Cuando toda la crítica y el público se rinden en elogios hacia una película, a mí me echa atrás. Este año que por diversas cuestiones no puedo disfrutar del Festival de San Sebastián tanto como en años anteriores he sido muy cuidadoso en elegir dos películas, las únicas que veré. Una de ellas, tenía que ser la que para la gran mayoría de críticos y afortunados que la han visto en diversos festivales está siendo la película del año: ‘Call Me By Your Name’.

La película cuenta la historia de amor entre Oliver, un joven estudiante que pasa un verano junto a una familia italiana, y Elio, el hijo de esta familia. De una forma totalmente sutil, con miradas, pequeños gestos y un guion al servicio de un amor que traspasa la pantalla, el espectador se enamora junto a ellos de esta relación sobre la que habla ya todo el mundo. Ha pasado por Melbourne, Sundance, Berlín, Toronto… y ahora San Sebastián. Trata de buscar una crítica negativa, ya llegarán por los tristes de siempre, y no encontrarás ninguna.

Como película no encontraremos novedades en ningún lado. Seamos sinceros, hay miles de películas con más derroche técnico, planos más originales y que aportan una revolución mayor al mundo del cine. Lo que hace diferente a ‘Call Me By Your Name’ no es su forma de estar rodada, la película consigue crear uno de esos amores que no se quedan en la pantalla, inundan el corazón del espectador y se van con él una vez que ha abandonado la sala. Es una de esas películas eternas, y eso que todavía no se ha estrenado en salas de cine.

Comienza de forma muy muy pequeñita pero no para de crecer en ningún momento. La evolución es continua, pero lógica y totalmente coherente, se cocina a fuego lento, como los mejores guisos. Llega hasta tal punto ese crecimiento que como espectadores nos caemos rendidos al final igual que los propios personajes. Es sensual, emotiva, especial, inocente, vulnerable, potente, poderosa, brillante… No podría escatimar en elogios hacia esta película que ya es un clásico sin haberse estrenado y que está llamada a ser una película de culto.

Como gran virtud, ‘Call Me By Your Name’, la película, consigue redondear de forma mucho más eficaz que el libro la historia de amor. En la novela de André Aciman falta concreción, sobran elementos y faltan otros que nos sitúen realmente en el tiempo y el lugar que narra la cinta. El guion de Luca Guadagnino (director también), James Ivory y Walter Fasano, elimina toda la paja, hace crecer la historia con pequeñas pinceladas que nos transportan al momento histórico y le aporta la vivacidad y rapidez de la que carece en ciertas ocasiones la obra de Aciman.

Es de agradecer también que el guion no haya omitido los grandes momentos de la novela. Especialmente interesante es el tercio final, muy diferente a la novela, pero que sigue manteniendo los momentos álgidos de la misma. La charla final que mantiene el personaje de Timothée Chalamet con su padre, Michael Stuhlbarg, es absolutamente impresionante. Me podría arriesgar y decir que es la mejor escena de toda la película.

En el plano actoral, Armie Hammer aporta la parte sensual a la cinta, y su actuación enamora. Pero si hay alguien que se destapa como toda una revelación, se come la pantalla y al resto del reparto es el joven Timothée Chalamet. El joven actor resiste sobre sus hombros todo el peso emotivo de la película. No haré spoiler, pero el plano fijo de los títulos de crédito bien merece un Óscar. El juego de miradas y gestos entre los dos es una delicia difícil de rechazar.

Es tan veraz la cinta que uno no puede resistirse a querer verla una vez más. En el pase al que pude asistir en el Zinemaldia escuché a varios espectadores que comentaban que ya habían visto la película y que estaban allí repitiendo experiencia, y pagando su correspondiente entrada. Tras verla, uno entiende cómo la cinta sobrevive en uno mismo, tanto que no pude dejar de pensar en sus paseos en bicicleta, sus paisajes, sus diálogos, sus melocotones, su sencillez y su vivacidad durante horas. Simplemente, brillante, apabullante, imprescindible.

Me voy a repetir, pero para concluir no puedo hacerlo de otra manera. Si todo el mundo habla de ‘Call Me By Your Name’ es por algo, es por derecho la mejor película del año. La cinta que ha recibido el aplauso más estruendoso y duradero de todas aquellas películas que he visto estos últimos tres años en el Zinemaldia. Es una obra maestra, y sin haberse estrenado todavía es ya un clásico y una película de culto.

Lo mejor: Consigue traspasar la pantalla, es uno de esos amores de película que durarán generaciones y generaciones.

Lo peor: Que habrá que esperar a febrero para volver a verla cuando se estrene en cines.

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'La trinchera infinita' ha sido una de las más gratas sorpresas en el último Festival de Cine de San Sebastián. Una película que ya prometía por los nombres que estaban tras ella, pero que ha venido a confirmar del todo su candidatura a la temporada de premios. Los de Moriarti lo han vuelto a hacer, incluso firman aquí su mejor película hasta ahora, desnudando la historia de todos los elementos posibles. Una cinta desnuda que saca a relucir a la España condenada a vivir escondida durante tres décadas.

La historia nos traslada al sur de España. En plena Guerra Civil Higinio es perseguido por su pertenencia a grupos políticos de izquierda. Un vecino lo denuncia por ser responsable de la muerte de su hermano. Tras ser capturado y conseguir huir se esconde durante 30 largos años en su casa, primero en el hueco debajo de unas tinajas llenas de aceite y después en el estrecho hueco detrás de una falsa pared. 30 años en los que ve pasar la vida mediante imágenes que captura por un pequeño agujero detrás de un espejo y las pocas interacciones con su mujer y su hijo.

'La trinchera infinita' nos encierra en las cuatro paredes donde Antonio de la Torre pasa toda la película. Excepto por unas pocas escenas iniciales y la final, toda la cinta transcurre en el mismo espacio. Jon Garaño, Aitor Arregi y José Mari Goenaga consiguen hacer una película tremendamente interesante y entretenida desnudándose de elementos y enclaustrando la trama. Todo un logro.

Los directores de 'Loreak' y 'Handia' crean sin duda su mejor película hasta la fecha, siendo también su primera película no rodada en euskera, aunque esto no es más que una anécdota. Buena parte del mérito de 'La trinchera infinita' recae sobre los hombros de un Antonio de la Torre que sigue en estado de gracia y de una Belén Cuesta que ya pide a gritos el Goya que se le debe desde hace años. Lo que los dos actores hacen aquí es magia y, con de la Torre, ponen todavía más difícil la categoría de mejor actor en la próxima temporada de premios. Agarrémonos, que vienen curvas.

En cuanto a la historia la cinta la cuida con tremendo mimo. Desde el acento, uno de los aspectos que más comentarios positivos ha generado entre los espectadores de la cinta, hasta el vestuario, maquillaje y decorados, todo a un nivel altísimo. Pero el verdadero poder de 'La trinchera infinita' es su propia historia, su propio argumento. Cuando el cine español destapa los aspectos más desconocidos de la Guerra Civil y el Franquismo, aunque sea muy manido eso de que no habla de otra cosa, no es verdad, brilla sobremanera.

Aunque pueda parecer una historia delirante, 'La trinchera infinita' funciona porque sabemos que es verdad, que esto ocurrió. Hubo muchos Higinios y muchas Rosas que pasaron un tormento durante la Guerra Civil y los años que la siguieron. Un drama que cala en el espectador, mucho más que la lluvia que acompañó el pase del domingo por la mañana, y que termina en la ovación cerrada de un Kursaal abarrotado. No perdamos de vista esta película.

Lo mejor: Las actuaciones de su dúo protagonista, están de Goya. El diálogo en el que Belén Cuesta describe cómo es Franco a Antonio De la Torre es impagable e indescriptible, hay que verla.

Lo peor: Tiene por delante una temporada de premios con 'Dolor y Gloria' y 'Mientras dure la guerra', ahí es nada.

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Se lleva hablando mucho de 'Beautiful Boy' desde hace meses. Se comenta que puede ser una de las candidatas a los premios Oscar. Pero rara vez se habla de ella como una gran película, se mencionan las actuaciones y poco más. Con razón.

Vamos a ver, no es que 'Beautiful Boy' sea una mala película. Es una película correcta, bien hecha, se deja ver y no aburre. Afronta su problemática de forma adecuada, tiene un guion solvente y una escenografía interesante. Pero no termina de despuntar por ningún aspecto técnico.

El trabajo de Felix Van Groeningen tras la cámara queda oculto porque se ha dedicado a rodar una película que bien podría ser un telefilme muy bueno, pero es una película de circuito comercial muy de cumplir con el expediente. No llega a la altura del otro gran melodrama de Amazon Studios, 'Manchester frente al mar'. La película, excepto unos pequeños destellos finales, no consigue emocionar. Aleja al espectador del fondo, relegado a una forma poco gustosa.

Pero sí hay algo por el que 'Beautiful Boy' destaca, y lo hace con razón: las actuaciones. Su trío protagonista, descarto a los demás personajes por ser meramente secundarios que pasaban por ahí, da una lección de interpretación. El trabajo de actuación en esta película es uno de los pocos disfrutes con los que nos quedamos.

De los tres la menos protagonista es Maura Tierney. Tiene poco diálogo, pero el silencio en ella habla y mucho. Tiene una escena potentísima en el tramo final y consigue desde su posición secundaria darle el punto emotivo lacrimógeno del que carecen en gran medida los personajes de sus dos contrapartes.

El joven Timothée Chalamet, no lo pienso definir como una promesa, ya es una realidad, vuelve a brillar con luz propia. Si bien su papel no es tan disfrutable y redondo como el de 'Call me by your name', sí que consigue despertar el sentimiento de lástima, de desesperación y angustia. El torbellino emocional de su personaje, canalizado en las drogas, encuentra aquí su cénit. Especialmente bien en la parte final, flojea en un inicio más dubitativo donde su padre en la ficción le gana la partida.

Ese padre ficticio es Steve Carell, el auténtico protagonista de la cinta. Sí que exploramos el dolor del hijo, pero la cinta se centra mucho más en cómo la caída en desgracia de un hijo cambia radicalmente la vida de unos padres. Carell, que ya viene desde hace años demostrando su enorme potencial como actor, aquí se termina de reivindicar. Lo hace, además, al lado de dos grandes de la interpretación como Tierney y Chalamet, que si bien lo hacen de nota, no alcanzan a Steve Carell.

¿Es suficiente el apartado actoral para que la película sea considerada como interesante de ver? Pues depende. Olvidándonos de lo olvidable que resulta todo lo demás y de la tibieza a la hora de afrontar el tema de las drogas, las actuaciones quedan como una gran opción para hacer la película disfrutable.

No digo que sea mala, pero tampoco es una obra maestra. Es una película más, que podríamos ver un domingo por la tarde y que sobresale por sus actores, auténticos artífices de salvar una función que sin ellos sería todavía más pasable.

Lo mejor: Las interpretaciones, de lo mejor que hemos podido ver este último año.

Lo peor: La película, aunque no sea aburrida, no tiene nada memorable y pasará sin pena ni gloria por la mente de los espectadores.

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Al igual que hiciera Tim Burton con ‘Ed Wood’, James Franco se atreve a llevar al cine el proceso de rodaje de ‘The Room’, la que está considerada como peor película de la historia. El mayor de los Franco se toma muy en serio este proyecto, así que no te esperes que caiga en parodias o en ridiculizar a ningún personaje. Lo mejor de la comedia de ‘The Disaster Artist’ es ese respeto y cierta admiración que muestran los hermanos Franco por estos personajes tan peculiares que decidieron hacer carrera en Hollywood.

La película narra el proceso caótico de rodaje de ‘The Room’. Desde el mismísimo histrionismo de los personajes, vamos viendo paso a paso lo que tuvo que ser un proceso de rodaje infernal para cualquiera. Un delirio de una mente que creía que valía para un industria tan complicada como la del cine y que intentó contar su vida de forma seria, provocando finalmente el estallido en carcajadas de los espectadores. Eso sí, esa película hoy le ha convertido en una estrella, en el director, actor, productor, guionista… de la peor película de la historia del cine.

Al igual que ocurrió con ‘Ed Wood’, la película que contó la vida del “peor director de la historia”, aquí encontramos un puñado enorme de lo más granado de Hollywood. Además de James Franco y Dave Franco, tenemos a Josh Hutcherson, Seth Rogen, Zac Efron, Sharon Stone, Bryan Cranston… La meca del cine se ha peleado realmente por salir en este delirio sobre un delirio.

Podríamos decir que es una de las mejores comedias del año y, definitivamente, la mejor película dirigida por James Franco. Se ha tomado el papel de director y actor totalmente en serio. Para los que no hemos visto ‘The Room‘, ya tengo tarea pendiente, puede parecer que la actuación de los Franco está exagerada para provocar la risa fácil, que los personajes se llevan hasta el extremo… pero no. Muy hábil, el actor y director nos regala una comparación entre la original y el homenaje, porque esto no deja de ser un homenaje, entre Tommy Wiseau y James Franco.

Y, ojo, que esta interpretación de “lo peor” puede hacer que James Franco pelee muy fuerte por llevarse alguna que otra estatuilla en la temporada de premios. Su actuación es genial, cada plano, cada escena, cada secuencia, lo borda. Está tan metido en el papel que puede llegar a dudar el espectador si realmente está actuando o es así. Venga, va, me voy a arriesgar, además de ser su mejor película como director, esta es su mejor actuación.

Como apunte final, la ovación que recibieron los hermanos Franco en el Kursaal fue estruendoso y prolongado. Todos los títulos de crédito estuvieron acompañados de aplausos y vítores por parte de un público entregado a esta peculiar historia. El público del Festival de San Sebastián es educado, educadísimo diría yo, pero cuando algo le gusta lo demuestra, y cuando no, también. Donostia se ha rendido a ‘The Disaster Artist’. Ah, y que nadie salga de la sala hasta que terminen los créditos finales.

Lo mejor: Es absolutamente genuina, y extremadamente respetuosa.

Lo peor: Podrían haber incluido más escenas del rodaje de ‘The Room’.

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'Mi mejor amigo', película dirigida por Martín Deus, es un coming-of-age que sigue el viaje emocional de dos adolescentes durante unas semanas en la Patagonia. Caíto (Lautaro Rodríguez) hijo de un viejo amigo de los padres de Lorenzo (Angelo Mutti Spinetta) va a vivir durante un tiempo con ellos por problemas que está teniendo en su casa. En esta convivencia entre el conflictivo Caíto y el introvertido Lorenzo surgirán roces que los llevará a cuestionarse diversos aspectos de su vida.

Se podría leer la película desde dos perspectivas, la de cada uno de los dos protagonistas. En el caso de Caíto, la historia que narra 'Mi mejor amigo' es la válvula de escape de un entorno donde la falta de amor, los reproches, las drogas y la violencia han viciado el día a día. Además de escapar de todo eso, Caíto busca la forma de huir de un episodio violento que ha protagonizado, y que más tarde descubriremos que no terminó demasiado bien. Para Caíto, su vida en la Patagonia le permitirá conocer aquello que le faltaba en su vida anterior, encontrará un amigo, una gente que le quiere y le apoya, un entorno donde se preocupan de él.

Si miramos la película desde el punto de vista de Lorenzo, tenemos el viaje emocional de un adolescente que se cuestiona su propia sexualidad y su lugar en el colegio y con sus amigos. Lorenzo no encaja en el equipo de fútbol, ni con las chicas, ni los chicos, se encuentra en un limbo del que es complicado salir en una edad donde la "manada", el grupo, dicta la forma de vivir. Lorenzo encuentra en Caíto la persona que no lo juzga por su forma de ser, encuentra solución a sus inquietudes y dudas.

Ninguno de los dos termina la película en el mismo punto en el que empezó, lo que engrandece más a 'Mi mejor amigo'. El viaje, aunque no termine con final feliz, termina en un punto distinto, lo que siempre merece la pena cinematográficamente hablando. Ambos personajes, aunque evolucionen, a mejor, siguen siendo todavía presa de sus propios tormentos, lo que les impide dar pasos más valientes cuando más necesarios son esos pasos.

Martín Deus nos conquista con una bellísima fotografía, una banda sonora interesante pero no protagonista y un guion sencillo a la par que emotivo. Las decisiones artísticas que toman funcionan a tenor de la respuesta del espectador al final de la cinta, algo complicado porque en la mayoría de ocasiones no verbalizan lo que se mueve en su interior. El regusto amargo final es brillante, pero porque es la vida misma, 'Mi mejor amigo', es la vida misma, la misma que no siempre te da lo que quieres de ella. No he podido no acordarme de la película vasca 'A escondidas', con la que guarda más semejanzas en muchos momentos.
En el aspecto negativo está algo que reprocho en muchas ocasiones a películas de contenido LGTB (aunque no sé si esta se puede encuadrar en este grupo, bueno, me tomo esta licencia), y es un final más positivo. Sé que este final es necesario y encaja con la historia, pero escasean tanto las películas LGTB con final positivo. La falta de medios se nota también en muchos casos, aunque el aprovechamiento de los escasos recursos es más que notable. Lo mismo ocurre con la poca experiencia de los actores, que se deja notar en ciertos momentos, aunque en líneas generales hagan una más que notable interpretación.

En definitiva, una película amena de ver, con una historia que engancha y con la que cualquiera puede identificar sus años de adolescencia. Una cinta para seguir conociendo más del maravilloso cine argentino que se está haciendo últimamente.

Lo mejor: La capacidad que tiene de decir sin decir. Maravilloso tratamiento de personajes que, afortunadamente, evolucionan, y mucho.

Lo peor: Se nota la falta de medios y ciertos clichés, pero no lastran el conjunto general.

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