Teniendo en cuenta que existen diferentes formas de abordar el género de terror, esta escoge la que para mí es la más elegante y efectiva; sobre todo considerando la sencillez del guión del que partía.

Mientras otras producciones optan por el sobresalto constante para tratar de dar emoción a la película (práctica completamente estéril para mí), esta opta por incrementar la intensidad progresivamente hasta alcanzar un "volumen" considerable que se mantendrá sostenido durante las dos primeras partes de la misma. Aunque acabará decayendo un poco en la tercera y última parte.

Su fuerza se mantiene gracias a la excelente dirección de André Ovredal y a la magnífica interpretación de Brian Cox, que dotan de verosimilitud una cinta que podría haber acabado sepultada en el rincón más andrajoso de la serie B.

André Ovredal sabe perfectamente lo que quiere y lo consigue. Controla el ritmo con una precisión que por momentos nos podría recordar a Fincher por el "frío" tratamiento de la imagen y el lugar, o incluso, durante la primera parte de la película, al Hitchcock más documentado y morbosamente descriptivo. Desde luego un director a tener muy en cuenta en el futuro.

Brian Cox, el otro pilar de la película, sustenta lo que su director intenta imprimir en pantalla mediante una interpretación conservadora, rigurosa, pero (y aquí viene la genialidad) sutilmente empática.

El film no solo pretende ser efectivo sino que trata de ofrecer el mejor entretenimiento posible al público más exigente, manteniéndolo en tensión mediante una atmosfera desasosegante y claustrofóbica que acabará por redimir un desenlace que desgraciadamente no está a la altura.

"La autopsia de Jane Doe" es sin duda una de las mejores sorpresas del Festival de Cine de Sitges, si no la mejor.

La manera que ha tenido el cine de narrar la violencia ha ido cambiando con el paso del tiempo. Al principio insinuaba con sutiles imágenes lo que sucedía, pero poco a poco se ha ido convirtiendo en una índole cada vez más gráfica, quizá, por la inconsciente demanda del público.

Estamos acostumbrados a ver violencia explícita en el cine y sin embargo, Funny games, resulta una película incómoda para muchos; pero incomoda porque provoca. Esto se debe a que Haneke, con herramientas técnicas, rompe con la sensación de ficción para hacernos partícipes de la tortura que tiene lugar en el film. Y es que precisamente es esto lo que Haneke intenta denunciar. El público ha asistido al cine durante muchos años para deleitarse con películas del género, argumentando como excusa que solo se trata de ficción para poder irse impune a casa.

Pero, ¿es ficción?

Según Haneke, mientras más incómoda te resulte Funny games, más de acuerdo estarás en que no lo es, que la violencia es una característica más del ser humano, pero claro... cuesta reconocerlo.

Considero banal tachar a Haneke de "perturbado" como he visto en algunas críticas. Creo que, de comprender la película, no podría haber teoría más lejana, ya que funny games es sobre todo sarcástica.

Le doy un diez por la estupenda praxis. Creo que Funny games consigue con creces lo que pretende.

Recomiendo la película a aquellas personas que sepan adoptar una buena distancia entre obra y espectador para poder apreciarla con plenitud. De esta forma disfrutarás viendo cómo Haneke pone el dedo en la llaga a los más escépticos.

Por otra parte, no la recomiendo a todo aquel que no esté acostumbrado a cierto cine independiente y sea de naturaleza susceptible; lo pasará mal.

No dejo de sorprenderme cuando una pelicula que me resulta tan evidentemente mala a otros incluso les fascina. Lo siento, pero aunque lo respete, no logro a comprenderlo. Con este planteamiento acaba uno por pensar que el mal cine no existe, puesto que si una pelicula le gusta aunque sea a una minoría, ya deja de ser mala, ¿no?. Entiendo que el respeto debe de estar siempre por encima de la valoración.

Blake Lively, preciosa; y anda que no se relame la camara a este respecto. El guión es lo mas predecible que se puede uno encontrar, y no solo eso, es que... Uf, me da pereza analizarlo y todo.

Pelicula de serie b de las que dan a veces en el canal scifi. (Mi novia y yo nos cachondeabamos con los topicazos practicamente a cada escena)

He leído por ahí que la han comparado con Tiburón. A mi la de Spielberg me gusta; no siento esa devoción tan especial que sé que sienten muchos, pero me gusta; lo suficiente como para sospechar que la comparación podría llegar a considerarse un insulto importante.

Si busca a Stallone, Diesel o Statham le recomiendo que huya sin contemplaciones, de lo contrario, cuando hayan pasado unos quince minutos de película, Hipnos ya le habrá hechizado con su cuerno y no podrá volver a levantarse durante un buen rato; y eso si tiene suerte, porque lo más probable es que acuda antes su hermano.

Este es un drama intelectual cuya razón de ser reside en el carácter intrínseco de sus personajes, que van subyugando poco a poco las aparentes trivialidades de la historia, para hacer tangible su verdadera naturaleza y ser juzgados en un primer plano.

La forma que tiene Ceylan de utilizar a los personajes recuerda mucho a Bergman, con la diferencia de que Ceylan los va desnudando mucho más despacio, aunque intuyo que es conscientemente.

A lo largo del film, cuando empezamos a ver la condición de cada uno de ellos, sus objetivos y sus formas, entendemos que no son quienes quieren ser, y lo peor de todo, que llevan tanto tiempo escondiéndose que ni ellos mismos se conocen.
Tenemos miedo de nosotros mismos.

Nuri Bilge Ceylan no nos dice que el ser humano no es perfecto, eso lo sabemos todos, lo que nos dice es que nos sentimos culpables por no serlo, y así no hay tregua.

De la culpa pasamos al remordimiento, y del remordimiento al olvido para poder sentirnos mejor con nosotros mismos, pero aludiendo al título de la crítica:

"NADIE ESTÁ LIBRE DE PECADO... AUNQUE NO LO SEPA."

Kieslowski narra, con su característica poesía visual, una de las mejores películas de su filmografía.
Ejecuta, con la habilidad adquirida por la experiencia, un gran desarrollo del personaje, estupendamente interpretado por Juliette Binoche.
Desde un punto de vista técnico, se puede apreciar como Kieslowski pone todo el film a los pies de su protagonista. Arropándola para que, con más fuerza, podamos entender como se siente, y así, acompañarla en esa "irremediable" búsqueda de la liberación.
La última escena de la película, magnífica... Diría que define, muy bien, el tono mantenido en todo su transcurso, tanto emocional como argumentalmente.