Celine: Baby, you’re gonna miss that plane.
Jessie: I know.


¿Qué pasó después de esas irremediables frases que nos dejaron sin saber qué pasaría durante nueve años, aunque bien comprendíamos que era la mejor forma de cerrar las dos películas?


Aunque lo parezca, no es una trilogía. Es simplemente una historia que se va tejiendo y contando a lo largo de los años. 18 años después de un paseo por Viena “Antes del Amanecer“ y pasados 9 de un reencuentro en París “Antes del Atardecer“ tendremos el placer de volver a caminar junto a Jessie y Celine en Grecia “Antes del Anochecer“. Un nuevo guión escrito entre el director Richard Linklater y los dos actores protagonistas, Ethan Hawke y Julie Delpy. Un trabajo notable y de entrega la que este trío dan de sí tanto en la creación como en la manera en que le dan forma al guión. Y es tan buen trabajo que empiezan a crearnos la duda de si... ¿no será en verdad que tan sólo está basado en hechos reales?

Para los incondicionales amantes de esta historia de encuentros fortuitos y acalorado debate mental será como un reencuentro con un viejo amigo después de 9 años. Al principio, todo se nos hará raro, pues nueve años es mucho tiempo y el gran enemigo vital puede hacernos parecer unos desconocidos; con temor, también, si hemos idealizado ese encuentro y la película no es más que un intentar articular lo que es la rutina entre una pareja según el patrón de los anteriores guiones; y por otro, enfrentarnos al devenir de la vida, comprobar si aquella magia inocente que les unió en la adolescencia les ha sido arrebatada por el cinismo que supuestamente otorga la madurez.

Pero tranquilos porque están de enhorabuena, porque Antes del Anochecer seguro que no les defraudará. Vuelve a ser un capítulo más en la vida de Jessie y Celine, un gran trabajo audiovisual y de guión. Tan buen guión que dará en la clave exacta -y quizá la única posible- para que los dos personajes vuelvan a pasear juntos, reencontrándose a pesar de que no se habían separado. En dos horas en las que sabremos a través de pocas frases qué fue de ellos, dándose los besos cuya carencia nos habían dejado en tensión en París; y atravesando sutilmente todos los espacios emocionales posibles que ellos dos como personajes bomba pueden dar en un corto espacio de tiempo. Por eso es una película como las otras en esencia y porque los grandes detalles la hacen diferente.

Antes del Anochecer es una tarde de vacaciones de verano en Grecia. Jessie y Celine con hijos; Jessie y Celine conversando sobre la vida a la mesa con más gente; Jessie y Celine lanzándose dardos irónicos que sólo la confianza y el tiempo consiguen dar. Jessie y Celine que siguen siendo los mismos de siempre a pesar de las corazas que puedan ponerse y que también tienen un poco de cada uno de nosotros; Jessie como escritor ególatra con la camiseta de la tienda de discos Neptune de Viena; Celine -muy Afrodita- que cree haberse convertido en la mujer sumisa que jamás quería llegar ser. Viajaremos con ellos a través de sus vulnerabilidades y a través de una batalla campal entre lo que ser “hombre“ y “mujer“ contemporáneamente significa -solo faltan las trincheras- ya que algún que otro espectador que se sienta afectado saldrá escaldado. En el marco de la inconmensurable Grecia, cuna de la filosofía y la tragedia. El mejor colofón para este cine que es precisamente eso, la vida que no es sino filosofía y drama.

Un encuentro con bellas puestas de sol junto al mar, buena comida, conversación y buen vino. ¿Qué más se le puede pedir al buen cine?

“Compartir en una fiesta “intelectual” tomando algo mis amigos de Madrid, Asier y yo”. Este es el objetivo que Aitor Merino se propone al rodar la película: Contar a sus amigos de Madrid su amistad con un militante de la banda armada ETA.
Asier ETA biok (Asier y yo en Euskara), comienza como una fábula en los bosques del norte de España entre neblina, canciones y picando piedra, porque es un documental que quiere narrar la complejidad del conflicto vasco a modo de cuento. Aitor es como el ingenioso juglar, narrador de una historia trepidante a través de un ritmo visual casi hiperactivo, conseguido por el cuasiperfecto montaje de su hermana Amaia. No es el mejor documental que se ha hecho sobre el conflicto vasco, pero casi. El narrador interpreta escenas pasadas, habla en primera persona mirando directamente a cámara –casera, ante la falta de medios lo mejor es la imaginación-, deja que las acciones sucedan cuando va a buscar a su amigo Asier salir de la cárcel, y se da el lujo de salir y entrar de las escenas convirtiéndose así en un “hiperdocumental” donde todas las narraciones, voces y dimensiones son posibles.
Se trata de una película íntima y honesta que muestra las eternas contradicciones del ser, bajo el debate de la razón y el afecto en la herida aún abierta que es la independencia de Euskal Herria vs. el reino español. Aitor quiere salvar a Asier, dentro de su visión romántica e ideal de su amigo, quitarle la máscara de la estigmatización creada por los medios durante décadas, mostrarle como persona amada por sus familiares y coherente con sus ideas, pero cae preso de preguntas, dudas e hipótesis. ¿Las acciones definen a las personas? ¿Es posible desde la comodidad del sofá cambiar el mundo sin arrebatar nada o alguien a cambio?

Cine, política, amor, erotismo... ingredientes sugerentes mezclados con una fotografía impecable de claroscuros y tonos anaranjados en el apartamento antiguo del centro de París. Bertolucci retrata la juventud de los 60, la folie à deux y el amor por el cine a través de ideas, de imágenes perfectamente cuidadas en un mismo conjunto. Es una bellísima obra maestra, con unos actores que te invitan a participar en la locura momentánea una y otra vez, tantas veces como la veas.

No es justo infravalorar esta película otorgándole más importancia a lo que se ve, sin ver todo lo que simboliza. No se dejen engañar, Bertolucci no ha contado una historia de deseo y pasión, sino de libertad.

Nothing es un filme sobre la vida misma. una metáfora que abarca las pequeñas cosas más importantes de la existencia humana. Lo más simple y que todos poseemos es lo que nos hace realmente felices. Incluso allí donde parece que todo lo malo nos empuja encontramos el verdadero sentido, porque ser feliz sólo supone tres nociones básicas. Y que la clave más sincera estaba en sí cuando éramos niños. Que lo demás son historias que nos imponemos, que lo mejor es jugar y vagar por el tiempo sin prestarle atención a la noción.

Otra cosa que nos muestra la película: el incoherente e innato sentido del egoísmo autodestructivo del ser humano; y de que el viejo se encuentra siempre con el niño desterrando etapas de las cuales también deberíamos desprendernos.

En esta sociedad del neoliberalismo y la especulación inmobiliaria, donde cada vez más personas tienen cada vez menos y donde el dinero y el poder acampan a sus anchas sucede la película de Dream Home. En la fabulosa Hong Kong como escenario y como lema principal que si vives en una ciudad y sociedad de locos tienes que volverte tú más loco para sobrevivir nos encontramos con el personaje maravilloso de una joven que hará de todo por hacerse con el apartamento de sus sueños. Todo tiene un porqué, y se remonta a su infancia. Macabra y un tanto gore, embalsamada de humor negro que la hace ser una asesina dulce y con un buen gusto para matar. A esta peli me refería cuando comentábamos sobre el nivel de las muertes. Esta tipa sabe matar muy bien y sus víctimas también mueren de una manera original. Hay que verla. Su objetivo es acabar con todo un edificio de vecinos y se carga a los ricos, a los jóvenes niños ricos fumetas que se aprovechan de chicas drogadas para meterles mano, del capullo de su amante y de todo el que se pone por delante para impedirle comprar el piso. Además, aprovecha el director para hacer una crítica de la política del suelo en todo el mundo, del cambio que han dado las ciudades en tan poco tiempo como gran ejemplo las grandes urbes chinas. Volvemos por un momento al circo romano donde el que mejor sangre derramaba mejores aplausos recibía.