"El Cine según Hitchcock" era según Truffaut: “un libro del que no me considero autor sino tan sólo iniciador o, mejor aún, provocador”. Así es como se titulaba el libro en su primera aparición cuando a Hitchcock todavía le quedaban 3 películas por rodar (o sea, Topaz, Frenesí y La trama).
A través de una conversación de por lo menos 50h sobre un cuestionario de 500 preguntas se analizaron las circunstancias que rodearon el nacimiento de cada film del maestro inglés, su elaboración, los problemas de la puesta en escena, la valoración del resultado comercial, etc.
En los años 60 Truffaut era un joven cineasta francés que venía de la crítica de Cahiers du Cinema y de realizar varias de las mejores películas de la Nouvelle Vague (Los 400 golpes, Jules et Jim). En 1955 él y Claude Chabrol entrevistaron al maestro del suspense para la famosa revista francesa cuando estaba en la Costa Azul realizando la post-sincronización de "Atrapa a un ladrón", su película con Cary Grant y Grace Kelly en la época en que ésta conoció al príncipe Rainiero de Mónaco. Cuando se dirigían al bar del estudio donde habían quedado con Hitchcock, cruzaron un gran estanque helado que no resistió cuando lo atravesaron y quedaron metidos en el agua hasta el cuello.
Así es como se presentaron al cineasta británico, tiritando de frío y empapados. Más tarde Hitchcock diría al verlos de nuevo: “Señores, pienso en ustedes dos siempre que veo entrechocar los cubitos de hielo en un vaso de whisky”.
Diez años después de ese primer contacto accidentado, Truffaut tenía el imperioso deseo de interrogar al maestro de la misma manera que Edipo consultaba el Oráculo. Cuando Hitchcock aceptó su propuesta, Truffaut tuvo una de las mayores alegrías en su carrera como crítico y cineasta, hasta el punto que éste sea posiblemente el más famoso libro de cine jamás escrito.
Y sobre este libro-entrevista versa este documental de Kent Jones imprescindible para cualquier amante del cine y del maestro del suspense en particular. Cineastas tan diferentes como Scorsese, David Fincher o Wes Anderson hablan de la influencia que ha ejercido en ellos la lectura del libro y las películas del maestro. Especialmente se analizan bastante sus maravillosas películas "Vértigo" y "Psicosis".
Está claro que en 80 minutos no da tiempo a analizar en profundidad todas sus obras maestras pero la película es una buena introducción a la filmografía de uno de los mejores cineastas de la historia, sobre todo para aquellos que no conozcan el libro.

En definitiva, si de veras queréis entender el lenguaje cinematográfico en su vertiente más absolutamente visual, no dejéis de ver este documental hecho por y para todos los amantes del cine.

Después de realizar Ana y los lobos y antes de la también magnífica Cría cuervos, Carlos Saura (Huesca, 1932) retoma el tema de la Guerra Civil Española y sus consecuencias dentro de su etapa de cine político y nos ofrece otra metafórica y surrealista historia producida por Elías Querejeta, escrita por Saura y Rafael Azcona, fotografiada por Luis Cuadrado y con montaje de Pablo G. del Amo.
La prima Angélica, realizada el mismo año (1973) que El espíritu de la colmena de Víctor Erice, y con un equipo de responsables equivalente a esta última en los apartados de fotografía, montaje y producción, trata de un hombre, Luis Cano (interpretado por José Luis López Vázquez, que gracias a Saura pudo descubrir su gran faceta como actor dramático) que vuelve a su lugar de origen para reencontrarse con su prima Angélica (Lina Canalejas) y revivir así el amor que sintió por ella en su infancia en aquel verano de 1936, donde el recuerdo de la Guerra Civil termina imponiéndose con un estallido de violencia que el paso del tiempo no ha sido capaz de someter.
Premio especial del Jurado en el Festival de Cannes y preseleccionada para el Oscar a la mejor película extranjera en 1974 este film de Saura realiza una interesante radiografía de una sociedad manipulada por un régimen político donde el fantasma de la guerra sigue presente y donde el tiempo, pasado y presente, se mezclan en un relato en el que se confunde el sueño y la realidad como en las mejores películas de Luis Buñuel (cineasta que siempre apreció mucho este trabajo de su paisano aragonés).
El personaje de López Vázquez es también una referencia clara al mejor cine de Ingmar Bergman, concretamente a Fresas salvajes, donde Viktor Sjostrom interpretaba al doctor Borg en diferentes etapas de su vida.

Este es un film, en definitiva, muy representativo del director de la magistral La caza (película de 1965 y clara metáfora de la guerra civil) que cuestiona el sistema del franquismo y que parece servirle como liberación de los fantasmas del pasado histórico y de sus omnipresentes traumas.

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En la filmografía de Jaime Chávarri (Madrid, 1943) destaca, entre otras, este peculiar documental, aunque según declaraciones del propio Chávarri, surgió a partir de la idea que tenía de rodar un cortometraje en un psiquiátrico (las instituciones de la época no se lo permitieron). De la mano del productor Elías Querejeta, con el que había trabajado como director artístico en El espíritu de la Colmena (Víctor Erice, 1973) y en Ana y los lobos (Carlos Saura, 1972) y arrastrado por el entusiasmo de su amigo “Michi” Panero, termina embarcándose en el rodaje de un largometraje que retrata a los miembros de la familia Panero seducido sobre todo por la madre, Felicidad Blanc (1913-1990), escritora y viuda del poeta falangista Leopoldo Panero (1909-1962) miembro de la generación del 36.
La película está construida prácticamente sin guión y fotografiada en blanco y negro por Teo Escamilla, habitual director de foto de Carlos Saura, y desarrollada en base a las conversaciones mantenidas por Felicidad Blanc y sus tres hijos: Juan Luis Panero (1942-2013), José Moisés “Michi” Panero (1951-2004) y el recientemente fallecido Leopoldo María Panero (1948-2014). Tanto Juan Luis como Leopoldo María desarrollaron notables carreras como poetas al igual que su padre, “Michi” Panero está más asociado a la movida madrileña y estuvo casado con Paula Molina, hija del cantante de copla Antonio Molina, aunque no llegó a desarrollar una gran carrera como escritor.
Rodada en la casa familiar que tenían en Astorga (León), ciudad donde Antoni Gaudí construyó su modernista palacio episcopal, y también en Madrid, este documental sufrió en su día los efectos de la censura. Según su director, fue la última película en sufrir las consecuencias de los censores, ya que tenía una secuencia donde Leopoldo María habla de sus experiencias sexuales en prisión debido a su militancia antifranquista.
En definitiva, durante los 97 minutos que dura la cinta, la viuda y sus tres hijos narran sus vivencias, entrecruzan sus recuerdos y ponen en evidencia el desencanto producido por un régimen político que se aproxima a su final definitivo y donde nada es lo que parece.
Lo más destacado de este notable documental es, ante todo, el retrato que ofrece de Leopoldo María, poeta maldito y miembro de los nueve Novísimos que pasó mucho tiempo ingresado en psiquiátricos; de hecho en el momento de su fallecimiento estaba ingresado en el psiquiátrico de Las Palmas de Gran Canaria. Esa ambigüedad entre la genialidad poética y la locura queda constatada en muchas de sus afirmaciones.

En 1994, Ricardo Franco entrevistaría a los 3 hermanos por separado tras la muerte de su madre. La nueva película documental lleva por título Después de tantos años.

En el año 2008 se materializó un sueño que parecía imposible, en Buenos Aires se localizó una copia en 16mm del original de este gran clásico del cine expresionista alemán: METRÓPOLIS.
A pesar de su deterioro conservaba 26 minutos inéditos y el montaje de escenas original del estreno de la película en su momento, esto es, el 10 de enero de 1927 en Berlín.
Este documental, que forma parte de los extras de la última versión en DVD de la película, junto a otro también muy interesante titulado El caso Metrópolis, nos explica el proceso de restauración de esta obra maestra de Fritz Lang que en 2010 pudo volver a presentarse en toda su visionaria y extraordinaria grandeza. Sin más, yo tuve la ocasión de verla en el festival de Sitges, después de haber visto unas cuantas de las otras versiones existentes. A pesar de la mala calidad de los minutos nuevos encontrados merece la pena visionar de nuevo la película.
Creo recordar, que cuando vi Metrópolis por primera vez en Televisión, se emitió la versión de 1984 de Giorgio Moroder. Afortunadamente, esta última es la versión más parecida a la del momento de su estreno.
A falta de que aparezcan nuevas versiones en el futuro, recomiendo encarecidamente visionar este último montaje junto a este estupendo documental que acompaña la versión en DVD y BluRay.
Sigo en el spoiler con información sobre las versiones de Metrópolis.

Entretenida comedia del poco conocido director Irving Reis que pasa por ser quizá su película más conocida, luego rodaría en 1948 Todos eran mis hijos (con Edward G. Robinson) y Hechizo (con David Niven). Se trata de una historia cómica cuyo argumento pone a Cary Grant, como suele ser habitual en sus comedias (desde Howard Hawks a Stanley Donen), en plena guerra humorística con el sexo contrario.
En este caso se trata de la historia de amor entre una jovencita o quinceañera (bien traducido del inglés Bobbysoxer) interpretada por la niña prodigio Shirley Temple, que entonces tendría unos 19 años, y el playboy al que da vida el apuesto Cary Grant. En referencia a Temple hay que decir que nadie sabe realmente cuándo empezó a hacer películas ya que los estudios FOX le hicieron un certificado de nacimiento falso y que fue también la primera persona en recibir un premio Oscar especial a un intérprete juvenil en 1935 cuando apenas contaba con 7 años de edad.
La película tuvo una correcta acogida por parte del público y la crítica y aunque su humor es a menudo irregular y defectuoso no deja de ser en todo caso resultón (véase la escena de la carrera de sacos y otras competiciones en las que acaba metiéndose el personaje del actor británico).
Esta screwball comedy (recordemos que este subgénero cinematográfico se caracteriza por la presencia de un personaje femenino fuerte cuya relación con el protagonista centra la historia, en este caso el de la jueza que interpreta Myrna Loy) es, en definitiva, una correcta comedia que hace pasar un rato agradable.
Y es que ver a Cary Grant en cualquier película es señal de buen cine en la mayoría de las ocasiones, no olvidemos lo que dijo de él Grace Kelly: Todo el mundo envejece, menos él.

Gracias a Barcelona TV por sus emisiones de clásicos.