"Te acuerdas de Dolly Bell?" muestra desde el principio las características clave del cine de Kusturica, aunque quizá menos acentuadas de lo que puede verse en sus peliculas posteriores, en la que los personajes son más caricaturescos y tienden a la exageración.
En este caso nos encontramos ante una historia del paso a la madurez de un joven adolescente. En el se encuentran personificados los miedos y sueños propios de su edad, y los personajes que le rodean crean una atmósfera confusa para él, que intenta descubrir los entresijos de la vida adulta. Kusturica hace que todo ello esté inmerso en música y cultura popular, le rodea de una ambientación lograda e interesante, y su trabajo tras la cámara no hace más que presagiar un futuro prometedor. Sin embargo ciertas partes del guión, que pueden resultar más pesadas, y una actuación demasiado fría de los personajes hacen que el film no se dibuje completamente. Esos espacios entre escenas, esas frases intermedias y esas escenas de transición, además de la conexión entre varias historias, son figuras que el director conoce perfectamente en sus últimas obras. A pesar de ello "Te acuerdas de Dolly Bell?" entretiene y deja un buen sabor de boca, más sabiendo a lo que Kusturica ha llegado en el mundo del cine.

"Cosas que nunca te dije" relata la histora de varias personas solitarias, del mundo actual occidental, que se situan en los USA, y que intentan relatar los entresijos de sus emociones y su búsqueda de la felicidad. Coixet intenta, y consigue, crear una atmósfera turbia y melancólica, pero no puede profundizar en unos personajes que se muestran demasiado caricaturescos. Esto no ocurre por la actuación de los dos protagonistas, ya que tanto Lili Taylor como Andrew McCarthy están soberbios en sus respectivos papeles, así como el resto del reparto.
Quizá el mayor problema reside en el tempo de la película que juega demasiado con el espectador (sobre todo con ese final tan de película barata) y en el guión, que en muchos casos se muestra poco creible. Está claro que el cine tiene libertad para contar historias, pero si la directora quiere hacer ese cine social que parece que le gusta, no puede caer en un relato tragicómico e irreal de la historia de sus personajes.
Aun así queda ese maravilloso uso de la música y las imágenes para crear sensaciones en el espectador, que no quedará defraudado con una obra que resulta muy bonita estéticamente aunque algo vacía de contenido.

En primer lugar hay que tener en cuenta la fecha de creación del film; en segundo lugar la temática, no accesible a todos los públicos; y en tercer lugar hay que tener en cuenta que se trata de Bergman, de un cine muy personal y que tiene tantos adeptos como detractores. Sin tener en cuenta estos aspectos se pueda hablar de una maravillosa recreación del mundo medieval, de una belleza plástica impresionante de las imágenes, de una actuación claramente teatral, magnífica para el tema que se expone, y de un juego cinematográfico que resulta muy interesante.
Superados los aspectos técnicos, podremos adentrarnos en la metáfora preciosista sobre la muerte en la que el director sueco quiere introducirnos. Y viajaremos hacia el interior de unos personajes que no tienen patria y que pueden ser cualquiera, que tienen diferentes gustos, variedad de opiniones, pero que todos encuentran el mismo pavor cuando se acaba el tiempo, cuando el personaje de la Muerte se pone a tu lado y dice, "es la hora". Y es en ese instante en el que la obra se hace universal. No por tratar el tema de la muerte, sino por hacernos ver lo que esta hace sentir.

"Piedras" es una película que deja un extraordinario sabor de boca al acabar, pero que se va tornando agrio con el paso del tiempo. Esto no es debido, probablemente, al fantásico trabajo de Ramón Salazar que consigue hacer de cinco mujeres, cinco historias con gancho, sentimiento y personalidad, aunque resulten demasiado estereotipadas para los asiduos al cine español. Y es que parece que en el cine nacional encanta el tipo de personaje extravagante, que acaba siendo repetitivo en la pantalla. Almodovar sólo hay uno.
Aún así la obra destaca entre la gran mayoría de films que se hacen en España. Hay aquí un cierto deje manierista en el director que juega con los planos y la luz, si influir en el desarrollo de los temas. Se introduce de lleno en cada personaje y sin embargo crea un conjunto coherente, completo, sin fisuras y de indudable calidad. Lo que pesa son unos diálogos sosos en ciertas partes, unos personajes demasiado modelados -sí, demasiado-, que terminan resultando caricaturescos. Al menos, como repito, para los amantes del cine español, que encontrarán referencias a otras obras de un estilo similar.
Fantásticas Antonia San Juan y Najwa Nimri, aunque con esta última no soy para nada objetivo.

Hay pocos directores que puedan hacer que las imágenes hablen sin palabras, y menos en un género tan poco dado a las innovaciones, a pesar de que lo que se esté relatando sea una novedad en sí mismo. Scorsese puede hacerlo, y más si habla de Dylan, sobre todo en esa época tan convulsa que fueron los 60. En ese momento parecía que todo valía, sin embargo a un cantautor de Minnesota quisieron cortarle las alas. Y no pudieron.
Llena de documentos históricos y conversaciones con otros artistas de la época, como Joan Baez o el poeta beat Ginsberg, Scorsese consigue separar todo lo externo para centrarte en unas gafas de sol con un poeta detrás. Dylan consiguió demostrar su maestría en esos años, pero sin duda ahora le toca al aclamado director estadounidense demostrar la suya. Y el resultado es magnífico.