La Nouvelle Vague se resiste a morir. Una forma radicalmente distinta de entender cómo se hace cine se mantendrá mientras cuente con practicantes como Garrel (o como Godard, aunque sus películas se espacien tanto en el tiempo). Nada de artificios, nada de espectacularidad falsa, nada de emociones vertiginosas y vacías que se olvidan a los dos minutos de abandonar la sala de cine. Aquí sólo cabe el cine de verdad: la expresión en imágenes de ideas y sentimientos al servicio de una historia, aunque la existencia de la misma no sea imprescindible. Y Garrel cumple. Con creces. Esta obra está llamada a convertirse en una obsesión a la que volver una y otra vez durante años.

La frustración de la juventud revolucionaria tras la traición de los sindicatos al mayo del 68 es la base del argumento, pero no comprende ni una pequeña parte de su poesía, de su delicadeza, de su autenticidad.

Las referencias de Garrel están claras. En El nacimiento del amor hay una entrañable alusión a Jean Eustache, en Los amantes habituales, uno tiene la impresión de mantener un diálogo con el primer Godard, con el primer Truffaut... de sentarse a ver la película al lado de Rohmer o Varda. Estoy agradecido a Garrel por devolverme la fe en el cine.

En España hay más genios por metro cuadrado que en todo el cine del resto del mundo junto: Almodóvar, León de Aranoa, Bajo Ulloa, Amenábar, Loriga, Álex de la Iglesia... En medio de la mediocridad general, los adjetivos ensalzadores se disparan provocando una inflacción de la apreciación crítica a la par que una devaluación del valor expresivo de los calificativos. Y mientras tanto, el único, el verdadero ARTISTA realmente merecedor del epíteto de genial, Víctor Erice, se muere del asco y sufre para ser capaz de dirigir una película cada diez años.

Almodóvar no es un genio. Es un director hábil, muchas veces muy acertado y otras no tanto, que se ha labrado una trayectoria de prestigio con un puñado de películas muy apreciables y algún que otro bajón de calidad. Es cierto que algunas de sus buenas películas (¿Qué he hecho yo para merecer ésto?, La ley del deseo, Mujeres al borde de un ataque de nervios, Átame) son excelentes, innovadoras, atrevidas y transgresoras. También lo es que otras son verdaderos bodrios, como Matador o Kika. Su estilo es perfectamente reconocible y los que han querido imitarlo han caído en el ridículo, lo que es marca de buen "artesano"; sin embargo, sus temas favoritos (u obsesiones) a menudo reciben un tratamiento demasiado sensiblero, truculento o excesivamente mitificador y entonces es cuando Almodóvar pierde toda la fuerza de sus virtudes y logra convertirlas en defectos insalvables para la paciencia del espectador con criterio. Es el incoveniente de repetirse (y ahí está el caso de Woody Allen, al que ocurre algo semejante, salvando las distancias que se quieran ver entre ambos cineastas).

Volver no es una mala película, aunque su guión sea inferior al de Todo sobre mi madre, pero el pretendido homenaje de Almodóvar a las mujeres manchegas que poblaron su infancia, carece de interés y de profundidad dramática. Es como si en lugar de una película, Almodóvar hubiera escrito el de uno de los "talk shows" criticados en el filme: tremendismo, sensacionalismo, sonrisa y lágrima facilonas y uno se siente perfectamente justificado de olvidar completamente lo que ha visto en cuanto se apaga la pantalla. Y luego está, para rematarlo, el hecho de seguir considerando a Penélope Cruz como una actriz capaz de aguantar como protagonista un largometraje. ¿Cuándo se dará la gente cuenta de que esta chica es inexpresiva, de que su voz es un tormento insufrible y monocorde y de que su presunta belleza no justifica su presencia como dominadora absoluta de una película? Personalmente, creo que la actuación de Blanca Portillo deja en pañales cualquier pretensión interpretativa que la Cruz pudiera haber concebido a lo largo de toda su estrafalaria carrera. Cuanto antes se establezca en Hollywood, mejor para el público español.

Dado el estado actual de la cinematografía internacional, tener la posibilidad de asistir a la proyección de una película nueva de Ingmar Bergman es más que un regalo; es un privilegio.

La crítica ha hablado de "testamento" y resumen de su legado al referirse a esta película, casi como si no quisieran que el cineasta sueco volviese a incumplir su palabra de no volver a dirigir.

Saraband, en realidad, fue rodada para la televisión. Su estreno, por expreso deseo de Bergman, se ha ido espaciando, de tal manera que los españoles hemos tenido que esperar dos años para ver esta película en las pantallas de nuestro país.

La película demuestra que Bergman sigue siendo Bergman, por fortuna para nosotros, y sus motivos habituales aparecen una vez más mostrados con tal intensidad que la obra se convierte en una experiencia emocional por momentos casi insoportable. El efecto catártico de la historia es de una fuerza arrolladora y Bergman subraya esa intensidad de la mejor manera posible: contando su historia con una sencillez, una sinceridad y un dominio tan sereno de su técnica que el resto del cine que podemos contemplar tras asistir a un pase de Saraband queda reducido a la banalidad. Ésta es la demostración de madurez a la que todo artista debe aspirar.

¡Salud!


Klingsor

Ang Lee es autor de varias películas apreciables, como Ride With The Devil y Crouching Tiger, Hidden Dragon, si bien lo mejor de su filmografia son sin duda El banquete de boda y Comer, beber, amar. Fue responsable también de una película que, si fuésemos benévolos, diríamos que supuso una caída de nivel, pero que, como somos como somos, diremos que es absolutamente olvidable: Hulk. Como además, maldita sea, es la última de sus películas hasta ahora, hay que reconocer eso contaba como otro motivo de desconfianza para no acercarse al cine. Sin embargo, Brokeback Mountain está bien, de hecho está muy bien. El film cuenta una nueva versión de una historia ya contada muchas veces: dos personas que se aman pero están separados por sus matrimonios con terceras personas. Los actores y actrices logran actuaciones excelentes y la dirección permanece siempre atenta a los puntos fuertes de la historia, sin demostrar nunca impaciencia, ni caer en la autocomplacencia o el sensacionalismo.

Impresionante docudrama sobre los últimos días de vida de un gran artista. Sobrecoge pensar en qué rondaría por la cabeza de Nicholas Ray para proponer a un amigo y admirador de su trabajo como Wenders a filmar el tramo final de su enfermedad.

La cámara sigue a Wenders haciéndonos partícipes de sus recuerdos sobre Ray; así como de sus reflexiones e impresiones sobre la muerte de un ser querido. Uno se pregunta hasta qué punto compartieron ambos cineastas la dirección de cada escena, o en qué momentos seguían un guión previamente acordado. El final de la película destila una gran intensidad emocional.

Sin dudas, una de las grandes películas de Wenders, aunque nos guste verla como una obra realizada en colaboración.