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Críticas de papi_habichuela
14 de junio de 2014
8 de 11 usuarios han encontrado esta crítica útil
Después de la genial 'Amelié' es difícil cargar con tu don creativo. Uno corre muchos riesgos cuando juega con algo tan íntimo y tiene tantos ojos puestos en él: Jeunet lo sabe y lo ha sufrido y, a pesar de habernos regalado una joyita post-Amelié titulada 'Largo domingo de noviazgo', le ha costado doce años quitarse ese peso de encima. Y ha merecido la pena esperar. 'Spivet' (acorto el título tomando el nombre del protagonista, igual que sucede con 'Amelié') tiene pulso, genio y capacidad para desempolvar ciertas partes de la memoria del público que hace tiempo están olvidadas.
Jeunet sabe conjugar con buen temple los recursos de cine que la historia precisa para la narración, juega con ciertas técnicas que tan bien sabe manejar, y todo ello sin caer en ser 'demasiado' Jeunet. El motivo del viaje iniciático a una edad tan temprana trae consigo una multitud de interrogantes que Jeunet resuelve con una ternura y una falsa inocencia que nos coloca al borde del abismo, como espectadores, en varias ocasiones. Bien es cierto que no todos hemos nacido en Montana ni vivimos en un ambiente familiar tan marcado. De acuerdo. Pero reconozco ciertos 'ticks' en las relaciones que se establecen dentro del ambiente familiar. Un padre 'nacido cien años tarde', una madre que tiene hijos como su afición, llena de bichos raros. Se puede pedir mayor protagonismo para los personajes secundarios, sí: pueden tener su propia película teniendo en cuenta la gran complejidad de sus personalidades. Pero no hay que olvidar que Spivet es el verdadero protagonista de la historia y, aun tan bajito, carga con todo el peso del edificio ficcional. Spivet encarna la capacidad de autogestionarse como individuo, de los sueños vívidos y exagerados que son el sustento de aventuras y experimentos cuando uno es niño.
Excelente giro al Universo Jeunet. Volviendo con la reflexión que abre esta crítica, es fácil exigir al mago que nos 'troleó' con Amelié que vuelva a hacerlo como entonces. Pero no nos equivoquemos. Amelié ya pasó y no somos inocentes. Como espectador me despojo de la memoria cinematográfica y olvido los compases de la fantástica banda sonora de Yann Tiersen para que los pies bailen con estos nuevos ritmos, dulces y coloreados, que nos propone el viaje de este pequeño inventor tan puro, tan inocente. Tan normal.
Jeunet sabe conjugar con buen temple los recursos de cine que la historia precisa para la narración, juega con ciertas técnicas que tan bien sabe manejar, y todo ello sin caer en ser 'demasiado' Jeunet. El motivo del viaje iniciático a una edad tan temprana trae consigo una multitud de interrogantes que Jeunet resuelve con una ternura y una falsa inocencia que nos coloca al borde del abismo, como espectadores, en varias ocasiones. Bien es cierto que no todos hemos nacido en Montana ni vivimos en un ambiente familiar tan marcado. De acuerdo. Pero reconozco ciertos 'ticks' en las relaciones que se establecen dentro del ambiente familiar. Un padre 'nacido cien años tarde', una madre que tiene hijos como su afición, llena de bichos raros. Se puede pedir mayor protagonismo para los personajes secundarios, sí: pueden tener su propia película teniendo en cuenta la gran complejidad de sus personalidades. Pero no hay que olvidar que Spivet es el verdadero protagonista de la historia y, aun tan bajito, carga con todo el peso del edificio ficcional. Spivet encarna la capacidad de autogestionarse como individuo, de los sueños vívidos y exagerados que son el sustento de aventuras y experimentos cuando uno es niño.
Excelente giro al Universo Jeunet. Volviendo con la reflexión que abre esta crítica, es fácil exigir al mago que nos 'troleó' con Amelié que vuelva a hacerlo como entonces. Pero no nos equivoquemos. Amelié ya pasó y no somos inocentes. Como espectador me despojo de la memoria cinematográfica y olvido los compases de la fantástica banda sonora de Yann Tiersen para que los pies bailen con estos nuevos ritmos, dulces y coloreados, que nos propone el viaje de este pequeño inventor tan puro, tan inocente. Tan normal.
15 de junio de 2022
5 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Mi suegra me pregunta, mientras Bill Pullman (AKA Harry Ambrose) gesticula con la mandíbula como solo él sabe hacerlo, por qué ahora solo hay series de asesinatos y detectives, que ya no hay películas bonitas como las de antes. Para compensar, le digo. No lo pienso ni pongo interés alguno en responder pero contesto: para compensar. Compensar, ¿qué?, me dice. Entonces me pongo, ahora sí, a pensar y Harry Ambrose (AKA Bill Pullman) mira a cámara y, lo sé, me sonríe.
Una vida súper normal se compensa con súper héroes. Una vida sin amor con romances de TV a las 5 de la tarde. Una vida vacía de contenido con una obsesión enfermiza por la técnica. Una vida con el dolor de ser humanos aislado se compensa con historias donde el detective puede asomarse al mal, entender y volver para contárnoslo. Él y solo él hace el trabajo por nosotros y a nosotros, claro, nos encanta asistir al espectáculo deductivo que nos lleva manteniendo en vilo desde que Sir Arthur Conan Doyle vino a colocar al detective en el centro de un constructo narrativo.
Esta crítica vale para muchas otras mini series que copan las diferentes plataformas: True detective, Mare of Easttown, The night of, Heridas abiertas, Mindhunter, The Sinner. En todas encontramos a la figura del detective, trasunto del clásico psicopompo, que es capaz de ir y volver del mundo de los muertos a cambio de vivir en sus carnes las miserias, el miedo y el dolor, a veces insoportable, de estar vivo que sufren asesinos, psicópatas, falsos acusados, inocentes, víctimas. La pérdida de inocencia distancia al detective de su familia, como Mare, o de sus parejas, como Ambrose. Pero es en el centro de ese dolor donde el protagonista de la serie encuentra las herramientas para volver al mundo de los vivos, al mundo que pertenece, y trasciende sus propias miserias, dando orden al caos terrible de las inestables relaciones humanas.
Por el camino pueden hablar con muertos, revivir traumas, dañar su propio cuerpo (de múltiples y coloreadas formas), huir, someterse a destierro, volver y encontrar el paraíso perdido, confiar en sí mismos hasta la destrucción, abrir caminos que para otros serán perdición. Cada uno se defiende cómo puede (o le dejan) del pánico que subyace a toda existencia; las máscaras para soportar la mirada de la hidra pasan, valgan estos ejemplos, por el nihilismo filosófico de Rust Cole, o nuestro propio Harry Ambrose viviendo en cada temporada de la serie un sucinto acercamiento a la New Age. Todo el esfuerzo de los detectives en pantalla dirigido a, como dije a mi suegra, compensar esta vida que vivimos; esta vida capada, pobre. Esta vida a medias que nos mantiene alejados del abismo al que se asoma Harry Ambrose moviendo la mandíbula de esa manera tan Bill Pullman.
Cuando vuelvo en mí, María sigue mirándome. ¿Estás bien?, me dice. Podemos ver esa muy bonita donde la mujer se enamora del guapo ese de ojos claros. Yo acabo de aterrizar de todos estos pensamientos y la serie continúa, en uno de esos capítulos intermedios, lanzando pistas falsas al espectador. Mañana, María, por hoy tengo bastante. Al final, como en la vida, todo lo que parecía ser una cosa es otra, la víctima tenía unas razones, el asesino también, y todos han cambiado. Todos menos Harry, que continúa dando paseos por ese laberinto al que no encuentra salida y en cuyo centro está el amor olvidado de su madre enferma.
Una vida súper normal se compensa con súper héroes. Una vida sin amor con romances de TV a las 5 de la tarde. Una vida vacía de contenido con una obsesión enfermiza por la técnica. Una vida con el dolor de ser humanos aislado se compensa con historias donde el detective puede asomarse al mal, entender y volver para contárnoslo. Él y solo él hace el trabajo por nosotros y a nosotros, claro, nos encanta asistir al espectáculo deductivo que nos lleva manteniendo en vilo desde que Sir Arthur Conan Doyle vino a colocar al detective en el centro de un constructo narrativo.
Esta crítica vale para muchas otras mini series que copan las diferentes plataformas: True detective, Mare of Easttown, The night of, Heridas abiertas, Mindhunter, The Sinner. En todas encontramos a la figura del detective, trasunto del clásico psicopompo, que es capaz de ir y volver del mundo de los muertos a cambio de vivir en sus carnes las miserias, el miedo y el dolor, a veces insoportable, de estar vivo que sufren asesinos, psicópatas, falsos acusados, inocentes, víctimas. La pérdida de inocencia distancia al detective de su familia, como Mare, o de sus parejas, como Ambrose. Pero es en el centro de ese dolor donde el protagonista de la serie encuentra las herramientas para volver al mundo de los vivos, al mundo que pertenece, y trasciende sus propias miserias, dando orden al caos terrible de las inestables relaciones humanas.
Por el camino pueden hablar con muertos, revivir traumas, dañar su propio cuerpo (de múltiples y coloreadas formas), huir, someterse a destierro, volver y encontrar el paraíso perdido, confiar en sí mismos hasta la destrucción, abrir caminos que para otros serán perdición. Cada uno se defiende cómo puede (o le dejan) del pánico que subyace a toda existencia; las máscaras para soportar la mirada de la hidra pasan, valgan estos ejemplos, por el nihilismo filosófico de Rust Cole, o nuestro propio Harry Ambrose viviendo en cada temporada de la serie un sucinto acercamiento a la New Age. Todo el esfuerzo de los detectives en pantalla dirigido a, como dije a mi suegra, compensar esta vida que vivimos; esta vida capada, pobre. Esta vida a medias que nos mantiene alejados del abismo al que se asoma Harry Ambrose moviendo la mandíbula de esa manera tan Bill Pullman.
Cuando vuelvo en mí, María sigue mirándome. ¿Estás bien?, me dice. Podemos ver esa muy bonita donde la mujer se enamora del guapo ese de ojos claros. Yo acabo de aterrizar de todos estos pensamientos y la serie continúa, en uno de esos capítulos intermedios, lanzando pistas falsas al espectador. Mañana, María, por hoy tengo bastante. Al final, como en la vida, todo lo que parecía ser una cosa es otra, la víctima tenía unas razones, el asesino también, y todos han cambiado. Todos menos Harry, que continúa dando paseos por ese laberinto al que no encuentra salida y en cuyo centro está el amor olvidado de su madre enferma.
Argylle
27 de julio de 2021
5 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Si bien en 31 de Agosto, Trier nos muestra cómo la pérdida en el laberinto desemboca en un hastío vital capaz de destruir hasta la más bella de las promesas, en Thelma el resultado es el contrario. En su laberinto simbólico, Thelma encuentra al minotauro y le da muerte.
Aquí, Trier utiliza lo fantástico para generar un espacio al símbolo, que nos cuenta una historia oculta sobre la verdadera naturaleza del camino que Thelma comienza cuando se marcha de casa. Todo se reduce al salto que Thelma debe de dar entre su niñez/adolescencia hacia su juventud/madurez. Y para ello debe poner en orden aquellos lugares dentro de sí que permanecen ocultos por pura supervivencia. Thelma sufrió abusos por parte de su padre cuando era una niña. Y no puede llegar a la libertad cuando sigue presa de un recuerdo traumático, en torno al cual se desarrolla una personalidad obsesiva, distante, fría, marcadamente religiosa. La película, en resumen, narra el hacer consciente lo inconsciente.
La interpretación completa la incluyo en el spoiler.
Aquí, Trier utiliza lo fantástico para generar un espacio al símbolo, que nos cuenta una historia oculta sobre la verdadera naturaleza del camino que Thelma comienza cuando se marcha de casa. Todo se reduce al salto que Thelma debe de dar entre su niñez/adolescencia hacia su juventud/madurez. Y para ello debe poner en orden aquellos lugares dentro de sí que permanecen ocultos por pura supervivencia. Thelma sufrió abusos por parte de su padre cuando era una niña. Y no puede llegar a la libertad cuando sigue presa de un recuerdo traumático, en torno al cual se desarrolla una personalidad obsesiva, distante, fría, marcadamente religiosa. La película, en resumen, narra el hacer consciente lo inconsciente.
La interpretación completa la incluyo en el spoiler.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama.
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17 de septiembre de 2023
8 de 12 usuarios han encontrado esta crítica útil
En 1806 se estrenaba en Madrid 'El sí de las niñas', obra teatral escrita por F. Moratín. De corte neoclásico, pretendía mostrar sobre las tablas cómo debía ser el comportamiento ejemplar en un tema delicado para la época en una España atrasada 100 años respecto a Europa: el casamiento obligado de las 'niñas' con hombres de mayor edad con intención de conseguir una mejor posición económica y social.
La obra no estuvo exenta de polémica y llegó incluso a ser prohibida por la inquisición. Lejos quedaron los experimentos formales de Lope como máximo exponente del teatro español del Siglo de Oro. El ánimo didáctico aristotélico se impone mediante la razón en el periodo ilustrado, y dará lugar a unas décadas de rigidez estilística en las tablas, que llegará hasta donde empieza el controvertido y oscuro teatro romántico. 'El sí de las niñas' quedará como ejemplo paradigmático del pobre teatro neoclásico, cuyos otros muchos textos son desconocidos para casi todos los que no sean expertos en la materia.
Estoy seguro de que o bien hoy habéis aprendido algo o lo habéis recordado al leerme. ¿Y qué tiene que ver todo esto con Barbie? Pues todo. Repitan conmigo: Las obras maestras muestran cómo son las cosas. Las obras menores cómo deberían ser. Leo en múltiples críticas la palabra 'panfleto', leo la palabra 'ideología', leo la palabra 'feminista'. Leo en prensa la necesidad de la película y el buen trabajo de los actores y el guion. Y después de verla, sin entrar a valorar si es buena, mala, o todo lo contrario, me quedo con la sensación de haber entrado de nuevo en un periodo neoclásico, ilustrado, donde en las salas de cine nos dicen qué es lo correcto, cómo debemos actuar, sentir y pensar respecto a un tema en particular. Exactamente igual que en 'El sí de las niñas'.
La crisis existencial de Barbie es la crisis de la estética post - posmodernista, que no encuentra nuevos requiebros estilísticos que abordar y vuelve la mirada hacia el exterior. Después del caos que nos dejaron Picasso y compañía con el arte abstracto, hay que volver al orden, las líneas rectas, el equilibrio, la simetría. Y como tenemos tantos trastos por medio y no sabemos bien si tirarlos a la basura o venderlos en Wallapop, vivimos con la perspectiva y el ánimo perdidos entre las ganas de olvidar y el olvido. El mismo péndulo que integró a las vanguardias en la tradición destruyó el reino de la experimentación artística, el neoplatonismo, y nos lleva de forma irremisible a un espacio donde crear debe tener un objetivo, una enseñanza.
Y ojo, querido Sancho, porque por más que caminamos en el cine, Netflix, Disney+ o HBO no topamos con la iglesia y el corsé moral está roto y semienterrado en el cauce de algún río seco de la cuenca mediterránea. Así, estamos a merced de la dopamina de los colores chillones y el placer vacuo y divino de las copas de domingo por la tarde; sin defensas ideológicas o morales ante los panfletos cutres y vacíos que arrastran al cine a todos los nostálgicos que crecimos con Barbie como uno de los referentes de la cultura pop más destacados. El cebo - el anzuelo - el pez. El sí de las Barbies, y el sí del público que llena las salas.
Repitan de nuevo conmigo: Las obras maestras muestran las cosas cómo son. Las menores cómo deberían ser.
La obra no estuvo exenta de polémica y llegó incluso a ser prohibida por la inquisición. Lejos quedaron los experimentos formales de Lope como máximo exponente del teatro español del Siglo de Oro. El ánimo didáctico aristotélico se impone mediante la razón en el periodo ilustrado, y dará lugar a unas décadas de rigidez estilística en las tablas, que llegará hasta donde empieza el controvertido y oscuro teatro romántico. 'El sí de las niñas' quedará como ejemplo paradigmático del pobre teatro neoclásico, cuyos otros muchos textos son desconocidos para casi todos los que no sean expertos en la materia.
Estoy seguro de que o bien hoy habéis aprendido algo o lo habéis recordado al leerme. ¿Y qué tiene que ver todo esto con Barbie? Pues todo. Repitan conmigo: Las obras maestras muestran cómo son las cosas. Las obras menores cómo deberían ser. Leo en múltiples críticas la palabra 'panfleto', leo la palabra 'ideología', leo la palabra 'feminista'. Leo en prensa la necesidad de la película y el buen trabajo de los actores y el guion. Y después de verla, sin entrar a valorar si es buena, mala, o todo lo contrario, me quedo con la sensación de haber entrado de nuevo en un periodo neoclásico, ilustrado, donde en las salas de cine nos dicen qué es lo correcto, cómo debemos actuar, sentir y pensar respecto a un tema en particular. Exactamente igual que en 'El sí de las niñas'.
La crisis existencial de Barbie es la crisis de la estética post - posmodernista, que no encuentra nuevos requiebros estilísticos que abordar y vuelve la mirada hacia el exterior. Después del caos que nos dejaron Picasso y compañía con el arte abstracto, hay que volver al orden, las líneas rectas, el equilibrio, la simetría. Y como tenemos tantos trastos por medio y no sabemos bien si tirarlos a la basura o venderlos en Wallapop, vivimos con la perspectiva y el ánimo perdidos entre las ganas de olvidar y el olvido. El mismo péndulo que integró a las vanguardias en la tradición destruyó el reino de la experimentación artística, el neoplatonismo, y nos lleva de forma irremisible a un espacio donde crear debe tener un objetivo, una enseñanza.
Y ojo, querido Sancho, porque por más que caminamos en el cine, Netflix, Disney+ o HBO no topamos con la iglesia y el corsé moral está roto y semienterrado en el cauce de algún río seco de la cuenca mediterránea. Así, estamos a merced de la dopamina de los colores chillones y el placer vacuo y divino de las copas de domingo por la tarde; sin defensas ideológicas o morales ante los panfletos cutres y vacíos que arrastran al cine a todos los nostálgicos que crecimos con Barbie como uno de los referentes de la cultura pop más destacados. El cebo - el anzuelo - el pez. El sí de las Barbies, y el sí del público que llena las salas.
Repitan de nuevo conmigo: Las obras maestras muestran las cosas cómo son. Las menores cómo deberían ser.
19 de agosto de 2022
4 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Es tal el barullo técnico, sensorial y estético al que nos somete Sorrentino en las dos horas de metraje que en ocasiones resulta difícil llegar al centro de lo que cuenta la película. Leo chispazos de genialidad en muchas críticas; hay quien se centra en la imagen, otros en la música, también en los escenarios; pero ninguna (o casi ninguna) acaba explicando claramente de qué va la película. Por lo que trataré de darle, aquí, un centro a esa cascada de magia que es La Gran Belleza y completar el puzzle que entre todos aquí hemos construido. Ruego me disculpen sino destaco cuestión técnica alguna (la mayoría sabe más que yo), ni música o referencias a Fellini.
Jep Gambardella es un escritor que vive de rentas -solo ha escrito una novela- desde hace unos cuarenta años. La película comienza en su 65 cumpleaños. Su vida es un limitado mundo de fiestas, amigos con cierta influencia y un ligero trabajo como entrevistador de un periódico. Toda su vida alberga la esperanza de volver a estar de nuevo con Helena De Sanctis, su amor de juventud. Cuando esta muere, también una parte de sí mismo desaparece. Adviene pues un periodo de crisis donde entenderá el centro de su naturaleza, entre las ruinas de Roma, la búsqueda de nuevos límites y un dolor que le hace especialmente sensible a todo lo que a su alrededor acontece. El resto en spoiler.
Jep Gambardella es un escritor que vive de rentas -solo ha escrito una novela- desde hace unos cuarenta años. La película comienza en su 65 cumpleaños. Su vida es un limitado mundo de fiestas, amigos con cierta influencia y un ligero trabajo como entrevistador de un periódico. Toda su vida alberga la esperanza de volver a estar de nuevo con Helena De Sanctis, su amor de juventud. Cuando esta muere, también una parte de sí mismo desaparece. Adviene pues un periodo de crisis donde entenderá el centro de su naturaleza, entre las ruinas de Roma, la búsqueda de nuevos límites y un dolor que le hace especialmente sensible a todo lo que a su alrededor acontece. El resto en spoiler.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama.
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