Richard Brooks adapta de nuevo al gran dramaturgo Tennessee Williams, tras La Gata sobre el tejado de zinc, y para ello cuenta de nuevo con Paul Newman.
De nuevo es un drama sobre la rancia sociedad sureña: un cacique se impone entre el amor de su hija y un joven del pueblo, mandándole a éste a Hollywood donde allí perderá toda inocencia (su dulce pájaro de juventud) en busca del sueño dorado. Pero volverá, aunque no sólo, sino acompañado de una decadente actriz.
Maravilloso film rodado con gran categoría basado en un texto de una intensidad dramática y unos diálogos característicos del mejor cine clásico. Una gran adaptación.
Los interpretes están inconmensurables: Paul Newman brillante, Ed Begley como el Jefe Finley, atroz versión del cacique de pueblo, la versión de la america profunda de la democracia; y sobre todo Geraldine Page como Alexandra del Lago en una interpretación memorable como su personaje, la actriz que se resiste al ocaso(Un clásico como El crepúsculo de los Dioses y de las que Almodovar bebe para sus caracteres).
Lo mejor sin duda los diálogos, brillantes intensos, puramente dramáticos, de manual, demoledores, de esos que te gustaría pronunciar en esas conversaciones que marcan tu vida.
Una película que afronta temas tan interesantes y actuales como la vanidad, la mentira, la pérdida de la inocencia, el engaño, el dolor, la soledad, el olvido, etc. Una gran obra.

27 horas es el tiempo en el que se desarrolla la película, espacio suficiente para el retrato de una pareja de yonkis de Donosti, una jovencita Maribel Verdú y un joven desconocido.
Un tiempo perdido, sin brújula ni esperanza para una generación olvidada por la memoria colectiva y que fue la gran víctima de la ignorancia de los unos y de la complicidad de los otros. Las víctimas que si fueron recordadas por una generación de cineastas comprometidos y vinculados a este drama: Saura, de la Iglesia y Armendáriz.
Esta es la propuesta de Armendáriz, uno de los cineastas actuales más interesantes del solar que es el cine estatal, y del productor y guionista Elias Querejeta. Bajo una idea localizada y definida, la obra se desliza con sencillez y elegancia en las húmedas calles de Donosti para a través de un día cualquiera y de unos yonkis cualquiera, radiografiar el veneno que corre por sus alcantarillas. Se limitan a mostrar el horror, el vacío, la necesidad del marrón. No entran, acertadamente, en diseccionar sus necesidades, en buscar un porqué (que ni los mismos personajes saben), simplemente de un modo naturalista les acompañan .
Es una denuncia un poco light, en una propuesta deliberadamente respetuosa. Aunque polémica al no mostrar y por tanto mitificar, el porqué de la película.

Bajo este singular y reinterpretado título se esconde una gran obra del desigual S. Pollack. Una película de basada en una práctica que se prodigó en los años de la gran Depresión americana: los carniceros maratones de baile.
Los maratones de baile era un espectáculo que se desarrollaban durante semanas y en las que los desaprensivos y desesperados concursantes pugnaban por un premio que sólo podía ganar una pareja. Un espectáculo dantesco, degradante para el ser humano y muy representativo de una sociedad y un tiempo. De la desesperación que conduce a las gentes a hacer lo que sea por dinero y de la condición humana, que disfruta viéndolo.
Pollack nos cuenta con gran realismo el desarrollo de un maratón, centrándose en algunos personajes que conducen las historias paralelas de sueños, pasados y desilusiones que bailan sobre la pista de baile. Entre ellos destacan una imponente Jane Fonda (personificando a la perdedora y mujer fatal de una manera incólume), o el vendedor de crecepelos y maestro de ceremonias Gig Young adalid de una sociedad devoradora de sus hijos; o la víctima del sueño americano, esa aspirante a actriz Susananh York que posiblemente acabará de haciendo la calle.
Muy buen filme, duro y desgarrador, emparentado con Las uvas de la ira por su temática pero llevado con el ritmo, el descaro y la crudeza del cine de los ´70

Jaime de Armiñan es un director con un universo complejo, un universo personal. En la década de los ´70, es cuando con la caída del Régimen puede realizar su cine, dirigiendo las obras más personales de su carrera: Stico, Mi querida señorita y la que nos ocupa, El nido.
El nido, es una historia de amor contada desde la libertad. Un hombre viudo (Hector Alterio más que creíble) y más allá de la madurez se enamora perdidamente de una niña, una púber que lo cautiva (Ana Torrent). Una niña que tiene el poder de hechizar a este hombre que creía que ya lo había visto todo en su vida y que la presencia desatada de la joven le hace ver un mundo de sentimientos que jamás había conocido.
Ambos vivirán esta relación especial, aunque casta en lo carnal, erizada en lo sentimental, con libertad en un contexto cerrado y culpatorio como es un pueblo de provincias.
Armiñán compone en este filme dos personajes contradictorios, singulares, y abocados a unos sentimientos que los arrastran. La niña, con la inquietante moralidad y crueldad de su edad y él, lúcidamente enloquecido por todo lo que ella representa. Es el mejor hallazgo de la obra, sus personajes.

El ardor de la juventud, su estúpida inocencia, su envidiable inconsciencia, su larga vida por disfrutar... sus besos por robar. Así se podría resumir el espíritu de la obra de Truffaut, que en su cuarta película reincide en esta temática.
Jean Pierre Leaud (sí, el niño de los 400 golpes) es Antoine un despistado y desorientado joven que solo tiene algo claro, su amor por las mujeres y en especial por la apocada Fabienne, mientras su vida discurre de trabajo en trabajo, algunos con más éxito y otros con menos.
Truffaut utiliza el tono desenfadado y lubistchiano de la comedia para retratar a la juventud. Esa etapa de la vida donde los errores pueden corregirse, cuando todavía hay tiempo para el amor y desamor, para desear y soñar, para equivocarse y que el tiempo te de una segunda oportunidad.
Sus intenciones, se quedan en eso, intenciones. Vista desde la distancia que da la lejanía en el tiempo, la obra parece más un ensayo, una experimentación, una propuesta formal más que una narración como tal . Tiene esa atmósfera del cine francés de su tiempo, ese aire naif, intencionadamente ligero y descuidado. Me deja frío y como si en la hora y media no hubiese pasado nada.
Lo mejor de la obra la canción del comienzo, ejemplo de la mejor chanson francaise.