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Críticas de play it again Sam
Críticas ordenadas por:
Casi 40
Casi 40 (2018)
  • 5,4
    1.106
  • España David Trueba
  • Lucía Jiménez, Fernando Ramallo, Carolina África, Vito Sanz
9
Aprender de la nostalgia
David Trueba es ante todo guionista, es ante todo PALABRA. El guion de 'Casi 40' es sobresaliente. Está tan bien escrita… que no tiene la necesidad de recurrir al flashback cuenda habla del pasado. Conocemos a los personajes por lo que nos cuentan y por lo que vemos. Y con unos diálogos exquisitos.

David Trueba, en realidad todos los Trueba, hace lo que le da la gana, sin importarle las modas que dominan la industria cinematográfica. Y esto al cine le sienta de maravilla.

'Casi 40' es una road movie de historias pequeñas que mira al pasado para aprender de la nostalgia. Con una limpieza y una sencillez en la dirección admirable.

El reencuentro de dos personas que miran con nostalgia un pasado siempre idealizado y donde la memoria es selectiva, para hablarnos del presente.

Reflexiona y critica, entre otras cosas, el concepto que se tiene de éxito y fracaso. Y donde la música juega un papel fundamental. Las canciones hacen avanzar la historia al aparecer donde la palabra no llega.

Trueba vuelve a reunir a Lucia Jiménez y Fernando Ramallo, los protagonistas de su ópera prima 'La buena vida' (1996). Lo hizo por "Un ataque de lealtad". Y LEALTAD es precisamente una de las palabras con las que definir su cine.
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18 de 24 usuarios han encontrado esta crítica útil
El sabor de las cerezas
El sabor de las cerezas (1997)
  • 7,1
    7.151
  • Irán Abbas Kiarostami
  • Homayoun Ershadi, Abdolrahman Bagueri, Safar Ali Moradi, Afshin Khorshid Bakhtiari
8
Las cerezas me salvaron la vida
El sabor de las cerezas, una exquisitez no apta para todos los paladares del iraní Abbas Kiarostami, es una película profunda, incómoda y lenta. Tres palabras que, si bien para mi son una virtud, comprendo que para muchos es un defecto.

Es una Road movie existencialista y filosófica que narra el viaje del Señor Badí, quien ha decidido quitarse la vida, en busca de alguien que le ayude a ser enterrado. En su búsqueda se encuentra con tres personas: un joven soldado, un seminarista y un sabio taxidermista. Los magníficos diálogos que tiene con los dos últimos son el motor de la película.

Con el suicidio como tema central, Kiarostami despliega ante nosotros unos diálogos profundos y existenciales que, al igual que la filosofía, nos abre interrogantes sin respuesta. Kiarostami puro y duro vamos.

Si tuviera que destacar dos momentos serian la explicación del Señor Badí al seminarista:

- “Si se lo contara no lo entendería. Bueno, no es que no pueda entenderlo, pero no puede sentir lo que yo siento. Puede simpatizar, entender, mostrar compasión. ¿Pero sentir mi dolor? No. Comprende mi dolor, pero no puede sentirlo.”

Y el tremendo discurso del sabio taxidermista. Después de contar su historia donde los cerezos le salvaron la vida, el Señor Badí responde: “¿Y comió cerezos y todo se arregló?”

Taxidermista: - “No, no fue así, pero yo cambié. Después de aquello, me fue mejor, pero yo había cambiado mi forma de pensar. Me sentía mejor... Tu mente está enferma pero no hay nada malo contigo. Cambia tu perspectiva. El mundo no es de la forma en que lo ves. Tienes que cambiar tu perspectiva y cambiar el mundo.”
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16 de 16 usuarios han encontrado esta crítica útil
Tres anuncios en las afueras
Tres anuncios en las afueras (2017)
  • 7,6
    41.731
  • Reino Unido Martin McDonagh
  • Frances McDormand, Woody Harrelson, Sam Rockwell, John Hawkes, ...
9
Supongo que debemos decidirlo por el camino
Tras ‘Escondidos en Brujas’ y ‘Siete psicópatas’ Martin McDonagh firma su película más redonda con la magnífica ‘Tres anuncios a las afueras’. El mejor guion sin duda del año. Una tragedia con mucho sentido del humor y con un agradable sabor a los Hermanos Coen.

Todo comienza con la imagen de tres vallas publicitarias que poco después se convertirán en el desencadenante de un vendaval de ira, odio y venganza, con terribles consecuencias para todos.

Con un personaje protagonista en busca de justicia, Mildred (sublime Frances McDormand) que cada vez que abre la boca deja una frase antológica.
Y un personaje antagonista, el policía Dixon interpretado de manera magistral por Sam Rockwell, que sufre una auténtica transformación.

2 personajes tan bien escritos y con diálogos tan brillantes, que deberían añadirlos a la asignatura de guion. (“- ¿Cómo va el negocio de torturar negros, Dixon?” “- Se dice “Negocio de Torturar a Personas de Color” ahora.”)

Un GUION con mayúsculas donde todo fluye. Donde temas como el racismo o el machismo surgen a partir de la confrontación de los personajes. Al igual que el humor, que permanece al acecho, para dar luz a los momentos más sombríos y no permitir, en cierta medida, que nos quedemos a oscuras.

“Supongo que debemos decidirlo por el camino” es un buen ejemplo de ello.
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34 de 43 usuarios han encontrado esta crítica útil
Suburbicon
Suburbicon (2017)
  • 6,0
    5.629
  • Estados Unidos George Clooney
  • Matt Damon, Julianne Moore, Oscar Isaac, Glenn Fleshler, ...
6
A veces las mezclas son peligrosas
No te perderás ninguna película escrita por los Hermanos Coen.

Si el cine tuviera 10 mandamientos, este debería ser uno de ellos. Porque el universo de los Coen admite tantos adjetivos y una amalgama de géneros tan diversos, que se deberían plantear aprobar ‘Hermanos Coen’ como género cinematográfico.

Y aunque en los carteles de la película incomprensiblemente sus nombres aparecen en letra pequeña, Suburbicón tiene el sello inconfundible de los Coen. Digo incomprensiblemente, porque aun en tiempos donde el guionista permanece en un segundo plano, yo he querido ver esta película en cuanto he leído sus nombres.

No tengo nada en contra de George Clooney, todo lo contrario. Creo que la unión Clooney/Heslov funciona, como bien demostraron con el soberbio guion de ‘Buenas noches y buena suerte’ e incluso con el de ‘Los idus de marzo’. De hecho, son sus dos mejores películas.

Por tanto, ¿Qué podría salir mal si al talento de los Coen les sumamos el de Clooney/Heslov? En mi opinión, los Coen tienen un sello muy personal, muy reconocido por los espectadores y que se aleja mucho del cine de denuncia social / político y con cierta moralina que caracteriza los guiones de Clooney/Heslov.

Y aquí reside el principal problema. La película tiene dos tramas que no funcionan juntas. La trama principal, escrita por los Coen, donde a través de los ojos de un pobre chaval, interpretado por un magnífico Noah Jupe, van desfilando todo tipo de personajes inmorales, empezando por los más cercanos. Una historia con giros, golpes de humor, esos malvados maravillosos a la par de torpes tan característicos en el universo Coen (enormes Matt Damon y Julianne Moore). Y con una última media hora donde el mejor suspense se apodera de la película y de ti.

La trama secundaria, innecesaria, pretenciosa y que te saca de la película de golpe es la escrita por Clooney/Heslov. No viene a cuento que de repente quieran convertir la historia en una denuncia social, racial, política y moralista. Y todo de golpe en unos pocos minutos. NO. La historia de la familia negra en un barrio de blancos está metida con calzador. No sabemos absolutamente nada de esa familia porque solo los utilizan para una de las escenas finales. Para añadir una carga de denuncia y de moralina que carece de profundidad y desentona con la película.

Los Coen y Clooney/Heslov son bebidas lo suficientemente fuertes para ser saboreadas solas.

A veces las mezclas son peligrosas.
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50 de 56 usuarios han encontrado esta crítica útil
El sacrificio de un ciervo sagrado
El sacrificio de un ciervo sagrado (2017)
  • 6,6
    12.962
  • Reino Unido Yorgos Lanthimos
  • Colin Farrell, Nicole Kidman, Barry Keoghan, Raffey Cassidy, ...
9
Venganza divina
Con un título tan sugerente como The Killing of a Sacred Deer y el nombre de Nicole Kidman y Colin Farrell en el cartel, puede llevar a la confusión siempre y cuando no conozcas a Yorgos Lanthimos.

No estamos ante una película comercial. No es apta para todos los públicos y es incompatible con las palomitas. Corres el riesgo de atragantarte.
The Killing of a Sacred Deer es cine independiente, una tragedia griega prima-hermana de Haneke y con influencias de Buñuel y Kubrick.

Con esta frase la mitad ya han dejado de leer. Dicho esto, la película es excelente.

Quien sea conocedor del director de joyas como 'Canino' o 'Langosta', no saldrá defraudado. Lanthimos continúa sin ofrecernos respuestas. Un cine sobrio, frio, poético, simbólico, duro y contundente como pocos.

Es imposible no salir impactado del cine. (De no hacerlo, yo me preocuparía). Además la película cuando te atrapa, no te suelta hasta el final. La crueldad a la que asistimos tiene una belleza hipnótica donde la mitología griega tiene un papel fundamental. El destino impuesto por lo 'divino' es una respuesta complicada para el espectador. Quien lo acepte como válido, que se prepare que vienen curvas. Quien no lo haga se pasará el resto de la película buscando respuestas lógicas inútilmente, pues solo cobra sentido a través del mundo de la mitología griega.

Yorgos Lanthimos es siempre recomendable. Porque nos irrita, nos molesta, nos atraviesa y nos mete una bofetada lo suficientemente fuerte para volver a abrir los ojos y ensanchar nuestra mente. Y eso siempre es bueno.
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89 de 138 usuarios han encontrado esta crítica útil
Colossal
Colossal (2016)
  • 6,0
    11.116
  • Canadá Nacho Vigalondo
  • Anne Hathaway, Jason Sudeikis, Dan Stevens, Austin Stowell, ...
8
Rompiendo estereotipos
Imaginación y creatividad a Nacho Vigalondo desde luego no le faltan. Y locura tampoco... bendita locura.

Pero Colossal no es solo original. Es una historia sobre la condición humana, sobre lo que somos y sobre lo que no queremos ser, con unos personajes con los que nos identificaremos nos guste o no (¿Quién no se ha despertado un día con una resaca tremenda sin recordar que hizo la noche anterior?). Y cuenta con un cierre perfecto. Tener un buen final es imprescindible y más en una película tan difícil de cerrar.

Colossal pertenece a ese grupo de películas que no pertenecen a ningún género, pues no cumple las reglas de ninguno y rompe estereotipos a medida que avanza la historia.

Si bien el comienzo puede hacernos pensar en una comedia romántica, Vigalondo no traiciona sus ideales y pega un giro radical desviándose del género y adentrándose en un thriller psicológico oscuro, más serio y con muchas más lecturas. Es entonces cuando la historia crece. El espectador no tiene ni la menor idea de por dónde puede ir la película y cuando se acerca, Vigalondo pega otro giro que nos descoloca por completo. Y todo sin olvidar sus golpes de humor, que los tiene y funcionan divinamente.

Si digo que la película es la historia de una chica (Gloria, maravillosa toda ella Anne Hathaway) que cada vez que se emborracha, aparece un monstruo (Kaiju para los frikis) en Seúl que hace sus mismos movimientos provocando muertes, no estoy mintiendo. Pero desde luego es la manera más superficial de explicar una historia que tiene muchas más capas de las que parece. Porque en realidad la historia del monstruo/Gloria/amigos y sus consecuencias no deja de ser una mera excusa para hablarnos de algo que nos atañe a todos: la conducta humana.

Si te gusta el cine de Vigalondo, obviamente ya la habrás visto. Y si no, estás tardando. Es su película más redonda.

Muy recomendable para todo aquel que quiera ver algo diferente. Porque sorprenderte te va a sorprender seguro, de un modo u otro, pero seguro.

Y para todos aquellos que continúan teniendo prejuicios sobre el cine Español, que se cambie de sala y todos salimos ganando.
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53 de 68 usuarios han encontrado esta crítica útil
WALL•E
WALL•E (2008)
  • 7,9
    125.884
  • Estados Unidos Andrew Stanton
  • Animation, Fred Willard
10
Mientras el niño se ríe, el adulto reflexiona
Wall-E es la película con la que Pixar comienza a distanciarse del público infantil sin que estos lo noten.

La profundidad que tiene esta película en los temas que toca son tales, que harían falta varios coloquios de 'Que grande es el cine' para debatirlos.

Recuerdo cuando la vi en el cine. Abarrotado de niños. Los niños en el cine son unos pequeños delincuentes, unos rebeldes sin causa que no callan en toda la película. Te preguntan, te la cuentan y se la cuentan a ellos mismos. Toman palomitas, chocolate, caramelos y todo lo que se puedan llevar a la boca. Quieren ir al baño 2 veces mínimo y como se te ocurra decir la palabra 'no', se ponen a llorar y ya la hemos liado. Un coñazo vaya.

Jamás olvidaré el silencio que se vivió en aquella sala de cine llena de niños que ni comían, ni bebían. Boquiabiertos miraban la pantalla en silencio durante media hora. Pero no media hora cualquiera, media hora de cine mudo. Insólito.

Y mientras el niño disfruta con un pequeño robot abandonado en un mundo de chatarra, el adulto reflexiona. Y no precisamente sobre los peligros de la contaminación.

Porque la historia va mucho más allá. Veamos. Con el objetivo de quitarse a los seres humanos de en medio, las maquinas les introducen en unas naves espaciales tipo Marina d'Or – Ciudad de vacaciones pero a lo bestia. Mientras tanto se limpia el planeta tierra para que no quede rastro alguno de vida humana.

Y para que todo el mundo esté contento en la nave, no proteste, no pregunte y se le olvide todo, nada mejor que un lugar donde te lo den todo hecho y no tengas que esforzarte por nada, ni siquiera pensar. Y con las neuronas anestesiadas y sin capacidad para pensar por ti mismo, el ser humano se convierte en el ser más fácil de manejar del planeta.

Y mientras el niño ríe, a ti no te hace ni puñetera gracia verte reflejado en la pantalla.

Un ejemplo más de por qué Pixar ha revolucionado la historia del cine, elevando el género de animación a lo más alto. Películas como Wall-E debían haber tenido el reconocimiento de, por lo menos, ser nominada a Mejor Película en los Oscar. Quizás algún día el cine de animación comience a ser visto y valorado simplemente como CINE.
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20 de 20 usuarios han encontrado esta crítica útil
Las furias
Las furias (2016)
  • 5,9
    1.588
  • España Miguel del Arco
  • Mercedes Sampietro, José Sacristán, Carmen Machi, Bárbara Lennie, ...
8
Retrato del comportamiento humano
Las Furias es una joya para dejarte llevar, un magnífico texto cargado de intensidad y unas interpretaciones sublimes con uno de los mejores finales que yo he visto en mucho tiempo.

Las Erinias (Furias en la mitología romana), diosas de la venganza, perseguían sin descanso a sus víctimas hasta volverlas locas, castigando con especial atención el asesinato y los crímenes contra la familia.

Miguel del Arco es uno de los nombres más relevantes del teatro actual. Dramaturgo, director y productor, debuta en el cine con Las Furias. Una película que bebe de las tragedias griegas, pero mira cara a cara a las diosas sin miedo, y las derrota purificando al espectador.

Con la dosis perfecta de sentido del humor. Que lo tiene, y colocado en los momentos precisos. Del Arco otorga el protagonismo al actor y a la palabra. Acompañado por la excelente música de Arnau Vilà y con una atmósfera sonora de una fuerza descomunal.

Brillantes y ágiles diálogos recitados por unos actores sobresalientes. José Sacristán da, una vez más, una lección de interpretación. No le hace falta hablar, una simple mirada le basta.

¿De que va? Es la historia de la familia Ponte Alegre. Y de las furias que habitan en los tres hijos: Casandra, Héctor y Aquiles (y en los seres humanos). De la incomunicación y sus consecuencias. Una familia llena de rencor y con muchas heridas abiertas sin solucionar, sin hablar...  Personajes que hablan pero no se comunican. Del Arco se sirve de la mitología griega para hacer una crítica feroz al ser humano, para vernos reflejados en cada uno de los reproches y las palabras dominadas por la ira. Porque nos guste o no, Las furias no deja de ser un retrato del comportamiento humano.
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34 de 40 usuarios han encontrado esta crítica útil
La reconquista
La reconquista (2016)
  • 6,3
    2.000
  • España Jonás Trueba
  • Itsaso Arana, Francesco Carril, Aura Garrido, Candela Recio, ...
9
Sentir pasar el tiempo
Jonás Trueba ha conseguido fraguar un estilo propio. Esa mezcla de géneros y referencias que se aprecian en sus películas, es solo el resultado de una persona con una gran cultura cinematográfica.

Con 'La reconquista' confirma lo que se intuía en su ópera prima. Jonás no es ninguna promesa. Es el presente. Y es un valiente. Un valiente por ser honesto consigo mismo, por seguir haciendo su cine y mantenerse alejado del ruido. Y conseguir esto, no es nada fácil. No hay más que ver la cartelera.

Han pasado 6 años desde su primera película, pero mientras en 'Todas las canciones hablan de mí' hacía una mirada nostálgica del pasado, en 'La reconquista' su mirada al pasado sirve para hablarnos del presente y del futuro, en la que es hasta el momento su mejor película.

'La reconquista' es una historia de historias. Una película honesta, sutil, llena de capas, detalles, colores, sentidos, palabras y silencios sobre el paso del tiempo. El 'sentir pasar el tiempo'. Importa del mismo modo lo que se dice, como lo que no se dice. Los silencios hablan y dejan al espectador la libertad de imaginar.

Se agradece la riqueza lingüística que inundan todas sus películas. Quizás, si se utilizara más a menudo un lenguaje cuidado y un vocabulario más amplio, no hablaríamos tan mal como ahora lo hacemos.

En definitiva, una película muy recomendable, sobre todo para aquellos que busquen algo distinto, y con unas excelentes interpretaciones.
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44 de 56 usuarios han encontrado esta crítica útil
Anomalisa
Anomalisa (2015)
  • 6,9
    10.198
  • Estados Unidos Charlie Kaufman, Duke Johnson
  • Animation
9
Larga vida al GUIÓN
A mi este tipo me desarma y eso me fascina.

Las películas de Kaufman son, independientemente de cualquier juicio crítico y gusto personal, diferentes. Se salen de todo lo que hemos visto hasta el momento en pantalla.

Anomalisa es la coherencia de uno de los mejores guionistas del mundo. Es la fuerza del GUION contra los efectos especiales y los fuegos artificiales para llegar al alma humana.

Una película sin héroes ni superhéroes, sin efectos digitales ni trucos ni artificios. Y te la sirve como el que te da un cubo de rubik. Como si te dijese: "Si te interesa jugar, participa, no te quedes dormido. Porque yo no pienso darte nada masticado.” Ante esto, tu puedes libremente participar o cambiarte de Sala.

El amor, los problemas de identidad, las imperfecciones humanas, la confusión, la desesperación, la soledad... y muchas cosas más que mi cerebro humano no ha percibido en el primer visionado. Porque Kaufman va más rápido que tú, o no estamos acostumbrados... o las dos. Porque estoy segura que me he perdido cosas, como si me hubiese dejado algo en el camino y no recordara el qué. Supongo que por eso veo sus películas tantas veces.

Anomalisa es, en su origen, una obra de teatro escrita por este genio que decide adaptarla al cine y encima con marionetas.
Con Charlie Kaufman NO todo está inventado. Y eso solo puede tener consecuencias positivas para el mundo del cine... y para los seres humanos.

Larga vida al GUIÓN.
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51 de 55 usuarios han encontrado esta crítica útil
Magia a la luz de la luna
Magia a la luz de la luna (2014)
  • 6,1
    16.828
  • Estados Unidos Woody Allen
  • Emma Stone, Colin Firth, Marcia Gay Harden, Jacki Weaver, ...
10
Píldoras de esperanza
Woody recupera la comedia romántica para hacer las delicias de los espectadores. Donde la comedia nace de los ingeniosos, irónicos e inteligentes diálogos de los personajes. Desde la magnífica actriz inglesa Eileen Atkins (la tía Vanesa), quien mantiene unos diálogos con Colin Firth (Stanley) sobresalientes, a la pareja protagonista formada por Emma Stone (Sophie) y Firth. Una pareja adorable que bebe del cine clásico, y que al igual que películas como Historias de Filadelfia de Cukor, nos presentan a unos protagonistas que no parecen tener nada en común y que arrancan con un enfrentamiento verbal. En ambas películas sabemos que esos personajes tienen que acabar juntos. Lo sabemos y no nos importa. Porque sabemos que estamos ante una comedia romántica. Y Woody cumple todas las reglas de este género desaparecido y que tantas obras maestras ha dejado para la historia del cine.

Un romanticismo que no empalaga, porque el corazón sabe cosas que la razón no entiende y donde la verdadera magia es la del AMOR. Con uno de los finales más hermosos de la filmografía de Woody y tan característico del género. Píldoras de esperanza y optimismo que nos permiten soñar.

La película tiene el sello de Allen desde el comienzo donde nos presenta a un mago que no cree en la magia. Como gran retratista de las almas humanas, sus personajes viven en la contradicción, como lo hacemos todos los seres humanos. Sus debates sobre la muerte, referencias a Nietzsche e incluso a su adorado Bergman están presentes. En una escena de El séptimo sello en el que la muerte se acerca a una bruja que es condenada a ser quemada viva por haber visto al diablo, la muerte le pregunta: "¿Es verdad que has visto al Diablo?, ¿Cómo es?". La propia muerte tiene dudas sobre la existencia de si hay vida después de la muerte. En Magic in the Moonlight el personaje de Colin Firth, ante la posibilidad de que verdaderamente sea una vidente, agarra con angustia y entusiasmo a Sophie y le pregunta "¿Es verdad? ¿Entonces hay vida después de la muerte? ¿Dónde has estado todos estos años?".


Una película para dejarse llevar y disfrutar de los diálogos, los juegos de palabras, y la magia a la luz de la luna.
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79 de 90 usuarios han encontrado esta crítica útil
Dos vidas
Dos vidas (2012)
  • 6,4
    1.690
  • Alemania Georg Maas, Judith Kaufmann
  • Juliane Köhler, Ken Duken, Liv Ullmann, Sven Nordin, ...
7
E S P I O N A J E
Georg Mas y Judith Kaufmann escriben y dirigen la candidata alemana al Óscar 2014 a Mejor Película de habla no inglesa 'Dos vidas'. Una película que se mueve por el género del drama y del espionaje con total soltura jugando a las falsas identidades y que tiene su punto álgido en el preciso momento en el que ambos géneros colisionan y asistimos a los silencios y las miradas que mantienen Juliane Coger y Liv Ullman, dotando a la película de una fuerza abrumadora.

Liv Ullmann, la actriz feliche de Ingmar Bergman regresa por la puerta grande, es decir, sin hacer ruido. No le hace falta hablar para transmitir. Y Juliane Coger está soberbia toda la película. Fría, consciente de todos sus actos, acostumbrada a la mentira y que en el momento de decir la verdad, nos sobrecoge la brutal sinceridad de una persona que en el fondo solo buscaba afecto y amor.

Dirigida con sobriedad y con el tempo preciso, la película va in crescendo a lo largo que las mentiras van derrumbando una parte oculta de su vida. Mentiras que hielan al espectador y cargan a la trama de conflictos personales y morales. Situaciones en las que lo ético cobra total protagonismo y las interpretaciones alcanzan un nivel sobresaliente.

Sin embargo, la película sufre algunos altibajos, debido al exceso uso de flash-baks que no ayudan a avanzar la historia.

En ocasiones nos recuerda a la magnífica 'La vida de los otros', o al espionaje de John Le Carré. Pero ambas sombras se antojan demasiado alargadas.
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25 de 30 usuarios han encontrado esta crítica útil
Gente en sitios
Gente en sitios (2013)
  • 5,4
    4.016
  • España Juan Cavestany
  • Maribel Verdú, Adriana Ugarte, Alberto San Juan, Antonio de la Torre, ...
9
Cada vez hay más películas de zombies...
Muchas personas, muchos sitios, muchos fragmentos sin nexos de unión, muchos personajes desfragmentados, y sobre todo: aire, libertad, novedad.

Un soplo de aire fresco. Una parada en el camino para que te sientes, bebas agua, respires y veas las cosas desde otro punto de vista.

Lamentablemente, todo aquello que resulta incomprensible al espectador, su primera reacción es la descalificación y el insulto. Cómo si la falta de comprensión o de tolerancia, atentara personalmente contra él. Se confunde incomprensión con el miedo que no da tener total libertad. Porque no es una película complicada, ni difícil de entender. Pero le otorga al espectador una libertad a la que no está acostumbrado, para que cada uno la interprete a su manera. Quizás deberían enseñarnos a volver a andar…

La película es una sucesión de sketches, donde se mezclan historias dramáticas y tremendamente divertidas dentro del mundo del absurdo.
Y de repente nos encontramos en un taxi cargado de lógica y lucidez escuchando verdades como puños.

Y entre el surrealismo y reflexiones sobre la decencia, una persona enseña a caminar, beber y dormir.

“El cine representa como nos vemos a nosotros mismos y cada vez hay más películas de zombies…”
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96 de 116 usuarios han encontrado esta crítica útil
La muerte y la doncella
La muerte y la doncella (1994)
  • 7,3
    9.339
  • Reino Unido Roman Polanski
  • Sigourney Weaver, Ben Kingsley, Stuart Wilson, Karen Strassman, ...
9
El cine es lo que no se ve
El maestro de la tensión. Una tensión que en el mismo momento en el que hace su presencia, no abandona la película hasta que no finalizan los títulos de crédito. Porque la tensión en el cine de Polanski debería considerarse un género aparte. Se te mete en las venas. Alejado del terror, los sustos y giros inesperados que tanto abundan actualmente, Polanski va directo y sin trampas. En esta película la gran mayoría hubiera utilizado el flash back como forma de narración para volver al pasado de la protagonista. Polanski no. Huye de artificios.

Sigourney Weaver nos relata lo ocurrido para conocer su pasado. El cine es lo que no se ve, y Polanski lo sabe. Como el mecanismo de un reloj, el tempo está perfectamente medido. Las pausas causan desasosiego y los silencios se convierten en un imán hacia la pantalla.

Venganza, justicia…si es que existe la justicia y la venganza sirve realmente de algo.
Devastador retrato del ser humano, aquel que tiene todo el poder y abusa de el.

Una historia llena de contenido y reflexión contada de la manera más sencilla y cerrada con el broche perfecto donde hasta Schubert resulta asfixiante.
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69 de 70 usuarios han encontrado esta crítica útil
Blue Jasmine
Blue Jasmine (2013)
  • 6,8
    38.069
  • Estados Unidos Woody Allen
  • Cate Blanchett, Alec Baldwin, Sally Hawkins, Bobby Cannavale, ...
9
Vodka y pastillas en Primera clase
A estas alturas no nos sorprende que Woody Allen maneje el drama con la misma soltura que la comedia. Porque Woody es, por encima de un maestro del humor, un excelente creador de personajes que hablan sobre la misma condición humana.

Sin embargo, Allen nos sorprende enfrentándose por primera vez a la realidad. Woody mira a la cara a la vida y nos la presenta tal cual. Sin viajes mágicos en el tiempo, sin la sala del cine como escape o la risa como evasión. Y donde, a diferencia con 'Delitos y faltas' o 'Match Point', los delitos son condenados.

Es imposible no pensar en Blanche DuBois viendo la magnífica interpretación de Cate Blanchett. En los cientos de registros que nos ofrece Cate a lo largo de toda la película, reconocemos la mirada de Vivien Leigh en cada uno de ellos.

Woody nos presenta la película como un viaje de ida y vuelta entre el pasado y el presente. Utiliza el flash back para conseguir el equilibrio de una balanza que se mueve entre dos mundos que esconden misterios. Porque en Blue Jasmine el presente no tiene sentido sin los secretos del pasado.

Allen consigue que terminemos del lado de esa mujer de falsa moral y falsas ilusiones, que vive en el autoengaño constante ahogada en vodka y pastillas. Pero terminamos entendiendo a esa mujer victima de la crisis del siglo XXI... porque recordamos que "Somos la suma de las decisiones que tomamos" (Delitos y faltas), y que, al fin y al cabo, "La vida está llena de soledad, miseria, sufrimiento, tristeza y, sin embargo, se acaba demasiado deprisa. (Annie Hall).
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68 de 75 usuarios han encontrado esta crítica útil
Gritos y susurros
Gritos y susurros (1972)
  • 7,8
    8.164
  • Suecia Ingmar Bergman
  • Harriet Andersson, Kari Sylwan, Ingrid Thulin, Liv Ullmann, ...
10
Continuo aprendizaje
Incluso si tienes el peor día de tu vida, esta devastadora historia, es capaz de hacerte gozar. El cine de Bergman, despierta a las personas, es un enfrentamiento con uno mismo y un aprendizaje continuo. Y eso, jamás puede ser malo.

El encuentro de dos hermanas (Ingrid Thulin y Liv Ullmann) que acuden a cuidar a su enferma hermana (Harriet Andersson) sirve de pretexto para hablar de la envidia, el miedo, la soledad, el cinismo... De lo egoístas que somos los seres humanos. Es una historia demoledora. Verdaderamente demoledora.

Con una banda sonora prácticamente inexistente, como si la presencia constante de la muerte enmudeciera las notas de Bach y Chopin. El silencio, los gritos y susurros y el tic, tac del reloj marcan el ritmo de la película, junto al color Rojo y las velas...

Se podría hablar de tantas cosas que no acabaría nunca. A modo de apunte solo comentaré una cosa: la duda, tema eterno en la filmografía de Bergman, en el personaje del cura: "Su fe era mucho más firme que la mía".

Una extraordinaria película, con una magnífica fotografía de Nykvist, donde la muerte está más presente que nunca, con unas interpretaciones sublimes que aguantan los primeros planos con maestría y veracidad.

Un verdadero placer, como siempre.
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86 de 86 usuarios han encontrado esta crítica útil
Vivir es fácil con los ojos cerrados
Vivir es fácil con los ojos cerrados (2013)
  • 6,5
    23.251
  • España David Trueba
  • Javier Cámara, Natalia de Molina, Francesc Colomer, Ramón Fontserè, ...
9
Para seguir creyendo en los genios
El día que dejé de creer en los superhéroes fue el día que comencé a creer en los genios. Seguramente a la salida del cine...

Genios que llevan la adrenalina en la sangre y se la inyectan a las palabras, dotandolas así de una honestidad que emociona hasta los huesos.

Esa es la sensación de puro gozo que te deja esta película. Con un reparto en estado de gracia y con Javier Cámara (un actor para dar de comer aparte). Domina la comedia y la tragedia como nadie. Básicamente porque consigue hacer creíble todo lo que sale por su boca. Todo en él es creíble. Pasa de 'Los amantes pasajeros' a 'Ayer no termina nunca' como si tal cosa. Y ahora vuelve a cambiar de registro mantenindo el nivel y la credibilidad de siempre. Un actor descomunal.

Genios como David Trueba, quien otorga el protagonismo total a la palabra y a los actores. Historias aparentemente sencillas formadas con personajes de carne y hueso.

Un cine que, afortunadamente sigue existiendo... Aquel que va de frente, sin trucos ni pretensiones. Un cine que habla desde la honestidad. Una honestidad que emociona. Una película para seguir creyendo en los genios.
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146 de 177 usuarios han encontrado esta crítica útil
15 años y un día
15 años y un día (2013)
  • 5,3
    4.065
  • España Gracia Querejeta
  • Maribel Verdú, Tito Valverde, Arón Piper, Belén López, ...
9
Sabor Querejeta
¿Por qué tenemos en este país un rechazo hacia nuestro cine tan grande? Las películas españolas son criticadas antes de ser estrenadas. Se les acusa de ser españolas. Resulta curioso que apliquemos el termino español como algo descalificativo. Y en estos momentos en el que la cultura está siendo maltratada por este país, el cine se encuentra con un obstáculo de nuevo en su propia casa, el del rechazo del espéctador.

15 años y un día está dedicada a su padre, al inolvidable Elías Querejeta. Gracia ha tenido a uno de los mejores maestros. Su sello es inconfundible. En sus guiones no hay trampas. Tiene un sabor humano, cercano, honesto... Gracia siempre antepone la palabra a la imagen. Sus películas se sustentan sobre un guión sólido. Ahonda en la psicología de cada uno de sus personajes hasta darles forma humana. Domina los silencios como nadie. Sus personajes hablan mientras permanecen callados. Lo no dicho, lo que se callan... Y es que Gracia piensa que lo más importante es el guión. Se nota y yo se lo agradezco profundamente.

Dirige con una sencillez asombrosa. Huye de artificios y trucos de magia. No pretende reinventar el cine. Lo conoce a la perfección y consigue hacer sencillo lo dificil.

No es una película sobre adolescentes, si no sobre el mundo que rodea a los adolescentes. Una película llena de veracidad y de excelentes interpretaciones. La secuencia de 6 minutos de Maribel Verdú es sensacional. Esta actriz hace creíble cualquier papel. Y mantener este nivel año tras año es para quitarse el sombrero ante ella. Tito Valverde realiza uno de los mejores papeles de su carrera y el joven Arón Piper rebosa naturalidad.

Y con ese sabor Querejeta el miedo vuelve a ejercer de protagonista. Y recuerdas aquella canción "Tiene miedo del amor y no saber amar, tiene miedo de la sombra y miedo de la luz, tiene miedo de pedir y miedo de callar. Miedo... que da miedo del miedo que da"
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53 de 74 usuarios han encontrado esta crítica útil
A un dios desconocido
A un dios desconocido (1977)
  • 6,0
    552
  • España Jaime Chávarri
  • Héctor Alterio, Xabier Elorriaga, María Rosa Salgado, Mercedes Sampietro, ...
9
Ese dios desconocido...Héctor Alterio
Compleja película que necesita de la mirada atenta del espectador.

Puede resultar confusa, pero es entonces cuando se impone la figura del GRAN Héctor Alterio. Inmenso. Cada palabra que sale de su boca es una sentencia. Una sentencia enigmática e indescifrable. Te hipnotiza con su mirada como si de un mago se tratara.

Y recuerdas las palabras de aquella excelente película argentina "El secreto de sus ojos", y cómo un inmenso Darín decía: "Los ojos, los ojos hablan...". Los ojos de Héctor Alterio también hablan. Esconden secretos que de manera magistral nos va desvelando, en este viaje al pasado cargado de nostálgia y soledad.

Con unos diálogos brillantes, un guión sólido firmado por Elías Querejeta y Jaime Chávarri en su segunda colaboración juntos, después de "El desencanto".

Pero solo puedo hablar de ese Dios desconocido... el mio, no Lorca. Héctor Alterio.
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37 de 41 usuarios han encontrado esta crítica útil
Los ilusos
Los ilusos (2013)
  • 6,4
    1.779
  • España Jonás Trueba
  • Francesco Carril, Aura Garrido, Vito Sanz, Mikele Urroz, ...
8
Desde que se inventó el cine vivimos tres veces más
Entro en la sala con ilusión a ver la siguiente película de Jonás Trueba. Una ilusión que me había generado su anterior película 'Todas las canciones hablan de mi'.

Jonás Trueba ratifica con 'Los ilusos' algo que ya demostró en su primera película: no todo está perdido, hay esperanza, talento y un amor al cine que conmueve. Buscar diferentes maneras de distribución, innovar, pensar soluciones para el futuro....pero sin olvidar el pasado. Porque a J.Trueba le corre el cine por las venas. Sabe a clásico. Y es imposible no pensar en Godard y en la nouvelle vague.

Y piensas si el público de hoy está preparado para este cine.... e incluso si los jóvenes sabrán quién es Gogard.

Pero 'Los ilusos' te hace tener esperanzas, te recuerda lo hermoso que es Madrid y lo poco que lo valoramos. Y una voz en of te dice que "Desde que se inventó el cine vivimos tres veces más. Vivimos experiencias que no viviríamos de otra manera, aprendemos cosas y sobre todo ahorramos tiempo"

Y entre cintas VHS salimos del cine mirando hacia el futuro y sonriendo a la vida. Porque se hace buen cine en españa. Y el apellido Trueba sabe bastante de eso.
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64 de 78 usuarios han encontrado esta crítica útil