The Fabelmans no solo es la cinta más personal del gran Steven Spielberg, sino que también es una de las más grandes de su filmografía, llegando al nivel de sus trabajos más increíbles como La Lista de Schindler, Jurassic Park, Tiburon o E.T. “Fabelmans” es tan asombrosa como maravillosa, hasta diría majestuosa, no solo por su historia y su exquisito guion, más bien por el tipo de película que se presenta en la pantalla.

Pareciera que muchos directores de cine están plasmando de manera ficticias su biografías, y como dije antes, no hay nada más honesto y puro que contar su historia a través de una película, o un libro; a lo largo de la filmografía de Spielberg, vimos algunas pequeñas pistas de lo que fue su vida. Si, de terror a ciencia ficción y a drama, por momentos veíamos un trasfondo que mostraba como estaban construidos los personajes que tenían mucha relación con lo que le toco vivir, de seguro es por eso que sus películas, por más que fueran éxitos de taquilla, se sintieran y vieran más humanas.

“Las películas son sueños que nunca vas a olvidar”, esta frase la dice Mitzi Fabelman (Michelle Williams) cuando lleva junto a su esposo Burt (Paul Dano) a su pequeño hijo Sammy, por primera vez al cine a ver El Espectáculo Mas Grande del Mundo, en 1952. Una vez finalizada la función, el pequeño Sammy queda tan fascinado que no puede dormir, y en su cabeza sigue un imagen particular de la película que presencio por primera vez. A medida que transcurren los años, vemos como las hermanas más pequeñas de la familia van creciendo, como Sammy (Gabriel LaBelle), al igual que su amor por el cine, que hasta incluso toma la cámara de su padre o renta algunas para filmar proyectos propios junto amigos o para captar y grabar momentos junto a su familia. Pero a medida que todo pasa, la vida se interpone en la familia, y como hay momentos de alegría, hay momentos de cambio. Esta lleva a tomar decisiones que generan discusiones, pero Sammy sigue aferrándose a ver la vida detrás de la cámara y no puede dejar de captar momentos y situaciones sin ella, por más que su padre le diga que es un “hobby”, para él es algo más.

Spielberg toma las riendas tan audazmente, que hace que una vez que inicie la película, hace desear más y llega un punto que no querés que termine. Es una historia tan compenetrante que es imposible que llegue a aburrir o a ser densa, son 151 minutos de humor, drama, momentos únicos y frases que se convertirán icónicas a lo largo de la historia del cine. Es un trabajo armonioso donde el guion sabe lo que quiere contar y nada está de sobra. La música de John Williams tiene ese toque de decorar cada escena, haciendo que la banda sonora pareciera real. Las actuaciones son tan convincentes que uno empatiza y comprende la naturaleza de cada personaje. Esta película es un verdadero ejemplo de cómo hacer una cinta de nivel. No solo es una ventana a ver la vida de un grande, sino que también es un homenaje y una carta de amor al cine.

Es bueno seguir apostando por este tipo de películas, y es una experiencia que vale la pena vivirla en cine, siento que quede tan conforme cuando pague la entrada y pude disfrutar de manera tan placentera. Esta cinta, sigue afirmando que Steven Spielberg es uno los cineastas más grande del cine moderno, trayendo historias y proyectos que superaron en expectativas.

Algunos dirán que la industria cinematográfica está en crisis, pues en parte concuerdo, pero sé que hay gente todavía, los verdaderos cinéfilos, que saben que existen este tipo de películas y van a verlas, no solo por verlas porque si, más bien porque saben que tienen algo para contar y contactar con la audiencia. La era de Spielberg no paso, sigue estando, manteniéndose en pie, y con la misma esencia de hace casi 50 años atrás, y dejando huella en cada década y eso no lo hace cualquiera.

Y una cosa más: no pienses que el cine es solo una industria de cortes comerciales, o de productos de superhéroes, no todo concierne a ello, es algo más. Hay grandes películas dando vueltas, solo es cuestión de encontrarlas.

Los colores significan siempre algo, en este caso el azul cobalto es considerado como un color amistoso y apacible, entre sus cualidades incluyen estabilidad y calma. Básicamente esto es lo que siente Tanay, protagonista de la cinta, cuando conoce a este joven apuesto inquilino sin nombre que alquila el piso de arriba de su casa. Cuando está con él siente comodidad, estabilidad y una conexión consigo mismo y con su amante, pero no todo es como lo esperaba.

Ambientada en la década de los noventa en India, Tanay, ya mencionado, vive con su familia compuesta por sus padres, su hermano mayor, Aseem, y su hermana menor Anuja, quien es una chica muy deportiva y amante del hockey. Todo empieza cuando sus abuelos fallecen y el piso de arriba, en el que vivían queda deshabitado; Tanay, un aspirante a ser un escritor, quiere quedarse con el piso para poder tener su lugar y escribir, mirar películas y leer libros que le recomienda su profesor. Un día todo cambia cuando un inquilino misteriosamente apuesto llega, y además de sentir conexión instantánea, se enamora de él a primera vista. En secreto, los dos se encuentran y expresan su amor mutuamente, pero todo cambia el día que su amante y su hermana Anuja desaparecen, y muchas cosas salen a la luz.

Lo que más me gusto de esta cinta es que no se cierra a nada, es atrevida y sutil por momentos. Es una experiencia regocijante, desgarradora, encantadora y hasta esperanzadora. Es como leer un libro o escuchar alguna canción melódica. Las películas de India siempre se las caracteriza por su composición emocional y sus cuadros musicales entre escenas, ésta rompe con eso pero no quiere decir que deje de serlo, es tan pura como cualquier otra cinta bollywoodense. Las actuaciones son genuinas y sobresalientes; Neelay Mehendale, quien interpreta a Tanay da una interpretación auténtica, la emotividad que brinda, no solo trasmite felicidad y embeleso, sino que se puede sentir su angustia y llanto.

El único punto en el que la desplaza solo unos centímetros de ser una excelencia es que la historia está muy bien enfocada en la historia de amor y en lo que siente Tanay, muestra de forma adecuada el contexto historia y las tradiciones de la India, pero sentí que deja por momentos de un lado todo lo que siente Anuja, quien tiene mucho que ver en esta historia. Si, muestra su desinterés acerca las tradiciones de la familia, pues ella quiere dedicarse a la vida deportiva, no a casarse para que su hermano pueda casarse con su respectiva futura esposa. Si se hubiera pulido y dedicado un poco más en ella, hubiera sido exquisito, a no ser que el propósito del director era enfocarse en Tanay, quien es todo en la película.

Más de una vez, me digo a mi mismo que a veces, las cintas bollywoodenses siempre traen algo que otro cine de otro país no tiene, son cintas poderosas con un fuerte mensaje para la audiencia. En este caso, sentarse a verla solo, mirarla, sentir todo lo que provoco y escarbar en el interior, es una experiencia que no todas las películas románticas suelen aportar. Definitivamente, Azul Cobalto no solo es una de mis películas hindú favorita, sino que también del género, por darme lo que mis ojos, mi mente y corazón estaban necesitando.

Y así, como el amor suele ser maravilloso, también duele, dejando cicatrices, una experiencia que de seguro todos cargamos a veces, pero como dice Anuja en un momento de la cinta: "El amor te hace fuerte". Y también creo en eso.

“Prometeo robó el fuego a los dioses y se lo dio al hombre. Por esto, fue encadenado a una roca y torturado por la eternidad”.

Oppenheimer no solo es una de las películas más esperadas del año, sino que también, a mi gusto, una de las mejores. ¿Por qué? No solo por su composición, es un trabajo alucinante con muchos recursos y herramientas bien aplicados, llevados al límite, logrando la majestuosidad y perfección. Lo que la hace mejor es su temática, si la escena de la Prueba Trinity es asombrosa, bien lograda, pero lo que realmente habla es espeluznante: el lado humano. Si bien la escena en el que el Proyecto Manhattan se lleva a cabo, inicia una reacción en cadena de sus repercusiones, todo el contexto que sucede antes y después es igual de exquisito, de hecho, es lo mejor de la cinta.

Christopher Nolan es, en efecto, uno de los mejores directores que ha habido en los últimos veinte años. Muchos han cuestionado su filmografía y otros la han alabado, en cuanto una minoría dice que solo es buen director por haber realizado la trilogía de Batman, lo cuales esos no saben mucho de cine. Nolan es ambicioso y logra un impacto visual, hace que la audiencia se compenetre en 180 minutos de duración, provocando que uno encuentre pensamientos y sentimientos en el trascurso. Su cámara se mueve con perfecta magnificencia y su guión es poderoso en cada ángulo, nada hay sobra, y nada hay de menos. Las imágenes sugerentes y paralelismos de forma no lineal, hace que uno descubra otro trasfondo.

Las actuaciones son fuertes, Cillian Murphy se destaca, haciendo una interpretación brillante, catalogándose como una de las mejores en su carrera. Robert Downey Jr, por su lado, se ha despegado de la franquicia cinematográfica Marvel y volvió al ruedo con sed de superarse, en este trabajo lo hace hasta el último centímetro de piel, una interpretación que para mí, es digna de premiación y reconocimientos. Obviamente, el resto del elenco, Matt Damon, Emily Blunt, Florence Pugh, Casey Affleck, Josh Harnett, Kenneth Branagh, Tony Goldwyn, Gary Oldman, Rami Malek, Alden Ehrenreich, en otros, han aportado talento de calidad, en esta producción de lujo.

La música de Ludwig Goransson es todo, va acompañada de la historia y cuenta lo que sucede y va a llegar pasar, inquietante, tensa, fuerte, pasiva, como un susurro al oído. La mezcla de sonido es envolvente, real. Lo efectos especiales, que son prácticos, repelan un magnitud que hace que el asiento del cine vibre, es increíble que no se haya usado CGI, pues da otra impresión, mas regocijante. El diseño de producción tiene una apreciación única, al igual que el vestuario. Nolan hace funcionar todos estos elementos con armonía, provocando un realismo puro.

Muchos han dicho que la cinta es demasiado aburrida y que no trata de nada. Pues opino que si uno va con la expectativa de ver explosiones los 180 minutos de duración, no vaya, no trata de eso. Sí, es un thriller, a partir de un hecho, y muestra lo que realmente paso y lo que se avecina y si uno quiere ver eso, está en serios problemas. Más de una vez dije el cine es un medio de comunicación y Oppenheimer está para recordarnos lo que somos capaces de hacer y que nuestro destino depende de un hilo. Podemos escapar de la realidad e ir al cine a ver un entretenimiento explosivo, pero cuando uno sale, las cosas siguen igual, peor o mejor, y uno no puede escapar de ello.

En lo personal llego a cautivarme, impactarme y dejarme reflexionando acerca de muchas cosas. Vale la pena la experiencia en verla en cine, vale la pena su duración, vale la pena todo el trabajo, una película que quedara marcada en la historia del cine. Es horrible saber que todo esto sucedió y cosas que están fuera de nuestro alcance y conocimiento puede acabar con todo lo vemos y vivimos. Da miedo saber que tan solo presionan un botón y la humanidad perece en unos segundos.

No solo es ficción, es más real de lo que creíamos.

No esperaba este tipo de película, de hecho, me pedía a mi mismo que no me gustara, pero caí, no solo me gusto, me encanto. Hay algunas cosas que el guion fallo y que son muy notorias pero el resto es majestuoso. Dennis Villeneuve (La Llegada, Blade Runner 2049) trajo, sin dudas, una obra maestra, una película de Ciencia Ficción para esta época.

Las actuaciones son de primera calidad: Rebecca Ferguson, Oscar Isaac, Javier Barden y Josh Brolin, actores con trayectoria dan cátedra. Jason Momoa y Dave Bautista, actores con los que muchos están familiarizados por formar parte de los Universos Cinematográficos de DC y Marvel dieron interpretaciones brillantes. Hasta vi un espeluznante Stellan Skarsgard, interpretando al malvado Barón Vladimir Harkonnen. Pero los que se llevaron mis ojos fueron Zendaya, en el papel de la misteriosa mujer Fremen, Chani; y a Timothée Chalamet, quien interpreta al joven Paul Atreides, protagonista de esta cinta, dándole profundización y sensibilidad.

La música del gran Hans Zimmer, sublime, los efectos especiales son deslumbrantes, el sonido envolvente y esos escenarios auténticos, descriptivos, que generan una atmosfera tan real que nos transporta a ese universo, haciendo que sea una experiencia intergaláctica.

Duna de 1984, dirigida por el único David Lynch me pareció una buena adaptación y una buena película, pero no llego a convencerme. Sera que el ritmo es distinto, el enfoque y como se desarrolla la historia, mencionando que algunos vestuarios eran muy básicos y unos efectos especiales deprimentes habiendo otras películas del género que tenían efectos muy buenos para la época. No poseía malas actuaciones, de hecho, muchas de ellas fueron brillantes, incluso Sting. No fue una de las mejores películas dirigidas por Lynch, pero tenia algo de espíritu.

Duna ¿es la nueva Star Wars? ¿Es El Señor de los Anillos de esta generación? No, no lo es, no se puede comparar. Duna es Duna, y llegó al cine para marcar un antes y un después.

CODA es la película que nos muestra que no solo las palabras y la voz tienen el poder para contarnos qué es lo que pasa o transmitir algo, como todos sabemos el cine de antes era mudo, con el gesto y el cuerpo nos enseñaba y mostraban a dónde querían ir. En este caso, la lengua de señas es el medio comunicador en la mayor parte de la cinta, y no solo vemos el potencial que tiene de transmitir, sino cómo en el cuerpo y el gesto nos cuentan que nos pasa, o más bien, que les pasa a cada uno de los personajes.

De un punto general, dirían que es una historia simplona por lo que trata, pero es más abarcadora de lo que uno piensa. Es una adaptación de la cinta francesa La Familia Bélier (2014), dirigida por Éric Lartigau, que básicamente tienen la misma base, salvo que esta toca el suelo en una manera que genera raíces que salen para ponernos los pies firmes sobre la tierra. Cuenta la historia de Rudy, una adolescente de diecisiete años que trabaja junto a sus padres y hermano en un negocio de pesca, ayudándolos a poder relacionarse con la gente de forma de comunicadora. En la secundaria se burlan de ella por tener la familia que tiene y a su labor a la cual se dedican, un día decide entrar al coro y su profesor descubre algo increíble, tiene voz para el canto y que tiene la posibilidad de estudiar en la facultad, que implicaría alejarse de su pueblo y de su familia, dejándolos indefensos ante una sociedad que no entiende a las personas sordas.

Si bien es un historia acerca de lo uno quiere hacer, pelear por sus sueños, también habla del apego y la dependencia que genera, no es fácil como todos piensan tomar las maletas y echarse al camino, el miedo suele aparecer y la preocupación invade pensamiento y corazón. Me gusta cómo está plasmado y logrado en la cinta, las actuaciones ayudan y aportan demasiado; tiene un guion firme y una dirección segura, bella por momentos, emocionante y graciosa. Vi en El Sonido del Metal (2019) que esta temática acerca de las personas sordas y su lucha y manera de comunicarse no es un negocio lucrativo, es algo real, que está pasando en nuestra vida cuando salimos a la calle, lo vemos. Tal vez el propósito de esta película quiera tocar nuestros corazones al mostrar esta familia funcionar como uno, aceptándose mutuamente, respetándose por más que sean todos diferentes, pero hay cosas que las palabras a veces no son suficientes y tiene que decirse de otra forma... Tal vez el verdadero propósito sea que cada uno de nosotros, en vez de no hacer nada por las personas que son sordas, de entrada diciendo "no entiendo" o burlarse simplemente porque no tienen audición, tengamos que ayudar con lo que sea, aunque sea con un gesto. No todas las comunicaciones son malas, a veces, encontrar una manera de hablar con otros, sin tener que usar palabras, puede llegar a ser algo bueno para todos, y eso, es alentador.