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Críticas de directorscut
Críticas ordenadas por:
Al límite
Al límite (2010)
  • 5,7
    10.825
  • Estados Unidos Martin Campbell
  • Mel Gibson, Ray Winstone, Bojana Novakovic, Danny Huston, ...
6
Al Límite... De la insustancialidad
Primero las buenas noticias: “Al Límite” es un film entretenido. ¿Las Malas? Pues que sólo es un film entretenido. Y es que como ya ha quedado patente en los últimos tiempos, el thriller está viviendo una etapa con una preocupante falta de inspiración. Por desgracia, la película no huye del encasillamiento tan propio de estos tiempos, convirtiéndose en el mayor de los convencionalismos, consiguiendo únicamente un producto entretenido, pero demasiado simplón. Las impresiones que nos deja “Al Límite” es la de encontrarnos con un entretenimiento disfrazado, pues es fácil caer ante la idea de estar ante un producto más cercano al de un telefilm, que al de un largometraje cinematográfico en sí. Son pocos los minutos que se necesitan para averiguar que la historia es alarmantemente típica. No hay nada en la cinta que ya no hayamos visto. Donde combina de forma meritoria, eso sí, un policía con sed de venganza que inicia un charco de sangre para desentrañar un caso personal. Y es que básicamente, lo único que hace que nos replanteemos la afirmación de estar ante un producto de serie B es gracias a la figura de Mel Gibson y a la de un gran, pero desaprovechado, segundario Ray Winstone.

Parece que Martin Campbell no tiene la misma habilidad en hacer grandes producciones que al gestar films de presupuesto más modesto, y no porque sea un mal director precisamente, en films como “Casino Royale” demostró que sabía ejecutar de forma muy placentera tensión e intriga en un thriller. Por desgracia, la ausencia de pirotecnia nos otorga a un Campbell que se encuentra cómodo dirigiendo, pero sin arriesgar absolutamente nada. La ejecución de “Al Límite” es fría y contemplativa, sin ningún atisbo de tensión, emoción o de interés. El film avanza, sin más, ausente de un pulso narrativo que la haga destacar, junto con un planteamiento interesante, pero que se sigue con el mínimo entusiasmo. Su trama pretende ser difícil y compleja, a la vez que pretenciosa, y no consigue ninguno de sus objetivos, dejando mucho que desear y con un método de ir atando su cabo bastante simplón y convencional. Al final, únicamente nos queda en la memoria algún que otro buen sobresalto, y el de unos cuantos litros de sangre derramados en la cruzada sangrienta de Gibson. Por lo demás, hay opciones mucho mejores. Robert De Niro iba a encarnar el personaje de Gibson, pero abandonó el proyecto a los dos días de iniciarse el rodaje por una serie de circunstancias. Sean cuales fueran sus motivos, la decisión de De Niro fue muy sabia…
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Shutter Island
Shutter Island (2010)
  • 7,6
    119.205
  • Estados Unidos Martin Scorsese
  • Leonardo DiCaprio, Mark Ruffalo, Ben Kingsley, Emily Mortimer, ...
9
Inquietante, morbosa y perturbadora. ¿Quién no se siente atraído por la macabra "Shutter Island"?
No hay nada más extraordinario dentro del séptimo arte que contemplar cómo las figuras más influyentes de hace unos años todavía no han dicho su última palabra y suspiran presentándonos obras rebosantes de calidad y de maestría. Como Eastwood, Scorsese es otra de esas figuras que ya nos han encandilado en el pasado pero que con una mayor experiencia adquirida con los años y fruto de sus trabajos, nos deleitan con una soberbia etapa de madurez manifestada en sus últimos largometrajes que nos demuestran que no han terminado todavía y que tienen mucho que decir. Una reivindicación tan gratificante como hermosa y necesaria.

El director de “Taxi Driver” se atreve a tocar un género que nunca antes había llegado a abarcar y el resultado es impresionante. Una vez más, Martin Scorsese nos enseña que sabe hacer mucho más que su característico cine gansteril y con apabullantes resultados. Esta vez, el cineasta nos sumerge en una historia de dos policías judiciales que deben adentrarse en un manicomio situado en una remota isla para encontrar a una de sus pacientes después de su inexplicable desaparición. Esto es sólo un mero aperitivo de lo que el realizador de “Toro Salvaje” nos depara. Dicha investigación nos depara un viaje en absoluto convencional. La travesía por la que se navega es sórdida, perturbadora, inquietante, macabra y hasta por momentos morbosa.

“Shutter Island” es más que un thriller, pues mezcla de forma sobresaliente un enorme componente psicológico con magistrales elementos de terror genialmente implementados. Por momentos, la atmosfera tan terrorífica como incomoda y perturbadora puede recordarnos a la genial “El Resplandor”, de Kubrick. Dicho aspecto no desmerece en absoluto, pues es el mejor film de su clase desde el estreno de ese clásico del terror en 1980. Solo un genio como Scorsese podía igualar o por lo menos acercarse a semejante reto. Puede que algunos puedan pensar que el giro de los acontecimientos por los que se desenvuelve el film pequen de ser simplones, pero es un detalle sin importancia gracias a la habilidad del director en adentrarnos en su tenebrosa “Shutter Island” y en cómo el espectador se retuerce en su sillón expectante ante los sucesos acontecidos y los que están por llegar. Su ambientación es gloriosa y su banda sonora es tan brillante como exquisita.

Sí Scorsese demuestra que se encuentra en estado de gracia, su actor fetiche actual, Leonardo DiCaprio, no se queda atrás. El protagonista de “Titanic” demuestra que es tal vez el mejor actor de su generación en su interpretación más compleja y complicada hasta la fecha. El viaje psicológico que realiza su protagonista es tan inquietante como atrayente, inolvidable. Tampoco sería justo no mencionar a su genial plantel de segundarios, gracias a las grandes aportaciones de Mark Ruffalo, Max Von Sydow y un extraordinario y brillante Ben Kinsgley.
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2 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
A dos metros bajo tierra (Serie de TV)
A dos metros bajo tierra (Serie de TV) (2001)
  • 8,0
    39.768
  • Estados Unidos Alan Ball (Creator), Alan Ball, ...
  • Peter Krause, Michael C. Hall, Rachel Griffiths, Frances Conroy, ...
10
El convencionalismo será enterrado a dos metros bajo tierra. Carpe Diem.
Echaré de menos a los Fisher. No me han dado razones para vivir, pero des de luego me han dado lecciones de cómo vivir y a apreciar la vida en todas sus facetas. Hay algo más allá de una idea original. Y es que en la funeraria de los Fisher lo que más se respira es vida. “A Dos Metros Bajo Tierra” puede sentirse orgullosa de ser una serie equiparable a otras obras maestras que nos ha ofrecido la televisión como “Los Soprano” o “The Wire”. Pero no únicamente se equipara en ellas en calidad, sino que en ciertos aspectos, las supera. Difícilmente encontraremos en la televisión o en el cine un producto tan ambiguo y complejo que nos dé tanto de que pensar, de reflexionar o de hablar. He allí la magia de la serie, todo episodio supone una lección magistral de la vida a partir de la presentación de alguna muerte, que nos hace indagar sobre la vida del difunto, llegando a una moraleja y reflexión. Lo magistral de su historia es que cada una de las muertes que nos presenta son naturales, reales, estúpidas e incluso divertidas, en fin, como la vida misma… Con un ácido y soberbio sentido del humor negro. Pero eso sólo supone una pequeña pieza de todo lo que nos ofrece la serie. Nunca he visto ningún otro producto que nos presente y trate todo tipo de temas que son tan tabúes en la sociedad en la que vivimos. El mensaje de vivir que nos proporciona la serie es manifestado en aspectos de la sociedad los cuales ocultamos o nos avergonzamos, ya sean homosexualidad, enfermedades mentales, sexo, engaños, dudas existenciales, drogas, alegrías… en pocas palabras, la vida implica buenos y malos momentos y es así como la serie nos invita a vivir, pero no del modo en que creamos oportuno, sino del modo en que nosotros sintamos que estaremos bien con nosotros mismos y nos sintamos realizados. Será difícil encontrar algo que me llene tanto…

No obstante, no es perfecta. Después de dos sublimes temporadas, la serie adquiere un tono más fresco, divertido y desenfadado en la tercera y cuarta temporada, y aunque sean bien recibidos, hay una sucesión de capítulos con tramas segundarias absolutamente innecesarias que pueden llegar a hacerse tediosas. ¿Por qué aún así se merece un diez? Por el afán de los guionistas en superarse, sobre todo con una quinta temporada que vuelve a colocar la serie en su merecido puesto. Porque los mejores momentos de la serie son tan sinceros y desgarradores que nos hacen olvidar esos momentos prescindibles. Porque nada es perfecto, y la serie muestra orgullosa su imperfección tratando de superarse y el conjunto es bello a la vez que asombroso. La gente dice excelencias de sus últimos diez minutos, pero no, todo el capítulo final es una desgarradora y sincera lección de la vida que no tiene precio, tan inolvidable como irrepetible. Algunos dirán que con sus errores no la hacen merecedora del diez, pero señores, si “A Dos Metros Bajo Tierra” no lo merece, ningún otro medio de entretenimiento, ya sea del cine o de la televisión, lo merece.
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18 de 22 usuarios han encontrado esta crítica útil
El hombre lobo
El hombre lobo (2010)
  • 5,1
    14.244
  • Estados Unidos Joe Johnston
  • Benicio Del Toro, Hugo Weaving, Anthony Hopkins, Emily Blunt, ...
4
Si sólo le oliera mal el aliento...
Si miramos objetivamente “El Hombre Lobo”, nos damos cuenta de que estábamos ante un producto cuya meta era fácilmente alcanzable, pues únicamente tenía la necesidad de ofrecer un producto de entretenimiento a la vez que homenajeaba a aquella obra de George Waggner. En resumidas cuentas, una actualización del clásico de 1941 con un atractivo lavado de cara gracias a la magia del maquillaje y de la evolución de los efectos especiales. Si a ello le unimos un más que atractivo y carismático reparto y un director que ya ha demostrado su sobrado talento en cuanto a la ejecución de entretenimiento palomitero se refiere ( pese a que tomara el relevo por el abandono de Mark Romanek en la silla del director), lo cierto es que uno se esperaba algo medianamente decente.

Por desgracia, no es el caso e independientemente de que la causa puedan ser los numerosos problemas y contratiempos que surgieron durante su desarrollo, a este hombre lobo le huele demasiado mal el aliento. Su mayor problema es que ni siquiera ofrece lo mínimo para considerarse una película decente en su categoría. Las apariciones del felpudo andante se cuentan con los dedos, y aparte de su primera incursión, el resto de sus intervenciones no resultan demasiado espectaculares, donde únicamente saldrán saciados aquellos seguidores de escenas gore, pues es en lo único que el film de Johnston se muestra generoso.

Sus principales fallos residen en una trama cuyo desarrollo es desmesuradamente plano y anecdótico que termina por ser aburrido, con un talentoso elenco desastrosamente desaprovechado y con un pobre y lamentable Benicio Del Toro que provocará lágrimas a sus más acérrimos seguidores. El director de “Jumanji” no ha sabido dotar a la cinta de cierto halo de misterio y de inquietud ante la llegada de su licántropo. Otro dato a recalcar son sus efectos especiales, cuyos mejores resultados se muestran en ambientarnos en la época que plasma el film, pues las apariciones del hombre lobo, aparte de poco generosas dejan mucho que desear. Y es que después de un 2009 con tropecientos “Transformers”, la destrucción del mundo en el “2012” y del planeta Pandora del “Avatar” de James Cameron, no nos vamos a impresionar con cualquier cosa. Rápidamente olvidable gracias a la sucesión de bostezos que provoca. Almenos cumple como un buen somnífero...
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4 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Invictus
Invictus (2009)
  • 7,0
    65.227
  • Estados Unidos Clint Eastwood
  • Morgan Freeman, Matt Damon, Tony Kgoroge, Julian Lewis Jones, ...
8
Todo aspecto en la vida debe de gozar de un factor humano.
Asistir a una nueva obra de Eastwood va mucho más allá de la garantía de disfrutar de una obra redonda, todo trabajo del cineasta es tan apasionante y prodigioso que consigue que sus películas sean auténticas obras maestras o que se acerquen a tal título. Lo mejor de todo, es que a medida que se suceden sus películas, vemos a un director en plena forma, en un esplendor irreprochable que hace que sus cintas sean cada vez más brillantes. Personalmente, todavía no me he recuperado de esa enseñanza de la vida que nos brindó con “Gran Torino”, quizá su mejor película. Entrando ya de lleno en “Invictus”, nos encontramos ante una cinta un poco alejada del estilo que el cineasta ha mostrado en sus últimos años. En esta ocasión, Eastwood se aleja de su lado más brillante como realizador para mostrarnos una vertiente no menos halagadora, su lado más intimista y apasionado, pues su nueva obra bien podría mirarse como una enorme declaración de amor que el director de “Ejecución Inminente” siente hacia Nelson Mandela.

“Invictus” es una cinta muy digna de su realizador, es totalmente contemporánea y comprometida, donde se resaltan valores tan importantes como la aceptación, la cooperación, la superación, el respeto y la convivencia. Dichos valores, son mostrados por una figura clave en el progreso de mencionadas virtudes: Nelson Mandela, que aquí emplea el rugby como arma política, siendo perfectamente consciente de su fuerza en las masas. Eastwood consigue ir más allá de un film de deportes, es toda una manifestación de importantísimos valores. Sin embargo, pese a sus loables intenciones, por una serie de razones, el mensaje de Eastwood acaba desviándose de su rumbo, pese a que se mantiene con total integridad. Esto es debido a la propia naturaleza del film. Durante sus primeros 80 minutos, somos testigos de un film conmovedor y sobresaliente, donde sus bazas residen en un insuperable Morgan Freeman encarnando a Mandela, su bella banda sonora y toda su maravillosa ejecución, donde vemos cómo Mandela propulsa sus ideales y va ganándose la simpatía de su pueblo. Dicha parte sólo se puede clasificar de brillante, no hay pega alguna. Aún así, durante el resto de su metraje, el film le da una mayor importancia a los partidos del rugby en la copa del mundo de 1995. Pese a que se traten de partes bastante intensas, se alejan del aura tan humano, conmovedor y a la vez sobrecogedor que gozaba su primera parte. Casi parece que asistamos a dos películas de temática bastante diferenciadas. Este desarrollo le impide a “Invictus” ser un film sobresaliente, pese a que su primera parte lo es, pero termina por desviarse decantándose más por la filmación de los partidos de rugby.

Pese a ello, estamos ante una muy bella película, digna del genio que la dirige, y con un Morgan Freeman que ha nacido para encarnar a Nelson Mandela. Será una obra menor de Eastwood, pero ya les gustaría a muchos realizadores tener entre ellos una obra de este calibre.
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Sherlock Holmes
Sherlock Holmes (2009)
  • 6,6
    78.365
  • Estados Unidos Guy Ritchie
  • Robert Downey Jr., Jude Law, Rachel McAdams, Mark Strong, ...
7
Ritche no se doblega ante Hollywood.
¿Qué es lo que uno puede esperarse de un Sherlock Holmes llevado a cabo por Guy Ritchie? La respuesta se encuentra en la misma pregunta, sólo veremos un Sherlock Holmes salido de la creativa imagen del realizador de “Snatch”, suponiendo así, una visión más moderna, alocada y divertida, dejando de lado su perfil más clásico y reconocido visto en sus anteriores adaptaciones. Lo cierto es que el experimento funciona, aunque puede que no sea de gran aprecio para los más puristas, sin embargo, los neófitos en el mundo de Holmes puede que les agrade la visión que Ritchie tiene por el personaje.

No cabe duda de que estamos ante la versión más cómica y desenfadada de Holmes desde ya aquella lejana “El Secreto de la Piramide” de Barry Levinson, y aún así, el trabajo de Ritchie es todavía mucho más ácido que el de aquella cinta. El director inyecta una considerable dosis de adrenalina a la función para hacerla más histriónica y nerviosa, y por qué no decirlo, también algo más cercana a las superproducciones hollywoodienses con su estilo per algo más superficial, pues aquí prima antes la acción con un generoso intercambio de golpes que un ingenioso intercambio de palabras o de mordaces diálogos que siempre han definido la figura de Sherlock Holmes.

Dichos cambios puede que saquen de quicio a más de uno, pero no podemos olvidar que esta cinta no deja de ser una visión muy íntima y personal que tiene un artista independiente acerca del personaje creado por Arthur Conan Doyle. Que Ritchie haya filmado este film también le ha acercado más a las grandes producciones de Hollywood, pues no es sólo su película más ambiciosa, sino que también es su trabajo más comercial hasta la fecha Quizá sea también este compendio de hechos que haya conseguido optar por un reparto más reconocido en esta cinta. No cabe decir que el trabajo de Robert Downey Jr. y el de Jude Law son impecables. Imprimen una dosis de camaradería y de comicidad geniales, con una química y dinamismo jamás vista anteriormente en este dúo de personajes. La guinda del pastel la pone una fotografía y una ambientación sublime, facilitandonos nuestra entrada en Backer Street.

En resumidas cuentas, tal y como era de esperar, y pese a que Ritchie se haya hablandado un poco para que su trabajo lo llegue a abarcar un mayor público, el Sherlock Holmes de Ritchie es macarra, oscucro, divertido, desenfadado, nervioso y histriónico. Con un mayor sentido de la aventura que del thriller en sí. Bienvenido sea su Sherlock Holmes.
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4 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Resacón en Las Vegas
Resacón en Las Vegas (2009)
  • 6,6
    103.920
  • Estados Unidos Todd Phillips
  • Bradley Cooper, Ed Helms, Zach Galifianakis, Justin Bartha, ...
8
La comedia más disparatada y carismática de los últimos años.
En ocasiones, sucede lo inesperado, y aquello que no levantaba grandes expectativas se convierte en una enorme y grata sorpresa. Quizá “Resacón el Las Vegas” llegue sin hacer demasiado ruido, pero su presencia es notoria. Sí algo queda bien claro des del principio de la cinta de Todd Phillips es que no estamos ante una estúpida comedia que tan acostumbrados estamos a ver, “Resacón en Las Vegas” es una comedia singular y muy especial, es uno de los mejores films que nos ha otorgado el género en los últimos diez años. La originalidad destila en cada uno de sus fotogramas, convirtiéndola en la comedia más original desde que los hermanos Coen nos deleitaran con “El Gran Lebowski”.

Si hablamos en términos comparativos o de similitudes en la cinta de los Coen, “Resacón en Las Vegas” puede presumir de ser la vuelta de tuerca más original y divertida desde “El Gran Lebowski”. Es una comedia que tiene una presentación simplona, pero que en ella se esconde todo un enorme talento de ingeniosidad, donde sus particulares y divertidísimos personajes deberán recordar todo lo qué han hecho durante una despedida de soltero para encontrar al novio, completamente desaparecido después del fiestón. Su premisa es sencilla, pero es creativa a más no poder, pues sus protagonistas hicieron lo inimaginable durante su velada en la ciudad del pecado. Su humor es zafío, totalmente incorregible, a la altura de sus peculiares personajes, cada uno de ellos con unos rasgos muy marcados y llenos de contrastes entre ellos. Pese a ello, su incorregible humor es totalmente apto para todos los públicos y su guión, aunque no esté nutrido de diálogos estrictamente ingeniosos, son lo suficientemente substanciosos y agudos para que nos riamos en más de una ocasión.

La acidez y frescura de sus frases, también se le puede otorgar a sus disparatas y alocadas situaciones, muy bien planteadas y montadas. Se podría deducir que todo en el largometraje de Phillips es incorrecto y descarado, y no estaremos muy lejos de la realidad, pero lo hace con estilo y con substancia, consiguiendo ser algo más que una simple comedia. Sus personajes y su guión consiguen que “Resacón en Las Vegas” se sitúe como una de las mayores sorpresas del género cómico en los últimos años. Tiene personalidad y carisma propios, junto con un sinfín de alocados momentos completamente imborrables. Y todo ello, realizado con mimo y preocupación deseando hacer al fin y al cabo, una buena película. Consigue sus objetivos y va más allá. Con el tiempo será todo un film de culto, sus inolvidables personajes son una muy buena muestra de ello.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Arma fatal
Arma fatal (2007)
  • 6,7
    25.493
  • Reino Unido Edgar Wright
  • Simon Pegg, Nick Frost, Timothy Dalton, Jim Broadbent, ...
9
Hay parodia, pero también una mordaz crítica.
Edgar Wright es un realizador que hay que tener muy en cuenta, y más todavía sí cuenta con la compañía de Simon Pegg, pues ambos ya demostraron que hacían muy buenas migas desarrollando un gran trabajo conjunto con la conocida parodia de zombis llamada “Zombies Party”. Pues, aunque esa cinta ya era muy notable, sin mayores pretensiones que proporcionar un digno y muy buen entretenimiento, los dos cineastas vuelven a la carga ofreciéndonos una película todavía mejor, eta vez haciendo una crítica del cuerpo de la policía.

Es muy posible que “Arma Fatal” adolezca del mismo problema que “Zombies Party”, y es que su presentación puede ser un tanto engañosa, haciendo creer que estamos ante una tonta y burda comedia que cae en lo absurdo. Lo mejor de todo es que no es ni mucho menos eso, “Arma Fatal” es un film con identidad propia y con un gran y agudo sentido del humor, donde mezcla la gran ingeniosidad con lo grotesco con ciertas dosis de violencia y de brutalidad exageradas que convierten el trabajo de Wright en pura dinamita. UN film que va directamente al grano en sus propósitos, todo montado de forma inteligente e ingeniosa y sin caer en la más mínima estupidez o tópicos. No se puede negar que “Arma Fatal”, al fin y al cabo, no deja de ser una graciosísima parodia del mundo policial y de las películas de acción hollywoodienses plagadas de tiros y de explosiones, pero también hay sitio para una fuerte y ácida crítica a todo ello que representa.

El espectáculo y la diversión están servidos gracias a un soberbio e ingenioso guión, con una historia mínimamente consistente e interesante, con ciertas dosis de thriller, cn toques de acción desenfrenada y muy divertida, con el único propósito de que el espectador se le quede una enorme sonrisa entre oreja y oreja. No únicamente se lo debemos todo a su guión, que ya es mucho, la guinda del pastel lo ponen un elenco de actores de lo más talentoso y destacado que aquí se muestran totalmente desinhibidos. En este aspecto, cabe destacar la intervención de un desmadrado Jim Broadbent y de un Timothy Dalton en estado de gracia riéndose de sí mismo cuando era un héroe de acción encarnando a James Bond. Sería un delito o mencionar a las estrellas de la función, el dúo de Simon Pegg y de Nick Frost, una pareja tan curiosa como particular, plagada de contrastes. Y por si fuera poco, también nos encontramos diversas sorpresas como la pequeña intervención de Bill Nighy.

Los más aficionados al cine de acción también reconocerán numerosas escenas que parodian o homenajean a grandes clásicos del cine de acción, aunque hay que tener claro que es un film muy disfrutable para todo tipo de público, y no solo para los aficionados al cine evasivo y palomitero. Es muy fácil sorprenderse con “Arma Fatal”, es un trabajo muy bien hecho, que cumple sus objetivos sobradamente y lo más importante, no se trata de una estúpida y burda comedia que nos invaden actualmente, todo es pura originalidad.
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Star Trek
Star Trek (2009)
  • 6,8
    44.841
  • Estados Unidos J.J. Abrams
  • Chris Pine, Zachary Quinto, Zoe Saldana, Eric Bana, ...
8
¿Star Trek? No, es Abrams.
Abrams se ha ganado una merecida reputación y reconocimiento por su enorme capacidad de crear puro entretenimiento, con grandes alicientes y enigmas a ser seguido, ya sea en la pequeña pantalla o en la grande, donde el creador de “Alias” parece encontrarse realmente cómodo. Sin embargo, Abrams puede provocar halagos y vapuleos al mismo tiempo, pues es bueno creando espectacularidad, pero también es bueno destrozando esencias y mitologías. Ya se vio en su anterior trabajo en el cine, con la tercera parte de “Mission Impossible”, film increíblemente espectacular y entretenido, pero sin el aura o componente espía que De Palma dotó a la primera entrega. Lo que ya hizo en esa franquicia, lo repite ahora con una saga sobradamente conocida, “Star Trek”, y el resultado es digno de aplausos, pero también provocará estragos ante los mayores seguidores de la saga galáctica.

Abrams no se anda con florituras, va directamente al grano para ofrecernos una “Space Opera” muy en línea a la saga galáctica de George Lucas, donde prima el espectáculo, la diversión y los efectos especiales antes que el empleo del diálogo. El dinamismo siempre ha sido el sello de este director, y ni siquiera “Star Trek” es una excepción. No es una versión para los fans, sino una versión de lo que Abrams concibe que debiera ser la saga. Y su visión destaca por la rapidez, la frescura y la aventura trepidante, alejándose del cultismo y del refinamiento tan propio que siempre se ha sujetado la serie y las películas. Olvidaos del culto y diplomático Capitán Kirk, el de Abrams es un joven desenfadado y un vividor, un Han Solo en sus años mozos que solo piensa en las chicas, la bebida y la diversión. No obstante, también cabe destacar que Abrams si que sigue siendo fiel o al menos respeta ciertos patrones, como el comportamiento de ciertos personajes. Todo se puede reducir a que lo que el realizador ha buscado es actualizar la saga a nuestros tiempos, y haciéndola más accesible al público. Tal vez hasta haya algunos neófitos que después quieran entrar aún más de lleno en ese universo.

Todo esto es muy positivo al gusto de este servidor, que pese a no ser un trekkie, ha tenido la oportunidad de ver ciertas cosas y la verdad es que considera que aquí la falta de escrúpulos de Abrams en romper mitologías es acertada. Aún así, es muy probable que muchos, y con razón, quieran ponerle una soga al cuello al bueno de Abrams por romper su saga, aunque tenga algún que otro guiño a la saga clásica, como la intervención de Leonard Nimoy. No cabe más decir que esta versión, es la versión que a Abrams le gustaría que fuera “Star Trek”, bebiendo más de “Star Wars”, haciéndola más divertida, dinámica y trepidante, en pocas palabras, pura diversión.
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Avatar
Avatar (2009)
  • 7,2
    164.951
  • Estados Unidos James Cameron
  • Sam Worthington, Zoe Saldana, Sigourney Weaver, Stephen Lang, ...
10
"Avatar" no es una película, es una experiencia.
En 1895, Los hermanos Lumière iniciaron la primera proyección cinematográfica en la historia con “Salida de los obreros de la fábrica Lumière en Lyon Monplaisir”; En 1927 “El Cantante de Jazz” se convirtió en el primera película del cine sonoro; En 1935 aparece la primera película en color con el uso del sistema de tres colores de Technicolor; En 1977,George Lucas cambió la forma de ver el cine con “Star Wars”; En 1995 “Toy Story” se convierte en la primera película de animación hecha íntegramente por ordenador; En el año 2009, James Cameron también hace historia…

Creo que la introducción de este servidor no puede ser más explícita. Aunque algunos cataloguen el último dato como discutible, las impresiones surgidas al instante de finalizar la montaña rusa de Cameron es que hemos sido testigos de un momento histórico, de una nueva forma del empleo de la tecnología para hacer cine. Muchos afirman que “Avatar” no es más que una mezcla de “Pocahontas” y de “Bailando Con Lobos”, no pueden tener más razón, pero, ¿Qué, más da? Ya les gustaría reunir la exquisitez del film que nos ocupa. El avance de la tecnología por ordenador nos ha permitido vislumbrar mastodónticas batallas y escenas de acción, pero las intenciones de Cameron era distintas, él solo quería presentarnos un mundo, Pandora, con su consiguiente mensaje ecológico. La desorbitada cantidad de dinero invertida en el film no es más que para obtener unos jugosos beneficios por parte de la productora, al fin y al cabo, el cine es arte y también negocio. Pero Cameron decidió invertir bien el dinero, y nos ha regalado un mundo. Puede que algunos piensen que su meta es algo más modesta que la de por ejemplo, George Lucas, que creó todo un universo, pero nunca hemos sido testigos de tanto cuidado, mimo y profundidad puestos en un ecosistema, y es que al acabar los 160 minutos de “Avatar”, uno ya se conoce toda Pandora; Sus especies vegetales, su comida, su fauna, su cultura… James Cameron no escribe ni dirige con la mente, sino que lo hace con el corazón y por su dedicación propia, algunos pueden pensar que todo ello conlleve a que este huracán visual sea plenamente convencional, pero el mismo realizador creó los patrones del convencionalismo en el cine, y eso no es ningún impedimento para crear algo enormemente bueno.

Continuo en Spoiler por problemas de espacio (sin revelar nada del argumento).
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12 de 14 usuarios han encontrado esta crítica útil
Las vacaciones del señor Hulot
Las vacaciones del señor Hulot (1953)
  • 7,4
    5.052
  • Francia Jacques Tati
  • Jacques Tati, Nathalie Pascaud, Michèle Rolla, Valentine Camax, ...
7
El tiempo deja huella, pero no en el film, sino en nosotros. No somos tan ingenuos.
Siendo francos, esta obra de Jacques Tati, al igual que “Mi Tío”, será muy probablemente recordada con los años, pero no como un imborrable clásico del cine, sino como un film simpático que desprende una gran ternura. Es innegable el carisma de Jacques Tati en encarnar su personaje tan reconocido, como si de un Charles Chaplin francés se tratara, pero con un humor algo más suavizado. No hay cabida para el compromiso en la película de Tati, aquí no encontraremos ninguna crítica ni observación alguna a la sociedad, el director trata simplemente de hacernos llegar una comedia alegre y divertida, y que sea sobre todo apta para todo el público.

Ciertamente, serán los más pequeños los que valorarán mayoritariamente este film, no es que los más adultos no sabrán apreciarlo, ni mucho menos, pero su inocencia hace que sea un film únicamente alegre para sus ojos, como si fuera una anécdota. El paso del tiempo ha dejado huella, pero no precisamente en el film, sino en nosotros. No somos tan ingenuos y tan fáciles de impresionar como lo era el público de 1953, y eso se nota. Tati se sirve de numerosos gags para ganarse al espectador. Actualmente, cabe decir que ciertos de sus gags son todavía muy frescos, pero impresionan más su ejecución que su finalidad. Es más fácil para el adulto quedarse impresionado por ciertas peripecias en sus momentos más divertidos que ponerse a reír a carcajadas.

Este aspecto no es que sea bueno o malo, sencillamente es que su comedia ya no hace la gracia de hace más de cincuenta años, y es por eso que el público más inocente valorará más el film del modo en cómo fue concebido. Para el resto nos depara un rato muy agradable versionando o rememorando las peripecias de Mr. Hulot, que sacará de quicio a más de un bañista que haya decidido pasar las vacaciones.

También habría que destacar del film, al igual que otros films de Tati, es que el cineasta crea una comedia suave y ligera. Aquellos que anden buscando un humor similar al de Chaplin puede que salgan un tanto decepcionados. El estilo de Tati, se aleja totalmente del lado picaresco. Su comedia es suave, ligera y más disfrutable para todo tipo de público. Puede que eso no sea el gusto de todos, pero hacen del film, al igual que el resto de la filmografía de Tati, como una obra eternamente entrañable, tierna y conmovedora.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Scoop
Scoop (2006)
  • 6,8
    54.474
  • Reino Unido Woody Allen
  • Woody Allen, Scarlett Johansson, Hugh Jackman, Ian McShane, ...
9
Johansson brilla. Allen, sin comentarios...
Es un tanto injusto etiquetar este film como una obra menor de Woody Allen. Sí bien es cierto que no llega a las cuotas de calidad de sus mejores trabajos, tampoco se puede decir que esas fueran las verdaderas intenciones del director de “Annie Hall”, sino que más bien su objetivo era el de hacer un film ameno, fresco y divertido, sin mayores pretensiones que entretener al público y con unos personajes meramente simpáticos para sonsacarnos algunas sonrisas y carcajadas de humor. Y ciertamente es todo un logro por parte del cineasta, no será un film espléndido de su director, pero ya quisieran muchos cineastas tener un film como “Scoop” y que sea considerado como una obra menor.

Allen siempre ha tenido la extraordinaria habilidad de plantear relatos de todo tipo, sabiendo siempre mezclar un sólido argumento con una buena dosis de humor. Lo cierto es que estamos ante uno de sus mayores ejemplos. “Scoop” cumple muy bien como thriller donde una estudiante de periodismo trata de desentrañar la identidad de un asesino en serie. Pero su idea y desarrollo son sencillos, en la línea de su director, y es que Allen no trata de engendrar un vigoroso thriller plagado de giros argumentales y de inesperadas sorpresas. El cineasta se sirve de esa idea para hacer un film propiamente suyo, donde el humor y la frescura son visibles en cada rincón. Esta cinta puede presumir de ser uno de los trabajos más divertidos y desenfadados de Allen en años, principalmente, a su intervención como segundario, encarnando por enésima vez a su excéntrico personaje, que esta vez ayuda a la joven aspirante a periodista a desenmascarar la identidad del asesino.

El fruto de la relación de Johansson con Allen es lo que hace verdaderamente especial “Scoop”, no se puede negar que existe una química de lo más divertida entre los dos. No sólo eso, Allen vuelve a demostrar que sabe dirigir a sus actores, sabiendo sacar lo mejor de sí mismos, y es que nunca habremos visto a una Scarlett Johansson tan fresca y divertida y a un Hugh Jackman tan carismático y a la altura del resto. Si ya entramos en la labor interpretativa de Allen, podríamos estarnos todo el día. Sólo cabe decir que su actuación es espléndida y muy divertida, se agradece su aportación en la historia. Allen debería el plantearse en salir más en sus films.

Ciertamente, “Scoop” no es de los trabajos por los que será más recordado su director, pero éste vuelve a demostrar su genialidad en una obra con unas pretensiones algo menores en comparación de otros de sus trabajos, pero que finalmente resulta ser toda una señora comedia totalmente inteligente y de lo más disfrutable.
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Crimen y castigo
Crimen y castigo (1935)
  • 7,1
    713
  • Estados Unidos Josef von Sternberg
  • Peter Lorre, Edward Arnold, Marian Marsh, Elisabeth Risdon, ...
9
¿Podemos vivir con la conciencia tranquila?
Este es el ambiguo dilema que nos propone “Crimen y Castigo”, su realizador trata que acompañemos del oscuro camino que toma su protagonista hasta su honrosa redención. Si hay algo elogiable en la película de Sternberg es que no trata de proporcionarnos un thriller, aunque tenga ciertos toques, su trama destila una carga dramática enorme a la vez que original y poco vista en la pantalla, que nos presenta a una persona brillante, pero que a pesar de su enorme talento, las enormes dificultades que puede depararle la vida, puede obligarle a cometer los actos más impuros y horribles, y ese es el de quitarle la vida a otro ser humano.

Aquí poco importa quién sea la víctima, sí era buena o mala persona, aquí lo que verdaderamente importa es la intención que conlleva a realizar tan vil acto y de sus fatales consecuencias para toda persona que a pesar de sus oscuras y horribles acciones, aún posea algo de integridad o de moralidad. Las malas acciones pesan nuestra conciencia, y el dilema que nos cuestiona el film es sí uno puede convivir con tan pesada carga. ¿Puede vivir uno de forma normal después de lo que ha hecho? ¿Realmente puede olvidar el pasado? Es ahí donde destaca “Crimen y Castigo”, su planteamiento no es únicamente inusual, sino que está llevado de forma sobresaliente y a pesar de sus años, sigue siendo un film de referencia que no ha perdido calidad ni mensaje con el paso del tiempo, ha sobrevivido bien, pues su mensaje es aún muy contemporáneo. No solo nos plantea el sufrimiento del responsable del crimen, sino también de aquellas personas que le rodean y que le quieren, como sus familiares y amigos, que ven como la persona se va marchitando, y caen finalmente en la cuenta que todo se hizo por ellos, en una época injusta por la gran depresión. Y lo más brillante de todo es que el crimen es cometido por una persona culta, con estudios y con un futuro prometedor, pero empañado por la época que le ha tocado vivir.

Lo bueno es que Sternberg no se conforma con ello, y también se nos plantea la idea del un asesinato perfecto a través del personaje del policía que investiga el crimen y que es a la vez un admirador de la mentalidad del protagonista. Esa curiosa relación abre las puertas a un juego de culpas y de engaños, sobre los métodos más interesantes para desenmascarar a un criminal y no por las pruebas del crimen, sino por su mentalidad y forma de actuar posteriormente. Es un juego interesante, a la vez que un tanto macabro, de ahí su notoria morbosidad e irreprochable atractivo. “Crimen y Castigo” quizá no sea una obra maestra, pero su temática y planteamientos nunca han sido tocados desde la vertiente que utiliza Sternberg. Lo que hace que estemos ante un film tan excepcional como único. Donde lo brillante y lo bizarro se mezclan asombrosamente. Un brillante viaje de redención.
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3 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
La vida privada de Elizabeth y Essex
La vida privada de Elizabeth y Essex (1939)
  • 6,6
    773
  • Estados Unidos Michael Curtiz
  • Bette Davis, Errol Flynn, Olivia de Havilland, Donald Crisp, ...
7
Un trabajo descarnado por parte de Davis.
Se nota que “Lo que el Viento se Llevó” acababa de estrenarse, pues esta obra más bien a mayor lucimiento de Errol Flynn. Este aspecto no quiere decir que estemos ante un film mediocre, al contrario, pero se vislumbra muy fácilmente cuáles son sus verdaderas intenciones, que pasan a ser, mayoritariamente, comerciales. Michael Curtiz siempre ha demostrado ser un director de enorme talento, su esfuerzo y empeño en sus films es irreprochable, pero aquí no deja precisamente impreso su sello o estilo. No es un film digno de aquel director culpable de obras maestras como “Casablanca” o “El Capitán Blood”, entre muchas obras. Podría resumirse, al fin y al cabo, que “La Vida Privada de Elizabeth y Essex” es un buen film, pero su gestación sólo es en pos de mantener viva la figura de estrella del irregular Errol Flynn.

Sí nos ponemos a desglosar la cinta, es un film destacado dentro de la filmografía de actor espadachín, pero es un film menor si nos centramos en Bette Davis, curiosamente, ésta no quería a Flynn en la película, pues no solo no se llevaban bien, sino que Davis menospreciaba el estilo de trabajo de Flynn. Pese a ser más bien una película para sobresaltar la figura de su protagonista, éste queda fácilmente atrás ante el poder interpretativo de Davis, que en esta ocasión descuida y envejece su físico. No se puede negar que su entrega en el papel de la reina Isabel es absoluta, y culmina siendo un trabajo impecable. Flynn no está mal, dentro de lo que cabe, pero se nota que es un papel hecho a su medida.

Tampoco ayuda demasiado la puesta en escena de Curtiz, que aquí se centra en hacer que su obra sea más parecido a una obra teatral, aspecto absolutamente plausible por las actuaciones de todos sus actores, que en más de una ocasión parece que se dirijan al espectador con numerosos monólogos e interpretaciones algo forzadas. Algunos alabarán esta iniciativa, sobre todo por la innegable calidad de su guión, pero partir de este estilo, hace que el film flojee en espontaneidad, rodeándose de elementos un tanto artificiales.

Su ambientación es soberbia, fruto de una innegable ambición y ganas de hacer las cosas bien. Peca en caer en demasiados tópcios amorosos, pero a la hora de la verdad se nos plantea un más que difícil e interesante dilema sobre si una persona debe actuar a favor de su pueblo o a su favor particular, con las consecuencias que acarrea cada una de las decisiones, sean buenas o malas. Es ahí donde se guarda la mayor baza y poder de la película, en plantearnos unos dilemas que no solo plantean cuestiones felicidad, sino de moralidad e interés particular y popular. Es una buena película, pero habiéndola enfocado de otra forma hubiera surgido una vasta obra maestra. No obstante, Bette Davis nos regala unos momentos prodigiosos.
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6 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
Ali
Ali (2001)
  • 6,5
    24.722
  • Estados Unidos Michael Mann
  • Will Smith, Jon Voight, Jamie Foxx, Jada Pinkett Smith, ...
7
Buena, pero no una ganadora.
No se puede negar que visualizar el film de Michael Mann sobre una figura tan emblemática como la del boxeador Muhammad Ali es un entretenimiento de gran nivel, pero también deja con esa agridulce sensación de que podría haber sido mejor. Y es que Mann deja impreso su sello, pero no con la calidad y dedicación que optan otros de sus films. “Ali” no deja de ser un buen espectáculo, pero es un tanto vacío, no termina por llenar y colmar las ansias del público o de los admiradores del campeón de los pesos pesados.

Mann se retracta con una trama un tanto facilona y demasiado estancada en unos parámetros muy estereotipados y tópicos que al final termina por convertirse en un drama más, pero sin alcanzar la plenitud deseada. A su biografía del boxeador le falta garra y le sobra cierta empalagosidad, se conforma con ser un drama típico, sin arriesgar. Ni siquiera se deja entrever demasiado la técnica cinematográfica de Mann, ni siquiera en sus combates de boxeo, que aunque estén bien filmados, no tienen ese grado de emoción deseado ni el lirismo cinematográfico de su director. Esos defectos pueden ser perdonables, pero empañan la obra enormemente y le impiden hacerse con el título de ganadora.

Mucho se han hablado de sus actuaciones, Will Smith impresiona encarnando a la figura de Ali, no se puede negar que el carisma del actor le otorga únicamente ventajas para plasmar el fenómeno mediático que era el auténtico boxeador, sin embargo, eso no es suficiente, su trabajo no alza categóricamente la calidad del film y tampoco esperen una interpretación mítica. Podemos resumir que Smith mantiene muy bien el tipo siendo muy fiel a la figura que representa. El elenco de segundarios, no solo se presenta atractivo, sino que cumple ejemplarmente. Su selección musical es, además de variada, muy buena. Quedando como estos apartados, los mayores atributos del film.

Otro fallo de Mann es que no sabe mantener el interés de la figura del personaje que trata que conozcamos. Sin duda, su parte más interesante y mejor llevada a cabo son los problemas que tiene Ali con el gobierno de los EUA con la petición de alistarse en Vietnam y de las fatales repercusiones que tendrá su negación. La lucha por los derechos del boxeador así como el de toda la comunidad negra es el plato fuerte del film, pero cuando esta trama ve su fin y el director de “Heat” vuelve a centrarse en la recuperación del título mundial del campeón de los pesos pesados por parte del boxeador, la cinta cae estrepitosamente haciéndose incluso un tanto cansino, pues el mayor atractivo de la cinta ya se ha ido, y ya solo se centran en un aspecto no tan interesante en la vida de Muhammad Ali.
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1 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Escalofrío en la noche
Escalofrío en la noche (1971)
  • 6,6
    4.775
  • Estados Unidos Clint Eastwood
  • Clint Eastwood, Jessica Walter, Donna Mills, John Larch, ...
8
Espléndido début de un espléndido director.
“Escalofrío en la Noche” supuso el debut de una brillante carrera del director y actor Clint Eastwood, cuya trayectoria como realizador supera con creces la de actuación. En su opera prima, el realizador de “Gran Torino” interpreta a un locutor de radio que es acosado por una mujer que es admiradora suya y con quien llega a tener una aventura. Lo que en un principio se convierte en una molestia por su exagerada intervención y pesadez en su vida, poco a poco se convertirá en toda una pesadilla cuando los más cercanos de la vida del locutor deberán proteger sus vidas por el acoso de la admiradora del locutor.

Puede que algunos consideren que su planteamiento en estos momentos ya esté demasiado usado, pero hay que tener en cuenta de que estamos hablando de una película de 1971, donde todavía no era muy común hacer este tipo de películas. Pese a ser su primer trabajo como director, Eastwood sabe dominar como nadie el thriller. Sabe dotar a su obra de una gran inquietud y de poderoso magnetismo, lo cual hace que el film se haga altamente interesante a los pocos minutos de su inicio. Y no únicamente hablamos de un inicio brutal, sino que el realizador consigue mantener el pulso y un vigoroso ritmo narrativo hasta el final, sin caer en tópicos, y manteniendo un nivel de tensión más que generoso.

Otro punto no menos atractivo es su genial ambientación. Realmente le otorga un encanto especial al film, y aunque éste ya tenga casi cuarenta años, mantiene muy bien el tipo, su nivel visual y su desarrollo narrativo son impecables, no les pesan los años, superando en muchos aspectos a los thrillers de hoy en día. Lo que tiene el film de Eastwood que no tienen demasiados es que es muy intenso y atrayente, desde el principio hasta el final. En ningún momento baja la guardia y la calidad de la cinta se mantiene en un nivel muy alto en todo su desarrollo.

No se puede hablar de “Escalofrío en la Noche” sin hacer hincapié en sus actuaciones. Es sorprendente a la vez que muy bien recibido el cambio de registro en el papel de Eastwood, que hasta entonces de esta película, el actor sólo había demostrado sus dotes de tipo duro y de antihéroe, pero aquí le vemos por primera vez encarnando a un tipo de lo más normal, que trata de llevar su vida y cómo esta se ve perjudicada con la llegada de su acosadora. Tampoco se puede olvidar a Jessica Walter, que interpreta a la mujer que persigue a Eastwood, la actriz sabe plasmar muy bien el cambio de personalidad de una mujer aparentemente dulce y agradable en una maquiavélica pesadilla.
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5 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
El ídolo caído
El ídolo caído (1948)
  • 7,2
    811
  • Reino Unido Carol Reed
  • Ralph Richardson, Michele Morgan, Sonia Dresdel, Jack Hawkins, ...
7
Puñetero niño... ¿Por qué no te callas?
Sí hay algo por lo que elogiar “El Ídolo Caído” es que el cuidado y desarrollo de su trama son dignos de su director, sin embargo, eso no es suficiente. Bien mirado, Reed nos ofrece una cadena de fatales circunstancias que únicamente pueden envolver a los adultos, pero que para la visión de un niño le resulta completamente incomprensible así como inabarcable. Es ahí donde reside el verdadero encanto del film, en su perspectiva tan diferente como peculiar.

El hilo conductor del film sigue al pequeño, interpretado por Bobby Henrey, su visión es lo que importa verdaderamente en esta trama, junto a la relación que mantiene con su mayordomo, que debido a que mantiene una aventura, tendrá problemas con su mujer y dicha situación tendrá un final dramático. El chico juega un papel esencial en toda la trama, pues él es el objeto de las maquinaciones y mentiras de los adultos que están a su alrededor, obligándole a decir mentiras para que otro pueda quedar bien. Dicho comportamiento tendrá también sus consecuencias, nada agradables para el mayordomo, su mujer y su amante, que llevarán a la implicación de la policía para llevar a cabo una investigación.

El chico, totalmente atosigado a decir mentiras y a guardar secretismos, sin comerlo ni beberlo llegará a distorsionar completamente la realidad de los hechos, que acarreará más de un problema para su mayordomo implicándole como ejecutor de un crimen. Su premisa es interesante a más no poder, sin duda el film reúne muchos atisbos de originalidad, sin embargo, no deja de ser cierto que Reed no supo otorgar a “El Ídolo Caído” de la fuerza que poseen muchos de sus otros trabajos. La trama se sigue, logrando ser más interesante durante su desarrollo, pero no es suficiente como para pensar que estamos ante un film sobresaliente.

Es también remarcable el papel que juega el niño en toda la trama, pero para algunos su presencia, sobre todo por el final, puede que les resulte un tanto irritante, y no se les puede quitar la razón. El chico, víctima de todos los secretos que debe esconder, cae en un mar de mentiras y de declaraciones sin sentido alguno. El chico lo hace siempre con loables intenciones, no obstante, el director trata de plasmar la inocencia de cualquier mente infantil, hecho que consigue plasmar a la perfección, pero que se vuelve un tanto pesado en su tramo final, que también peca de algo ingenuo e inocentón fruto de los años transcurridos.
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13 de 16 usuarios han encontrado esta crítica útil
Detour (El desvío)
Detour (El desvío) (1945)
  • 7,4
    3.557
  • Estados Unidos Edgar G. Ulmer
  • Tom Neal, Ann Savage, Claudia Drake, Edmund MacDonald, ...
8
La femme fatale por excelencia nos sumerge en una espeluznante pesadilla. Pura mala leche.
Es increíble lo que se puede llegar a hacer con un solo puñado de dólares y con todo el entusiasmo expuesto en llevar a cabo su objetivo. Eso es lo que consiguió el director Edgar G. Ulmer con un modesto presupuesto y seis días de rodaje. La mejor forma de definir este bizarro trabajo es que se trata de una road movie de cine negro de serie B. Ulmer se sirve de una historia inquietante y enormemente perturbadora para adentrarnos a lo más cercano de vivir una pesadilla. Ciertamente creeremos estar en una dado la demasiado generosa dosis de fatalidad y de mala suerte que el director nos otorga.

El film es intensamente fiel a lo que supone que debería tener cualquier película del género, como tener sus dosis de intriga, numerosos flashbacks, voz en off y una femme fatale. Ulmer nos deleita ofreciéndonos los mayores tópicos del género, pero mostrados de forma intensa y con enorme fuerza, con una perspectiva tan bizarra como desagradable. Pocas veces nos sentiremos tan fatigados y hartos de su personaje femenino, clave de las desgracias del protagonista, y es que aquí el término de femme fatale no podría cobrar más sentido. El protagonista de la historia es un tipo corriente y pobre, que movido por el amor, lleva a cabo un viaje a Hollywood para reencontrarse con su amada. El personaje se servirá del auto-stop para llegar a su destino, pero por una serie de fatales circunstancias, se verá envuelto sin ningún remedio en una trágica cadena de acontecimientos que a medida que avanzan no hacen más que empeorar la situación.

Lo desagradable a la vez que extraordinario, es que Ulmer consigue crear una atmosfera perturbadora e inquietante. Vuelve la fatal situación en algo irritable, donde fácilmente a cualquiera le pueden estallar los nervios, incluso a nosotros. El cineasta consigue adentrarnos en su pesadilla, logrando que la vivamos en carne viva. Algo tan desalentador como increíble por haber conseguido sumergirnos en ella. Es fácil sentir todos los sentimientos que siente su protagonista, des de la paranoia, el nerviosismo, la irritabilidad o incluso el asesinato. Pocas veces el cine a conseguido que empatizemos tanto con la fatal sensación de su protagonista, y que además la lleguemos a vivir tan intensamente. Todo ello se debe a su extraordinaria narración, atrayente e interesante como pocas, y con una pareja protagonista extraordinaria. Es fácil ponerse en la piel del personaje de Tom Neal, debido a las desgracias que le causa la presencia de Ann Savage. La actuación de ésta última es, simplemente, auténtica y genuina. Savage se podría convertir fácilmente en el mayor símbolo de femme fatale por excelencia. Lo tiene todo para adorarla, y sobre todo para odiarla tremendamente. Todo aquel que le guste el cine negro tendrá un enorme vacío hasta que no vea “Detour”, un film modesto pero increíblemente creíble y mordaz. Es adentrarse en una montaña rusa de pesadillas y de emociones desagradables increíbles. Un viaje tan inolvidable como extraño.
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10 de 10 usuarios han encontrado esta crítica útil
La jungla humana
La jungla humana (1968)
  • 6,0
    2.625
  • Estados Unidos Don Siegel
  • Clint Eastwood, Lee J. Cobb, Susan Clark, Tisha Sterling, ...
8
El título le va como anillo a dedo.
“La Jungla Humana” podría definirse como un film que precedió a lo que sería “Harry el Sucio”, donde Siegel pone toda la carne en el asador para mostrarnos un lado nada conocido y querido de las calles de Nueva York, donde aspectos como la belleza y el “glamour” quedan relevados por la suciedad y la mayor marginalidad. En todo este contexto, el director de “Dos Mulas y una Mujer” se sirve de su actor fetiche, Clint Eastwood, para presentarnos a un rudo policía de métodos poco ortodoxos que llega a la Gran Manzana para llevarse un preso bajo su custodia para llevárselo a Arizona. El mayor problema será el poco cálido recibimiento que tendrá por parte de toda la comisaria, y las cosas aún empeorarán cuando saltándose las reglas decide llevarse al preso y éste escapa.

Este es el planteamiento de Siegel para lanzarnos una cruda visión de una ciudad tan conocido como sobrevalorada. El realizador se sirve de su sencilla historia con ciertos pero pobres toques de thriller, y cómo no, de Eastwood para que nos adentremos en ese callejón de las calles de Nueva York que tan vagamente conocemos. En todo el periplo del duro policía, se encontrará con chulos, prostitutas, drogadictos y con todo un grupo de marginados e inadaptados que difícilmente invitaríamos a nuestro hogar. Los métodos del cineasta son previsibles dado ya su sobrado conocimiento de su técnica, pero no por ello eficaces. Siegel demuestra de nuevo su gran habilidad para sumergirnos en ese desagradable mundo con el empleo de lo grotesco y esperpéntico. Tiende a exagerarlo todo llegando a caricaturizar a todos sus personajes. Aunque dichos métodos puede que no sean aclamados por todo el mundo, no se puede negar que funcionan a la perfección.

Como la mayoría de sus films, “La Jungla Humana” es puro divertimiento, es un film altamente entretenido, que no se puede negar tampoco que la presencia de Eastwood juega un papel esencial. Su personaje es rudo, seco y duro, no se anda con contemplaciones. Es hasta un tanto desagradable, en la línea del tipo duro que encaja perfectamente con el perfil del actor y que tanto fue explotado en muchos de sus films. Pese a ese difícil y temperamental carácter, es fácil sentir apego por él debido a todo el disparatado grupo de personajes con los que tendrá que lidiar para lograr su objetivo.

Puede que a más de uno, sobre todo si no está acostumbrado, los métodos tan exagerados de Siegel les parezcan divertidos, pero se esconde detrás de ellos una ácida y poderosa crítica social a todo ese grupo de inadaptados y de aquellos que lo permiten sin tratar de mejorar nada. Es ahí donde Eastwood juega su papel esencial, es todo un antihéroe que debe soportar todas esas incomodidades y rarezas para conseguir su objetivo.
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4 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Celda 211
Celda 211 (2009)
  • 7,7
    116.106
  • España Daniel Monzón
  • Luis Tosar, Alberto Ammann, Antonio Resines, Carlos Bardem, ...
9
Escalofriante en todos los sentidos.
Hay algo más allá de las rejas de “Celda 211”, aparte de ser un más que logrado e intenso thriller de género carcelario, la cinta de Daniel Monzón no se conforma con ello y también deja lugar para ciertas reminiscencias sociales y políticas donde invita al espectador a cuestionarse diversos aspectos de la ley y del poder que ésta es capaz de ejercer. Es sin lugar a dudas, un magnifico film de suspense de alta categoría por su inmensa intensión, que no da lugar a ningún respiro y es, además un film de enorme condición social por todos los aspectos que nos plantea.

Se ha puesto de moda el mostrar el lado más oscuro, corrupto y egoísta de la ley, donde la policía ejerce su poder como herramienta de entretenimiento para abusar de su uso de autoridad. No hay muestra de compañerismo y de cooperación entre ellos, pero existe una enorme brutalidad con el disfrute y deleite de maltratar a sus presos y en descuidar los requisitos mínimos que deberían tener las instalaciones de un centro penitenciario, que se cae a pedazos. Sin embargo, hay cooperación y valores tan honestos como el valor, la amistad, la ayuda y el honor, pero no por parte de la ley, sino que viene de los presos de la cárcel que no tienen nada que perder y desean unas mejores condiciones de vida, motivo por el cual, se levanta esa rebelión. En medio de todo este meollo, se encuentra el personaje de Alberto Ammann, cuya incorporación como carcelero es reciente y que por una serie de fatales circunstancias se ve envuelto en la rebelión de los presos, sin quedarle otro remedio que hacerse pasar por ellos. Mientras la policía tarda en hacer algo, el personaje hará nuevas amistades en prisión y se convertirá en el nuevo líder del movimiento junto al líder del motín. Nada de esto puede terminar bien.

Monzón consigue que empatizemos con los presos, debido a sus fatales condiciones de vida. Es un film social y comprometido, y que además nos deleita con un magnifico thriller cargado de intensidad. No hay cabida para el aburrimiento en “Celda 211”. Esta película es un claro ejemplo de cómo se pueden hacer las cosas bien sin la necesidad de un mastodóntico presupuesto. Es un film también dramático, pero no en la línea de los films de Frank Darabont. Aquí el espectáculo comienza muy temprano y va directo a la yugular, con unos personajes que a primera vista son unos marginados, pero que terminan siendo personas que se tienen los unos a los otros y de personalidad ambigua. Además, el guión se sirve de momentos puntuales y de giros drásticos en su trama sobresalientes, como la trama de ETA. Los actores están todos y cada uno de ellos geniales, destacando a Alberto Ammann y Antonio Resines. Mención especial se merece el trabajo de Luís Tosar como el líder de la rebelión, pocas veces se nos ha dado una actuación tan intensa como voraz y auténtica. Lo mejor del film es que pese a su magnífica ejecución como film de suspense, se guarda unos cuantos ases en la manga muy bien recibidos.
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil