Con "El irlandés" llega una de las películas más esperadas del año en la que Netflix ha confiado a Martin Scorsese un presupuesto de superproducción. Tras firmar en 2016 la sobresaliente "Silencio", el neoyorquino vuelve a su género más personal y reconocible más allá del religioso o el documental musical. El cine de gángsters.

Basada en hechos reales, es la historia de Frank Sheeran (Robert De Niro), un veterano de la II Guerra Mundial natural de Filadelfia, asesino a sueldo de la mafia y su relación con Russell Buffalino (Joe Pesci) y grandes personalidades de segunda mitad del siglo XX en Estados Unidos como el sindicalista Jimmy Hoffa (Al Pacino).

Scorsese vuelve a demostrar que la duración de sus películas, aquí 210 minutos, no son obstáculo para tener agarrado en la butaca al espectador de principio a fin. A partir de un viaje con los personajes de De Niro y Pesci camino de una boda, ramifica historias de ambos personajes mediante saltos temporales y sus conexiones con el crimen organizado. Pintar casas. Con este armazón Scorsese aprovecha una vez más para incluir obsesiones personales como violencia, traición o religión, dentro de la cotidianeidad de un sicario. Puro cine de autor.

Steven Zaillian, guionista de "La lista de Schindler" o "American Gangster", adapta el libro basado en la vida de Frank Sheeran. Estructura la historia a partir de una road movie, insertando momentos relevantes de la política estadounidense de la segunda mitad del pasado siglo a través de la mirada del personaje de De Niro. Destacar el diseño de producción y recreación artística de las décadas entre los 50 y 70.

En el apartado interpretativo cabe destacar el grandioso elenco más allá de dos gigantes como Robert De Niro y Al Pacino, ambos estupendos, o notables secundarios como Ray Romano y Stephen Graham. Pero el alma de la función es Joe Pesci interpretando a un personaje conciliador, cálido y sereno, en las antípodas de sus anteriores trabajos con Scorsese. Grandioso Pesci.

Nostalgia y espectativas son armas de doble filo para el espectador, y en "El irlandés" no es una excepción. La posibilidad de ver de nuevo a estos colosos frente a frente, y salir defraudado con un universo al que admiras desde chaval, era un riesgo que había que correr al ver el film. Y los temores en parte se han confirmado. Me explico. Es un proyecto que llevaba cocinándose desde hace mucho tiempo, quizás demasiado, y ha llegado algunos años tarde para volver a reunir a estos actores, incorporando aquí a un Al Pacino que nunca antes había trabajado con Scorsese. Cuando los personajes de De Niro y Pesci deben tener el aspecto de hombres de cuarenta y tantos, eso no hay retoque digital que a día de hoy lo resuelva para tipos de 76 años, y este hecho es un problema no menor.

Pese a esto y a que "El irlandés" es un proyecto que llega 15 años tarde y el resultado no alcanza las cotas del género como "Malas calles", "Uno de los nuestros" o "Casino", es un buen cierre para un grupo de leyendas escritas a fuego, a una forma de entender la vida y el cine. Gracias Netflix. Gracias Marty.

Puntuación: 7,3

"Doctor Sueño" está escrita y dirigida por Mike Flanagan. Basada en la novela homónima de Stephen King y continuación directa de "El resplandor", adaptada al cine en la obra maestra de Stanley Kubrick de 1980.

La historia sigue los pasos de dos personajes dispares. Dan Torrance (Ewan McGregor), un hombre con problemas de alcoholismo, y Abra Stone (Kyliegh Curran), una niña de 12 años. Ambos personajes poseen una extraordinaria capacidad psíquica para ver más allá que el común de los mortales. Unas visiones amenazadoras de la niña, provocarán la conexión entre ambos protagonistas.

Flanagan es autor de la notable primera temporada de la serie "La maldición de Hill House" (2018), que guarda muchas similitudes con esta película. El director de "Doctor Sueño" emplea piruetas visuales de manera fluida que ayudan a situar al espectador ante otra cosa. El trabajo artístico, de recreación de escenarios y fotografía es importante y ayuda al espectador de "Doctor Sueño" a sumergirse en un universo fantástico.

Destacan en el apartado actoral tanto Ewan McGregor como la jovencísima y prometedora Kyliegh Curran, ambos muy correctos con momentos notables en sus respectivos personajes, pero es Rebecca Ferguson quien está estelar en la función interpretando a una mujer poderosa y carismática. Un personajazo que es el alma de la película y que la actriz sueca lo exprime al máximo.

Flanagan por momentos abusa de los planos cenitales o de la reiteración en las muertes de los 'viajeros' que se alimentan del resplandor, en este caso con un acabado televisivo más cercano a series como "Xena, la princesa guerrera" o "Buffy, cazavampiros". Pero donde realmente "Doctor Sueño" es errática es en su media hora final, un festival corta pega sin sentido de guiños, referencias y fusilamientos a "El resplandor". Gratuitos e innecesarios.

Funciona muy bien "Doctor Sueño" cuando quiere volar por su cuenta en sus dos primeras dos horas, dentro de sus 150 minutos, sin ser especialmente original pero con personalidad propia en la presentación de personajes y una trabajada atmósfera más cercana a la fantasía oscura, que al terror psicológico de su antecesora.

Puntuación: 6,5

"Parásitos" es el último trabajo en la dirección de Bong Joon Hoo. Uno de los cineastas punteros de su pais que en los ultimos tiempos había trabajado fuera y que aquí vuelve a sus orígenes.

La familia Kim lucha día a día por sobrevivir en la que ninguno de sus cuatro componentes tiene trabajo, y malvive en una infravivienda, trapicheando con cualquier cosa. Por otro lado está la familia Park, de clase alta, cuyo padre de familia es un prestigioso arquitecto que vive con su joven mujer y dos hijos en una vivienda de alto standing. El accidental encuentro de uno de los componentes de la familia Kim con la familia adinerada iniciará una particular relación entre los personajes.

Uno de los rasgos característicos del cine de Corea del Sur de lo que va de siglo es su capacidad para combinar géneros con una naturalidad pasmosa sin que por ello pierdan fuerza las historias ni los personajes, más bien al contrario, salen beneficiados de esta circunstancia.

"Parásitos" es inquietante e incómoda en muchos momentos para el espectador por empatizar este con cuestiones de dudosa moral. Se mueve en el delicado territorio del suspense y la crítica social y lo hace a las mil maravillas, añadiendo destellos de humor negro donde los claroscuros y grises campan a sus anchas.

El director una vez más es un maestro en la composición de imágenes y la puesta en escena, magistrales. Si en sus dos anteriores trabajos Bong Joon Hoo, en especial en "Snowpiercer (Rompenieves)", se movía con comodidad en el territorio del fantástico y la ciencia ficción, aquí lo hace de manera certera y cruel en el del retrato social. Un equilibrio perfecto entre la estética, el dominio del lenguaje y la construcción narrativa.

El mensaje de "Parásitos" es impactante y valiente, cuestión habitual en la cinematografía sur coreana. Desde el primer momento descubre sus cartas con los personajes y aquí tan despreciable es la altivez, capricho y condescendencia de la familia rica, como lo es de mezquina y miserable de la pobre. La pelicula de Bong Jong Hoo cuestiona lo falsa, materialista, vacía y despiada que es esta sociedad de hoy, en la que los sueños y deseos casi siempre no se cumplen. La añoranza de lo que no tenemos como supuesto camino a la felicidad.

Magnífica película que sorprende e invita a la reflexión. Una de las elegidas de 2019.

Puntuación: 9,2

"Ad Astra" es lo nuevo de James Gray. Una película de ciencia ficción producida y protagonizada por Brad Pitt.

El ingeniero astronauta Roy McBride (Brad Pitt), que perdió 20 años atrás a su padre durante una misión espacial de este en Neptuno, emprenderá un viaje hacia los confines del Sistema Solar en busca respuestas al fracaso de aquella misión y desentrañar un misterio que amenaza el planeta Tierra.

La acción se desarrolla en un futuro próximo en el que de manera recurrente hay tormentas eléctricas de rayos cósmicos que provocan el caos y ponen en peligro la vida en la Tierra. La colonización espacial ya es una realidad y las grandes corporaciones ofrecen viajes comerciales a la Luna, y también hay asentamientos científicos y militares en Marte. En este sentido la temática del film es cercana a la literatura de Isaac Asimov.

James Gray es uno de los mayores talentos en la dirección surgidos en el cine USA de los 90. Seguramente el cineasta más clásico de esa generación. Su cine es pausado, reflexivo, de conflictos paternofiliales, de retorno a los orígenes para ajustar cuentas con el pasado y con uno mismo, utilizando habitualmente la narración en primera persona. Y "Ad Astra" no es una excepcion. Aquí el protagonista es un personaje ausente, incapaz de manifestar sentimientos o empatizar con nadie. Un hombre roto cuyo motor vital es el descubrimiento científico.

No es la primera vez que el cineasta neoyorquino filma escenas de acción, ya lo hizo en "La noche es nuestra" (2007) a través de una persecución de coches con notable resultado. En el caso de "Ad Astra" las secuencias espectaculares son de una factura impecable, incluyen unos efectos visuales de primera, y están perfectamente integradas en el tono general de ciencia ficción adulta.

Es justo destacar también otros aspectos de la producción como son la música de Max Richter, que sirve de elegante acompañamiento emocional sin estridencias; la espectacular fotografía de Hoyte Van Hoytema, camarógrafo habitual del reciente Christopher Nolan; el impactante diseño de producción con un gran trabajo de escenarios y naves espaciales; o un uso acertado del sonido.

El propio director junto a su colaborador habitual Ethan Gross, son los autores de un guión cuya virtud de definir con apenas dos o tres detalles a cada personaje lo aprovecha un buen reparto de secundarios, que incluye a Tommy Lee Jones y de manera más fugaz a Donald Sutherland, Ruth Negga o Liv Tyler.

"Ad Astra" la guardaré en el recuerdo junto a un selecto grupo de grandes películas de ciencia ficción espacial como "2001", "Contact", "Moon" o "Interstellar".

Una película de James Gray muy rica en contenidos y coherente con su filmografía. Continuando la senda de "Z. La ciudad perdida", sirve tanto de viaje hacia lo desconocido como de descubrimiento de uno mismo.

Puntuación: 8,8

"Joker" es la nueva adaptación cinematográfica de un personaje de DC Cómics, dirigida por un sorprendente Todd Phillips.

Arthur Fleck (Joaquin Phoenix) vive en Gotham con su madre, y su sueño es trabajar como cómico en un show con público. Su vocación es hacer reir a los demás y por ello trabaja para una agencia haciendo pequeños trabajos de payaso, pero tiene problemas mentales y la gente que le rodea le trata como a un marginado, sintiéndose cada vez más ninguneado y maltratado por la sociedad. A partir de unos trágicos acontecimientos, su furia y odio irán en aumento y tendrá inesperadas consecuencias.

Todd Phillips aquí se rebela como un director con talento, siendo eficaz a la hora de poner la cámara en el sitio adecuado para lo que demanda la historia. El manejo psicológico de la tensión en "Joker" es magistral, en todo momento se percibe un ambiente irrespirable de opresión y acoso donde no hay sitio para la felicidad de Arthur Fleck en el ámbito social y laboral, y cuando aparecen los estallidos de violencia física son inesperados y doblemente impactantes para el espectador.

Tanto la ambientacion como el espíritu de "Joker" tienen mucho que ver con el cine de la década de los 70 en films como "French Connection", "Malas calles", "Taxi Driver" o "Network". Su uso del color y hasta el grano de la fotografía se asemejan al de estas películas reflejando una Gotham sucia, amoral, decadente y criminal. Equiparable a la Nueva York de comienzos de los 80.

Gracias a un hábil guión coescrito por Scott Silver y el propio director, inspirado en algunas etapas del Joker en las viñetas como "Batman: La broma asesina" (Alan Moore y Brian Bolland), la película funciona a varios niveles -drama, thriller y terror- y se guarda tres o cuatro ases narrativos en la manga que sorprenden más allá de ser meros golpes de efecto.

Joaquin Phoenix soporta el peso interpretativo del 95% del metraje. Un papel muy exigente tanto en el aspecto físico como en el dramático en sintonía con actores del método, nivel Robert De Niro en "Toro salvaje", así como el desafío emocional que supone su actuación para el espectador hasta poner a prueba su paciencia. Es difícil imaginar el proceso por el cual el actor moldeó al personaje en su preparación, a través del lenguaje corporal o de esa risa incontrolable como mecanismo de manifestación del dolor, para resultar absolutamente distinto en un contexto más realista que en anteriores apariciones cinematográficas del Joker. Una actuación memorable.

Tambien mención especial merece la banda sonora original para la película, creada por la islandesa Hildur Guonadóttir. Un trabajo de cuerdas que desde un segundo plano está insertada impecablemente en las imágenes ayudando a transmitir el poder de los sentimientos.

Sorprende que en tiempos de corrección política, un estudio como Warner haya dado luz verde e invertido en un proyecto violento con clasificación R. Como las buenas películas, "Joker" funciona a distintos niveles de lectura tanto durante como después de su visionado. Nada está puesto al azar, el simbolismo del ascenso y bajada de las escaleras de Arthur Fleck es una muestra de ello, sobre la progresiva inmersión en la locura y el nacimiento de un monstruo.

Puntuación: 9,0