador con un contenido sorprendentemente violento para una película hecha en 1965, y divertidas imágenes de Ursula, que avanza a través de la jungla como una chica Bond, no es casual que tenga una escena que homenajea descaradamente a “Dr. No” (1962) con traje de baño blanco y todo ¿Cómo mantiene ella su atuendo limpio y apretado después de saltar en cada río que ve? Al tiempo que muestra la guerra como algo muy feo, casi una advertencia sobre el conflicto de Vietnam con el que Estados Unidos se estaba involucrando; así como técnicamente ofrece una hermosa fotografía, y un final visualmente impresionante, aunque completamente confuso. Toda la obra vale por La Andress como la fuerza vital y el destino que cada uno de los hombres se encontró, después de que se involucraron con ella, como una “Viuda Negra” o “Femme Fatale” del destino. La película queda como la primera película de Derek como director, por el entonces marido de Ursula Andress, de quien se divorció oficialmente antes de que se estrenara la película, pues se rumoreaba que Ron Ely habían tenido un romance con ella durante el rodaje... Como dato, John Derek sirvió en El Ejército de los EEUU en Filipinas al final de La Segunda Guerra Mundial; pero falla al tratar de explotar a su esposa como medio para atraer espectadores, pues la cámara está enamorada de ella, y la muestra de manera evidentemente hermosa, pero el director no prestó atención a obtener un guión coherente y la dirección de actores, como mantener una apariencia de continuidad, y un uso excesivo de la pantalla congelada, aunque adelantado a su tiempo, pudo haber ayudado a mantener el presupuesto bajo; así como tomas psicodélicas que eventualmente se volverían comunes en 1969. El reparto, La Andress no actúa nada pero vaya que es digna de ver, mientras que el desempeño de Richard Jaeckel, como un soldado que finalmente se vuelve loco por la lucha y Ron Ely, es bastante bueno. John Derek, que también actúa, no lo hace mal, pero el mismo es despachado, y cuando sale del relato, el filme se reciente bastante. Su historia sobre el soldado que no quiere morir virgen, y otros soldados que están constantemente por morir, es lo más débil y absurdo, a pesar del título; pues la historia fuerte, que realmente se convirtió en la historia de vanguardia, fue la del soldado con trauma de guerra, que domina la historia, especialmente en una escena donde relata, cómo destruyó una unidad enemiga, y es ridiculizado por sus pares hasta que les muestra la prueba... Un dato curioso es que durante el rodaje, el actor y cantante, Rod Lauren, con gran parecido a Alden Ehrenreich, conoció a la actriz filipina, Nida Blanca, con quien más tarde se casó… y en 2001, Lauren huyó de Filipinas, acusado del asesinato de Blanca, suicidándose en 2007. “Uno antes de que todos mueran”
NO RECOMENDADA.
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Fiebre de amor
Fiebre de amor (1985)
  • 2,7
    99
  • México René Cardona Jr.
  • Luis Miguel, Lucero, Maribel Fernández, Guillermo Murray, ...
2
Yo lo doy todo por tener el calor de tu pasión que me hace enloquecer
Terminando de ver “Fiebre de Amor” (1985) de René Cardona Jr.,, Luis Miguel, Lucero, Maribel Fernández, Guillermo Murray, Carlos Monden, entre otros. Comedia romántica y musical mexicano, con muchas canciones y con el escenario de Acapulco como telón de fondo; sigue a una fanática de Luis Miguel, que tras enterarse que dará un concierto, inicia una fantasía con él; pero las cosas se tuercen tras el concierto… En todo el relato, ambos vivirán “divertidas y arriesgadas” aventuras. El filme fue un éxito de la productora Televicine, que eran los estudios de cine/televisión de Televisa; siendo distribuida por Metro Goldwyn Mayer. El filme tiene un trasfondo interesante, pues el padre de Luis Miguel, el cantante y compositor español, Luisito Rey, descubrió tempranamente las cualidades artísticas de él, y abandonó su propia carrera para acompañarlo y representarlo en una tutela que se prolongó hasta 1988, cuando Luis Miguel llegó a la mayoría de edad, y decidió reemplazarlo como manager. Y se cuenta que la primera incursión en la televisión mexicana del llamado “Sol de México”, el 12 de marzo de 1980, fue a través del favor que le concedió su tío, Mario Gallego “amigo” de Arturo Durazo, influyente Jefe de La Policía y cabeza del narcotráfico en la capital; un hecho que se ha vinculado a la misma productora Televisa; siendo así cómo se solicitó “el favor” para que Luis Miguel participara en el programa “Siempre en Domingo”, producido por Televisa. De esa manera, Luis Miguel comenzó su carrera musical en México, en 1982, siendo el cantante más joven en recibir un Grammy, con 15 años de edad. Mientras que en el cine, sólo ha participado en 2 películas, siendo esta la 2ª y última. ¿Por qué? Evidentemente, la explotación artística del padre de Luis Miguel, le salió cara al mostrarlo en un filme de alto presupuesto, pero con un guión muy malo, y muy mal desarrollado, mal editado, y con una banda sonora que llega a molestar por ser demasiado repetitiva. El relato es absolutamente absurdo, donde se evidencia que sólo interesa mostrar al cantante a como dé lugar, al tiempo que se nota que es muy mal actor, con mucha sobreactuación, mostrando sus “tics” que ha mantenido hasta hoy. Mientras que Lucerito, muy hermosa, pero demasiado cursi en su actuación, que ahora se ve añeja, y muy pasada de moda, sin olvidar que ambos eran cantantes famosos entonces. Lucerito comenzó su carrera cuando tenía 10 años, y tras su éxito en la TV, se hizo el “sueño” de muchos: Poner a ambos artistas en un filme para adolescentes, donde hay diálogos subidos de tono, algunos de doble intención con connotaciones sexuales, y con canciones alusivas a “la primera vez” Todo alrededor de ellos, junto a la realización de la película, dio pie al mito que entre ellos hubo un romance… Sin embargo, recientemente, la cantante lo desmintió, y destacó la bonita amistad que formaron. Una cosa es cierta, en ellos hay una gran química, no como pareja, sino como amigos, pero el filme se resiente por ser demasiado “atolondrado, cursi, y con humor pasado de moda” Lo cierto también es que la banda sonora está catalogada como “una de las más exitosas en ventas y publicidad en la historia del cine y la música”, sobre todo por representar un sector de la juventud mexicana de una época en particular; siendo el “soundtrack” más vendido de Lucerito. Nos queda un filme mal hecho, sólo para mostrar lo malos actores que fueron los buenos cantantes que son… al menos El Sol de México: “Yo lo doy todo por tener el calor de tu pasión que me hace enloquecer” NEXT!
NO RECOMENDADA.
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Ghost in the Shell
Ghost in the Shell (2017)
  • 5,7
    18.576
  • Estados Unidos Rupert Sanders
  • Scarlett Johansson, Takeshi Kitano, Michael Pitt, Pilou Asbæk, ...
6
Ellos no salvaron tu vida, la robaron
Terminando de ver “Ghost in The Shell” (2017) de Rupert Sanders con Scarlett Johansson, Michael Pitt, Pilou Asbæk, Chin Han, Juliette Binoche, entre otros. Película de acción y ciencia ficción, ubicada en un futuro cercano, cuando la línea entre los humanos y los robots se difumina, la trama sigue a un “cyborg” y súper soldado que investiga su pasado. Basado en el manga y anime del mismo nombre, escrito y dibujado por Masamune Shirow, es un viaje de descubrimiento propio para el personaje, con ideas acerca de la sociedad, las máquinas y sobre todo, el tema vector de todo: ¿Dónde está la chispa que nos hace humanos? Técnicamente el filme es asombroso, sobre todo por varias escenas que son exactas en comparación visual con el manga/anime de 1995, y en ello se excede el filme, en mostrar el escenario impresionante de una metrópolis pan-asiática, que hace un uso audaz e ingenioso del horizonte, con sus edificios herméticamente apilados con enormes carteles holográficos, por lo que la cinematografía, el CGI y el diseño de producción, son realmente asombrosos; al tiempo que muestra algunas ideas de fondo, sin explorar, sobre lo post-humanismo, y algunas reflexiones sobre lo cibernético, pero todo ello ya está visto, por lo que el filme llega tarde… Como puntos negativos, este es un personaje que es físicamente asiático, que bebe de la cultura asiática continuamente referenciada, y que está ambientada en una ciudad ficticia, claramente inspirada en Asia; por lo que todo está inexplicablemente “blanqueado” u “occidentalizado”, así como se siente una falta de desarrollo en el personaje. Por otro lado, la calificación PG-13 afecta a la violencia gráfica, un componente primordial de la base original, y aunque emplea recursos visuales novedosos y sorprendentes, ya fueron inventados e instalados en la memoria colectiva en películas “cyberpunk” como “Blade Runner” (1982) y “I, Robot” (2004), o en las sagas “THE MATRIX”, “X-MEN”, incluso “STAR WARS” Del reparto, solo Scarlett Johansson da la talla como heroína de acción, aunque no es para tanto. En definitiva, lo salva algunos efectos muy bien montados, entre CGI y coreografías, como la escena de las geishas; y algunas otras calcadas del anime. Nos queda que “Ellos no salvaron tu vida, la robaron”
RECOMENDADA.
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Spider-Man: Un nuevo universo
Spider-Man: Un nuevo universo (2018)
  • 7,8
    10.469
  • Estados Unidos Bob Persichetti, Peter Ramsey, ...
  • Animation
5
Lo que te hace diferente es lo que te hace Spider-Man
Terminando de ver “Spider-Man: Into The Spider-Verse” (2019) de Peter Ramsey, Robert Persichetti Jr., & Rodney Rothman con Shameik Moore, Jake Johnson, Mahershala Ali, Lily Tomlin, Nicolas Cage, Liev Schreiber, entre otros. Comic de animación de superhéroes, basado en el personaje homónimo de MARVEL Comics, Miles Morales/Spider-Man; que lo convierte en el primer largometraje animado de la franquicia Spider-Man; y se desarrolla en un “multiverso” compartido llamado “Spider-Verse”, que tiene universos alternativos donde por primera vez se presentan todas y cada una de sus versiones alternas. Así, Miles Morales se convierte en uno de los muchos Spider-Men, cuando se unen para salvar La Ciudad de New York de Kingpin; pero Miles deberá entrenarse para convertirse en el nuevo protector de su ciudad. Nominada al Premio OSCAR como mejor largometraje de animación, extrañamente muy por debajo de LA OBRA MAESTRA “ISLE OF DOGS” que compite por OSCAR en la misma categoría; hay que decir que actualmente, los estudios de cine se enfocan en explorar económicamente y de manera descarada, a diestra y siniestra el comic, ahora enfocándose en “El Universo Extendido”, donde no hay espacio para el drama complicado ni para explicaciones ni mensajes profundos, pues lo que prima es la acción y el absurdo. En este caso, lo único interesante es el estilo único que combina la línea de animación por computadora de Sony Pictures Imageworks, con técnicas de comics tradicionales dibujadas a mano, inspiradas en el trabajo de la co-creadora de Miles Morales, Sara Pichelli, para mostrar de manera muy bien hecha, la interacción entre las diferentes técnicas de manera vertiginosa. Y ahí esté el detalle, esta película es más un muestrario técnico de posibilidades, en un relato plano y sin interés, por lo que la productora se enfatizó en la animación para atraer al público, ya que para la realización, por ejemplo, se necesitaron más de 140 animadores, el equipo más grande jamás utilizado por Sony Pictures Animation para una película hasta la fecha… más allá de eso, el filme es vacío, pues también se le puede achacar lo reiterativo del relato, y la narrativa que se sucede sin pausa, con acción demasiado acelerada y vertiginosa, que sigue el patrón del videojuego con las típicas viñetas y pantallas divididas del comic; es decir, el filme traslada a la acción, lo que la historieta muestra en papel; nada original y nada nuevo en el género, pues ya eso fue mostrado en “Hulk” de Ang Lee por ejemplo. Por otro lado, poco después de la muerte de Stan Lee, a los 95 años, se anunció que había grabado un cameo para la película, y que ese sería su último papel como actor de voz; por lo que los directores sintieron que era importante que a Lee le dieran un momento más importante en comparación con las películas anteriores de MARVEL, porque era “tan integral en el espíritu de esta película” y consideraba su papel “muy significativo” después de su muerte; así las cosas, hay una dedicación en los créditos finales a los creadores de “Spider-Man”, Stan Lee y Steve Ditko, quienes fallecieron en 2018. “Esa persona que ayuda a otros simplemente porque debería o debe hacerse, y porque es lo correcto; es sin duda un verdadero superhéroe. Gracias a Stan Lee y Steve Ditko, por mostrarnos que no somos los únicos” No obstante, tras lo romántico que parece, y la saturación de comics en la industria, al tiempo que llegó a tope el tema “Spidey” con “Homecoming”, “Venom” y este filme… sólo con esta producción, se ha recaudado más de $358 millones en todo el mundo, contra un presupuesto de $90 millones; no es de extrañar que una secuela y un “spin-off” están en desarrollo. Definitivamente, insisto que el comic está destruyendo el cine como ARTE, y se ha convertido en “entretenimiento puro y duro” uno tras otro que ha impedido que ninguno quede en la historia, puede que solo la trilogía de Nolan, y ahora “Black Panther”, y esta última no por buena, sino por la patética corrección política de Hollywood: “Lo que te hace diferente es lo que te hace Spider-Man”
NO RECOMENDADA.
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3 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Venom
Venom (2018)
  • 5,5
    14.313
  • Estados Unidos Ruben Fleischer
  • Tom Hardy, Riz Ahmed, Michelle Williams, Jenny Slate, ...
5
Abraza a tu antihéroe interior
Terminando de ver “Venom” (2018) de Ruben Fleischer con Tom Hardy, Riz Ahmed, Michelle Williams, Jenny Slate, Reid Scott, Michelle Lee, entre otros. Comic de superhéroes, basado en el personaje homónimo de MARVEL, y 1ª película del Universo MARVEL de SONY, adjunta pero separada del Universo Cinematográfico de MARVEL, por lo que no se considera el “spin-off” de ninguna otra película; y está basada fundamentalmente en 2 comics: En la miniserie “Venom: Lethal Protector” (1993) y el arco de la historia “Planet Of The Symbiotes” (1995); que trata sobre un periodista que es afectado por un parásito extraterrestre, cuya especie planea invadir La Tierra, por lo que el protagonista, con la ayuda del adaptado extraterrestre, harán todo lo posible por sacar a la luz los excesos de la experimentación con seres humanos y formas de vida alienígena, y evitar la invasión. El personaje central, es uno de los principales antagonistas de Spider-Man, que hizo su primera aparición en el cine en “Spider-Man 3” (2007), pero jugó un papel secundario, y no se exploró su alter-ego, Venom. Es así cómo nace esta producción, pero no quedan claras muchísimas cosas, por lo que es un filme “sólo para fanáticos del comic”, pues no sabe si quiere ser una película sobre un superhéroe o sobre un supervillano; o una “buddy movie” de hombre y simbionte; lo que queda claro es que el filme toma la idea del “Hombre Lobo” o de “Dr. Jekyll & Mr. Hyde”, con alter-ego caótico, “ruidoso y repugnante”, pero que demanda una urgente necesidad de un mayor apego a Spider-Man, pues así solo, no lo hace que sea más accesible, pero sí más fácil de convertirlo en algo más “familiar” por la cantidad de comedia que contiene, aunque sea absurda, desagradable y algo para mayores de edad. Del reparto, solo Tom Hardy da la cara, por haber hecho un trabajo físico fantástico, pues además de retratar a Eddie Brock, Hardy también proporcionó la voz, al estilo “Birdman”, y el soporte físico para varias escenas de acción; pero como personaje falla estrepitosamente en lo concerniente a la historia del origen de Venom, imagino que eso quedará para una futura entrega… y lo más llamativo fue precisamente mostrar al personaje en escenas de acción, apoyadas por unos impactantes efectos visuales, sobre todo la larga escena de la moto y algunas de lucha en transformación constante, donde la mayoría se alternan con comedia pura y dura, llena de diálogos políticamente incorrectos. Sin olvidar que el filme mantiene el formato comic, solo cambiando de personajes y escenarios, con chica florero incluida, y un torpe villano; mientras que en los créditos finales, tenemos la inclusión de Cletus Kasady/Carnage; y el obligado cameo del recientemente fallecido Stan Lee, como un paseador de perros que habla con Brock. Con sus fallos, que son muchísimos, pero sobre todo por el pésimo argumento, el filme se convirtió en la 6ª película más taquillera de 2018, con un presupuesto $100 millones, logró recaudar $855 millones, no es casual que SONY comenzara a plantearse la posibilidad de una secuela, que sería lanzada en 2020. Nos queda el mensaje de muchas obras sobre “el doble”, desde Fyodor Dostoyevskiy: “Abraza a tu antihéroe interior”
RECOMENDADA.
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Alita: Ángel de combate
Alita: Ángel de combate (2019)
  • 6,7
    4.776
  • Estados Unidos Robert Rodriguez
  • Rosa Salazar, Christoph Waltz, Jennifer Connelly, Jackie Earle Haley, ...
6
Eres la persona más humana que he conocido nunca
Terminando de ver “Alita: Battle Angel” (2019) de Robert Rodríguez con Rosa Salazar, Christoph Waltz, Jennifer Connelly, Mahershala Ali, Ed Skrein, Jackie Earle Haley, entre otros. Película de acción y ciencia ficción post-apocalíptica, y “remake” del clásico anime “銃夢” (GUNNM/Battle Angel Alita” (1993) sobre una joven que es “revivida” gracias a la tecnología; y en el proceso, lucha contra el crimen organizado, mientras intenta “normalizar” su vida como “cyborg”; por lo que ella es una creación de una época de desesperación, “un ángel de la muerte”, que busca adaptarse a un mundo que desconoce, al tiempo que encuentra el amor… Esta adaptación del manga cyberpunk “銃夢” (GUNNM) creado por Yukito Kishiro, es una obra bastante extensa y complicada, pues su trama enredada y realmente larga, se extiende a lo largo de 9 volúmenes; que aquí se condensa con un enfoque específico en los primeros 4 libros; siendo coescrito por James Cameron, que tomó interés desde finales de los 90s, cuando Guillermo del Toro le recomendó que leyera esta serie de anime. Así pasaron 24 años, para que la tecnología avanzara lo suficiente como para adaptar el mundo cyberpunk del manga; donde Cameron, que ha estado muy ocupado con las secuelas de “Avatar”, le pidió a Rodríguez ocuparse del proyecto. Siguiendo la directriz de James Cameron, que solo hace películas con letras “T” y “A”, que “GUNNM/Battle Angel Alita” cambió su nombre, y donde Rodríguez cumple con guiños a la filmografía del titánico director. El filme vale por estilo visual, evidentemente por el diseño de Alita y su interacción con el resto del reparto humano, así como los demás “cyborgs”, y viceversa, la ambientación de acción en vivo en el mundo CGI que es muy fina, donde todo el movimiento generado realmente es grato y espectacular, sobre todo en las escenas de acción, con las secuencias y coreografía, como en los juegos de cámara, logran una experiencia muy novedosa, tanto que uno no logra saber qué es realidad, y qué son CGI; pero en el fondo, todo está sacado directamente de un videojuego, de ahí que sea todo muy previsible y falte originalidad; donde la parte dramática se reciente demasiado; tanto que no genera emociones, es bastante fría, así como se hace realmente larga, densa y hasta aburrida con bajonazos de ritmo, perdiendo fluidez. Con algunas lagunas argumentales, como qué paso en la ciudad y cómo se llegó al nivel social donde están, la historia contiene la típica estructura de periplo del héroe más clásica, con un reparto oscarizado no logra levantar un filme que no hará historia, más allá del avance técnico, eso sí: “Eres la persona más humana que he conocido nunca” Película de producción industrial, en serie, que espera secuela dependiendo de la taquilla, es decir, si es rentable.
RECOMENDADA.
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