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Críticas de Yasumaro
Críticas ordenadas por:
Magnolia
Magnolia (1999)
  • 7,6
    44.429
  • Estados Unidos Paul Thomas Anderson
  • Tom Cruise, John C. Reilly, Philip Baker Hall, William H. Macy, ...
7
Watching from outside
La única casualidad en Magnolia es la actuación de Tom Cruise.
Según el 63% de las críticas en castellano en Magnolia se enfatiza el componente metafísico. Me refiero a toda esa clase de superchería defensora de que todo hecho más o menos improbable es culpa de algún geniecillo alterador de nuestros designios vitales hasta convertirlos en paradójicos. Sin embargo, las opiniones escritas en la lengua de Shakespeare no llegan a tanto. Tan sólo el 46% de ellas sostienen que el destino es el leitmotiv principal de la película.
Esto, aparte de extraer conclusiones sobre la pasividad emprendedora de los pueblos mediterráneo y anglosajón, habla mucho y mal a propósito de la predisposición del espectador medio a quedar influenciado por la primera escena del montaje. En efecto, el asesinato pertrechado por los tres vagabundos en Greenberry Hill, la grotesca muerte del buzo Derleem Darion, que acabó colgado en el extremo de un árbol, y que, por si fuera poco, provocó el suicidio del piloto de hidroavión, o el rocambolesco suicidio sin éxito acabado en parricidio con éxito protagonizado por los Barringer, provocan en el espectador un pensamiento tendencioso sobre la improbabilidad de las combinaciones y la magia de la casualidad.
En este sentido la lluvia de sapos es el acto refrendador de la casualidad hiperbolizada por encima de todo. Los sapos hacen que el final de los personajes se altere de diversas formas, siempre entendiendo que la lluvia de animales es un fenómeno improbabilísimo. Incluso diría que existe una malinterpretación de la lluvia de sapos por parte del director, pues la lluvia de animales se entiende siempre que éstos sean livianos, no sapos de dos kilos.
Yo, sin embargo, aludo al opening de otra notable película cuya temática es la arbitrariedad del destino; A serious man (2009, Coen bros.) donde por medio de un excelente corto independiente de la historia principal se nos indica que toda acción acaecida no tiene porqué tener explicación alguna; recibe con simpleza todo lo que te ocurra, rezaba una frase rotular al final de la escena. Al hilo de esto, recuerdo cómo pasé absolutamente todo el metraje de la película intentando acomodar ese principio con la narración formal. Al tiempo entendí que hice el estúpido; el principio tan sólo trata de explicar que en cualquier momento puede suceder cualquier cosa, y sobre todo, que no hay que sorprenderse por ello.
Magnolia es otra película coral donde personajes luchan según su escala de valores e intereses propios. El hecho de que sus historias interactúen sólo es el resultado de observarlas desde fuera, como ese duendecillo de antes pero sin poder influir en lo absoluto. De hecho, casi toda acción que nos ocurra, por cotidiana que sea, responde a una enorme sucesión de otras acciones que desembocan en el hecho observado. Tan sólo hay que reconstruir hacia atrás para percatarnos de ello. (Sigue en spoiler sin spoilers)
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Centauros del desierto
Centauros del desierto (1956)
  • 8,0
    30.073
  • Estados Unidos John Ford
  • John Wayne, Natalie Wood, Jeffrey Hunter, Ward Bond, ...
7
El Western por consenso
John Ford regresa a Monument Valley, escenario del que para mí sí es uno de los 5 mejores westerns de la historia, "La diligencia" (1939), para rodar una historia que andando el tiempo habría de convertirse en todo un clásico cinematográfico.
"Centauros del desierto" es, por derecho propio o no, una de las películas más recordadas de la historia del celuloide y cuenta entre sus fans más reconocidos a Spielberg, George Lucas, Scorsese, o el mismo Akira Kurosawa. Sin embargo, la película no nació con tan buena estrella, ya que si bien es cierto que funcionó gratamente en taquilla, fue vapuleada por la crítica formal en mayor o menor término. Imagináos que "El último samurai" fuera un film de culto dentro de 30 años. Pues eso más o menos ocurrió.
Ford nos narra la desesperada y, a ratos enfermiza, persecución de un soldado confederado, de modales toscos, que persigue a los apaches que han masacrado a casi toda su familia y que, a su vez, han raptado a su sobrina.
John Wayne dibuja, eso sí, uno de los personajes menos arquetípicos de toda su trayectoria al dar vida a un antihéroe que algunos críticos asemejan con Travis Bickle, el protagonista de "Taxi Driver" (Scorsese, 1976). Y es que, sin lugar a dudas, el aspecto más innovador y polémico de Centauros del desierto es el tinte racista con el que está impregnada toda la narración, fundamentado en la deshumanización de los indios.
El director de Mogambo se vuelve a apoyar en una fotografía vistosa, colmada de composiciones brillantes, y que sirven de telón de fondo para una narración épica salpicada en ocasiones por ciertos -y desacertados- toques de humor.
Lo indiscutible, y a pesar de que crea que está sobrevalorada, es que Ford fundamentó uno de los pilares del Western clásico al tiempo que creó una película imprescindible para todo aquel que se considere amante del Séptimo Arte. Porque ¿qué friki del western no ha imitado a Wayne con su andar apesadumbrado enmarcado por la puerta?. Ninguno que se precie espero.
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4 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
El caníbal (Terror en estado puro) (TV)
El caníbal (Terror en estado puro) (TV) (2008)
  • 5,3
    512
  • Estados Unidos Stuart Gordon
  • Elisabeth Moss, Stephen R. Hart, Russell Hornsby, Pablo Schreiber, ...
6
Corre, corre que te como
Stuart Gordon ya nos demostró sobradamente su capacidad con sus dos ejercicios de Master of Horror: "Las ratas en las paredes" y "El gato negro".
Entonces debíamos suponer que el bueno de Stuart repetiría en Fear itself, aunque en esta ocasión para prescindir de los padres del terror literario e indagar en otro tipo de miedo más escatológico, el canibalismo, subgénero explotado con la saga de Hannibal Lecter y que Peter Medak ya rescató en sus "Washintongnianos".
No son, sin embargo, las únicas afinidades de este vibrante y entretenido capítulo. Son obvias las referencias a "Fallen", algún guiño estético a Carpenter y su "Comisaria del distrito 13", e incluso una fuerte impregnación de Resident Evil 2 (Psx, Capcom, 1998).
El director se anda avispado al desorientar al espectador con unos enfoques de cámara muy desasosegantes y una narración muy ambigua, al menos hasta el último tercio del capítulo. Bravo por el casting de personajes, muy apropiado y, por supuesto, la magnífica ambientación del mediometraje.
Si a ello le unimos mi admiración por los ritos mágico-animistas del Sur de los EE.UU, nos damos de bruces ante un episodio fresco, interesante, y que podría insertarse a pelo en la primera temporada de "Masters of Horror".
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4 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Goleadores (Serie de TV)
Goleadores (Serie de TV) (1994)
  • 4,6
    214
  • Japón Masakazu Higuchi (Creator), Akira Kiyomizu (Creator), ...
  • Animation
5
Marketing deportivo
En 1993 acontecieron dos hechos fundamentales para entender el nacimiento de la serie "Goleadores". El primero de ellos fue la instauración de la J-League, la liga de fútbol japonesa para entendernos; y el segundo, la elección de Japón junto a Corea del Sur como sedes para el mundial de 2002.
Pero claro, en un país donde el deporte rey no tenía tradición alguna y donde el beísbol y voleibol copaban todo el interés, urgía incentivar la popularidad de un "soccer" que habría de acaparar cierto protagonismo en el país del Sol naciente en los años venideros. Y a fe que lo hizo, aunque dudo seriamente que esta serie contribuyera a tal éxito, máxime teniendo en cuenta que tan sólo triunfó realmente en Sudamérica.
Goleadores no descubre ni aporta nada nuevo, aunque es de agradecer cierto realismo comparándola con otros spokons como Rafael, Super Gol y, sobre todo, Oliver y Benji. La plasticidad de las jugadas es apta, y se hallan diversas tipologías de goles, algo que no disfrutábamos en las series anteriores, donde todos los disparos eran cañonazos en el mejor de los casos. No obstante el dibujo es muy irregular, por lo que de la misma forma podemos hallar a unos personajes bien definidos como a unos muñegotes desproporcionados metiendo patadas a un melón.
La historia en sí es bastante realista, ya que se centra en un muchacho japonés que va desde Brasil a su nación natal para jugar en un equipo de 2ª división, hasta que se va superando y llega al mundial de Francia 98. Un sueño mucho más asequible que el de mi admirado Captain Tsubasa, aunque qué queréis que os diga, también menos épico y mucho más aburrido.
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6 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
Vacaciones de ferragosto
Vacaciones de ferragosto (2008)
  • 6,0
    2.492
  • Italia Gianni Di Gregorio
  • Gianni Di Gregorio, Valeria De Franciscis, Marina Cacciotti, Maria Calì, ...
8
Delicia de saldo
Dijo alguien que las cosas buenas vienen en tarros pequeños. El semi-anónimo Gianni Di Gregorio escribe, dirige y protagoniza una de las más gratas sorpresas cinematográficas de los últimos años, "Vacaciones de ferragosto", trabajo tan sencillo como brillante y que nos muestra la verdadera magia del cine: lo realmente importante son las ideas.
La cosa es que un vecino moroso donde los haya, acepta a regañadientes la oferta de alojar en su piso durante el ferragosto, una famosa festividad italiana, a la anciana madre del administrador de la finca a cambio de que le perdonen algunos gastos de la comunidad... compromiso que derivará en diversos problemas para nuestro ojeroso y esforzado protagonista.
Y es que la realidad supera en muchas ocasiones la ficción, máxime cuando nos podríamos identificar fácilmente con unos personajes en los que no puedes dejar de creer ningún instante. Es cierto que el film, rayano con el mediometraje, puede ser previsible, lo que no resta ni un ápice la frescura y la simpatía de cada una de las situaciones.
Me alegro de que el bueno de Gianni haya rescatado la comedia italiana de los 50´s gracias a esta encantadora, humana y nada pretensiosa cinta, al tiempo que ofrece una melancólica visión sobre la carencia de afecto en los tiempos que corren. Una maravilla.
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6 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
Ángeles y demonios
Ángeles y demonios (1995)
  • 5,6
    2.200
  • Estados Unidos Gregory Widen
  • Christopher Walken, Elias Koteas, Viggo Mortensen, Virginia Madsen, ...
6
¿Ángeles o demonios?
El hecho fáctico de que no sea creyente para nada repercute en mi pasión por la mitología judeo-cristiana. Me encanta todo ese rollo del apocalipsis de San Juan, demonios pegándose palos con ángeles y, en suma, el desasosiego que se crea al pensar que hay seres que nos trascienden y que nos dejan a la altura del betún. Aunque sólo sea al pensarlo, claro.
Pero "Angeles y demonios", aparte de joderle el título en castellano a la secuela de Dan Brown, ofrece una original perspectiva al tema celestial: no todos los ángeles son buenos, sino que los hay envidiosos y con muy mala ostia. Upsss blasfemia¡¡
Con esta premisa el film, dotado de un presupuesto miserable, se desarrolla pesadamente al tiempo que nos muestra escenas ciertamente impactantes. Podríase decir que la película, imbuida por un halo estético de lo más molón, junto al hecho de que tenga pocos recursos, obtiene un particular encanto difícil de explicar.
Se le puede achacar al proyecto poca ambición en el plano filosófico, ya que con tan buena idea se debía haber explotado más la dialéctica metafísica entre Gabriel y Lucifer por ejemplo. Esto es censurable especialmente porque sí lo observamos en una peli neozalandesa de 2007 llamada "Gabriel", más o menos familiar de ésta, pero con una estética híbrida entre "El Cuervo" y "Matrix".
De todas formas aquí están los estupendos Christopher Walken y, sobre todo, Viggo Mortensen, que por cierto, encarna al mejor Lucifer de la Historia del cine junto al de Robert de Niro en "El corazón del ángel" (Alan Parker, 1987).
Sinceramente me sorprende la poca popularidad de la cinta, aunque el tufillo a exclusivo siempre me agradó sobremanera. A fin de cuentas tratamos con una historia para frikis bíblicos, amantes de la pseudo serie-B o fans de alguno de los actores del reparto... Viggo actuando como Satán, joder qué bien suena...
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13 de 14 usuarios han encontrado esta crítica útil
Medianoche en el jardín del bien y del mal
Medianoche en el jardín del bien y del mal (1997)
  • 6,8
    15.514
  • Estados Unidos Clint Eastwood
  • John Cusack, Kevin Spacey, Jude Law, Irma P. Hall, ...
8
El Sur
El Sur. A causa de la herencia cultural e histórica única de la región, incluyendo los primeros establecimientos coloniales europeos, la doctrina de los derechos de los Estados, la institución de la esclavitud, el sincretismo religioso y la herencia de la Confederación durante la Guerra Civil Estadounidense, el Sur ha desarrollado sus propias costumbres, literatura, estilos musicales, y diversos tipos de superchería. Se podría concluir que hablamos de una sociedad tan compleja, retrógrada y superficial como interesante.
Pues bien, el periodista John Berendt, en un viaje que realizó a comienzos de 80´s tomó las notas necesarias para escribir una novela basada parcialmente en hechos reales y que versaba sobre el presunto asesinato de un muchacho a manos de su jefe y amante.
Dicha novela, cayó en manos de "El Maestro" Clint Eastwood y éste pensó que podría convertirla en un ambiguo y sugerente ejercicio cinematográfico que describiría de forma gráfica todo este estilo de vida decadente, las fiestas lujosas y la creencia de que era una ciudad parada en el tiempo, aún evidenciando su pasado colonial, e incluso filibustero diría yo.
Para plasmar esto Eastwood utilizaría un sinfin de personajes de Savannah que ya aparecían en la versión escrita, desde los aristócratas, como James Williams, a la gente de menor importancia social, como Joe Odom, pasando por cantantes, pianistas, chaperos, sacerdotisas vudú y una drag-queen, Lady Chablis, que por cierto se interpreta a el/ella mism@ de manera brillante.
Magníficas las actuaciones de John Cusack, que interpreta a Berendt pero con otro nombre, y Kevin Spacey, que por cierto se me antoja dentro de los mejores actores del panorama hollywoodiense. Por otra parte la narración mantiene un ritmo muy interesante al tiempo que se nos muestran unos fotogramas bellísimos secundados por una fabulosa B.S.O de Jazz y Blues.
No sé exactamente qué buscan los espectadores que desdeñan esta embriagadora película. Puede ser que el usuario "Macarrones" tenga más sensibilidad fílmica que yo, pero en mi inconsciencia no pueda dejar de recomendar un film que retrata de manera bellísima una sociedad apasionante, para de paso ofrecernos un thriller de investigación, juicios y por qué no, tintes esotéricos. ¿Quién da más?.
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17 de 18 usuarios han encontrado esta crítica útil
Pactar con el diablo
Pactar con el diablo (1997)
  • 6,7
    39.877
  • Estados Unidos Taylor Hackford
  • Keanu Reeves, Al Pacino, Charlize Theron, Jeffrey Jones, ...
7
Devil´s desolation
"Pactar con el diablo" se trata de un título de buen manejo visual y cierto tono surrealista que aborda cuestiones como la ambición, la tentación, el entusiasmo religioso y que de paso examina livianamente los desequilibrios emocionales en las relaciones de pareja y otea con pesimismo la naturaleza humana, en especial poniendo el acento sobre su ansia de vanidad y codicia.
Hasta los habitantes del limbo se percatarían de las afinidades que guarda la novela de Andrew Neiderman, adaptada para la gran pantalla por Taylor Hackford (Oficial y Caballero, Eclipe Total), con otros dos best sellers adaptados al cine: La tapadera (1993) y La Semilla del diablo (1968). De la primera recoge el 70% de la narración: joven y prometedor letrado es embriagado por un bufete de abogados un tanto sospechoso. Al hilo de lo anterior los dos protagonistas empiezan a observar matices extraños, tienen problemas con su pareja y finalmente se enfrentan con sus feroces desenlaces. De la segunda adapta el 30% restante, es decir, el tono sobrenatural de ambas historias.
Ciertamente y bajo mi punto de vista, la cinta que nos ocupa rescata lo mejor de los trabajos de Pollack y Polanski, aunque eso sí, sin un resultado final tan novedoso.
Si por algo es censurable esta notable producción, punto y aparte de su poca originalidad narrativa, es por la mala gestión en la información que se le ofrece al público, ya que creo se podía haber mantenido oculta la identidad de John Milton; es decir, creo que se debía haber jugado de forma más sugerente con este tema haciendo partícipe al espectador de las indagaciones de Lomax a lo largo de la película. Por el contrario nosotros observamos la escena desde fuera, sabedores de quien es cada personaje, por lo que no se explota tanto el concepto de suspense como se hubiera podido.
Como curiosidad, tanto en "Pactar con el diablo" como en "Abre los ojos" se observa al protagonista principal corriendo por unas desconcertantemente vacías "Quinta avenida" y "Gran Vía", escenas totalmente poderosas y que resultan extrañamente coincidentes en dos films del mismo año.
De una forma u otra, el producto que tenemos entre manos es un magnífico ejercicio de Thriller psicológico-sobrenatural al tiempo que una decente muestra del subgénero juicios. Y si encima tenemos a unos solventes Keanu Reeves y Al Pacino protagonizando uno de los mejores diálogos del cine de los 90´s, mejor que mejor. Mira pero no toques.
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
La tapadera
La tapadera (1993)
  • 6,6
    38.182
  • Estados Unidos Sydney Pollack
  • Tom Cruise, Gene Hackman, Jeanne Tripplehorn, Holly Hunter, ...
6
Cine de Oficio
El sobreestimado Sydney Pollack nos regala aquí uno de sus mejores ejercicios cinematográficos basándose en el exitoso best seller del mismo nombre. La adaptación explota los mismos activos que la versión escrita, sumergiéndonos en una envolvente trama que engancha desde el primer momento. Y eso que la muestra dura dos horas y media.
Resultaría ocioso pasar por alto el acertado reparto, muy acorde con las necesidades narrativas, que por cierto beben de ciertos hitos musicales y estéticos del cine negro más puro de los años 50´s y aún de revisiones más modernas. En este sentido se debe nombrar la acertada BSO de David Grusin, muy emparentada en algunos aspectos con la de "Los intocables de Elliot Ness" (1987, Brian de Palma).
He podido leer en algunos foros cómo se ensalza la actuación de Cruise. Si bien soy uno de sus principales defensores como actor, no pienso que aquí desempeñe una gran actuación, sino que el papel, más bien, le viene como anillo al dedo. El personaje de Mitch McDeere no necesita de dramatismo, sino de efusividad, energía y gesto sorpresivo, ése que nos muestra de manera inmejorable el bueno de Tom con su expectante rostro de boca semi-abierta. Mención aparte merece la actuación de Gene Hackman, hipotético futuro del personaje de Mitch, y que consigue algo muy complicado: transmitir antipatía, admiración, lástima y comprensión a un tiempo.
No puedo dejar de comentar la aparición de personajes ciertamente pintorescos que parecen sacados de algún comic pulp. El detective, su secretaria, los dos matones o incluso los mafiosos responden no ya a un estereotipo literario, sino más bien a un código de tira cómica muy explotada a mediados del siglo pasado.
Tampoco es soslayable el parecido de la cinta de Pollack con la de Taylor Hackford "Pactar con el diablo" (1997), de misma estructura argumental aunque con un desenlace un tanto más evangélico. No son culpa las semejanzas de los directores, acaso meros adaptadores de las obras literarias, aunque habría que cuestionarse hasta qué punto podemos hablar de homenaje, guiño o plagio en aquellas. Aunque eso ya es otra historia.
Por todo ello es recomendable un film que te entretendrá a buen seguro más de dos horas, que ofrece un guión sobrio aunque languidezca en su parte final, y que para colmo nos ofrece un reparto de lo más sugerente y atractivo. Haciendo una comparativa con la abogacía, se podría afirmar que el producto no llega al nivel de un gran bufete de abogados, pero por otro lado cumple las funciones básicas de un letrado asignado de manera impecable. Lo que decía, cine de oficio.
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3 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
El sabor de la sandía
El sabor de la sandía (2005)
  • 5,4
    4.461
  • Taiwán Tsai Ming-liang
  • Lee Kang-sheng, Chen Shiang-chyi, Lu Yi-ching, Yang Kuei-mei, ...
7
La fruta no prohibida
Tsai Ming-liang ha conseguido que me interese por su filmografía. Pocos directores he conocido que sepan plasmar las sensaciones y los estados de ánimo como este presunto provocador taiwanés.
Si alguien me preguntara de qué va "El sabor de la sandía" me pondría en serios aprietos. Podría zafarme de la pregunta contestando que versa sobre una historia de amor en un contextura de sequía total y depresión económica.
La cuestión es que si dijera esto estaría desorientando a mi contertulio, ya que, a la vez, todo es mucho más fácil y más complicado que eso. Mediante los silencios, mediante las imágenes Ming-liang consigue captar las intimidades del alma, además, prescindiendo de todo diálogo formal que contamine lo que para el director es verdaderamente trascendental: las relaciones humanas. Vaya paradoja, ehh.
De ésta manera lo únicamente explícito en el film son las escenas de sexo, que lejos de ser innecesarias o gratuitas colaboran irremediablemente en componer una historia que llamaría "de amor contenido"*. Ya comprenderéis por qué digo esto.
A nadie versado en el cine oriental sorprenderán los números musicales que se nos muestran aquí, por cierto bastante acertados, y que caricaturizan algunos aspectos cotidianos de nuestra vida como las necesidades fisiológicas de sexo y agua. Pero no miremos hacia otro lado. "El sabor de la sandía" puede ser una de las películas mas infravaloradas de todo Filmaffinity. Para visionarla hay que adoptar una total predisposición hacia las diferentes estructuras cinematográficas y percatarse de que no todo el cine utiliza las mismas formas de expresión. Simplemente, quien no valore la belleza y sensibilidad de esta historia y se centre sólo en las escenas de sexo explícito o en sus excéntricos clips musicales, se retratará como un cinéfilo de ínfimo gusto en el mejor de los casos. Qué le vamos a hacer. Las grandes obras siempre han sido para unos pocos.
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6 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
Doble visión
Doble visión (2002)
  • 5,1
    237
  • Taiwán Chen Kuo-Fu
  • Tony Leung Ka Fai, David Morse, Rene Liu, Leon Dai, ...
7
Expediente X a la taiwanesa
La dicotomía ciencia-religión, objetividad-creencia o razón-superstición, es la base fundamental que utiliza Kuo-fu Chen para construir un interesante thriller paranormal que no aburrirá ni un minuto de su metraje.
De nuevo observamos el recurso de dos policias diametralmente opuestos en sus métodos y valores personales y, que sin embargo, cooperan a regañadientes para ofrecernos el interesante aliño de este film en particular: el choque de civilizaciones, algo que ya vimos de manera mucho más superficial y forzada en el trabajo de Walter Hill, "Danko, calor rojo" (1988).
Ésta dualidad impregna todo el proyecto; observamos un título directo y escueto -Doble visión- que sugiere una historia ágil, muy a la americana. Pero si la forma de rodaje es, como decimos, hollywoodiense, el fondo principal de la narración es muy oriental. Para entender, pues, el juego de la trama debemos conocer la coyuntura de Taipei, una capital donde se entremezclan la alta tecnología y los más altos rascacielos con las añejas creencias mitológicas y la supercheria más acuciante. Ciertamente funciona el cocktail.
Puede ser que para ciertos espectadores el resultado final huela a refrito, y de hecho es inevitable encontrar referencias a otros films exitosos como "Seven" (1995) o a otros más cutres como "Resurreción" (1999). Así, los pecados capitales o la reconstrucción del cuerpo de Cristo dan paso a un rito iniciático que otorga supuestamente la inmortalidad después de superar 5 planos infernales de la mitología taoísta. De cualquier manera, y no obstante de las obvias semejanzas, es innegociable la singularidad de éste trabajo gracias a su vertiente esotérica, que como muy acertadamente apunta el usuario "Edgar" recuerda a "Expediente X" por la temática policiaco-paranormal. Aunque en esta ocasión no sea una adaptación japonesa.
Mención aparte merece la acertadísima atmósfera creada por Tim Yip, que con sus contrastes de colores fríos y sombras consigue un efecto desasosegante muy alejado de la belleza onírico-naturalista que alcanzó con su trabajo anterior "Tigre y Dragón" (2000).
Para ir cerrando, creo fervientemente que nos hallamos ante un trabajo infravalorado, con un sentido artístico importante, y que para colmo nos boceta una compleja sociedad oriental muy sugerente. Y encima divierte... vámos, igual que Mulder y Scully en su mejor época, vaya.
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
The Doll Master
The Doll Master (2004)
  • 4,6
    350
  • Corea del Sur Yong-Ki Jeong
  • Yu-mi Kim, Eun-kyeong Lim, Hyeong-tak Shim, Ji-young Ok, ...
5
¿Ya no os divierten las muñecas?
Un miedo tan primigenio y prelógico como el que sentimos hacia los muñecos clamaba, a la fuerza, una apta representación en el cine de terror. Extraña, desde luego, la languidez de este subgénero, que si bien es explotado de soslayo por ciertas franquicias (Poltergeist, 1982) y directamente por otras (El muñeco diabólico, 1988), nunca llegó a caracterizar la esencia de lo terrorífico como en el film que nos ocupa.
Obviamente la idea de Tom Holland distaba mucho de lo que nos muestra Jeong Yong-Gi con su Doll Master. La posesión de un muñeco feo, de pelo alborotado y que para colmo amenaza con navajas o tijeras, es mucho menos explícita que la de una muñequita de porcelana impoluta, de rostro melancólico y vestuario hecho a medida. Ahí está el juego, ahí se explota la premisa, el pavor hacia los ojos vacíos por los que nos miran los muñecos que hemos tenido de pequeños.
No es casualidad que esta narración nos la traiga un oriental, máxime con la poderosa impronta animista y shintoista que aún impregna aquellos lares. Así, la excusa de que todo objeto inerte puede llegar a tener alma si se cree desmedidamente en ello es el "leitmotiv" principal de una narración básica y lineal, pero, que a su vez, regala imágenes poderosísimas que seguramente queden en la retina de los aficionados a las pelis de miedo.
Es cierto que la forma de actuación oriental, un tanto forzada para el ojo europeo, puede resultar contradictoria para los que no están acostumbrados al cine asiático, pero aquí podemos observar algunas escenas apasionadamente interpretadas. Prestad atención pues a la misteriosa artesana de muñecas en silla de ruedas y a la encantadora y bella Mina. Bravo por ellas.
El hilo argumental se va desarrollando ágilmente y no da lugar al estancamiento, aunque es cierto que algún despistado se podrá desorientar en ciertos momentos de la trama por la aparición de algunos personajes a priori descontextualizados.
Mención aparte merecen las bellas composiciones estéticas, la fotografía y los acertados encuadres y picados que deja ver la cinta, algo que por otra parte no es nuevo en el cine coreano o japonés.
Por todo ello y más no entiendo la baja nota que tiene "The Doll Master" una cinta que sin más pretensión que entretener, ofrece además, algunas escenas muy válidas y como decía, fotogramas preciosos. Por cierto, mucho más de lo que nos muestra el insípido y reiterativo cine americano.
Entonces qué...¿te atreves a jugar con ellas?
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7 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
Shutter Island
Shutter Island (2010)
  • 7,6
    118.975
  • Estados Unidos Martin Scorsese
  • Leonardo DiCaprio, Mark Ruffalo, Ben Kingsley, Emily Mortimer, ...
6
Thriller psicológico
No es que me crea el mayor fan de Scorsese a pesar de que sea innegociable su maestría como creador cinematográfico. Un director que nos ha regalado joyas como "Taxi Driver" (1976), "Toro Salvaje (1980), o "Uno de los nuestros" (1990) tiene que ser considerado, a la fuerza, como una de las estrellas del panorama cinematográfico actual. También es cierto el tiempo que el neoyorquino llevaba sin explayar su talento, y es que desde "Casino" (1995), las películas que nos han llegado con su firma fueron unas veces mediocridades ensalzadas por la leyenda del director (El aviador, 2004), y otras meras copias plano a plano de otras películas anteriores (Infiltrados, 2006).
Eso se acabó. Con Shutter Island nos trae un thriller envolvente y que consigue captar la atención del espectador desde el primer minuto hasta el último, y eso que la muestra dura 140. Los medios que se utilizan para alcanzar tal éxito son varios. Lo primero que me llamó la atención fueron los acertados encuadres en primera persona, que junto a una B.S.O de lo más agobiante, crean una poderosa atmósfera desasosegante. A ello contribuye una fotografía muy acertada y unos movimientos de cámara muy sugerentes que dan al conjunto un acabado gótico muy al hilo de la historia que se cuenta.
La narración denota maestría por los cuatro costados, aunque me da la impresión que en algunos momentos avanza por medios un tanto efectistas que se disculpan porque, precisamente, son efectivos.
Si Scorsese no es mi director favorito tampoco lo es su actor fetiche, Leonardo DiCaprio. Lo cierto es que el intérprete de aniñado rostro lleva un par de películas que han hecho replantearme esa opinión, ya que su actuación aquí refrenda la madurez alcanzada en su papel de "Diamantes de sangre" (2006). Del ñoño actor de "Romeo+Julieta" y "Titanic", agraciadamente, sólo queda el nombre.
Tampoco puedo dejar de comentar el excelente cameo de un Robert De Niro que se parodia a sí mismo haciendo guiños a algunos de sus trabajos anteriores, como "El cabo del miedo" (1991), y "Frankenstein de Mary Shelley" (1994).
"Shutter Island" se erige en un magnífico ejercicio que fundamentándose en el misterio, indaga también en el terror y en los contínuos giros narrativos. Lamentablemente creo que la excelente impresión que da en el primer visionado se perderá en los sucesivos por aquello de la sorpresa final -aunque más de uno la pille a midad del metraje-. De una forma u otra merece la pena gastarse 6 leros en un trabajo que no te dejará indiferente y que, como decía, conseguirá que estés casi dos horas y media sin mirar el reloj. Y eso tiene su mérito.
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4 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Braveheart
Braveheart (1995)
  • 8,0
    151.334
  • Estados Unidos Mel Gibson
  • Mel Gibson, Sophie Marceau, Patrick McGoohan, Angus MacFadyen, ...
8
Punto de encuentro
Seguramente, y si recopilara todas las encuestas cinematográficas a lo largo de mi vida, resultaría que "Braveheart" es la película favorita para el público masculino medio. Esto no es nada extraño. Salvando a las mujeres por la exclusividad dramático-romántica de sus gustos, tenemos a otros tres grupos masculinos: los que utilizan el cine como mero entretenimiento sin más pretensión; los cinéfilos de medio pelo que se creen culturetas de los 35 mm; y finalmente los snoobs cinematográficos, que priorizan el cine clásico y/o inteligente por encima de estos sucédaneos de aventura sin ningún fondo trascendental.
Pues bien, Braveheart, como digo, y de una forma u otra, es la película favorita para muchos integrantes de estos tres grupos tan heterogéneos:

1)- El film del efectivo Mel Gibson entretiene a raudales y cumple la función de hacer pasar un buen rato, el objetivo más noble y básico del cine.

2)- Además de ello, está envuelta por un efectismo dramático que hará que los cinéfilos de mediopelo la decodifiquen como una obra maestra del cine. Bien hecho Gibson, está de puta madre meter gato por liebre. Eso es señal de que sabes hacer tu trabajo¡¡

3) -Por si fuera poco, y aunque ningún crítico versado en el Séptimo Arte lo admita, la historia de William Wallace es idolatrada en secreto por muchos de ellos. Y es que no es nada cool ser un entendido y decir que tu película favorita es Braveheart.

Esto es lo que tiene la épica. Una narración super simple, efectiva y que para colmo ataca en nuestros sueños más primarios: ser héroes de leyenda y protagonistas de grandes epopeyas que serán inmortales para siempre. Y eso lo hace a la perfección el film de Gibson, porque a pesar de sus acomodos históricos, de sus tópicos cinematográficos o de sus personajes estereotipados, es la película favorita para gente de muy diversa índole. Algo tendra el agua cuando la bebe todo el mundo...¿no?.
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7 de 9 usuarios han encontrado esta crítica útil
Ovejas asesinas
Ovejas asesinas (2006)
  • 4,8
    6.316
  • Nueva Zelanda Jonathan King
  • Nathan Meister, Peter Feeney, Danielle Mason, Tammy Davis, ...
4
La serie Beeeee (upss¡) pupularizada
Dice mi admirado David Broc de la revista Fotogramas "...refrescante ejercicio de género...lo mejor su apabullante sentido del humor...lo peor, mucho gore pero poco miedo...".
Está claro que entre los géneros favoritos del bueno de Broc no están ni el gore ni la serie B. Obviamente "Ovejas asesinas" es un film muy gracioso, con una premisa muy original y que para colmo parodia los tópicos con los que son fustigados los neozelandeses a lo largo y ancho del mundo. Siempre es bueno reirse de sí mismo, jaja. Por supuesto también es verdad que la película tiene gore -aunque no tanto como pretende David- y por supuesto que no da miedo. ¿Qué película de esta clase da miedo? o hilando más fino ¿Qué película de esta clase pretende darlo?.
Seguramente lo que le ha ocurrido a David Broc es lo mismo que le ha pasado a mucha gente. Ovejas asesinas es un film que se ha comercializado y popularizado a gran escala por su alto presupuesto y por la participación de la oscarizada compañia de efectos especiales Weta Workshop. Esto supone que el film ha llegado a muchas más personas de lo que es común en el género, y quizá, para éstas, el trabajo de Jonathan King resultará novedoso, fresco, original y, en última instancia, una obra maestra en su contexto. Bien, pues no es así.
Y es que todo lo que observamos aquí ya se lo vimos a Peter Jackson y Sam Reimi veinte años antes. Así pues, y sin resultar ácido, no se puede catalogar esta película como refrescante, aunque sí divertida, y entretenida, y he aquí su gran mérito, incluso para los no iniciados en este tipo de cine.
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8 de 9 usuarios han encontrado esta crítica útil
Torok, el Troll
Torok, el Troll (1986)
  • 4,3
    687
  • Estados Unidos John Carl Buechler
  • Noah Hathaway, Michael Moriarty, Shelley Hack, Jenny Beck, ...
5
De trolls, pleitos literarios y gorras del Betis
El film basado en el relato corto que el mismo J.C.Buechler escribió no engaña a nadie. Se trata de una historia muy básica que tiene todos los ingredientes para complacer a niños de entre 7 a 14 años, o bien a los freaks de la fantasia descafeinada y la serie B más bizarra.
No creo que la nota que actualmente tiene la peli, tan sólo un cuatro, le haga justicia. Es cierto que es cutre y previsible cien por cien, pero mola que el Troll vaya tocando los cojones a una comunidad de vecinos que cuenta con un enano, un vicioso, una familia de tarados y una vieja bruja...vamos, como cualquier comunidad poligonera andaluza, pero con sucesos sobrenaturales de por medio. Además el Troll está bastante conseguido y las demás criaturillas que libera son ultra graciosas. Por otra parte las actuaciones son paupérrimas -excepto la del chaval- y para la historia de la cutrez sin parangón quedará el baile que se marca el padre de familia, aficionado al Betis merced a su gorrilla, y para colmo llamado Harry Potter...al igual que su hijo, que por cierto, le pide a una bruja que lo enseñe a ser un hechicero en una escena sin ningún tipo de trascendencia argumental para el resto de la historia.
Si J. K. Rowling se inspiró en dicha escena -de apenas veinte segundos- para su bombazo literario nunca lo sabremos. Lo que sí puedo asegurar es que la película que tenemos entre manos tiene un gran encanto y que aunque no sea la panacea, cumple su función primera sin algún género de traba: entretener. ¡¡¡Musho Torok manque pierda!!!
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17 de 18 usuarios han encontrado esta crítica útil
Derecho a morir (Masters of Horror Series) (TV)
Derecho a morir (Masters of Horror Series) (TV) (2007)
  • 4,9
    553
  • Estados Unidos Rob Schmidt
  • Martin Donovan, Robin Sydney, Julia Benson, Anna Galvin, ...
6
Fantasma a tiempo parcial
Un Rob Schmidt, aún con la fama de maestro por ganar, nos presenta una historia de fantasmas que, si bien en el fondo no aporta muchas novedades, sí lo hace en la forma.
Por fortuna, el hecho de que Schmitd sea novato no ha repercutido en el resultado final del episodio, que nos presenta el aditivo de mostrarnos a un fantasma que va y viene en función de su cuerpo, todavía vivo, pero que flirtea constantemente con la muerte.
Las influencias del terror japonés son obvias, ya que el desollado fantasma recuerda a Sadako (Ringu, 1998), por su ansia de venganza, de la misma manera que al espíritu de "La maldición" (2003) por la forma de desplazarse.
Por otra parte la atmósfera que se recrea en el film es de las más angustiosas de toda la serie, tratándose de una verdadera narración de terror sin ínfulas de adoctrinamiento social o pretensiones humorísticas. Aquí se pretende dar miedo, y a fe que no querría estar en el pellejo del protagonista.
En suma, episodio válido en su presentación general, que aporta una nueva perspectiva a un género de fantasmas desdeñado por la serie, y que complacerá a los admiradores del terror rayano con el gore más refinado. Buena.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
El gato negro (Masters of Horror Series) (TV)
El gato negro (Masters of Horror Series) (TV) (2007)
  • 5,7
    768
  • Estados Unidos Stuart Gordon
  • Jeffrey Combs, Patrick Gallagher, Eric Keenleyside, Christopher Heyerdahl
7
La gestación del horror
Stuart Gordon, quien con su segunda aparición en Masters of Horror se ha confirmado como el director más eficiente de entre los que se han personado en el proyecto, no sólo se atreve con historias de H.P. Lovecraft, sino que ahora aborda el relato más afamado del maestro de aquél: Edgar Allan Poe.
"El Gato Negro" trata las desavenencias de un infeliz matrimonio y su gato, testigo de constantes discusiones sobre facturas y deudas, por culpa de las borracheras del marido. Los problemas se multiplican, y el hombre encuentra una salida a sus trastornos en la violencia, que le lleva a asesinar a su gato, y ulteriormente a su esposa.
Pues bien, Julio Cortázar afirma en "Cuentos de E.A.P" que muy probablemente Poe se basara en sus experiencias personales para gestar "El gato negro". Quizá Gordon, sabedor de ello, utiliza uno de los nexos de unión entre el escritor bostoniano y el protagonista de su relato: el alcoholismo. Así, la acción de este episodio se desarrolla justo en una de las crisis más acuciantes del escritor, un momento en que las deudas se desbordan, su mujer cae enferma de tuberculosis y su afición por la bebida era ya insostenible. De esta forma Poe, gracias a un inteligente giro, se convierte en protagonista de su propia historia.
Por otra parte, todo en el episodio está cuidado, desde el excepcional maquillaje que hace de Jeffrey Coms un muy creíble Poe, hasta la conseguida ambientación decimonónica, fotografía y música -mención aparte merece la escena del piano, que según parece ser sucedió en la realidad, pero siendo entonada un arpa-. Por si todo esto fuera poco el episodio se erige en un cuasi documental sobre la vida del escritor. Todo está muy cuidado y son abundantes las referencias reales a lo largo de la narración.
Finalmente sólo me queda felicitar a Stuart Gordon por su genial aportación, a la vez que recomiendo el visionado de una historia envolvente y que no defraudrá a nadie. Sin lugar a dudas, el mejor episodio de la segunda temporada.
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2 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Los Washingtonianos (Masters of Horror Series) (TV)
Los Washingtonianos (Masters of Horror Series) (TV) (2007)
  • 4,6
    569
  • Estados Unidos Peter Medak
  • Venus Terzo, Johnathon Schaech, Saul Rubinek, Richard Stroh, ...
5
Country for canibal men
Que Garris rescatara a Peter Medak, padre de una de las cinco mejores películas de terror de la historia, se agradece. Sin embargo, era de suponer que tras su largo letargo inspirativo el resultado de su aportación a Masters of Horrors habría de distanciarse profundamente de "Al final de la escalera" (1980). Tiene mi disculpa, veintisiete años son mucho tiempo.
"Washingtonianos" es un episodio que a partes iguales da risa, verguenza ajena y entretiene:
Entre los activos del medio destacan la inquietante actuación de Myron Natwick (Shallow Ground, 2004) como Samuel Matheson III, al igual que la caricaturesca presentación de los caníbales en general. Tampoco podemos olvidar ciertos guiños a otros films de terror como la entrada de los washingtonianos en la casa de los Franks (El Resplandor, 1980) o la excelente escena que abre la narración, una decapitación a caballo que sirve de homenaje a Sleepy Hollow (1999).
De una forma u otra las buenas actuaciones de los secundarios no se ven respaldadas por los principales, algo que se podría disculpar si no fuera por lo que sigue; la originalidad primera mostrada por la historia, embadurnada por cierto aire cómico, se degenera hasta tal punto que lo irrisorio prima sobre el resto. Si además se abandona la sátira para adentrarnos en un intento de adoctrinamiento vano, destinado a aquellos que no se percatan de lo evidente, nos damos de bruces ante un episodio mediocre, como viene siendo norma en esta segunda temporada, pero que a pesar de todo deja buen sabor de boca.
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4 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Valerie en la escalera (Masters of Horror Series) (TV)
Valerie en la escalera (Masters of Horror Series) (TV) (2006)
  • 4,3
    552
  • Estados Unidos Mick Garris
  • Clare Grant, Tyron Leitso, Christopher Lloyd, Suki Kaiser, ...
4
Escalera abajo y sin frenos
Supongo que al ser ésta una serie de terror el número de episodios no es casualidad. No once, ni doce, sino trece, símbolo de mala suerte e icono de lo oculto. Pues bien, ante las negativas que diversos directores dieron al proyecto, el jefazo Garris decidió dar un paso adelante y redondear tal cifra, el trece. Mejor que se hubiera quedado en su casa leyendo a Stephen King.
"Valerie en la escalera", cuya premisa inicial guarda cierto parecido con el episodio "Tras las paredes" se erige en una historia muy lineal, llena de clichés, aunque necesaria, pues es el único episodio que aborda el tema de las apariciones fantasmales.
Sin embargo éstas no proceden de muertos, sino de algo mucho más real y poderoso: la mente humana. Es insoslayable la impronta de Barker en este sentido, ya que la historia comparte leitmotiv con "Candyman" (1992), aunque sin la ambiguedad narrativa de ésta. También guarda influencias el medio de Garris con "Lecturas diabólicas" (1989) e incluso con algún capítulo de "The Twilight Zone" por lo que tampoco es que se nos esté mostrando la panacea de la originalidad, ya sea literaria o fílmica.
En cuanto a la narración, promete al principio, pero la tensión va desapareciendo al tiempo que se desvelan unos enigmas que resultan bastante decepcionantes. Quiero creer que el relato de Barker tiene mucha más calidad que su adaptación a la pequeña pantalla.
Por otro lado, las actuaciones no son indefectiblemente horrorosas, y bueno, siempre es gratificante encontrarse a "Doc" aunque ya esté venido a menos. Tampoco gasta la cinta mala fotografía y ambientación, pero no nos engañemos, nada puede arreglar el resultado final: un episodio descendente, donde lo sugerente torna a cuasi cómico y finalmente, se pierden los papeles. Exáctamente igual que le ocurre a la segunda temporada de Masters of Horrors.
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4 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil