Esta versión, la segunda adaptación al cine de la novela de Leroux, presenta ya muchas novedades, a varios nveles, sobre todo argumentales respecto a la primera, la de Lon Chaney de 1925, que curiosamente se han convertido en constantes en las posteriores versiones.

Aquí se "inventa" un pasado de persona normal, en realidad un músico de la orquesta de la ópera, frustrado y traicionado por unos y por otros, que se ve obligado a refugiarse en los sótanos de la ópera, después de desfigurarse la cara con ácido; un fantasma algo desprovisto de misterio, y algo venido a menos como músico, por cierto, ya que no compone una ópera, como en la novela, sino un concierto. El caso es que se justifica así la maldad del personaje y su odio hacia los demás, algo que evidentemente funciona muy bien por simplista, pero que no tiene nada que ver con el fantasma original.

Como concepto está muy bien, pero se queda solamente en un apunte; por suerte en las versiones de 1983 -para la TV, muy desconocida-, y sobre todo en "El fantasma del Paraíso" del genial Brian de Palma se lleva esto hasta sus últimas consecuencias, convirtiendo al fantasma en algo así como la "mala conciencia" de la sociedad. Así, la historia se expone de forma lineal, sin matices, con personajes muy estereotipados, basados en la personalidad de Claude Rains, y en las voces de Susan Foster y Nelson Eddie; Christine no muestra en ningún momento su otra cara, la de la empatía hacia Eric, y los secundarios son bastnte tópicos. Los dos pretendientes de Christine hacen una pareja con cierta comicidad muy del gusto de la época, y cargantes como ellos solos.

En fin, a pesar de la "renovación" del guión, tiene poco que ofrecer, y eso que en su momento debió ser una producción bastante cara; se introducen el sonido y el color pero se desperdicia en una puesta en escena plana y funcional, que ha envejecido bastante mal; nos quedamos sin el misterio de la bajada al mundo del fantasma, sin la recreación de la atmósfera de tensión, sin las penumbras románticas (claro que lo peor vendría en 1962 con la versión de Terence Fischer, totalmente innecesaria). Para colmo, un Nocturno de Chopin y la 4ª Sinfonía de Tchaikovsky son convertidas en supuestas escenas operísticas, en vez de utilizar óperas del repertorio ya existentes, como "Fausto", que se menciona en la novela y aparece en varias de las otras versiones cinematográficas. Por cierto, la presencia de Liszt no hay quien se la crea…!

Lo más reseñable de este film es la puesta en escena: aunque visualmente puede parecer un poco abigarrada, su mejor baza es la dirección artística, que crea una atmósfera de auténtico cuento de hadas, pero creíble, y sobre todo, sin reblandeces, ni ñoñeces, ni cursilerías, estilo Disney; se nota que es producción europea. En los países del Europa del este siempre ha habido una tradición teatral muy potente, con especial desarrollo del aspecto plástico, tanto que llega incluso al cine (aunque en este caso se trataba en realidad de una coproducción de varios países).

Además de su aspecto visual se agradece también que una película basada en un cuento infantil pueda ser vista y disfrutada por público de todas las edades; dicho de otra manera: no es necesario tratar a los niños como estúpidos, ni abarrotar la narración con moralinas del todo a 100, algo a lo que lamentablemente estamos demasiado acostumbrados.

Como punto negativo señalaría el ritmo quizá demasiado lento y entrecortado; a esto no ayuda el doblaje al español, bastante frío y lineal, aunque las voces están bastante bien escogidas.

Si no me equivoco en España se estrenó directamente en la televisión, en la serie "Cuentos de los hermanos Grimm", todo producciones europeas del mismo formato que esta (una "Cenicienta" de Grimm en vez de la más blanda de Perrault, un "El sastrecillo valiente" con José Luis López Vázquez o una "La bella durmiente" también de Grimm en vez de Perrault, una producción austríaca con Gedeon Burkhard, que por cierto no tienen ficha aquí....), aunque algunos se repusieron como parte de otras series, sobre todo en las navidades de principios de los 90'.

A destacar la presencia de la gran Giuletta Massina, estupenda como una anciana y pícara Dama de las Nieves.

…por pequeña que sea, de salvar lo nuestro"?

"-No."

Así de tajante; así de claro; así de espeluznante, con una sensibilidad desgarradora que mantiene la tensión durante toda la película.

A Marisa Paredes le va como anillo al dedo el personaje de Leo, y por una vez, los pocos personajes masculinos, están bien resueltos.

Geniales diálogos de Rossy de Palma con Chus Lampreave, para llorar de la risa, pero con el punto de amargura, ya que en el fondo están hablando de algo real como la vida misma.

Una de las cosas que más puede animar a verla a los indecisos es el hecho de que Almodóvar construye esta potente narración sin recurrir a su habitual carnaval de personajes nocturnos y de sexualidades indefinidas, para centrarse en los frágiles sentimientos de una mujer desengañada. Y lo mejor y más inaudito: consigue que una película sobre escritores no se haga aburrida!

El innecesario tono solemne, redicho y alambicado que el romanticismo inculcó a estos textos ha hecho mucho daño; por suerte aquí se recupera el barro, el bullicio, la violencia gratuita, las bajezas, etc., sin perder su importancia poética.

"Adaptación" es la primera palabra que viene a la mente; sin embargo hay bastante más fidelidad aquí a la naturaleza del teatro isabelino, que en la polvorienta y acartonada versión de Zeffirelli, por nombrar a uno de esos autores autodefinidos como legítimos; también hay una inconsciencia adolescente más genuina. Así Luhrmann demuestra la universalidad del texto de Shakespeare, en vez de quedarse en lo meramente contemplativo; aunque quizá resulte más interesante para quien conozca bien el texto previamente, a través de su lectura, de alguna función teatral o de alguna versión cinematográfica "costumbrista", por que de esa manera se puede valorar en su justa medida el trabajo dramaturgico de traslación temporal.

Luhrmann justifica la acción a través de la presentación de un reality; hay quien ha viso una venida a menos del sagrado e intocable texto shakespeariano, sin tener en cuenta que el su momento esta clase de teatro iba dirigida a todos los públicas, de toda extracción social y cultura, y en especial al pueblo llano, el más abundante en los teatros populares.

Muy acertados son los encuentros entre la pareja protagonista -a través de la pecera, en al ascensor o en la piscina, trasunto del famoso balcón; de hecho en varias ocasiones Romeo aparece "pasado por agua", un elemento que cobra valor simbólico, como fluido que mezcla la enemistad y diluye el odio -esto teniendo en cuenta que la acción se desarrolla en un paraje especialmente bañado por el sol y polvo del desierto.

Hay quien encuentra fuera de lugar el haber mantenido el texto en verso, en vez de haber sometido los diálogos a una simplificación, para traerlos a la época contemporánea; sin embargo toda la puesta en escena de la película hasta el último detalle, banda sonora incluida, son igual de artificiosos y rebuscados que un diálogo en verso, por lo que no chirría en ningún momento.

Y es que, igual que Moulin Rouge, el punto fuerte de esta arriesgada propuesta es precisamente la atmósfera, irreal, excesiva, de nuevo rico, intencionadamente kitsch. Y también igual que en aquella, es una lástima que la realización sea acelerada hasta la nausea en su afán de convertir dos horas de metraje en un videoclip, y con un montaje excesivamente ágil y entrecortado que no deja respiro, salvo en las varias escenas de pareja, recreadas por cierto con gran sensibilidad.

En fin, no es perfecta, tiene algunos aspectos discutibles, pero hay que verla al menos una vez.

Es una lástima que las limitaciones de presupuesto dejaran fuera algunas escenas como la del ajedrez tamaño natural o los habitantes de la luna. Creo que el problema con esta película es simplemente el montaje: no se da con un ritmo suficientemente ágil, con la fluidez necesaria, sobre todo en algunos de los muchos gags de los que está salpicada. Este sutil pinchazo es la única pega que puede ponersele a una historia visualmente deslumbrante, de una imaginación entre disparatada e intelectual -tan representativa de Gilliam-, que luego ha sido imitada en otros films de este corte como "The fall", o otros.

Gran banda sonora de Michael Kamen, imponente puesta en escena de Dante Ferreti ("El nombre dela rosa", "El decameron" o "E la nave va") e impresionante vestuario de Gabriela Pescucci ("Chalir y la fábrica de chocolate", "La edad de la inocencia" o "Erase una vez en América"). Una gozada de principio a fin.