Con el paso de los años, algunos cineastas del otro lado acaban por recibir el reconocimiento merecido, e incluso por convertirse en verdaderos clásicos. Es el caso de Edgar G. Ulmer, prófugo de la Europa expresionista, que se vio condenado en Holliwood al callejón de la Serie B, pero que supo sacar adelante, con escasos medios y menos dinero aún, verdaderas joyas cinematográficas, capaces de convertir las carencias en ventajas y los defectos en virtudes.

Barba Azul es, quizá, uno de los ejemplos más singulares y gozosos del buen hacer de Ulmer, adaptación de una obra de Charles Perrault, con un John Carradine encarnando a un psychothriller con aires góticos y freudiano, el que sería papel favorito de toda su carrera.

Serie B con el reconocimiento que se merece.

Me encanta Larry Cohen y todo lo que hace, gracias a esta película empecé a interesarme por los parámetros más extraños del cine. Hace ya bastantes años estaba yo solo en casa aburrido sin nada que hacer como siempre y me encontraba viendo una detrás de otras todas las película que me ofrecía el ya inexistente Canal 18, pero fue una en especial la que aquel día me marcaría ya que trata sobre una golosina que influye en aquel que lo come convirtiéndole en un zombie. En el momento más importante de la película cuando una masa enormemente deliciosa persigue a un niño vino a buscarme un amigo y su reacción fue: "Pedro tío que estas viendo". Pero aquel enorme parásito parece que salió de la pantalla influyendo en nuestras mentes porque no podíamos dejar de verla. Hay un momento increíblemente bueno en la película cuando el niño protagonista come espuma de afeitar para engañar a sus padres y así poder librarse de la influencia del yogur asesino.

Larry Cohen es un director experimentado de los 80, creador de muy buenas películas como la ya mencionada In natural, Estoy vivo, demon, maniac cop(como productor). Su gran handicap fue no realizar una película de estudio, dar el salto de la serie B hacia una superproducción para así poder ganar algo de fama ya que sus películas demuestran que cuenta con capacidad artística suficiente como para poder tener una gran producción a sus espaldas.

Ha tocado varios géneros, Gangsters, ciencia ficción, terror, blackploitation; ha trabajado con grandes directores y actores como Pam Grier, David Carradine, Michael Moriarty, Willian Lustig; ha trabajado en como guionista en series como Colombo por lo que yo creo que son méritos más que suficiente como para que se le de el reconocimiento que merece en el mundo del Cine.

The bird people of China, es lo opuesto al típico cine de Miike como puede intuirse con sólo leer el resumen argumental de la película: un joven empresario japonés viaja a una remota provincia de China para revisar lo que parece ser una valiosísima veta de jade, en el camino se le une un veterano, violento y traumatizado yakuza a cuya banda la empresa del joven debe dinero y que ha viajado para confirmar las posibilidades de cobro del mismo. Tras un viaje largísimo y accidentado, en el que aprendemos mucho sobre las no siempre evidentes diferencias entre chinos y japoneses, llegan a una villa casi medieval en un paraje hermosísimo en el que el tiempo parece haberse detenido y donde existe una rara obsesión por el vuelo. Allí ambos personajes cambian, aunque el argumento es irrelevante en relación a una película cuyo principal, aunque no único, valor es la belleza visual, capaz de hacer enrojecer de vergüenza a cualquier película de Francis Ford Coppola. Con esta película el director demuestra que es capaz de asumir una narración ortodoxa de forma rigurosa, consciente y prescindir de elementos tan pisoteados por él en otras ocasiones como la psicología de los personajes o la más básica coherencia dramática

Una de las lecturas de esta película es como la fuerza de la belleza puede cambiarlo todo, el personaje que encarna al Yakuza se muestra como una persona fría, fiel a sus principios, es el típico personaje de cualquier película de Miike que no hace más que representar la degradación total de una sociedad privada de emociones y metas. Una vez que llega a ese paradisíaco lugar cambia completamente. Influenciado por el lirismo, la belleza de la madre naturaleza y esa rara cultura milenaria dedicada al estudio de la capacidad de volar, se va transformando poco a poco en el ermitaño encargado de preservar ese lugar frente a la civilización, olvidando no solo la deuda sino también su pasado Yakuza.

El director muy criticado en otras ocasiones por la baja calidad del montaje de sus películas (debido quizás a su alta productividad) demuestra que es capaz de hacer una película con una buena técnica y unos planos generales y panorámicas bellísimas.

En conclusión es una película cargada de humor, fantasía y sobre todo unas pretensiones artísticas que consigue perfeccionar de tal forma que nos hace ver la belleza de un mundo que poco a poco va perdiendo fuerza a golpe de ladrillo. Takashi Miike no hace más que mostrarnos una sociedad por la cual, la civilización ha pasado de largo llevándose consigo el horror y el terror que ello conlleva. Sin embargo sus hombres-pájaro siguen volando y recordándonos, más armoniosos que la ultra-violencia de sus otras películas, que las auténticas sensibilidades rara vez se limitan a un sólo color expresivo.

Solteros es una película magistralmente dirigida por Cameron Crowe alla por 1992, este film me ha resultado tan grato que me voy a esmerar un poco en su análisis y lo voy a realizar por partes.

Primero voy a hablar de la parte técnica, se nota que es una de las primeras películas del director, con pocos medios y presupuesto pero que compensa con grandes alardes de creatividad. Como le pasara a otros directores con películas como Following, Clerks o PI (las tres primeras que se me han venido a la cabeza), Crowe contrarresta ese poco presupuesto y escased de medios con originalidad e innovación en cuanto a planos, parece que cuando un director cuenta con mayor presupuesto se le olvidan esas ganas de innovar y hacer cosas diferentes, como le pasara a otros directores con películas como Batman Begins, Una chica de Jersey o el luchador (de nuevo las tres primeras que se me han venido a la cabeza), en cuanto a esto Cameron Crowe no es una excepción puesto que parece que ahora se le ha olvidado el objetivo del cine, contar historias. Llevamos al final de la primera parte de la critica que me sirve de introducción de la segunda parte, el guión, la historia.

En principio si miramos la sinopsis, la película parece simple y bastante repetitiva, no es más que la historia de amor de un grupo de solteros, pero sin embargo el director coge ese argumento tan, a priori, simple y le da un toque diferente. La historias la van contando los propios protagonistas, contándola por bloques, dirigiéndose a cámara, haciéndote participe de la historia y consiguiendo que te sientas extrañamente identificado los devenires del guión. Pero sin lugar a dudas lo mejor de todo, lo que más me ha gustado y me ha echo apasionante, ligero y pegadizo el argumento es que esta aderezado con la movida musical de Seattle de los 90 y las continuas referencias a la música grunge. Pintadas en la pared de Mother love bone, camisetas de mudhoney, minutemen, green river y por supuesto ver en directo al bueno de Layne con Alice in Chains y a Chris Cornel con Soundgarden, incluyendo un pequeño cameo de este último y también de Eddie Veter. La referencia más clara al Rock Alternativo es el personaje encarnado por Mat Dillon, un grunge como los que ya no hay, cuyo grupo musical Citrizen Dick acaba de sacar un single llamado Touch me, I am Dick. (Referencia clara a la canción que dio fama a Mudhoney, Touch me I am Sick).

En definitiva, un retrato de la generación X a través de tres historias de amor amortiguadas con buena música cuyo visionado se hace muy grato.

Salvaje es un clásico del cine, Marlon Brando interpreta el papel de Johnny, líder de una banda de moteros que han invadido una pequeña ciudad creando el caos allá por donde pasan. Salvaje es uno de los mejores trabajos personales de Marlon Brando, el personaje de Johnny es un inconformista, introvertido y solitario motorista que a lo largo de los 80 minutos de película no deja muy claro cuales son sus pretensiones, sus inquietudes, va divagando de fotograma en fotograma buscando una salida que ni el mismo sabe cual és. En la película conoce como no a Kathie, una buena chica que le hará ver las cosas un poco mejor y de otra forma. Cuando realmente esta dispuesto a cambiar choca con la incomprensión de la gente, que no es más que una causa de sus propios actos.

Todavía hoy esta historia de una panda de motoristas que aterroriza a un pequeño pueblo es imitada y evocada continuamente sin embargo, no es más que una variante de solo ante el peligro, del mismo director, Laszlo Benedek.