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Críticas de directorscut
Críticas ordenadas por:
Misión imposible
Misión imposible (1996)
  • 6,3
    102.421
  • Estados Unidos Brian De Palma
  • Tom Cruise, Emmanuelle Béart, Jon Voight, Jean Reno, ...
8
Buen intento de resucitar el espionaje.
De Palma tiene un don. Donde pone su mano se consigue un film mínimamente de calidad. Es un cineasta capaz de otorgar elegancia e interés donde no lo hay. Sabe atraer y otorgar alicientes incluso en proyectos que parecen infumables o que estén condenados a fracasar. No es el caso de “Mission Impossible”, pero el cineasta no se conforma con hacer un blockbuster típico y vacío de todo contenido. Es un artista, y eso conlleva a querer ir mucho más allá. No le importa dejar con un sabor agridulce a todos aquellos adictos perseguidores de acción explosiva y ruidosa, que solo quedará saciada con un número de explosiones y de coches destruidos.

No señores, De Palma no trata de hacer eso en su “Mission Impossible”, la mejor hecha hasta la fecha. El director echa de menos un género desgraciadamente extinto, que intenta darle su último aliento. Un género que surgió en los sesenta con el apogeo de la Guerra Fría. Estoy hablando del espionaje, una clase de cine con un atractivo muy especial, iniciado con los primeros films de Connery de James Bond. El director de “Los Intocables” sabe claramente hacia dónde quiere dirigir su “Mission Impossible”. Su objetivo es lograr un atractivo y elaborado film de espías, donde el thriller es lo que realmente prevalece, con sus continuas traiciones, giros argumentales, cambios de bando y operaciones imposibles.

Es por ello que esta primera entra de la saga tenga ese encanto tan especial. Prima el espionaje ante la acción, con una trama elaborada e interesante en todo momento, con personajes pintorescos y cachivaches de lo más atractivos. Otro aliciente que encumbra esta misión es su bella ambientación. Todo o prácticamente el ochenta por ciento de la trama se desarrolla en diversos países de Europa, ciertamente atractivos, De Palma nos invita a pasear por las deslumbrantes calles de Praga, por poner un ejemplo. Este planteamiento alejado de las típicas bases americanas con militares cargados hasta los topes de armamento pesado, nos sumerge en un viaje eficaz, funciona en toda su ejecución, sin altibajos de ningún tipo.

Su reparto no destaca especialmente salvo un par de excepciones, pero es cumplidor. En resumidas cuentas, nuestro gran cineasta nos propone un intrépido e interesante viaje de espías clandestinos que deben llevar a cabo una serie de operaciones para demostrar su inocencia. Y digo clandestinamente por que deben pasar desapercibidos con el uso de sus habilidades y conocimientos en su oficio. Sin tener que liarse a tiros con todo lo que se mueva. Por supuesto que tiene sus pequeñas dosis de acción, pero se busca el realismo y no precisamente la espectacularidad. Se busca prevalecer la intensidad, el suspense y la intriga. Lo último que cabe decir es que misión cumplida.
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Salvad al tigre
Salvad al tigre (1973)
  • 6,4
    544
  • Estados Unidos John G. Avildsen
  • Jack Lemmon, Jack Gilford, Laurie Heineman, Norman Burton, ...
8
Un Lemmon solo digno de elogios.
Avildsen dirige una más que correcta y sencilla película que gracias a sus aportes interpretativos se convierte en un largometraje redondo, mucho más de lo que pueda parecer. Pero como ya se ha dicho, dicha cualidad es gracias al trabajo interpretativo del elenco actoral donde queda patente que un buen reparto puede hacer subir enteros a un film.

“Salvad al Tigre” supone el segundo largometraje de Avildsen, mucho más conocido por su trabajo de “Rocky”, sin embargo, y pese que aquí disponga de unos recursos más limitados, pues el film es muy modesto en sí, pero ahí está su gracia. Donde se deja trabajar a sus actores, con un apoteósico Jack Lemmon, pues sin él, el film no sería el mismo. Tampoco hay que olvidar la gran aportación segundaria de Jack Gilford, que resulta ser el compañero ideal en las desgracias del personaje de Lemmon.

El actor interpreta a un empresario, un hombre de negocios que lucha por su propia supervivencia ya que no tiene precisamente las manos limpias, habiendo tenido que cometer diversos fraudes. El problema es que cuando se está en el ajo es imposible salir de él, y su personaje debe continuar llevando a cabo acciones inmorales para cubrir sus pólizas. Avildsen se aprovecha también de Lemmon para mostrar el mundo empresarial, donde el poder del oro es indispensable para poder triunfar. Ni los directores, ni los empresarios, ni los usureros salen impunes. Todos tienen su lado oscuro. Avildsen se sirve de su film para hacer una contundente y critica mirada al mundo empresarial, plagado de hipocresía y falsedad, donde uno complace al otro para que le devuelva el favor más adelante. Son sólo negocios…

No solo eso, el personaje de Lemmon padece una crisis existencial. Hay una clara alegoría al pasado juvenil y desenfadado, donde no existen las grandes preocupaciones, donde todo resulta más sencillo. Eso se ve en el personaje de la hippie que mantiene contacto con el actor. También esa nostalgia se vislumbra en continuos momentos cuando el protagonista recuerda los viejos tiempos y hace continuas reflexiones sobre los valores de antaño y los de ahora. “Salvad al Tigre” es un film descaradamente sencillo, no exento de calidad, pero su simplicidad misma hace que no destaque demasiado. Pero sube al podio de los ganadores gracias a un muy buen guión y por el aporte de todo su reparto, destacando como no podría ser de otra forma el mastodóntico trabajo de Jack Lemmon, que le hizo merecedor de un Óscar, aunque a este hombre le deberían haber dado un premio por cada uno de sus trabajos. UN muy buen ejemplo de toda la suciedad que empañan los negocios al servicio de los intereses. Esta es la otra cara del funcionamiento empresarial, más explícito y real.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
El cazador
El cazador (1978)
  • 8,0
    47.063
  • Estados Unidos Michael Cimino
  • Robert De Niro, Christopher Walken, Meryl Streep, John Savage, ...
7
Las heridas de una guerra no cicatrizan.
Aquel que esperara en “El Cazador” una película bélica mejor que se busque otra cosa. Es una cinta que habla sobre la guerra y de sus fatales repercusiones, pero no un film de índole bélica. Su director, Michael Cimino hace una compleja y ambigua retrospectiva de un grupo de amigos inseparables que sus vidas cambian por completo cuando viven en sus propias carnes la fatalidad de la Guerra del Vietnam. Dichas vivencias quedarán marcadas para ellos para siempre. Tendrán que vivir con una carga desmoralizadora de por vida y tendrán que aprender a convivir con ello mientras tratan de llevar a cabo su propia vida.

No hay mucho que decir de la premisa donde trata de partir Cimino. Es únicamente digna de elogios, su propuesta no sólo es original, sino que se muestra de lo más compleja y complicada. Todo un reto llegar a plasmar todo ese plantel de sentimientos y emociones en pantalla. Lo bueno de todo ello es que Cimino lo consigue, pero “El Cazador” deja la amarga sensación de que el ejercicio podría haber resultado mucho más rotundo y exitoso, sobre todo, con una reducción considerable de su extenso e innecesario metraje. El film se puede dividir en tres actos. En el primero, asistimos a uno de los últimos encuentros de los protagonistas antes de partir hacia el frente. Dichas escenas son necesarias, pero Cimino tiene a alargar aquello que ya es explicado con enorme claridad a los pocos minutos. Pero parece que el director no está conforme y lo termina alargándolo todo más de lo necesario, haciendo que por momentos el film resulte tedioso y todo un esfuerzo considerable el seguirlo.

Su segunda parte es para mí la más conseguida, que curiosamente, es la parte donde nuestros protagonistas están en el campo de batalla. Difícilmente veremos escenas tan intensas y desarraigadas como las que Cimino no presenta. El grado de crueldad y de violencia son extremamente realistas y convincentes. Uno pasa un mal rato, pero necesario. Eso no quiere decir que salga sangre a raudales, sino que se juega con la psicología de los personajes, donde Robert De Niro y Christopher Walken deben enfrentarse al fatal juego de la ruleta rusa. Pocas cosas asistiremos a una función tan trágica e intensa, es real a más no poder.

Su tercera parte es la más reflexiva, donde sus personajes han quedado marcados por esas fatales experiencias, que les han cambiado de por vida y donde es difícil cargarlas con el día a día. Cimino hace un más que logrado estudio y retrospectiva de las trágicas consecuencias, con un Walken que nunca se recuperaría del shock. Por desgracia, Cimino vuelve a caer en el error de alargar demasiado lo que está muy bien representado con algunas escenas. Es demasiado largo, cuesta un esfuerzo considerable ver el film. Tiene unos altibajos muy acentuados en su ritmo. Pero deja en su haber unas sensaciones y sobre todo humanas interpretaciones, con escenas trágicas y horrorosas. Cimino ha filmado un film rebosante de humanidad.
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Las crónicas de Riddick
Las crónicas de Riddick (2004)
  • 5,8
    24.737
  • Estados Unidos David Twohy
  • Vin Diesel, Thandie Newton, Judi Dench, Karl Urban, ...
6
Lo de los decorados envejecidos y oxidados repletos de humo ya están muy vistos.
“Pitch Black” funcionó por diversos motivos. Su propuesta era original pese a que bebía de los films referentes de la ciencia ficción, y también por Vin Diesel, cuya encarnación del asesino Riddick fue muy redonda, había creado a un personaje de lo más carismático. Twohy quiso recuperar su personaje estrella embarcándolo en una odisea espacial de mayores proporciones. Mirándolo positivamente, su intención de hacer una segunda parte era muy encomiable debido a que no quería en absoluto repetir la fórmula de “Pitch Black”, que se parecía a un film terrorífico de ciencia ficción. Para esta ocasión, el director quiso colocar a su Riddick en una aventura espacial donde viajara por diferentes planetas para destruir a una sociedad espacial inquisidora que quiere imponer su doctrina por todo el planeta que pasa. Quiso hacer un film de escala mucho mayor, y cómo no, mucho más ambicioso.

Por desgracia, Twohy, pese a que sabe jugar bien con el género, el resultado no le salió tan redondo. Sí “Alien” era el film en que se basaba para “Pitch Black”, aquí pretende hacer su propia “Star Wars” bebiendo de los diversos elementos que conformaron la saga de George Lucas y que se han copiado hasta la saciedad. El cineasta logra crear un compendio de planetas variado y atractivo, crea un universo original con unos muy logrados efectos especiales. Sin embargo, la historia peca de ser muy tópica, sin aportar nada nuevo, y lo cierto es que aquí se hace más notorio que en la primera entrega. Otro problema del que padece es que sus personajes no tiene tanto atractivo cono en la primera. Ni siquiera los que repiten están muy bien enfocados. Aunque es de agradecer el personaje segundario de Judy Dench.

Su ambientación tampoco es nueva, ya no sorprende aquello de ver naves espaciales o bases estelares que huelen a metal oxidado y sucio. Esa ambientación surgida de “Alien” y “Star Wars” donde todos los elementos de los decorados se ensuciaban y se envejecían ya está muy visto. Su historia, como ya se ha dicho, peca de ser poco original, y su desarrollo no es todo lo dinámico e interesante que debería ser. Por momentos, este intento de aventura espacial se hace algo tediosa. Lo único que resulta atractivo en su argumento es conocer los orígenes de la especie de Riddick, y para ello hay además que ver la versión extendida que salió meses después, que gana algo en profundidad argumental.

Las intenciones de Twohy son buenas, y se agradece además de no querer repetir la misma fórmula empleada en su precuela, pero su intención de hacer un film más ambicioso y de mayor escala, mostrando nuevos planetas, no está tan conseguido como cabría esperar. No es mala opción para ver un film aventurero de ciencia ficción, pero se queda a medio camino en toda su propuesta. Además que esta vez sus inspiraciones ya son demasiado tópicas y repetitivas. Pero se conserva por lo menos el carisma del personaje de Riddick.
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Pitch Black
Pitch Black (2000)
  • 6,3
    23.576
  • Estados Unidos David Twohy
  • Vin Diesel, Radha Mitchell, Cole Hauser, Keith David, ...
8
Una muy buena mezcla de films de ciencia ficción.
Para mí, todo lo que sea ciencia ficción es bien recibido. A veces, uno se lleva sorpresas un tanto desagradables, pero otras veces, tiene las suerte de encontrarse con un gran y original producto, como es el caso de “Pitch Black”. David Twohy, realizó una obra cercana al título de culto gracias a que a pesar de tener un presupuesto y recursos bastante modestos. Pudo salir a flote gracias además, a un buen puñado de actores y a una ambientación altamente original y bien lograda.

Quizá el mayor problema del film es que si es mirado fríamente, nos daremos fácilmente cuenta que bebe de muchas fuentes. “Pitch Black” es el resultado de combinar diversos elementos que se encuentran en diversos films de ciencia ficción. Lo cual hace que el producto no sea particularmente original o que disponga de personalidad propia, pero no se puede negar que su fuente de inspiración es muy buena y lo logra con un notable resultado. Es fácil vislumbrar a numerosas alusiones del primer “Alien”, de Ridley Scott. Pues, no deja de ser el típico juego del gato y el ratón donde unos enigmáticos y hambrientos bichos van devorando uno a uno a toda la tripulación de una nave estrellada en un recóndito planeta. Sin embargo, Twohy juega eficazmente con una lograda puesta en escena y fotografía con el uso de filtros de color para alternar el día y la noche. Lo bueno es que pese a su sencillez y simplicidad, lo cierto es que el sistema funciona, haciendo que el titulo sea atractivo y aguarde e él cierto aire de misterio y peligro cuando aún desconocemos el aspecto de los alienígenas.

Otro punto muy logrado y que ayuda considerablemente al film es su reparto. Nos encontramos con uno de los primeros trabajos del ya sobradamente conocido Vin Diesel. No se puede negar que su personaje Riddick, con la idea de que es ciego pero ve todo lo que acontece en la oscuridad, lo hace un personaje de lo más interesante y atractivo. Si juntamos además que se trata de un desconocido y enigmático asesino que sólo piensa en él mismo, lo cierto es que nos sale un protagonista redondo. Lo bueno es que el film no sólo vive de Diesel, el resto del reparto es cumplidor en todo momento. Habría que destacar además, el gran trabajo de Radha Mitchell, una actriz con carácter, personalidad y muy buena en su trabajo. La inclusión de su personaje es lo más cercano a un antagonista para el personaje de Riddick debido a su temperamental carácter, lo cual surge una dualidad interesante que aumenta el entusiasmo del film así como su calidad. Lo que nos ofrece “Pitch Black” no es nada nuevo, pues bebe de muchos films del género cogiendo sus elementos que los hacen característicos. Pero la mezcla lo cierto es que funciona, y lo hace de forma más que fidedigna, con una muy buena ejecución. Todo queda en un film de ciencia ficción con cierta personalidad la mar de entretenido.
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8 de 10 usuarios han encontrado esta crítica útil
Peligro en Bangkok
Peligro en Bangkok (2008)
  • 4,4
    8.216
  • Estados Unidos Oxide Pang, Danny Pang
  • Nicolas Cage, Shahkrit Yamnarm, Charlie Yeung, James With, ...
6
Sus toques dramáticos funcionan mejor que su acción.
Primero las malas noticias, “Bangkok Dangerous” es previsible y tópica hasta la saciedad, no ofrece nada que no hayamos visto. Las buenas son que a pesar de ello, el film cumple como entretenimiento, por supuesto que hay clásicos de acción mucho mejores, pero tampoco desmerece. Quizá era porque me temía lo peor, pero lo cierto es que me entretuve con este film de los hermanos Pang.

Todo en el film y en su desarrollo es tópico y arquetípico, es fácil tener la sensación de “déjà vu” viéndola, pero cumple, es mínimamente digna para ser vista, aunque solo sirva para tapar el agujero de una aburrida tarde sin tener nada que hacer. Su trama ya se ha visto miles de veces, que nos presenta a un asesino a sueldo interpretado por Cage que realiza una serie de trabajos para unos gánsteres corruptos de la ciudad de Bangkok. Todo cambia para él cuando conoce a un joven que le ayudará con los encargos y cuando se enamora de una inocente sordomuda. No, si a pesar de todo, nuestro asesino Cage tiene su corazoncito y todo…

Parece que últimamente el mediocre actor se ha puesto cómodo en los films de acción de segunda que parecen ser de Serie B. Sin embargo, “Bangkok Dangerous” posee en su haber un puñado de elementos que hace que no desmerezca. Para empezar, pese a ser un simple film enfocado a la acción, se incorporan ciertos toques dramáticos sabiamente implementados. Lo sorprendente es que funciona. Sus escenas dramáticas y románticas de Cage con la sordomuda resultan hasta más interesantes que las de acción. Eso es debido a un gran sentido de sensibilidad y con una correcta muestra visual, acompañado de una banda sonora que cumple bastante bien con sus intenciones. Los protagonistas no son carismáticos, pero tiene ciertos rasgos de humanidad haciendo que por lo menos el film se haga bastante llevadero.

En lo que respecta a sus escenas de acción, son atractivas, con algunos momentos que rozan la espectacularidad. Están muy bien rodadas, pero no impresionan. No hay nada que no se haya visto ya, ni en su trama o acción. Es por ello que su pequeña historia romántica resulte tan atractiva y bien recibida. Pues está hecha con mayor cuidado y mimo que el resto de las cosas que nos ofrece. Es paradójico, pero lo cierto es que es verdad. Es un film que se olvida rápidamente, pero lo cierto es que es entretenido, pese a su argumento altamente previsible, pero las escenas de la sordomuda son conmovedoras y bien recibidas.
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Corrupción en Miami
Corrupción en Miami (2006)
  • 5,4
    16.654
  • Estados Unidos Michael Mann
  • Colin Farrell, Jamie Foxx, Gong Li, Naomie Harris, ...
6
Penoso guión, ambientación magistral inigualable.
No es un film nostálgico, Michael Mann no honeajea aquella ciudad de Miami de los años ochenta con sus filtros purpura, ropa cutre, preciosos y coloristas deportivos y con música disco de la época. Mas bien trata de demostrar la evolución de una ciudad tan icónica a través de unos personajes que por supuesto les sonarán familiares a todos aquellos que en su día siguieron la popular serie creada por Mann.

El director de “Heat” es un artesano profesional, no cabe duda que siempre y aún más en sus últimos trabajos, el director aúna una fuerza considerable de esfuerzos en crear una atmosfera viva y creíble. La autenticidad siempre ha sido el sello de Mann, y este film hace gala de su estilo. Eso ya da ciertas garantías a esta revisión, pero comete errores imperdonables que se quedan a medio camino. No he visto la serie aparte de algún par de episodios que incluso ya no me acuerdo, pero la elección de Colin Farrell Y Jamie Foxx para encarnar a Crocket y a Tubs no podía ser mejor. Son tipos curtidos, fuertes y se admiran. Se complementan con una gran dosis de compañerismo donde su comunicación es expresada por las miradas y no por las palabras. Pero la película adolece de un fallo tremendo y es su mismo planteamiento, el guión es deficiente, tonto y aburrido. Hay momentos que roza un lado de lo más penoso. Cuesta verlo sin llegar a aburrirse en algunos momentos, sobre todo con su innecesario romance.

Sin embargo, ofrece ciertos alicientes para darle una oportunidad. Mann es único a la hora de ambientar sus films y no estamos ante ninguna excepción. Con el uso de cámaras digitales y el uso de la fotografía, las luces y la noche, nos encontramos ante una atmosfera y ambientación magistral. Su Miami es dura, realista y bella con su correspondiente bullicio. La ciudad es otro personaje en la historia y está viva. Mann tampoco se corta en mostrar toda la maquinaria criminal que mueve las drogas en dicha ciudad, dejándonos a veces con la sensación de estar viendo un documental. Si queremos aprender de Miami o cómo funciona una organización criminal con el tema de las drogas, “Corrupción en Miami” es la opción adecuada si se soporta su nefasto guión. En cuanto a la acción, está a la altura del mejor Mann. Sus tiroteos y secuencias de acción son poco abundantes, pero intensas. Con el sello de magistralidad y de realidad de Mann, que nos hará gozar de los momentos más brillantes del film, absolutamente impecables. “Corrupción en Miami” queda lastrado por su absurda historia, nada cuidada y totalmente desaprovechada. De haber concentrado una mayor atención en ella, estaríamos ante un film de absoluta referencia en lo que acción se refiere, pues el resto de elementos sólo son dignos de halagos, es un film realizado con virtuosismo, pasión y gran cariño. Muy interesante para saber el funcionamiento del trafico de drogas y para aquellos que quieran gozar de la esplendorosa Miami durante dos horas.
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El tambor de hojalata
El tambor de hojalata (1979)
  • 7,1
    11.262
  • Alemania del Oeste (RFA) Volker Schlöndorff
  • David Bennent, Mario Adorf, Angela Winkler, Daniel Olbrychski, ...
8
Un Peter Pan grotesco en una sociedad analfabeta e hipócrita.
Estamos ante una obra que llega a la cumbre de lo bizarro. Al igual que films imperecederos como de Fellini o Lynch, esta obra goza de una buena salud, su calidad es innegable, pero no es una película accesible para todo el mundo. No todo el mundo sabrá apreciarla, algunos les sabrá a un bodrio sin sentido alguno, pero otros caerán irremediablemente ante el encanto de la obra de Volker Schoendorf, pues su cuidado y calidad son irreprochables, pero en ocasiones padece ciertos altibajos que no hacen que sea una obra maestra.

Esta película parte de la misma de idea de “Peter Pan”, donde un niño que cuando llega a cumplir los ocho años decide dejar de crecer para el resto de su vida. Este hecho se debe también al regalo que recibe por esa fecha por sus padres, un tambor de hojalata de color blanco y rojo que se convertirá en el buque insignia de la presencia y de la personalidad de su protagonista. El tambor hace alusión a la infancia eterna. Aunque el chico mantenga el mismo aspecto y estatura, si crece intelectualmente. Abarca desde su nacimiento hasta llegar a la edad de 21 años. Donde vamos averiguando las experiencias que va viviendo, fruto de su crecimiento junto con su entrada en la etapa de la adolescencia. Todo conlleva a su acercamiento a sus primeros amores y su apetito sexual, junto a su curiosidad, muy precoz ya desde su corta edad.

Al ver además su gran poderío para que los adultos le respeten, haciendo que no tenga que renunciar a su corta edad manteniendo siempre a su lado su tambor, el objeto es el que hace alusión a mantener su edad. Pero a pesar de ello, vemos a través des de los peculiares ojos de Oskar todos los oscuros momentos que padece Alemania con la llegada del nazismo y la entrada en la 2ª Guerra Mundial. El director Volker Schoendorf tiene además la oportunidad de hacer una fuerte crítica a la sociedad, pero no directamente al nazismo, sino a la hipócrita sociedad que acepta la malvada doctrina de este movimiento, haciendo que la gente agache la cabeza a sus superiores con una falsa sonrisa bien grande.

Es una historia extraña, altamente peculiar y única, hay que tener paciencia con ella, pues también tiene sus fallos, su ritmo va decayendo durante su desarrollo. Pues su inicio y primera parte es fulminante, impecable, pero se va alargando y perdiendo interés a partir de su segunda parte, todo parte a ser algo más grotesco a la vez que primitivo. Aunque sea interesante, no tiene el mismo empaque que su introducción, pero “El Tambor de Hojalata” es una bizarra obra que no todo el mundo sabrá apreciarla, incluso llegando a repudiarla por su rareza, pero aquel que no tenga miedo, y tenga hambre de visionar algo bueno y nuevo, sabrá gozar en todo momento de la obra alemana de Schoendorf.
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12 de 15 usuarios han encontrado esta crítica útil
Beowulf
Beowulf (2007)
  • 5,8
    23.012
  • Estados Unidos Robert Zemeckis
  • Animation, Ray Winstone, Robin Wright, Anthony Hopkins, ...
8
Majestuosa animación y ambientación. Todo un espectáculo.
Parece ser que Robert Zemeckis se encuentra, ahora mismo, muy cómodo en el campo de la animación. No es ningún reproche. Es además de agradecer que se sumergiera en un proyecto como “Beowulf” después de la insulsa “Polar Express”. Sin duda, Zemeckis remedia los errores cometidos de su anterior proyecto, pero engendra unos nuevos, pero son bastante más perdonables y no empañan demasiado lo que representa su obra. Una obra de entretenimiento puro, con el aliciente de gozar de una tecnología infográfica majestuosa, con unos niveles de realidad inauditos.

El realizador de “Forrest Gump” se sirve de un puñado de muy buenos actores para tomar sus obras y digitalizar sus actuaciones consiguiendo una cosa muy importante: aquel que no le interese “Beowulf” por su historia, puede igualmente caer rendido por su impresionante presentación. Zemeckis se sirve de la animación por ordenador, pero eso no significa que la película esté orientada al público infantil, sino a uno más maduro, pues hace gala de escenas violentas, escenas de gran sensualidad y una trama que se inspira en su libro. Sin embargo, y pese a haber mejorado de forma más que notoria, Zemeckis aún le quedan ciertas cosas que aprender, pues no tiene consciencia de que la narrativa de un film de animación no puede ser la misma al de un film donde actúan actores de carne y hueso. El director pone toda la carne en el asador, ofreciéndonos un film con una presentación y un desarrollo demoledor. Es admirable la energía que desprende en su punto de partida. Es fácil caer en sus garras en sus primeros minutos, su historia, sus personajes y su guión atrapan sin remedio alguno. Zemeckis nos propone un espectáculo de lo más ameno, entretenido y sobretodo, espectacular. Y eso por no mencionar el elenco de actores. El film está nutrido de grandes talentos, con un rasgo muy marcado y una personalidad a la altura. Además, la técnica de animación permite tener ciertas libertades en cuanto al físico de sus actores.

Pero, es inevitable, “Beowulf” tiene algunos errores que empañan la experiencia. Dichos defectos se encuentran en su mismo desarrollo argumental, a veces se atasca en las escenas más dramáticas y trascendentales, haciendo que el ritmo tenga sus altibajos, con momentos un tanto largos y poco interesantes y con otros de vigorosa fuerza y intensidad. No se llega a hacer por ningún momento un film aburrido, pero sus agujeros en su montaje no pasan desapercibidos. Pero finalmente, es mucho más fácil recordar los buenos momentos que nos depara el film, con grandes y violentas escenas de acción, una brillante banda sonora, grandes actuaciones y un derroche visual arrollador y espectacular que deja a cualquiera boquiabierto. A nivel visual no desentona en absoluto, sino que gana un mayor atractivo, y es que es ahí donde se nota el carisma y el interés que desprende “Beowulf”, en su extraordinario poderío visual. Pero también es un notable film de aventuras con grandes tintes épicos.
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Psicosis
Psicosis (1960)
  • 8,4
    104.338
  • Estados Unidos Alfred Hitchcock
  • Anthony Perkins, Janet Leigh, John Gavin, Vera Miles, ...
10
""Psicosis"" no se ve, se vive.
Esta obra de Alfred Hitchcock, no es únicamente una de sus mejores obras, sino que es una de las obras más importantes y pieza clave del puzle que representa el séptimo arte. E seguramente donde el realizador nos da la clase más magistral de cómo se debe llevar a cabo un thriller, mostrando en qué momentos debe mostrarse intenso, tranquilo o intrigante. Hitchcock coge sus ingredientes y los mete en su punto. Todos están sabiamente escogidos y seleccionados e incorporados de forma exacta e irremplazable en “Psicosis” demostrando porque estamos ante una de las obras cumbre del género del suspense.

El cineasta nos pone en el papel de una mujer que huye de su ciudad durante un fin de semana tras realizar un robo. La joven se refugia en un motel aislado y perdido en la carretera, cuyo acceso no es ni visible ni fácil. Ahí conoce a su excéntrico propietario Norman Bates, cuya presencia es enigmática e inquietante, debido a su imprevisible comportamiento y partículas personalidad. Cuando la mujer se instala, mientras se toma una ducha, es asesinada por una figura desconocida. La hermana de ésta, junto a un detective, volverá al hotel para desentrañar los misterios del inquietante lugar y desenmascarar la identidad del asesino.

La magia de “Psicosis” reside en su desarrollo. Su inicio es tranquilo y pausado, y a medida que su historia transcurre va ganado interés hasta llegar al motel, donde se muestra un lado perturbador e inquietante debido al personaje de Norman Bates, interpretado por Anthony Perkins en un papel inolvidable, mastodóntico. Pocas veces se ha visto en pantalla una labor tan compleja, tortuosa e inquietante en un actor. Su personaje ha pasado por los anales de la historia. Cuando muere la joven en la ducha, la trama va ganando una intensidad inaudita, que se va desarrollando con un ritmo increíble. Hitchcock desarrolla como nadie una intrigante historia que a medida que se van desentrañando todas las dudas, se vuelve cada vez más intenso, intrigante e imprevisible. Y es que es fácil que a uno le suba la tensión ante tanta fuerza, magnetismo e intensidad que desprende su obra. Nos brinda momentos y unas experiencias irrepetibles, con un final no menos antológico gracias a la figura tan penetrante de Perkins, sin él, el film no sería el mismo. Tras ver “Psicosis”, es fácil estar eufórico, no deja indiferente, se vive en ella unas experiencias puras y realistas que van in crescendo con su desarrollo, sin prisa pero sin pausa. Con un nivel de intensidad y de suspense inimaginables. Imposibles de describir, sólo pueden ser vividos, y eso sólo es posible visionando la obra. Deja una marca imborrable, des de su banda sonora, ambientación e interpretación. Si que es cierto que sus cortas escenas de acción han envejecido mal, y no resultan espectaculares, sino poco creíbles y algo tontorronas, pero es un detalle menor que no empañan el producto por su realista experiencia.
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26 de 29 usuarios han encontrado esta crítica útil
Casablanca
Casablanca (1942)
  • 8,4
    95.609
  • Estados Unidos Michael Curtiz
  • Humphrey Bogart, Ingrid Bergman, Paul Henreid, Claude Rains, ...
10
No es un clásico, es EL CLÁSICO DEL CINE por antonomasia.
Solo de pensar en esta obra de Michael Curtiz, siento un cosquilleo y un tremendo estímulo que me recuerdan la primera vez que vi este clásico imperecedero del film. “Casablanca” tiene grandes virtudes, y además, no son pocas. El realizador de “El Capitán Blood” nos brinda algunos de los momentos más vibrantes que jamás se hayan vivido en una película. Y esto no es debido a su mayúsculo presupuesto o a su magnífica historia. Pues ninguno de ellos resultan extraordinarios, pero no el modo en cómo son llevados a cabo. Y es ahí donde reside todo el poder de “Casablanca”, en brindarnos algo sencillo pero dotado de una inteligencia y cuidado de lo más exquisitos y extraordinarios.

Para empezar, tenemos su trama, donde una pareja se refugia en Casablanca, con la esperanza de poder vivir en el exilio de la opresión nazi. Pero la cosa no es fácil, y los nazis andan buscando al hombre que conforma la pareja, eje clave para la guerra. En estas circunstancias, su pareja se reencuentra en un bar a un antiguo amante, interpretado por un inigualable Humphrey Bogart, que todas las experiencias de su vida le han convertido en un hombre duro y curtido, que no mueve ni un dedo ni presta un favor a nadie sin recibir nada a cambio. Pero su encuentro con su antigua amante, le torturará, le hará revivir momentos pasados de intensa belleza y amargura. Bogart deberá decidir qué hacer cuando su ex pareja le pide ayuda por sus contactos. Se verá atrapado en un difícil dilema en ayudar a su antigua amante o mantenerse al margen para no comprometerse con la autoridad.

Como se puede ver, aunque la historia desprenda unos buenos augurios, no es extraordinaria, pero no importa, aquí lo realmente extraordinario es el modo en cómo todo se desarrolla. Su guión es impecable, uno de los mejores que nos ha otorgado el celuloide, con una gran cantidad de diálogos que han pasado a la historia y que se han convertido en todo un fenómeno cultural, en la línea de “El Padrino”. Otro dato a valorar son las actuaciones de todo su elenco, sencillamente extraordinario. Todo está ahí por una razón. Todo está cuidado y reproducido con una exquisitez pasmosa y apabullante. Bogart denota aquí un carisma increíblemente magnético y poderoso. Brilla en todas sus escenas y se le echa en falta cuando no aparece.

Es un film que des de su primer segundo desprende calidad y mimo. Todos sus apartados han sido trabajados y cuidados hasta la saciedad. Ver “Casablanca” es asistir a un espectáculo irrepetible e inolvidable, nos hace vivir momentos verdaderamente intensos, con unos momentos brillantes reales y sinceros. Curtiz nos muestra quizá la mayor historia de redención que jamás el séptimo arte haya ejecutado. Uno no va a ver “Casablanca”, sino que verla es lo más cercano que hay a poder vivir una película. Pues se aprecie su esplendor con una pasmosa sencillez. Pero todos sus elementos están ejecutados de forma sobresaliente.
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4 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Las uvas de la ira
Las uvas de la ira (1940)
  • 8,3
    21.551
  • Estados Unidos John Ford
  • Henry Fonda, Jane Darwell, John Carradine, Charley Grapewin, ...
10
Uno de los films más humanos y pedagógicos de la historia del cine.
Ya lo demostró con “Qué Verde era mi Valle”, y ahora, John Ford se reivindica mostrando que pese a su innegable talento y maestría en los westerns, era un genio ante los melodramas. Esta película interpretada por Henry Fonda, puede llevarse fácilmente el título de ser el mejor film que retrata la depresión estadounidense de los años treinta. Pero Ford no tiene la más mínima intención de mostrarnos cómo se ocasionó, sino el modo que conlleva vivirlo. El realizador nos presenta a una familia numerosa y precariamente pobre que debe sobrevivir a esa cruel situación que les ha tocado vivir.

Durante su metraje, somos testigos de todas sus vivencias y de todos los retos y desafíos que deben afrontar para poder sobrevivir en un mundo egoísta. Como ya hiciera en “Qué Verde era mi Valle”, Ford trata de ganarse al público con la incorporación de unos valores humanos universales, como son la ayuda y la cooperación entre todos. No únicamente entre la familia, sino entre todos los desafortunados que se encontrarán en sus conmovedoras y miserables desventuras. Es un film conmovedor y a la vez cruel, nos muestra un nivel de crudeza y de dureza considerables que se denotan en aquellas personas que se aprovechan de los demás. Monstruos que solo piensan en sí mismos y que inculcan a las pobres familias falsas esperanzas.

Esta no es la Odisea de Homero, sino que es incluso más poderosa, y es que no hay mejor forma de definir todos los retos y desafíos que deberá vivir la familia entera. Se resaltan todo tipo de valores y sentimientos entre ellos, todos son vulnerables y están sentimentalmente desnudos y a merced de los poderosos. Las actuaciones de todo su reparto no tienen descripción alguna, y es que decir que son deslumbrantes es quedarse corto. Son fabulosas e irrepetibles, con una fuerza tan arrolladora y desgarradora que no dejan a nadie indiferente, es imposible no sentir empatía por ellos. Henry Fonda está sensacional pese a su juventud. Pero la protagonista de la función que se lleva con todos los méritos la palma es Jane Darwell, que interpreta a la madre de Fonda y de sus hermanos. Nunca veremos a un personaje en el cine tan comprometido y fuerte y con un corazón tan puro. Su trabajo es imborrable, inolvidable e imperecedero. Y solo por ella vale la pena dedicarle todo el tiempo a esta obra maestra.

Junto a las obras de Charles Chaplin, estamos ante una obra de un contenido humano y pedagógico tan puro que resultas inquebrantables. Sería injusto no ver el film, y no solo por John Ford o sus fantásticos actores, sino por nosotros mismos. Sus experiencias son todo un regalo para nuestras vidas, haciendo que la valoremos con mucha más intensidad y valor. John Ford, gracias por ofrecernos la que tal vez sea, tu mayor obra.
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
¡Qué verde era mi valle!
¡Qué verde era mi valle! (1941)
  • 8,2
    10.831
  • Estados Unidos John Ford
  • Walter Pidgeon, Maureen O'Hara, Roddy McDowall, Donald Crisp, ...
10
El lado de Ford más firme y humano.
John Ford destacó por muchos otros trabajos alejados de los westerns. Para mí, su fuerza y habilidad como realizador eran claramente notorios con sus melodramas, que aunque sean poco abundantes, dejaron una huella imborrable. Sus mayores exponentes en dicho género fueron “Las Uvas de la Ira” y la cinta que nos ocupa, “Qué Verde era mi Valle”. Puede que algunos piensen que con los años hayan empañado un poco algunos de sus mensajes, demasiado conservadores para nuestra actual generación Ciertamente, no les falta razón, pero también manifiesta una generosa cantidad de valores que no envejecen que deben ser prevalecidos, de ahí ale todo el encanto y esplendor de este melodrama, pues se manifiestan valores y acciones bondadosas universales, que deberían prevalecer, pues es nuestro buque insignia para demostrar nuestra humanidad.

Ford nos presenta a una pobre familia que trabaja en una mina, al igual que el resto del pueblo, teniendo que trabajar en unas condiciones deplorables y peligrosas con un miserable salario. Los hijos mayores de la familia, prefieren manifestarse en sindicatos para protestar de su precaria situación. El padre, aunque quisiera mejorar las cosas, no puede, y trata de seguir haciendo su labor para que su familia pueda subsistir. Es una posición un tanto conservadora debido a su conformismo, pero es absolutamente comprensible, de ahí surge la fuerza de su historia, en las transmisiones de sus sentimientos. Tampoco se puede olvidar de la pieza clave de este drama, el personaje del niño pequeño, que es a partir de él que vemos todo el estatus social del pueblo. El pequeño es el primero de la familia que tiene la oportunidad de ir a la escuela. Hecho que le ha costado muchos sacrificios a sus padres. Aún así, el chico es objeto de burlas de sus compañeros por su posición social.

Ford nos cuenta un puñado de experiencias de todos los miembros de la familia, donde resalta el sufrimiento, el valor, la amistad y el amor. Pueden tener sus diferencias, pero se quieren y se ayudan los unos a los otros. No solo entre la familia, sino entre todos los ciudadanos que componen el pueblo. Esto hace que Ford nos pueda mostrar escenas de intensa emotividad, donde resaltan valores tan importantes como la ayuda y la cooperación, hecho que convierten el film en un pasatiempo melodramático entrañable y de enorme belleza.

El chico es la figura clave de toda la trama. Asistimos en todo su desarrollo a través de sus ojos, y nos damos cuenta de que el chico debe crecer y madurar a una edad demasiado temprana para poder sobrevivir en un mundo cruel, donde sólo se pueden contar con unas pocas personas que realmente merecen la pena. Es un film de un contenido pedagógico y educativo altísimo. Sus valores son entrañables e insuperables. “Qué Verde era mi Valle” es una conmovedora película que fácilmente podría considerarse entre unas de las mejores cintas de Ford. Con un contenido humano tan puro que solo es superado por las obras de Chaplin.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Valor de ley
Valor de ley (1969)
  • 7,1
    4.957
  • Estados Unidos Henry Hathaway
  • John Wayne, Glen Campbell, Kim Darby, Jeremy Slate, ...
8
El mejor trabajo de John Wayne.
Se puede decir que “Valor de Ley” cayó en buenas manos, en la dirección de Henry Hathaway ni más ni menos, un director implicado en las historias de sus westerns, dotados de enorme fuerza, contundencia e intensidad. Hathaway vuelve a tratar, como en algunos de sus otros films del género, con el tema de la venganza, aquí servida como excusa para que una joven pueda vengar la muerte de su padre a manos de uno de sus hombres de confianza. La joven, de apenas unos dieciséis años, al darse cuenta de que la ley no está dispuesta a seguir la pista del asesino, contrata a un incorregible federal interpretado por John Wayne para cazar al criminal, contando además con la ayuda de un agente tejano.

Hathaway se vale de este trío para mostrarnos un viaje de venganza y de caza, pero con unos toques nada oscuros, sino que trata de brindarnos con una trama un tanto desenfadada y hasta ratos divertida, no hay cabido para el dramatismo. Esto es debido a la presencia de la joven, interpretada por Kim Darby. En todo momento se posiciona como una mujer fuerte, decidida y valiente, pero con unas dosis de cursilería y de inocencia que llegan a ser insoportables. Pese a que al principio se presente como un personaje de lo más interesante, y el gran eje conductor de la trama, poco a poco se va haciendo tediosa, tanto para Wayne como para Campbell y para la imagen de la propia película. La empaña con situaciones innecesarias, que tratan de ser divertidas, pero con los años se han convertido en un lastre.

John Wayne merece una atención aparte. He visto muchos de sus films, y aunque muchos de ellos me encanten, no soy un ferviente admirador suyo, pero he de decir que aquí se luce. No cabe la menor duda de que quizá sea su mejor papel. En parte acaba como siempre siendo el héroe, pero se agradece que su personaje sea todo un impresentable, borracho, tuerto y de impresentable imagen .Por primera vez, actúa más como un antihéroe, con un personaje que fácilmente son visibles sus abundantes defectos y en lo que se refiere a sus virtudes brillan por su ausencia.

Hathaway también se vale de unos grandes segundarios, con unos principiantes Robert Duvall y Dennis Hopper, lo cual aumenta aún más el aliciente por “Valor de Ley”. Por si fuera poco, y digno de su director, el film está nutrido de una fotografía extraordinaria, de pura y enorme belleza, con una colorimetría abismal y de lo más variable, haciendo que su atractivo gane enteros. No es uno de los mejores westerns de su realizador, incluso flojea por momentos por el personaje de Darby, pero cuenta con la interpretación más sólida y ejemplar de John Wayne, muy distante del gran héroe al que nos tiene acostumbrados, y eso ya es todo un aliciente.
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9 de 10 usuarios han encontrado esta crítica útil
Carrie
Carrie (1976)
  • 7,0
    53.551
  • Estados Unidos Brian De Palma
  • Sissy Spacek, Piper Laurie, Amy Irving, William Katt, ...
8
Esto sí que es terror adolescente.
Brian De Palma tiene un don especial, es un cineasta capaz de desprender jugo e interés a una historia que en apariencia, no lo tiene. Sería injusto para el director no nombrar tampoco su extraordinaria habilidad con la cámara y su grandioso modo de ambientar sus historias y de sumergirnos en ella con un magnetismo tan contundente y eficaz, pese a la simpleza de lo que pueda llegar a ser. Este don lo mostraría en films como “Vestida Para Matar” o la cinta que nos ocupa, “Carrie”, que consigue una mezcla perfecta, a la vez que peculiar, de contarnos una entrañable historia amorosa con enormes tintes de terror.

Quizá este sea el film más reconocible de Sissy Spacek, una actriz de lo más atípica y con personalidad propia. Aquí interpreta a Carrie, una adolescente muy reservada que es objeto de burla de todos sus compañeros del colegio. En casa la cosa es que tampoco mejore mucho, pues vive a merced de una madre increíblemente posesiva cegada por las creencias religiosas, que impide a su hija llevar una vida normal. El film toma de idea un baile de fin de curso donde un joven decide salir con Carrie al principio por pena, pero a medida que va conociéndola, siente un mayor cariño, llevando al enamoramiento de ambos jóvenes. Este cambio de actitud en Carrie, que empieza a ser feliz, vuelve loca a su madre, que cada vez la recluye más hasta que finalmente la joven se rebela contra ella y después contra todos aquellos que se reían de ella.

De Palma combina muy bien dos géneros, hace una mezcla entre una pequeña historia amorosa de lo más fresca y entrañable, donde además somos testigos de las experiencias de los jóvenes en el instituto, junto con momentos de terror realizados con gran maestría, con un uso de la cámara y de efectos técnicos increíble, además de ingenioso.

El cambio de género es brusco, algo que todavía lo hace más notorio y brutal, con sobresalientes resultados. Las actuaciones del reparto son una maravilla. Es muy divertido ver a todos los jóvenes, llenos de frescura, incluso podemos ver a un muy primerizo John Travolta. Pero aquí la verdadera protagonista es Sissy Spacek en su actuación como Carrie. Refleja inocencia y fragilidad en sus primeras apariciones hasta llegar a ser una figura de lo más espeluznante. Brian De Palma demuestra que a partir de una modesta historia, y de presupuesto, todo sea dicho, se puede lograr hacer un gran film. Quizá no sea un producto excelente y equiparable a ciertas obras maestras, pero es un film cuyos atributos lo hacen del todo memorable e imperecedero. Y los años no le han afectado para nada, ni siquiera en sus escenas de acción.
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1 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Prueba de vida
Prueba de vida (2000)
  • 5,3
    8.809
  • Estados Unidos Taylor Hackford
  • Russell Crowe, Meg Ryan, David Morse, Pamela Reed, ...
7
Es simplemente buena, pero fue maltratada por unas espectativas muy altas.
Si bien es cierto que no estamos ante una gran película, también merece una pequeña revisión. “Prueba de Vida” fue un film un tanto maltratado por unas muy altas expectativas debido a su atractiva trama y que era la primera película de Russell Crowe después de haber encandilado al mundo entero con “Gladiator”. Pero Taylor Hackford no iba en busca de un film comprometido y de denuncia, sólo trataba de exponer a través de un problema actual una thriller sencillo y bastante convencional con generosas dosis de acción. Su objetivo es conseguido con creces, pero no era en absoluto lo que se esperaba de ella.

La trama nos sitúa en un país ficticio donde un matrimonio que está pasando por una fuerte crisis, se ve todavía peor cuando el marido es secuestrado y las guerrillas del país piden una considerable recompensa para su liberación. Para llevar a cabo todos los trámites, se contrata a un negociador familiarizado en tratar con secuestradores. El film parte de una idea muy buena que tenía mucho jugo, pero Hackford, por diversos y desconocidos motivos, únicamente trata de realizar una cinta evasiva, sin pretensiones. Trata de ejecutar su espectáculo de pirotecnia con toques de suspense.

Pese a ello, el cineasta consigue un film ejemplar, no se puede negar que entretiene lo suyo y cuenta además con un destacable reparto. Como thriller, deja bastante que desear, no aporta nada nuevo, pero tampoco es su intención. El suspense es muy convencional, y por momentos, demasiado previsibles. Pero si se mira sin pretensiones ni expectativas, la trama tiene el fuelle suficiente para ser un film puramente entretenido y mínimamente interesante. Por desgracia, Hackford trata de añadir cierto énfasis a la historia en un punto nada interesante, relevante o atractivo. El cineasta trata, con resultados muy negativos, aportar dramatismo incorporando un romance entre la mujer y el negociador. El error es mayúsculo, la idea carece de interés y está llevado de forma torpe y superficial, no es nada relevante. Es incluso un lastre, porque habiendo eliminado esa parte, el film sería más corto y todavía más dinámico.

En cuanto a sus escenas de acción, están muy logradas y son generosas, con cierto aporte de tensión totalmente bien recibido. El film es convencionalismo en estado puro. No tiene absolutamente nada que no hayamos visto antes, pero sabe jugar bien sus cartas, se siente orgulloso de lo que es y cumple con su cometido, pero su trama amorosa era absolutamente innecesaria después de ver hacia dónde va Hackford. Es una película previsible y de lo más normal, pero es generosamente entretenida que fue maltratada debido a la enorme sombra de “Gladiator”. Tampoco se puede negar que el mundo el cual nos introduce es sumamente atractivo.
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16 de 18 usuarios han encontrado esta crítica útil
Apocalypto
Apocalypto (2006)
  • 7,2
    66.766
  • Estados Unidos Mel Gibson
  • Rudy Youngblood, Gerardo Taracena, Raoul Trujillo, Dalia Hernández, ...
8
Pura aventura con narrativa de la vieja escuela.
Con este film, se confirma definitivamente que Gibson, como ya demostrara en “Braveheart”, tiene un indómito talento como realizador, quizá no tenga un estilo propio o revolucionario, pero es irreprochable su habilidad como narrador. Su mayor faceta es la saber contar historias, sabe mantener un impacto y un interés creciente con su desarrollo, haciendo que el resultado final sea muy bueno, con momentos impecables, y con una gran fuerza magnética, dejando atrapado al espectador.

Lo que ya consiguiera en su debut como director con la ya mencionada “Braveheart”, trata de volver a repetir aquella fórmula que tan buenos resultados le otorgó en el pasado. Y ciertamente lo consigue, pero con ciertos altibajos en su desarrollo. Gibson sabe que las mejores historias son las más sencillas, y eso es lo que es “Apocalypto”, un cuento de aventuras donde un hombre trata de salvar a su mujer y a su hijo de la muerte. Pero para ello, deberá hacer frente a un grupo de mayas de diferente clase que la suya para poder llevar a cabo su propósito y sobrevivir. No soy muy amante de la tendencia que estamos viendo en Gibson de usar el idioma nativo y subtitularlo, lo cierto es que aquí la cosa funciona. Le da un aire refrescante y diferente al producto.

Gibson nos relata una aventura que consta de tres actos, y es que aquí todas las partes que corresponden al planteamiento, nudo y desenlace son muy reconocibles. Su primera parte, Gibson se esfuerza en poder sumergirnos en el mundo de los mayas. Ésta es, según la opinión de un servidor, la mejor parte del film, el realizador consigue atraparnos ante un universo totalmente desconocido, mostrando las vivencias de todos sus habitantes, donde también vamos conociendo a sus personajes. Su segunda parte es, seguramente, la más floja, y no porque no sea buena, sino porque Gibson tiende a alargarla más de lo necesario. Es un punto donde no hay mucho interés, cierto que su ambientación y fotografía siguen siendo sensacionales, pero empaña su ritmo e interés. Sus últimos tres cuartos de hora vuelven a subir considerablemente donde Gibson saca el lado más primitivo y vengativo del ser humano, con sus ansias de sobrevivir. Todo se convierte en una sangrienta y tensa caza donde se juega al gato y al ratón.

El film tiene unas dosis de violencia considerables, pero a diferencia de “La Pasión de Cristo”, aquí está plenamente justificada, y no es tan desagradable. El salvajismo que desprende el film es muy estimulante. Gibson vuelve a demostrar también su poderosa habilidad en rodar secuencias de acción, magníficamente rodadas, con una fuerza, tensión y contundencia considerables, junto con su justificada dosis de violencia, sin llegar a ser demasiado gore. “Apocalypto” es un gran film de aventuras, que hace honor a la vieja escuela con una trama sencilla, pero de gran relevancia. Lástima que sus altibajos en su segunda parte le impidan convertirse en una grandiosa película. Pero nos depara un viaje salvaje espectacular.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
¿Qué ocurrió entre mi padre y tu madre?
¿Qué ocurrió entre mi padre y tu madre? (1972)
  • 7,4
    8.319
  • Estados Unidos Billy Wilder
  • Jack Lemmon, Juliet Mills, Clive Revill, Edward Andrews, ...
9
Vive la vida, ¡Avanti!
Uno de los últimos trabajos del genial Billy Wilder fue esta entrañable comedia donde su director, imaginamos que debido al haber alcanzado una etapa de plena madurez, trata de mostrarnos la importancia de vivir. Donde debe prevalecer en anhelo a la vida sencilla y tranquila. Es una reivindicación del director a una sociedad cada vez más mecanizada y alejada de los parámetros del verdadero ser humano.

“¿Qué Ocurrió Entre mi Padre y tu Madre?” si tiene un defecto, es el de ofrecer una imagen confusa de lo que realmente es la obra en sí. Muy probablemente muchos la ignorarán sin otorgarle ninguna oportunidad por su imagen de comedia simpaticona y amorosa. Pero seamos francos, ¿Cómo podemos imaginar que el gran Wilder se conformaría con eso? El cineasta sube un peldaño más de su excelente carrera reuniendo al gran Jack Lemmon con una grandiosa Juliet Mills en una historia de frescura y ternura irreprochable donde ambos personajes coinciden con la muerte de su padre y de su madre respectivamente que mantenían un romance en la toscana de Italia.

El personaje de Lemmon es un tipo de lo más desagradable y egocéntrico, es francamente curioso verle en este tipo de registro. Pero es ahí donde reside la clave y mayor virtud del film, en su madurez. Todo en él es desagradable, le mueve su trabajo, todo tiene que ser puntual como un reloj, es un hombre nada flexible. Durante su estancia en Italia, donde empatizará con la Mills, esta le hará ver la vida des de una perspectiva ampliamente distinta. Juntos revivirán las vivencias de sus padres, viviendo un romance entre ellos. En esta serie de experiencias, el personaje protagonista hace un giro de 180 grados, cambiando perfectamente su visión de las cosas y de la vida. Termina teniendo un aprecio por la vida sencilla y tranquila.

Es elogiable no sólo su mensaje, el film está nutrido de divertidísimas y frescas situaciones, acompañadas de los ingeniosos y habituales diálogos de Wilder. También se vislumbra en Wilder, un producto comprometido, no falta la denuncia al egocentrismo y a la ignorancia de los americanos, que se creen el centro del mundo. Tampoco se puede olvidar la falta de pudor del cineasta a su ácida crítica en contra de la delgadez extrema y a la publicidad que amarga la vida a las mujeres, con su obsesión por estar esqueléticas sin darle importancia a lo que realmente tiene un verdadero significado: Vivir. Es un film mucho más ambiguo de lo que cabe esperar, no en vano, es de Wilder. Es toda una alegoría a la vida sin darle demasiada importancia a las responsabilidades, anteponiendo las verdaderas necesidades del ser humano, que son el llevar una vida plena y reconfortante, con un optimismo a prueba de bombas.
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11 de 13 usuarios han encontrado esta crítica útil
La comedia sexual de una noche de verano
La comedia sexual de una noche de verano (1982)
  • 6,6
    7.663
  • Estados Unidos Woody Allen
  • Woody Allen, Mia Farrow, José Ferrer, Julie Hagerty, ...
8
Un día en el campo digno del mejor Allen.
Allen es considerado por muchos, incluido por este servidor, el rey de la comedia contemporánea. Ese título para mi tiene el significado de que además de hacer unas increíbles y sofisticadas películas llenas de frescura e ingenio, Allen tiene el poder de convertir en oro todo lo que toca. Este brillante cineasta es el rey en el género por saber tratar todo tipo de temas y volverlos geniales, aunque tengan cierto desinterés. Muchas de sus películas, de haber sido hechas por otros cineastas, muy probablemente hubieran acabado siendo un desastre.

“La Comedia Sexual de una Noche de Verano” es uno de los ejemplos más claros para respaldar mi afirmación. No soy nada admirador de las historias o dramas románticos. Es muy difícil que me interese por uno, y aún menos al tratarse de desengaños amorosos. Pero con Allen… es otra historia. La trama nos sumerge a principios del siglo XX en una modesta campiña donde tres parejas deciden pasar un agradable fin de semana. Aunque cada una de sus parejas son en sí mismas de lo más complejas, cada uno tiene una serie de deseos reprimidos y se enfrentan a una crisis amorosa y existencial. Woody Allen invita al espectador a realizar un complejo viaje de reflexión, sobre las consecuencias de unos determinantes actos clave que hubieran cambiado la vida de cada uno de sus personajes.

Pero seamos realistas, al fin y al cabo, no deja de ser un film de Allen, por lo tanto, en esta trama encontramos de forma reluciente sus grandes y vistosos gags junto con unos diálogos frescos e ingeniosos, algunos de ellos muy cerca de los trabajos más antológicos de su director. Allen sabe jugar muy bien con sus personajes, cada uno de ellos con una marcada y matizada personalidad, colocándolos en situaciones muy divertidas y algunas rozando cierto grado de disparate.

Si entramos a hablar de los actores, todos realizan una labor exquisita, donde cabe destacar, cómo no, la interpretación tan característica de Allen, que hace gala de aparición en todos los films en los que actúa. También, como curiosidad, cabe decir que este es el primer film que realizaría con una de sus musas, Mia Farrow, mostrando grandes cualidades interpretativas gracias a un buen capitán que guía el barco. Es una comedia fresca y suave, tal vez no se encuentre entre los mejores trabajos de su director, pero no deja de ser por ello una más que notable película con momentos sencillamente brillantes. Y cómo no, y como ya he mencionado anteriormente, esta película en manos de otro podría haber resultado ser todo un fracaso de empalagosidad y ñoñería. Pero Allen explora nuevas vertientes en el tema amoroso con las ilusiones, las aspiraciones, los deseos y las decepciones.
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4 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Saw
Saw (2004)
  • 7,2
    103.759
  • Estados Unidos James Wan
  • Cary Elwes, Leigh Whannell, Danny Glover, Monica Potter, ...
7
Es buena, pero la gente tiende a impresionarse por cualquier cosa.
Hay películas que, aparentemente sin ningún motivo, acaban siendo films que se acercan al título de culto y acaban eclipsándose. “Saw” es uno de esos casos donde su acogida es mucho más cálida entre el público que entre la crítica, de ahí el alzamiento del film de Wan que terminaría prolongándose como una alargada saga. Pero si miramos objetivamente el film con el que comenzó todo, veremos que la cosa no es para tanto y todo termina siendo un thriller más que correcto.

“Saw” termina siendo una víctima en su propio contexto, donde somos testigos de cómo la gente se impresiona cada vez por cualquier cosa, y acaban eclipsando un film bien ejecutado pero que no llega más allá, y es que me pregunto si mucha de esa gente ha visto films como “El Silencio de los Corderos” u otros films de misma índole donde queda de forma más que patente lo que es en realidad un thriller en estado puro.

La película de James Wan es un thriller que se mueve ante un macabro juego de supervivencia, la idea es buena, pero cada vez se tiene una tendencia a relacionar el terror con el puro gore, craso error, parece ser que ahora lo que se necesita para atraer al público o considerar algo terrorífico hay que poner unos números exagerados de litros de sangre y de violencia. Hace algo más de diez años esto no era necesario. Ese es el punto más negro de “Saw”, trata de impresionar de forma muy poco original y convencional, sin llegar a jugar demasiado con la psicología del espectador.

Como thriller, es bueno, pero nada más. Se tiende a exagerar demasiado en cuanto a ese aspecto. No hay en él absolutamente nada revolucionario o destacable. Sí que es cierto que está bien ejecutado y que contiene un buen hilo conductor. La trama se sigue con interés, es mínimamente atrayente, y cuenta con algún que otro talentoso actor de renombre, como Danny Glover, pero no pasa de ser correcto. Su mayor virtud es que es imprevisible, y tiene un buen puñado de giros argumentales que dejan un buen sabor de boca. Pero que no son tan antológicos como cabía esperar o tan deslumbrantes como la gente los pintan.

Todo está en un buen nivel, James Wan ha hecho un buen thriller, no cabe duda, pero acaba siendo víctima de unas demasiadas altas expectativas totalmente innecesarias, que lo único que pueden hacer es dejar a los más aficionados al cine con un mal sabor de boca. Tiene un buen puñado de giros argumentales y alguna que otra sorpresa, pero no es nada revolucionario o impresionante, y con un nivel excesivo de violencia para impresionar. Años atrás eso no era necesario…
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil