Falso documental, película de ficción "documentalizada", o recreación histórica teatralizada. Sea cual sea la etiqueta que se le quiera dar, "La Commune" narra la primera toma de poder político por parte de la clase obrera en Europa Occidental, ocurrida durante los meses de marzo y mayo de 1871 en París: la conocida como "Comuna de París".

El director cuenta estos hechos de una forma original y, sobre todo, muy adecuada para uno de sus, creo yo, propósitos principales: criticar la actuación de los medios de comunicación (antes, durante y después de 1871), casi siempre en favor de los intereses de las élites (socioeconómicas y políticas), a través de la tergiversación de la información de la que disponen para así influir de la manera que más les convenga en la opinión pública. Y, para ello, el director de "La Commune" da el papel protagonista a los periodistas que se hacen eco de las noticias que ocurren durante los 71 días que duró la Comuna de París: por un lado, están los reporteros de la televisión comunal, progresista, que hacen su trabajo a pie de calle; y, por otro lado, están los programas sobre esos mismos hechos que retransmite la televisión nacional, conservadora y cercana a los intereses del gobierno del Estado.

Se trata de un instrumento anacrónico, obviamente, pero sirve para establecer intencionados paralelismos entre la situación social, económica, política, cultural y periodística de la época de la Comuna de París y de la época actual (tanto la del año 2000, cuando se filmó esta película, como la del año 2014). Además, el director juega a romper la barrera entre los actores y sus roles, pues durante buena parte de la segunda parte de "La Commune" los actores opinan sobre sus personajes, los sucesos que se recrean, la importancia de conocer la Historia, el papel de la economía, la manipulación ideológica a través del periodismo, etc. Todo ello para reafirmar la construcción de estos paralelismos y para propiciar en el espectador una actitud reflexiva y crítica hacia los hechos históricos y los hechos presentes, incluso antes de terminar la película. Y lo consigue. Con creces.

Los ambiciosos propósitos del film y, ante todo, sus apabullantes buenos resultados debieron asustar a las productoras. Sólo así se explica uno de los últimos rótulos de "La Commune" (rótulos con los que, a lo largo de la película, se añade una información necesaria para completar y comprender mejor los hechos que se van recreando):
“La participación activa de los actores en esta película es lo que más temen los medios de comunicación. Y quizá uno de los motivos por los que las cadenas de televisión consultadas se negaron a financiar la película. Lo que más temen los medios de comunicación es ver al hombrecito en la pequeña pantalla sustituido por una multitud, por el público…”.

Nada más que añadir.
Bueno, sí. Un "muy buena", pese a su larga duración y pese a la repetición del guión en algunas secuencias o de la estructura de las mismas.

El amor, el viejo amor, el viejo e imposible amor “versus” la muerte, la vieja muerte, la vieja e infranqueable muerte. Sí, se trata de los temas más vistos y tratados, pero también los más resabidos, y en este corto tienen un homenaje especial.
En una librería de Paris, dos grandes personajes de la literatura universal, como son Mina Harker, de “Drácula” de Bram Stoker, y Macbeth, de la obra del mismo nombre de Shakespeare, renacen de sus respectivas portadas cuando el dueño cierra el establecimiento, a lo “Toy Story”. A partir de entonces se desarrolla una historia de amor y muerte, teniendo como referencia explícita el episodio bíblico de Jonás y la ballena, y como referencia implícita el mito de Orfeo y Eurídice.
Mediante el empleo de la técnica del Stop Motion, Spike Jonze realiza un corto a la vez simple y original, con unos tintes más que eróticos (imprescindibles los desvergonzados créditos finales), dejándote al final con un sabor agridulce: dulce por lo bueno de lo que acabas de ver, pero agrio por la obligada espera antes de ver un nuevo trabajo de este magnífico director.

Si no te importa ser sincero, si no te importa avisar a la gente para que no pierda su tiempo, y si no te importa que nadie te lea, sólamente tienes que decir la siguiente frase, aplicable también a esta especie de crítica:
"No hay necesidad de escribir esto y, menos aún, de leerlo".

En el momento en el que escribo esto, y a pesar de llevar solo tres semanas en cartelera, “Birdman (o la inesperada virtud de la ignorancia)” tiene 208 críticas en esta web. Lo que quiero señalar es que ya hay pocas cosas que decir sobre la película. Y malo sería si en 208 críticas, cada una de su madre y de su padre, no se haya dicho todo lo que se puede decir sobre una película, tanto bueno como malo

Por lo tanto, lo que me hace escribir sobre esta película es lo que he llamado mis “hacía tiempo que no”:
-Hacía tiempo que no... se me pasaba tan rápido la primera hora de una película.
-Hacía tiempo que no... me detenía a ver en qué momento el director ha podido hacer los cortes de los " planos-secuencia".
-Hacía tiempo que no... escuchaba una banda sonora tan jazzística y minimalista, pero también tan atronadora y un poco metida con calzador, y aún así que me haya gustado. Quizás lo que me ha terminado de convencer es el contrapunto que se genera con la otra parte de la banda sonora, que es más melódica, más operística, más música académica.
-Hacía tiempo que no... veía unos ojos tan grandes y verdes como los de Emma Stone y haberme creído a pies juntillas lo que decían.
-Hacía tiempo que no... veía a Michael Keaton y a Edward Norton y no quería cerrar los ojos ante el horror de actuación que estaba viendo; al contrario, no quería que se acabaran las secuencias en las que aparecen juntos.
-Hacía tiempo que no... veía una película sin estar pensando al mismo tiempo la nota que le iba a poner en FilmAffinity.
-Hacía tiempo que no... salía tan contento del cine por haber visto lo que había visto y no arrepentirme del dinero gastado (la última vez, que recuerde, fue con “Midnight in Paris”).
-Hacía tiempo que no... decía a mis compañeros de butaca justo al terminar la película y ver pasar (casi) todos los créditos: “está to' wapa, nene”.

En “spoiler” dejo otros dos “hacía tiempo que no...” que, para los más quisquillosos del lugar (entre los cuales me incluyo), pueden presentar un mínimo grado de destripamiento:

Confieso que he hecho esta crítica porque no había ninguna crítica para este corto.
Confieso que leí la "sugerente" sinopsis de este cortometraje, y aún así quise verlo.
Confieso que poco después de decidir que quería verlo, también decidí que iba a puntuarlo con un contante y sonante 1.
Confieso que mientras veía el primer minuto pensé en dejar de verlo.
Confieso que cuando la cámara se fijó en la (creo que niña) protagonista decidí verlo hasta el final.
Confieso que no quité la vista de la pantalla; es más, ni siquiera parpadeé.


Diez minutos más viejo, pero diez minutos que te llevan a la más tierna e inocente infancia.

Cortometraje sencillo, simple, llano, sin alardes, sin (demasiadas) excentricidades.
Corto trágico, dramático, cómico (en su mayor parte), bélico, famélico.
Esperanzador, pero triste.
Alegre, pero oscuro.
La guerra civil.
La represión.
La muerte.
La vida.
Tú.

Un poeta, un hombre de pueblo y un soldado se encuentran en lo alto de un cerro, en unas circunstancias que presuponemos que no son de su agrado. Y nace una especie de amistad, forzada y no, de esas que no se quebrantarían si no es por algo externo.

No hay nada más que decir sobre este cortometraje. Solo queda que el espectador disfrute (y se conmueva) al escuchar la increíble voz de José Sacristán recitando un poema al oído de un joven, empleándose como auténtica celestina... pero también sabiendo que más allá, lejos de ese cerro, la musa que lo inspiró también lo está escuchando.