arrow
Críticas de Luc
Críticas ordenadas por:
La mujer de la montaña
La mujer de la montaña (2018)
  • 7,2
    591
  • Islandia Benedikt Erlingsson
  • Halldóra Geirharðsdóttir, Jóhann Sigurðarson, Juan Camilo Roman Estrada, Jörundur Ragnarsson
5
Algo pasa con Marysdóttir
En las postrimerías del siglo pasado, Stiller, Dillon y Díaz se encargaron de llevar a la pantalla una comedia-farsa de la que he olvidado gran parte de la trama (imagino que afortunadamente), pero sí recuerdo que por repetitivo se volvía insidioso un recurso cómico que consistía en introducir dos músicos (con batería y guitarra y parafernalia al uso) en el término de las secuencias. Me inclino a pensar que Benedikt Erlingsson, imaginando que en Islandia la muchachada está más por los volcanes y los glaciares que por las pelis de Cameron Díaz, ha rescatado tan recurrente gag musical para pasarlo como simpático y original en "Woman at war". Y dedico líneas a lo que creo que puede ser lo mejor de la película.

El resto se centra en narrar las andanzas y peripecias de una terrorista que se ha arrogado la capacidad y el derecho a defender el medio ambiente islandés, amenazado por inversiones chinas, mediante acciones de baja intensidad (o más bien alta, en este caso), como si de una integrante de "Zemlya i Volya" se tratara. Es desconcertante la aparición de Mandela y Gandhi en casa de Marysdóttir, pues como adalides de la defensa ambiental casi son preferibles los componentes de U2.

Entretenida y ya me siento generoso.
[Leer más +]
2 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Enamorado de mi mujer
Enamorado de mi mujer (2018)
  • 4,5
    307
  • Francia Daniel Auteuil
  • Sandrine Kiberlain, Adriana Ugarte, Gérard Depardieu, Daniel Auteuil, ...
4
Cinematografía de rancho
Me imagino a Daniel Auteuil dentro de un tiempo en una entrevista para France 2 respondiendo a una pregunta sobre esta película: "Ah, sí, sí, ese entremés semididáctico semijocoso sobre lo que se desea y lo que se tiene..." mientras zarandea una mano a modo de escoba como para quitarse responsabilidades.
En justicia, el cuarteto actoral no está mal, Auteuil bien, la Paz Padilla francesa bien, Ugarte muy bien y Vladimir Depardieu (porque los arreglos estéticos que eslavizan su rostro son de nota) también correcto. Muy posiblemente el agujero de tan simple película está en el guión, que por simplista pasa por ser insípido entretenimiento, a fugaces destellos mínimamente socorrido por la mezcla de realidad e imaginativa fantasía que excede de la mente de Auteuil para representarse ante nosotros en forma de mirada fija y expresión ausente (vamos, lo de estar en Babia, pero en Francia), recurso que por otra parte resulta excesivo y manido cuando se repite, secuencia tras secuencia, hasta para un director novel.

Quizás lo mejor es el propio título, porque por resaltar lo obvio, uno sólo puede pensar en lo contrario, en que tal vez la trama consiste en que no se está tan enamorado de la mujer como se hace ver, y por eso creo que es un título inteligente. El resto es rancho, cinematografía para rellenar vacíos mientras se trabaja en proyectos más serios, porque espero que la idea de Auteuil no fuera la de dirigir una especie de pseudorevisitación a "Un corazón en invierno".
[Leer más +]
1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
La bruma
La bruma (2018)
  • 5,2
    721
  • Francia Daniel Roby
  • Romain Duris, Olga Kurylenko, Fantine Harduin, Michel Robin, ...
3
La broma
Nos fijamos en la portada y vemos a un hombre encaramado en lo alto de un tejado, con una pierna ligeramente más adelantada que la otra, como dominando la situación, que por otra parte es bastante inquietante, porque París se ha sumergido bajo una bruma que todo engulle. Y yo me pregunto si el artífice de la portada ha visto alguna vez el cuadro "El caminante sobre el mar de nubes" de Friedrich, porque si no lo ha visto goza de su misma genialidad, y si lo ha visto el corta y pega le ha salido modernizado, pero vaciado de romanticismo. Todo no se puede tener, supongo.
Ya viendo la película vemos como la bruma va asolando la ciudad y todo el que no puede escapar de su húmedo influjo se queda tieso. Esto es algo así como lo que ocurría en "La niebla" de Carpenter, pero sin maldiciones ni fantasmas-pirata. Pero ojo, que esto es la bruma parisina y no la niebla de Cabot Cove, imagino que para dotar a nuestro corta y pega de una genuina originalidad.
Y tras la presentación de un desinteresado guión, acontece la simpleza y la calidad de lo tópico: pareja de abuelos a vuelta de todo, militares que guían a refugiados y pelea con un individuo que se vuelve malo en situaciones de intenso estrés.

Se llama "La bruma", podría llamarse "La niebla" y debería llamarse "La nada".
[Leer más +]
5 de 9 usuarios han encontrado esta crítica útil
Asesino implacable
Asesino implacable (1971)
  • 6,7
    2.658
  • Reino Unido Mike Hodges
  • Michael Caine, Ian Hendry, Britt Ekland, John Osborne, ...
3
Han cantado bingo con el veinticinco
Película inglesa y no por ello mala, pero mala al fin y al cabo, o más que mala, cutre, si es que no necesariamente son sinónimos en este caso, que yo creo que sí.
Mike Hodges nos invita, no sin cierta pereza, a sumergirnos en un ambiente esencialmente londinense de los 70, mugre, garajes, casas bajas de ladrillos rojos, chimeneas estilo Sheffield, cervecerías... que junto con la actuación de Michael Caine es lo único salvable.
El argumento es malo de solemnidad, confuso, poco definido y donde el "pegamento" de la trama está basado en la casualidad más que en la lógica. Un argumento pobre trufado de personajes vacíos, inconexos unos de otros.
Leo de la crítica del experto que las imágenes de este plato precocinado cinematográfico son sorprendentes y por ello el amalgama resulta brillante. Para mí el trabajo de cámara es malo porque todo se reduce a encadenar planos raros e inusuales sin aportar información o expresividad a los actores o a la trama. Por ejemplo, durante la escena de la partida de póker se sitúa la cámara a escasos centímetros del rostro barbudo del mafioso, sacando un primer plano mientras se supone que todo continúa a su alrededor, ¿Cuál es el fin del primer plano sostenido? A lo largo del film, la cámara se posiciona en insospechados lugares sin aparente explicación o finalidad, lo que crea una fotografía gratuitamente absurda. ¿Y si se hubiera colocado la cámara dentro de una olla express para que cuando Caine la abriera sacáramos un contrapicado de su cara y de parte de los tallarines?

"Han cantado bingo con el veinticinco" que se oye en un segundo plano, como quien no quiere la cosa, es algo destacable en el guión...
[Leer más +]
4 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Mr. Vampire (El Señor de los Vampiros)
Mr. Vampire (El Señor de los Vampiros) (1985)
  • 6,2
    211
  • Hong Kong Ricky Lau
  • Lam Ching-Ying, Moon Lee, Chin Siu-Ho, Ricky Hui, ...
7
La respuesta está en el arroz glutinoso
Goza el arroz glutinoso de innumerables propiedades nutritivas y no nutritivas y, en este último caso, basta visionar "Mr. Vampire" para cerciorarnos de ello.
"Mr. Vampire" es un buen exponente del "screwball" asiático de los 80 y prueba de su éxito es que se hicieron varias secuelas.

Se trata de un film pretendidamente poco serio donde lo que importa es la ridiculización de gran parte de las tradiciones y costumbres ancestrales chinas, pero no desde un punto de vista hiriente, sino cómico. El uso del arroz o de varitas de incienso para conjurar una suerte de sortilegio vampírico no deja de ser bastante gracioso.
Los efectos especiales son los propios de una cinta de mediados de los 80 sin mucho presupuesto, y las técnicas de artes marciales, aunque no muy frecuentes, están cuidadas.

Como curiosidad se puede destacar el momento en que, con un hierro al rojo vivo, se marca un caracter hanzi en el pecho del policía. El caracter en concreto es jian1, que puede significar "embrujado", "violado" o "preparado para fornicar", a saber lo que Ricky Lau quiso decir...
[Leer más +]
3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Una bolsa de canicas
Una bolsa de canicas (2017)
  • 6,6
    1.347
  • Francia Christian Duguay
  • Dorian Le Clech, Batyste Fleurial, Patrick Bruel, Elsa Zylberstein, ...
4
La importancia de llamarse "Una bolsa de canicas"
Normalmente este tipo de propuestas literarias o cinematográficas reúnen una serie de elementos más o menos efectistas que mueven a emocionar al público y llevarlo a la lágrima fácil. Elementos como niños que muestran su más tierna inocencia, nazis especialmente malos, espíritu de sacrificio, incomprensión... Lo hemos visto, por ejemplo, en "El niño con el pijama de rayas" o "La vida es bella", historias tan emotivas como difíciles de imaginar.
"Una bolsa de canicas" ahonda en los mencionados y agotadores clichés, pero con la mínima innovación de hacer una "road movie" en lugar de situar a los personajes en la estática situación que conlleva un campo de concentración o gueto. Personajes, por otra parte, poco desarrollados en una historia poco profunda donde el único interés parece estribar en denunciar (una vez más) la figura del Mariscal Pétain.

"Cumplo mis promesas y las de los demás" que diría Pétain es una frase utilizada en la película (Como ya se lee en francés en un mural de "Casablanca", tampoco en esto es original la bolsa de canicas), para denunciar el papel "colaboracionista" de Pétain, pero me temo que Pétain no era el protagonista de los males que asolaron a Francia durante la ocupación nazi y la "colaboración" se basó más bien en un intento de minimizar daños más que en un sincero abrazo al nuevo régimen implantado en Francia, de la misma forma que los trabajadores de una sucursal bancaria pueden "colaborar", bajo la amenaza de las armas, con los atracadores.

Pero en fin, Verdún no cabe en una bolsa de canicas.
[Leer más +]
6 de 13 usuarios han encontrado esta crítica útil
Jumanji: Bienvenidos a la jungla
Jumanji: Bienvenidos a la jungla (2017)
  • 5,3
    11.632
  • Estados Unidos Jake Kasdan
  • Dwayne 'The Rock' Johnson, Jack Black, Kevin Hart, Karen Gillan, ...
4
Padres adolescentes, niños con iPhone
Entro en el cine por mi cara bonita porque de otro modo dudo mucho que hubiera entrado a verla, bueno, no lo dudo, no hubiera entrado a verla. En su día vi en un cine de verano a Robbie Williams en la primera parte de "Jumanji", la parte original y mal que bien, una película pasable. ¿Qué puede mover a rodar una segunda parte de "Jumanji"? Probablemente la respuesta es la misma que el motivo para rodar la trigésimo tercera parte de "Saw", un delictuoso (o si no lo es, debiera serlo) motivo económico. Una segunda parte en riguroso ayuno de ideas innovadoras, con efectos especiales hasta cicateros y con un amplio abanico de chistes malos. Lo peor de todo es que los actores principales hacen bien su papel, lo que no sé si es un halago o un detrimento en este caso. La doctora Who tiene su gancho y Dwayne Johnson supera su papel como "baywatch".

Bueno, como decía en el título, el cine estaba repleto de niños repelentes con sus iPhone correteando de butaca en butaca y acompañados de sus adolescentes padres que ya eran adolescentes cuando se estrenó la primera "Jumanji" (1995), la "Jumanji" "buena". 22 años después ahí estaban preparados para revivir esa nostalgia diabólica, como si realmente uno de esos joviales padres hubiera encontrado un juego de mesa de Jumanji y nos hubiera enjaulado a todos en esa sala de cine. Parecióme eso cuando cinco minutos antes del inicio de la función me percato de un hombre al que sigue su mujer y prole, avanzan por una fila hasta dar con el centro, unas butacas cojonudas, todo sea dicho, y el padre que se dirige a un enjuto alopécico: "-¿Están libres estas dos butacas? -No, estoy esperando a mis hermanos. -¿Pero ellos tienen las entradas? -Por supuesto que sí, caballero" Joer, lo que me pude reir. Que un tío con más años que un bosque vaya a ver "Jumanji: Bienvenidos a la jungla" sin compañía infantil, ya es difícil de asimilar, pero que encima vaya con sus hermanos es sencillamente imposible de creer. La peli acabó con el cine lleno y el tío repantigado copando los tres mejores asientos. Desde aquí mi más sincera admiración. Genio.
[Leer más +]
4 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Casablanca
Casablanca (1942)
  • 8,4
    95.232
  • Estados Unidos Michael Curtiz
  • Humphrey Bogart, Ingrid Bergman, Paul Henreid, Claude Rains, ...
10
Bienaventurados los que nunca han visto "Casablanca"
En el verano de 1938, un profesor de instituto neoyorquino llamado Murray Burnett, viajó hasta Austria para ayudar a su familia judía, que al igual que el resto de la población judía se veía amenazada tras el "anschluss" de marzo. En Europa Burnett pudo darse cuenta de que muchos refugiados tomaban barcos que surcaban el Mediterráneo con destino al norte de África y pensó en que tal vez sería una buena idea escribir una obra de teatro sobre ello. Finalmente, la pieza definitiva que hizo poner en marcha el engranaje de todas sus ideas se la proporcionó la visualización de dos películas de gran éxito en aquellos tiempos y que narran un drama romántico entre un gángster y una bella turista parisina en la 'casbah' argelina: "Pépé le Moko" (Julien Duvivier, 1937) y "Argel" (John Cromwell, 1938). A su regreso a EEUU comenzó a escribir la obra de teatro titulada "Everybody comes to Rick's" junto con una chica llamada Joan Alison y con la que acabaría casándose y posteriormente divorciándose (Siempre les quedaría "Everybody comes to Rick's).
Warner puso 20.000 dólares sobre la mesa para comprar los derechos y la puso en manos de Howard Hawks quien hizo los preparativos para dirigirla, pero la dificultad para contratar al reparto que deseaba (se ofrecieron los papeles a Ann Sheridan, Hedy Lamarr, Ronald Reagan, George Raft o Dennis Morgan), sumado a los diferentes retrasos en otros ámbitos del rodaje hicieron que Hawks declinara la oferta.
Entonces Jack Warner pensó en Michael Curtiz, tal vez no entre los directores más brillantes, pero desde luego un hombre serio y metódico, justo lo que en ese momento necesitaba "Casablanca".
Cuando finalmente se dio el papel de Rick Blaine a Humphrey Bogart, los gemelos Epstein adaptaron el guión pensando en él, que venía de rodar dos cumbres del cine negro "High Sierra" y "El halcón maltés". Los hermanos Epstein imprimen a "Casablanca" una fluidez y agilidad propia del mejor "noir", lo que la hace única, y combinan diálogos plenos de mordacidad (-¿Dónde estuviste anoche? -No tengo la menor idea -¿Qué harás esta noche? -No hago planes por anticipado. / - Me desprecias, ¿verdad? - Si llegara a pensar en ti... probablemente) con dosis románticas en pleno "flashback" (-El mundo se derrumba y nosotros nos enamoramos - ¿Ha sido un cañonazo o es el corazón que me late?). Sin embargo, los Epstein tuvieron problemas para engarzar los diálogos con tintes políticos como exigía Warner que debían estar muy presentes y para ello se contrató a Howard Koch que culminó hasta la perfección un guión ya extraordinario (-¿Por qué vino a Casablanca? - Vine a tomar las aguas - ¿Qué aguas? - Me informaron mal). Pero las famosas aguas termales de Vichy y su gobierno colaboracionista encabezado por el mariscal Pétain tienen también su reflejo al inicio de la cinta cuando un miembro de la resistencia muere tiroteado bajo un mural con la imagen pintada de Pétain (Yo cumplo mis promesas, así como las de los demás), o hacia el final de la cinta, cuando el capitán Louis Renault demuestra haber abandonado definitivamente su apoyo al gobierno de Vichy repudiando una botella de agua mineral de la ciudad francesa.
Es hartamente conocido el hecho de que Ingrid Bergman preguntara en varias ocasiones a Michael Curtiz sobre si finalmente el personaje de Ilsa Lund terminaría junto a Rick Blaine o a Víctor Lazslo y él le respondiera que no lo sabía, puesto que el guión no estaba terminado. Es probable que el hecho de que Bergman no tuviera información del desenlace del film mejorara su actuación, pero lo que es seguro es que los hermanos Epstein quisieron inmortalizarlo en su genial guión, demostrando tener una sorna más allá de lo esperado cuando Rick Blaine responde así al personaje de Ilsa Lund, hacia el final de la película: "Sigue siendo una historia sin final".
"Casablanca" tuvo un enorme éxito inmediato, sin duda aumentado al retrasar su estreno intencionadamente un par de semanas, dando tiempo al ejército estadounidense para que entrara en Casablanca y la publicidad tomara repercusión mundial.
[Leer más +]
4 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
El tercer hombre
El tercer hombre (1949)
  • 8,3
    41.464
  • Reino Unido Carol Reed
  • Joseph Cotten, Alida Valli, Trevor Howard, Orson Welles, ...
10
Una fea fotografía
En muchas críticas de usuarios se puede leer que una película tiene una bonita fotografía porque está rodada en bellos paisajes. No soy nadie para dar lecciones, pero en el trabajo de cámara importa un comino si la película muestra imágenes de lugares tan bellos como el glaciar de Perito Moreno o el Kilimanjaro. No importa lo que se muestra sino el cómo se muestra. Importa que la fotografía ayude al desarrollo de la trama, al desarrollo de los personajes. La fotografía estuvo a cargo de Robert Krasker que cuando llegaba al lugar de rodaje empezaba a regar como un loco las calles de Viena, para que mojadas y gracias a los potentes focos de luz, se obtuviera un mayor contraste entre tonos blancos y negros. Krasker y Welles quisieron que la fotografía ayudara a transmitir los estados anímicos de Alida Valli, Joseph Cotten y el propio Welles y para ello les fotografiaron casi durante todo el metraje con planos en ángulo holandés. Este plano se obtiene desviando la cámara del eje vertical y horizontal de su posición natural provocando en el espectador una sensación de desequilibrio e intranquilidad. De modo que estos tres actores parece que van a caerse de un momento a otro, como si Krasker quisiera hacer de ellos una Torre de Pisa durante todo el film. Nuestra conclusión no es otra que la de fragilidad en la vida de los tres personajes: Holly Martins porque puede perder a Anna Schmidt, Anna Schmidt porque puede perder a Harry Lime y Harry Lime porque puede perder la vida. Su mundo está siempre a punto de desvanecerse.

El origen del film se debe a una novela de Graham Greene que comenzaba a escribir en una Europa en posguerra. Le leyó algunas líneas a Alexander Korda para conseguir su financiación, a Korda le gustó y lo mandó 3 meses de "vacaciones" a Viena. Greene vio posibilidades en una Viena derruida y acabó entrevistándose con un oficial de la inteligencia militar británica que le habló del laberíntico alcantarillado de la ciudad, lugar que aprovechaban los contrabandistas para delinquir con la penicilina como objeto. La película estaba hecha.
Carol Reed llegó tiempo después a Viena para filmar, pero se sorprendió de la rápida reconstrucción de gran parte de los edificios de Viena, no le debió de resultar una grata sorpresa, pues buscaba exactamente una Viena aún en ruinas. Greene y Reed comenzaron a escribir el guión definitivo o más bien Green escribía y Reed leía el periódico tumbado en el sofá, cuando Greene acababa se iban a la cafetería y Reed se limitaba a decir: "Eso valdrá, pero eso otro no". En uno de esos cafés vieneses encontraron al artífice de la banda sonora, Anton Karas, que tocaba la cítara para obtener propinas de los clientes. Inmediatamente encandiló a Reed que le pidió componer la omnipresente canción "Harry Lime Theme" para la película.
La famosa y fantástica frase pronunciada por Orson Welles o Harry Lime: "Recuerda lo que dijo no sé quién, en Italia en treinta años de dominación de los Borgia, no hubo más que terror, guerras, matanzas, pero surgieron Miguel Ángel, Leonardo Da Vinci y el Renacimiento. En Suiza, por el contrario, tuvieron quinientos años de amor, democracia y paz, y ¿cuál fue el resultado? El reloj de cuco." se debió a Wilfrid Hyde-White que interpretó el papel de Crabbin, actor recordado posteriormente y sobre todo por su papel en "My fair lady".

"El tercer hombre" fue un éxito de crítica y de taquilla debido en gran parte a la implicación de todo el reparto en tareas que, a veces, poco o nada tenían que ver con su cometido.
[Leer más +]
3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Stefan Zweig: Adiós a Europa
Stefan Zweig: Adiós a Europa (2016)
  • 5,9
    1.157
  • Austria Maria Schrader
  • Josef Hader, Aenne Schwarz, Tómas Lemarquis, Barbara Sukowa, ...
6
Si estás estudiando idiomas, esta es tu película
Traducciones en español, entrevistas en francés y en italiano, conversaciones en inglés, discursos en portugués, rezos en hebreo o canciones en ruso pueden escucharse a lo largo de la cinta. Para Zweig, en su exilio en Nueva York o Brasil y su paso por Argentina, queda lejos el idioma alemán (salvo por el vecino de Petrópolis) y su Viena natal. Zweig deambula por estos países, deambula desde que abandona Europa, donde no deambulaba, vivía. Aquí y allá viaja con Lotte, su nueva esposa, pero se siente una sombra de lo que fue, un fantasma salido de "El mundo de ayer", su legado literario más personal, su autobiografía.

La película no me parece una gran obra cinematográfica, pero es interesante como excusa para reivindicar la obra literaria de un gran escritor, de la que destacaría la biografía de Fouché (porque salir ileso de los "enragés" revolucionarios para convertirse poco después en ministro napoleónico tiene su gracia) o "Momentos estelares de la Humanidad" donde nos cuenta que una vez Europa y América se unieron a través de un gigantesco cable de cobre aislado y sumergido bajo el Atlántico, sólo para producir diez segundos de conversación telefónica. Epopeya histórica olvidada hasta por un James Cameron de turno.

De la película destacaría una frase clave, pronunciada por el sobrepasado alcalde brasileño, quizás el personaje del que menos podría sospechar Zweig que le iba a radiografiar con más tino sus sentimientos más profundos: "Un hombre sin patria carece de futuro". Y poco más hay que decir.
[Leer más +]
6 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
París: infierno helado
París: infierno helado (2013)
  • 1,7
    288
  • Estados Unidos R.D. Braunstein
  • Jeff Fahey, John Rhys-Davies, Sara Malakul Lane, Iván Kamarás, ...
1
Cuando la OTAN tiene su puesto de mando en la habitación de nuestro sobrino
Involuntaria comedia donde se nos informa de que en Europa se van a producir una serie de volcanes y terremotos que finalmente acabarán dejando el continente congelado bajo una nube de ceniza. La película abre con imágenes supuestamente de Islandia, pero lo que se nos muestra es tan acorde con la orografía islandesa como con la tunecina.
El argumento es simple: para evitar morir en tan catastrófica situación, dos hermanos y sus padres deben reunirse en París lo antes posible y hasta ese momento disfrutaremos de diálogos y situaciones donde la hilaridad es una constante. En dos escenas aparecen unos geólogos que dicen tener que analizar importantes datos geológicos sobre la evolución de las catástrofes, pero tras la segunda escena ya no volvemos a saber nada de ellos (¿Son el McGuffin?). Aparece un coronel y su subordinado en una sede de la OTAN que es una habitación de estudiante, con su flexo, su mesita y un teléfono. El coronel conoce al padre de los hermanos y llega a darlo por muerto hasta que tiene la brillante idea de... Llamarle al móvil, para ver si lo coge.
Siempre que el hermano dice :"Déjame pensar" sabemos que viene algo gracioso como subirse a una silla de oficina con ruedas para salir por el techo de una sala (obviamente se cae), tocar los cables de un ascensor para electrocutarse o preguntarle a su hermana: ¿Dónde estamos? ella alza la mirada al cartelito en la esquina de la calle (donde suelen ponerse) y dice: "En la calle George". El hermano no muere electrocutado porque casualmente hay un desfibrilador en la sala contigua y casualmente aparece por una puerta un hombre que sabe utilizar el aparato. Tras la intervención el hombre sale por la puerta por la que entró como quien no quiere la cosa y ya no volvemos a verlo.
Los padres vuelan en su avión privado hasta Londres, pero cuando quieren ir hasta París viajan en coche y la entrada al Eurotúnel... Es como la frontera entre Albania y Kosovo, solamente la gorra de un operario donde se lee "Eurotunnel" nos "convence" de que no son los balcanes.

Todo es una apoteosis de caspa y mugre con el único interés de saber hasta dónde se puede llegar después de más de un siglo de cine.
[Leer más +]
6 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
Alien: Covenant
Alien: Covenant (2017)
  • 5,6
    22.306
  • Estados Unidos Ridley Scott
  • Michael Fassbender, Katherine Waterston, Billy Crudup, Demian Bichir, ...
4
Aliens, neutrinos y cenutrios (estos últimos somos nosotros)
Uno de los mejores escritores de novelas ambientadas en el mar es sin duda Joseph Conrad. En 1904 escribió "Nostromo" y en 1917 escribió "La línea de sombra". A pesar de que la historia de "Alien: el octavo pasajero" se basa en el guión escrito por Ron Shusett, no cabe duda de que la influencia de la obra de Conrad es innegable, primero porque el nombre de la nave en esa primera película de 1979 es Nostromo y segundo porque "La línea de sombra" narra cómo una terrible enfermedad se va extendiendo entre la tripulación de un navío que poco puede hacer para impedir el contagio.
Si aquella primera película de "Alien" es buena, es porque a los guionistas se les ocurrió hacer del navío de Conrad una nave espacial y de la enfermedad un "Alien" que iba colonizando los cuerpos de la tripulación (en 1982, en "La cosa", se explotaría idéntica idea con también buenos resultados).
La dirección de Ridley Scott fue más que acertada porque creó tensión con la feliz idea de no mostrar prácticamente nunca al monstruo, y no hay nada más terrorífico que el miedo a lo desconocido, nada más desconcertante y que cree tensión que el no tener información de dónde se encontraba el monstruo a cada momento.
En "Alien: Covenant" incomprensiblemente Scott nos "monitorea" a los monstruos a cada momento, cercenando con ello la emoción que podría crearse.
Los efectos especiales, que en la película de 1979 no estaban muy distantes de lo que en aquellos años lograba un genio como Douglas Trumbull, no son en "Alien: Covenant" nada espectacular.

Lamentablemente, "Alien: Covenant" no mejora en mucho ninguna de las otras precuelas o secuelas de la saga. Todas ellas están a años luz (nunca mejor dicho) de "Alien: el octavo pasajero".
[Leer más +]
2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Dirty Dancing
Dirty Dancing (1987)
  • 6,1
    72.207
  • Estados Unidos Emile Ardolino
  • Jennifer Grey, Patrick Swayze, Jerry Orbach, Cynthia Rhodes, ...
10
Memorias desde Catskills
Resulta que Eleanor Bergstein, la guionista, pasó un verano entre las montañas de Catskills, en un lugar parecido al que vemos en la película. Rodeada entre lagos, árboles y césped, "baby" como así llamaban a Bergstein, se pirraba por su profesor de baile como el resto de las chicas que veraneaban aquel año allí. Su padre, también médico, la dejaba hacer. La chica, que entonces contaba con poco más de veinte años, pensó que aquel fascinante verano debía conocerlo la mayor cantidad de gente, tanta como fuera posible, y tuvo la feliz idea de hacer un guión. Y Emile Ardolino tuvo la feliz idea de dirigir ese guión. En el verano de Bergstein no hubo ningún aborto, pero lo incluyó para darle a la obra algo más de dramatismo (siempre podía haber alguien que pensara que pirrarse por un profesor de baile cañón no era suficiente motivo para llevar al cine las vicisitudes de un veinteañero estío. Hay gente para todo).

Lo que también supone un cambio bastante importante es que el verano de Eleanor se convirtió en otoño en la gran pantalla. En la escena del baile sobre el tronco me preguntaba el motivo por el que el cámara tomaba planos a decenas de metros, y no primeros planos cuando Baby y Johnny se apretujaban: ¿Es que no ves que se van a besar? ¡Mete "zoom", hombre! Pero la explicación es que los dos estaban tiritando de la rasca que hacía, y un primer plano de castañeteo dental antes de darse el lote no quedaba muy bien. Incluso cuando Baby da explicaciones a su padre hacia el final de la peli, las hojas caen de los árboles. Y eso no pasa ni siquiera en los estíos de Virginia.

Lo que menos me gusta de "Dirty Dancing" es el momento en que el malo de la peli, Robbie Gould (interpretado por Max Cantor, que pocos años después moriría de una sobredosis de heroína al intentar demostrar que la ibogaína ayudaba a combatir algunas adicciones, y estaba en lo cierto) ofrece a Baby la novela "The Fountainhead", escrita por Ayn Rand. Esto me parece una idiotez porque quiere asociarse el carácter egoísta del personaje a lo que se narra en el libro y lo que se narra en el libro es la lucha del artista, de la mente creadora (y por lo tanto individual, que no egoísta) contra la imposición de lo establecido, contra lo común. Patricia Neal, Gary Cooper y King Vidor lo mostraron en 1949, en la fantástica "El manantial".
[Leer más +]
3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Anticristo
Anticristo (2009)
  • 6,1
    23.511
  • Dinamarca Lars von Trier
  • Willem Dafoe, Charlotte Gainsbourg
2
Castañas Von Trier S.L
Admito que me encantan las castañas de Lars Von Trier. Sé de largo que cuando le dé al "play", su nueva propuesta cinematográfica me sumirá en un profundo sopor, otra vez. Pero me fascina comprobar que donde yo saboreo una castaña otras personas encuentran un manjar teórico-filosófico digno de valorar con un 8 o un 9, incluso algunos se atreven con más. Colores.
Hace tiempo me dijo un amigo que para poder apreciar en toda su magnificencia las películas de Trier, uno debía verlas y dejarlas reposar durante años en una especie de barbecho intelectual. Me aseguraba que tras un prudencial tiempo el Don Simón tendría matices de Château Lafite. Me dejé llevar por esas afirmaciones y me embaulé aquellos días tanto "Anticristo" como la "Medea" de Pasolini y la "Medea" de este hombre. Dos versiones de la obra de Eurípides, una detrás de otra. Aquello me pareció insufrible, pero confiaba en mi amigo: el paso del tiempo se encargaría de poner las cosas en su sitio.
Viendo de nuevo "Anticristo" puedo decir, sin riesgo a equivocarme, que me he aburrido tanto o más que en el primer visionado. También puedo decir que sigo sin saber quién o qué es el anticristo: Si Gainsbourg, Dafoe, el niño, la lechuza, el zorro, el ciervo, los árboles o la maldita Naturaleza en general. Lo de los innumerables cuerpos en escorzo en el árbol, mientras los protagonistas fornican como mandriles... ¿no recuerda un poco a la escena de "Drácula de Bram Stoker" en que Bellucci y otras frívolas vampiresas intentan beneficiarse a Keanu Reeves?

A pesar de todo, seguiré disfrutando de este expresionismo vacuo. Estas castañas tienen su punto (en este caso dos).
[Leer más +]
2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Blanca como la nieve, roja como la sangre
Blanca como la nieve, roja como la sangre (2013)
  • 5,2
    536
  • Italia Giacomo Campiotti
  • Filippo Scicchitano, Aurora Ruffino, Gaia Weiss, Luca Argentero, ...
8
Lo platónico, la sinestesia y Beatriz
Florencia y toda la belleza que eso conlleva. A un chico le produce arcadas el blanco y le apasiona el rojo. Estos colores dominan sus sentimientos hasta el punto de parecer sufrir el síndrome de Stendhal, ser sinestésico o vivir constantemente bajo los efectos del LSD. El rojo le gusta porque es el color de los cabellos rizados de Beatriz, una chica del instituto. Bueno en realidad es La chica, porque tiene una amiga, pero en ella no se fija mucho. Aparece un profesor de literatura y médicos (en las películas italianas actuales siempre aparece alguien relacionado con la sanidad, el test de Bechdel debería incluir esto). El profesor de literatura nos habla de tres poetas medievales italianos: Guinizelli, Petrarca y Dante y con ello se hace un paralelismo entre la historia de amor platónico de Dante y la del chico de la película. Una lid entre lo platónico y lo real.

Hace ocho siglos Dante se abrasaba en amores por una pelirroja que respondía al nombre de Beatriz Portinari, hasta que un buen día la chica se murió. Y se dio cuenta de que había perdido la oportunidad de hacérselo saber y de que su amor platónico no le reconfortaba nada. A partir de ese momento quiso recuperar el tiempo en la vida real que no había disfrutado con Beatriz, dejando a un lado la vida imaginaria. ¿Y qué hizo?, ¿darse a la bebida cual policía en las películas al que le han asesinado a su familia? No. Se recorrió burdel tras burdel trajinándose a toda prostituta que encontraba a su paso, llevando su alma poética a las más altas cotas de éxtasis.
Bueno, esto último no ocurre en la película, pero el resto es bastante parecido.
[Leer más +]
2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Detroit
Detroit (2017)
  • 6,9
    8.741
  • Estados Unidos Kathryn Bigelow
  • John Boyega, Algee Smith, Will Poulter, Jack Reynor, ...
7
Hotel Algiers
"Detroit" se estrena en EEUU justo después de cumplirse 50 años de las graves revueltas raciales acaecidas en el estado de Michigan. Después de "Zero dark thirty", Kathryn Bigelow vuelve a sumergirse en una historia basada en hechos reales para sacar a la superficie la realidad social estadounidense. En esta ocasión centra el objetivo de su cámara en un problema tan amargo como casi ancestral, pero de una actualidad pavorosa: los enfrentamientos raciales entre la policía y la comunidad afroamericana.

Pese a no contar con nombres de primer nivel, el plantel actoral se muestra solvente en todo momento y ayuda al desarrollo argumental aportando una buena dosis de credibilidad y tensión.
En cuanto al apartado técnico es de destacar una fotografía correcta e intencionadamente oscura, algunos planos incluso pueden recordarnos a "The Hurricane" de Norman Jewison. El montaje intercala imágenes de archivo, lo que ayuda a imbuirnos en el caótico ambiente callejero estadounidense de 1967, pero sin resultar estas imágenes excesivas, dosificación que logra que la película no se decante por el mero documental.

Quizás el problema de "Detroit" es precisamente su título, ya que puede pensar el espectador que va a visionar una síntesis cinematográfica de todos aquellos acontecimientos que arrojaron más de 40 muertos y más de 2000 heridos. Nada más lejos de la realidad. El título resulta excesivamente ambicioso y empequeñece involuntariamente a la cinta. La película debería llamarse "Hotel Algiers". Indudablemente sería un título más honrado para el espectador.
[Leer más +]
54 de 68 usuarios han encontrado esta crítica útil
La mujer avispa
La mujer avispa (1959)
  • 4,9
    401
  • Estados Unidos Roger Corman
  • Susan Cabot, Anthony Eisley, Barboura Morris, William Roerick, ...
4
Para combatir las arrugas de la cara nada como el ácido hialurónico
Hoy en día la industria cosmética la toma contra los gallos para extraer de sus crestas el ansiado ácido hialurónico y así poder rejuvenecer las jetas de sus clientes. Pero no siempre fue así. En esta película, Roger Corman planteó la disparatada posibilidad de que la juventud eterna podía obtenerse a través de enzimas extraídas de las avispas.
Janice Starling (Susan Cabot) es la dueña de una empresa de cosméticos en plena caída de ventas y como solución se aviene a ser la cobaya de un científico medio loco que ha encontrado un elixir rejuvenecedor exprimiendo avispas. Janice se administra algunas dosis y rejuvenecer, rejuvenece, pero a cambio de transformarse en avispa de vez en cuando. Bueno, lo de transformarse en avispa es un decir, porque lo que realmente ocurre es que la mujer aparece con una especie de careta de algo que simula ser la cara de una avispa. La transformación es de una cutrez tan acusada que resulta hasta entrañable, pues en avispil estado, a la mujer se le ve el collar en el cuello, las medias Marie Claire y hasta los zapatos de tacón...

Lo dicho, hora y cuarto de cutrez-ficción entrañable firmada por Corman.
[Leer más +]
4 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
La Torre Oscura
La Torre Oscura (2017)
  • 4,6
    9.426
  • Estados Unidos Nikolaj Arcel
  • Idris Elba, Matthew McConaughey, Tom Taylor, Katheryn Winnick, ...
4
Si has visto el tráiler ya has visto hasta demasiado
"La Torre Oscura" está basada en una serie de 8 novelas de Stephen King que comenzó a escribir en 1982. Según el propio King, la saga pretende ser su obra más ambiciosa y para ello intenta recrear un origen fantástico y mitológico de los EEUU como hicieran los clásicos de la Antigua Grecia. King se inspira en Tolkien para crear su Mundo Medio, en las leyendas artúricas para plasmar un origen legendario y en los westerns de Clint Eastwood para conseguir el motivo identitario y distintivo respecto al resto del mundo.

Hace unos años Warner se interesó por el proyecto y pensó en J.J. Abrams para la dirección, un director contrastado en la ciencia ficción ("Lost", "Fringe", "Super 8"...) y en Jae Lee para ayuda de script que había llevado a buen término el cómic de la saga. Y el proyecto pudo haber sido superior a la película actual si no se hubiera torcido y abandonado por la sencilla razón de que Abrams y Lee son dos forofos del mundo fantástico de King.

El proyecto finalmente ha visto la luz bajo la financiación japonesa de Sony (o su filial Columbia, como se prefiera) y bajo la dirección de un danés, Nicolaj Arcel, conocido por su destacado drama monárquico "Un asunto real". Pero por lo visto en la cinta, ni japoneses ni daneses parecen estar en la misma sintonía fantástica que King.

La película carece del ambiente épico que King intenta recrear en los libros, la atmósfera postapocalíptica del Mundo Medio mezclado con la rutinaria realidad neoyorquina fatiga cuando no aburre para los que hemos leído parte de la obra de King y las actuaciones sólo son salvables en los casos de Jake (Tom Taylor) y Roland (Idris Elba, "The Wire"), porque McConaughey llevando su moderna Ulster coat en el papel de "Hombre de negro" no parece tomárselo muy en serio.
Que el personaje de Roland sea interpretado por Idris Elba puede llevar a confusión, ya que King piensa en un Roland de raza blanca, en un vaquero anglosajón y creo que hubiera sido mejor respetar los deseos del artista creador. Supongo que la imposición de la cuota racial en Hollywood ha de cumplirse a rajatabla, pareciendo que no seamos lo suficientemente sensatos como para rechazar el racismo sin la participación hollywoodiense. En cualquier caso, Elba es lo único salvable en la película.

No voy a recomendar​ lo que ya el tráiler no recomienda. Si aún así se ve, puede que a algunos les resulte un producto aburrido o no, pero los lectores de King no encontrarán la esencia de sus novelas en ningún fotograma.

Sin riesgo a hacer spoiler: ¿Por qué en Estados Unidos la "salida de emergencia" cuando alguien te persigue siempre es la ventana del baño?
[Leer más +]
60 de 74 usuarios han encontrado esta crítica útil
Emoji: La película
Emoji: La película (2017)
  • 3,5
    2.605
  • Estados Unidos Anthony Leondis
  • Animation
2
Mario Vaquerizo es caca - Fotogramas dixit
Leo en la página web de la revista 'Fotogramas' que "Mario Vaquerizo es caca". Desconozco si entre ambas partes media algún tipo de demanda o litigio económico, pero desde mi parecer hubiera sido mejor escribir algo como: "Mario Vaquerizo da la voz al personaje de 'Caca'." Humildemente creo que sería una propuesta menos hiriente.

Lo que sí es caca, lo que sí es un ñordaco de proporciones bíblicas es "Emoji: la película", que bien podría haberse titulado "Emojón: la película".

"Emoji: la película" intenta burdamente ser una copia del éxito de Pixar de hace un par de años, "Inside Out", explotando la amplia variedad de muecas y sentimientos que emergen de los personajes animados, pero en esta ocasión en un lugar llamado Textópolis, trasunto sonrojante de la ciudad imaginaria donde en cada uno de nuestros móviles habita toda la ristra de emoticones de WhatsApp.
Gene es el héroe emoticón con cara de indiferencia que, con ayuda de otros personajes de igual factura, debe encontrarse a sí mismo, ocupar su propio lugar en el móvil. Para hacer viable está estupidez de guión, se nos invita a viajar con los emoticones por algunas conocidas aplicaciones como "Candy Crush" o "Just Dance" en una "app-ventura" carente de hilo argumental medianamente sólido, únicamente soportada por ocurrencias simplonas.

Este laxante de ideas poco originales y malogradas, digeridas en 85 minutos, termina como cabía esperar: se han defecado en el espectador.
[Leer más +]
9 de 11 usuarios han encontrado esta crítica útil
El amigo de mi hermana
El amigo de mi hermana (2011)
  • 6,2
    5.400
  • Estados Unidos Lynn Shelton
  • Emily Blunt, Rosemarie DeWitt, Mark Duplass, Mike Birbiglia, ...
6
Lost in translation
Se han vertido ya muchas variadas y acertadas críticas de esta película, así que seré breve y me centraré en algo concreto que me ha parecido curioso.
Quien ha visto la película sabrá que solamente hay tres personajes protagonistas, pero mi pregunta es: ¿Quién de los tres es el personaje protagonista central? La respuesta no me parece baladí, pues creo que ese "final abierto" que nos propone la directora, Lynn Shelton, puede no ser tan "abierto". Me explico. Si se recuerda el último plano sabremos que se nos plantea una pregunta de respuesta "Sí o no". La vida de los tres cambiará si la respuesta es una u otra, pero Shelton nos deja a nuestra elección el imaginar su futuro.

Pensemos en el título de la película en español y en el título de la película en inglés, porque dicen cosas diametralmente opuestas. "El amigo de mi hermana" está centrando todo el protagonismo en el actor masculino, Mark Duplass. El título en inglés es "Your sister's sister", es decir, "la hermana de tu hermana" y de la relación de amistad existente entre Emily Blunt y Mark Duplass (que ella llega a decir que son como hermanos) se infiere que el título en inglés hace protagonista a Rosemarie DeWitt y no a Mark Duplass. Lynn Shelton quiere que su personaje central sea DeWitt y no Duplass.
Para mí es inexplicable el cambio del título pues desvirtúa la respuesta a la pregunta final.
Si Lynn Shelton nos dice que Rosemarie DeWitt es la protagonista, por lógica, la respuesta a la última pregunta es "Sí". Pues no tendría sentido que el protagonismo recayera en ella si la respuesta fuera no.
Con el título en español, la respuesta es "no", aunque sólo sea por contradicción al anterior razonamiento.
[Leer más +]
2 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil