Taiyou Matsumoto gusta de contar historias donde predomina un fuerte valor sentimental. Sin embargo, Matsumoto no es el típico mangaka que basa las relaciones de sus personajes en el poder de la amistad u otra clase de poderes mágicos tan habituales en los shounen. A él le gusta hablar de sentimientos profundos, con un estilo cuasi adolescente orientado a un público adulto. Cercano al de otros mangakas como Inio Asano y compañía, pero alejado de lo que yo considero el "sentimentalismo barato" presente en este tipo de autores, que a menudo se dejan llevar por su faceta adolescente e hipersensibilizan aspectos que nuestro querido Taiyou pasaría por una lupa más sútil, incisiva y humana antes de dejarse llevar por la lágrima fácil.

Ante nosotros se encuentra su obra más adolescente, un spokon de pura cepa que tras pasar por las "gafas de pasta" de Matsumoto se convierte en un producto que nos habla del talento, de la motivación, de la pasión y sobre todo de la vida. Todo ello sin dejar de lado apartados como la amistad y el esfuerzo tan presentes en el spokon pero pasados por un filtro realista que es impuesto por sus personajes. Y es que hablemos de lo que hablemos siempre acabaremos llegando a la misma conclusión, la grandeza de Ping Pong reside en sus personajes. Obviamente la dirección de Yuasa ayuda a transmitir la sutileza del manga pero Smile, Peko, Wenge, Kazama y Sakuma son únicos y en ellos reside la fuerza de la serie. Cada uno representa uno de los 5 lados de el "dado" que es la vida, aunque en esta serie la vida sea el ping pong como es típico de los shounen. Todos ellos tienen sus más y sus menos, sus puntos oscuros y sus debilidades y su cometido en la serie es un paso más en el arquetipo del spokon, una deconstrucción del género y una muestra de lo que Matsumoto puede hacer con un argumento tan trillado y de porque es único en su especie.

La obra no es redonda, presenta limitaciones debido a su naturaleza de spokon y en algunos puntos la historia se puede perder en su sentimentalismo sin aportar nada interesante pero con solo mirar a sus personajes y ver lo bien que están construidos y lo bien que te llegan, la relación de amistad entre Peko y Smile que es una clara deconstrucción de la típica relación del shounen, la relación entre Sakuma y la derrota, la falta de talento de Kazama, Wenge (el mejor personaje de la serie que es un tema en sí mismo), el relevo generacional también deconstruido del típico spokon...

Son muchos temas y aunque no todos son tratados de la forma que debieran, es una obra que me llegó al alma, sus personajes me llegaron al alma y fue la primera obra que me hizo ver que el manganime era otra cosa y que me abrió la mente de verdad y me hizo dejar de ser "otaku". Sumale eso al gigante de la animación Masaaki Yuasa y a una banda sonora espectacularmente buena para proceder de un grupo (o varios) de J-Rock genérico y tienes un anime que estoy seguro que no te dececpcionará aunque no te llegue tan hondo como a mí.

No quiero hacer una crítica extensa porque no lo merece.

Es una serie que contiene todo lo malo del manganime condensado en 13 capítulos. Ecchi excesivo y sin sentido (sexualización de las mujeres como si fuera porno barato), personajes estereotípicos que actúan como niños excesivamente hormonados, apelación a la pedofilia y al incesto como algo normal e incluso bonito, tramas forzadas, deux ex machinas por doquier y en general una oda a la cultura moe que me parece enfermiza y denigrante.

Es simple porno para otakus camuflado en una historia que parece escrita por enfermos mentales que aprovechan cualquier mínimo despiste para meter ecchi y utilizar a las mujeres como si fueran simples objetos de placer.

Esta serie es una bazofia porque promueve ideas retrogradas y porque su historia y sus personajes son clichés basiquísimos, solo se entiende esta serie como un producto de laboratorio para otakus, fuera de este contexto la serie sería aborrecible para cualquier persona con mentaidad moderna.

PES es un animador diferente, su estilo stop-motion ligado a su reticencia a contar historias con personajes humanizados le obligan a tener que sorprender en cada corto con conceptos que no se adhieren al estilo narrativo convencional. A mí no me gusta su estilo. Me parece que por mucha calidad que pueda haber en los modelos que utiliza para su animación y por mucho mimo y detalle que meta en cada una de sus tomas, nunca consigue transmitir nada más allá de las simplezas, que por muy originales que sean, siguen siendo conceptos que no trascienden más allá de un gesto de sorpresa en el espectador. Muchos de sus cortos más alabados como Game Over, Western Spaghetti (y sus secuelas) y The Deep, son simples demostraciones de su potencia como animador y de su capacidad para trasponer conceptos no originales a su mundo, a su estilo y a sus modelos. ¿Qué capacidad creativa/artística debo valorar en sus cortos más allá de su orginal pero vacuo surrealismo/costumbrismo?

Cuando llegué a este corto pensé que sería como el resto de sus mejores cortos, y más o menos acerté. Este corto explora la evolución de los vehículos "mecanizados" de la compañía Honda, en él vemos algunos de los vehículos más representativos de la compañía ordenados con una maestría excelente. En un fondo dónde se ven los planos de muchos de los vehículos de Honda se desarrolla una acción que se mueve siempre hacia delante, hacia el fúturo. PES aprovecha cada uno de los detalles de los vehículos para conseguir dinamizar este movimiento y metamorfosear al vehículo "protagonista". No hay sentimientos, no hay emociones, pero hay máquinas y hay una idea detrás de cada decisión que explica cada uno de los campos dónde se ha desarrollado la historia de la compañía. Es la idea más original y más interesante que ha tenido PES y la que mejor ha sabido plasmar, probablemente debido a la infinidad de medios con los que contaba, que le ha permitido lucirse en cada uno de los planos utilizando multitud de técnicas de la animación stop-motion que otros no habrían ni soñado.

Puede que este corto no sea el tan ansiado arte que están buscando muchos otros animadores, pero lo que es innegable es la prodigiosidad y el trabajo que hay detras de él.

*Si alguién lee esto. Antes de darle al botón de voto no útil, me gustaría que al menos leyerais la crítica.*

Para mí Zankyou no Terror terminó siendo un intento fallido de hacer un anime maduro. Es un intento porque se ve que la serie intenta tener una trama adulta abordando la ingeniería genética y es fallido porque es superficial tanto en su trama como en sus personajes los cuales terminan siendo estereotipos con un desarrollo fallido a pesar de los muchos intentos de Watanabe de profundizar en ellos mediante flashbacks.

Los personajes secundarios son una visagra que carece de rasgos humanos reales y que solo está ahí para avanzar la trama y poner en apuros a los protagonistas. Un investigador que parece sacado de Monster y que resulta realmente interesante en el que no se profundiza y una caricatura (inferior) de L metida a presión como antagonista sin una razón realmente importante.

Ante estos personajes los protagonistas no experimentan ningún desarrollo y de hecho resultan bastante aburridos porque su único rasgo importante es su superinteligencia que no se llega a demostrar y que termina funcionando como una simple excusa para resolver problemas y situaciones sin que parezca una conveniencia argumental (aunque obviamente lo es porque no son inteligentes de verdad). Sumados y/o adheridos a esta conveniencia argumental de la inteligencia se encuentran muchos fallos o incosistencias que dejan salir a relucir un guión flojísimo. ¿Cómo es posible que entren y roben plutonio de manera tan sencilla?, ¿Cómo es posible que no maten a nadie?, ¿Cómo es posible lo del tablero de ajedrez o cuando guía a la chica para salir del edificio? Ah se me olvidaba, son superinteligentes.

Los temas filosóficos terminan siendo superficiales porque sumados a los errores antes nombrados se encuentra el final que termina siendo una solución tremendamente infantil y surrealista que al contrario de como se hizo en Watchmen (que es la primera obra que se me viene a la mente), no se utiliza como parodia sino que se toma en serio y resulta ser la conclusión final de la serie. Los personajes principales no son experimentos fallidos de la genética que se rebelan contra el mundo, son “niñatos” pretenciosos que sueltan 4 frases filósoficas y utilizan el terrorismo como modus operandi sin pararse a pensar ni a reflexionar si este serviría para algo o porque hacen lo que hacían.

Por tanto la serie falla al profundizar en temas filosóficos por su superficialidad y también falla como trama detectivesca al descuidar a sus personajes y presentar un guión demasiado débil y lleno de conveniencias como es típico de los animes. Es la demostración de que incluso este anime, que fue de los mejores de 2014 y cuya animación está muy cuidada, no consiguen sacar a la industria del estado zombie y de estancamiento en él que se encuentra. Shinichiro Watanabe demuestra en este anime que no tiene el talento suficiente como para crear una buena trama lineal y que lo suyo son tramas episódicas en las que destacan el carisma de los personajes y el apartado directivo.

En su ambición sin límites, Pixar se embarca en un proyecto inigualable. Nada más y nada menos que el proyecto más ambicioso que un servidor ha visto no solo en una película animada, sino en el cine en general (aunque tampoco he visto tanto). Se trata de estructurar la mente humana y con ella el cerebro, ese órgano del que la ciencia desconoce casi por completo su funcionamiento.

En un arranque de creatividad sin límites, Pete Docter y su equipo consiguen estructurar la mente humana de forma inigualable. Cada rincón de este maravilloso lugar es néctar de los dioses, cada referencia es brillante y en conjunto consiguen explicar y crear una teoría de cómo funciona la mente que es casi tan verosímil cómo la visión actual de la ciencia. Quizás sea cuando la mente interacciona con el medio real cuándo vemos los primeros problemas, las islas de la mente son demasiado simplistas para explicar una realidad tan compleja, las emociones no son tan sencillas... ¿Pero qué importa? Si nos podemos quejar de esto es porque Pixar ha hecho fácil lo difícl, ha creado de forma dinámica y divertida una estructura mental brillante, es evidente que hay fallos, ni los propios científicos saben cómo funciona la mente humana. El subconsciente, el lugar dónde se crean los sueños, el propio concepto de recuerdo y de pensamiento en forma de bola, son ideas sensacionales que se acoplan a un mundo jamás visto en la animación.

Las emociones están genialmente caracterizadas pese a su simpleza. Y digo simpleza pero no es verdad, porque las dos emociones protagonistas son personajes complejos que a medida que avanza la película evolucionan, se descubren y por encima de todo descubren su lugar en el mundo y la sinergia que existe entre ellas. La dinámica entre Tristeza y Alegría que ocupa una de las tramas principales de la película es brillante, porque Pixar hace chocar a dos caracteres tan opuestos de una forma sútil y para nada forzada, consiguiendo marcar cada una de las etapas del viaje que realizan e ir cambiando progresivamente los diálogos y la forma de hablar de los dos personajes para culminar en un clímax brillante que quizás no zanje la película cómo me habría gustado a mí pero sí zanja el arco correspondiente de una forma espectacular. Aunque la historia que sucede en el mundo real es algo cliché, cada diálogo de las emociones interiores aporta un humor inteligente pero a la vez situacional, transformando lo cotidiano en ingenioso y apelando a lo más hondo del espectador al tratar recuerdos y situaciones que todos hemos vivido.

Pete Docter crea una película brillante, con ráfagas de genialidad eclipsadas por la propia ambición de la idea que terminan eclosionando en la película que hemos visto. "Del Revés" es la película más diferente de Pixar hasta la fecha y sobre todo, la más ambiciosa.