Edgar Neville, amén de mucho más que discreto dramaturgo, demuestra en varias películas, como aquí, sus dotes como director rayanas en lo extraordinario.

He visto críticas que achacan a ésta falta de medios. Pero ¿son mejores los de cualquier otra producción extranjera de más o menos los mismos años? No citaré títulos: están en la memoria de todos.

Aquí, al menos, se mantiene constantemente la intriga. No es cubrir metros de cinta como justificación del pago de una entrada, como en tantas de Karloff o Lugosi. Aquí subyace un hilo argumental siempre interesante. Incluso el artificio está tan bien ensamblado que todas las incongruencias del guión nos parecen hechas a propósito, con lo cual en ningún momento se nos ocurre romper el convenio tácito de creernos todo lo que se nos cuenta. El director ha conseguido, pues, lo más difícil, demostrándonos su maestría.

Además, continuamente destila un humor sorprendente, cercano a lo surrealista, que no pasa de moda. Hay detalles que provienen ya de la novela de Carrere, y otros los inventa. Para las antologías queda aquella escena en que, en plena aparición del fantasma de Robinson de Mantua ante la cama de Beltrán, se introduce por equivocación el espíritu de Napoleón, invocado por la medium del piso de arriba. Ambos espectros se presentan mutuamente y, al abandonar el cuarto, pugnan por mostrarse a cual más amable:

-"Pase usted delante, doctor."
-"No, por favor, majestad, usted primero".
-"Insisto, insisto..."

Es memorable la secuencia del casino de juego, o la de las cenas con la Bella Medusa y su madre. Una imaginativa y épica vena humorística encadena casi sin solución de continuidad ocurrentes sucesos todo a lo largo de la película.

La trama se desarrolla en un momento deprimente de la historia de España. Es el cambio de siglos, el momento de los últimos de Filipinas y de la Guerra de África. Acaba de suceder el revés del 98. La gente viste trajes cochambrosos y se mete en los figones a bailar el chotis y oír a las cantantes malas mientras se emborracha. Ya lo dice la zarzuela de Chueca: "Yo soy un baile de criadas y de horteras / a mí me bailan / las cocineras..." Mientras tanto, medio Madrid ofrece un aspecto lamentable.

La interpretación es adorable. La credulidad candorosa de Inés (Isabel de Pomés) no podía contar con más afortunado rostro para encarnarse, la confusión inocente de Beltrán halla su contrapunto en un Antonio Casal que se hace querer, un jorobado Guillermo Marín nos muestra lo más hipócrita y ambiguo de su rostro... pero Félix de Pomes, señores, está que se sale.

Merecedor de mejor suerte, este filme avanza con los años a pasos de gigante desde su discreto puesto a retaguardia, y acabará colocándose en un lugar destacado entre la antología de la cinefilia mundial. Creo que no tardará demasiado en convertirse en un icono, no ya de nuestro cine fantástico, sino quizás de todo el europeo. Tal vez lo sea ya.

Se trata, quizás, de una de las obras de la literatura universal de la que más versiones se han rodado. Hasta los soviéticos se interesaron por ella... ¡y no es el Quijote!
No obstante, ninguna interpretación más personal y recordada con nostalgia que ésta. No es la única incursión de Fleming en el género infantil (recordemos la también inolvidable "Capitanes intrépidos", versión de otra novela para niños con Freddie Bartolomew y Spencer Tracy, y un icono de la infancia de muchos). ¿Dónde subyace el secreto de esta "Isla del Tesoro"? En varios factores: la misteriosa ingenuidad en la interpretación, destacable en escenas como la de la taberna llena de piratas en plena pelea que, inmediatamente, se transforman en personas amistosas y afables cuando entran el doctor Livesey y el magistrado Trelawney (todos bailando, ¡qué risa!); el insustituible reparto en cuanto al caricaturesco aspecto físico de los personajes (sólo comparable, y de lejos, al de los "Piratas" de Roman Polanski, que tan tributaria le es), la simpatía del John Silver interpretado por Wallace Beery (inolvidable "Campeón"); el rostro simplón de Jackie Cooper, casi cómico, y su personalidad sentimetal y bondadosa, que le convierte en un personaje con el que todo niño corriente e incluso con algún complejo, se puede identificar... En fin, que sólo se echa en falta aquel maravilloso technicolor con que otras producciones poco posteriores se adornaron (el mismo Fleming lo utilizó tan afortunadamente en "Lo que el Viento se llevó"). ¡Qué no sería esta película, iluminada como el "Robin Hood" aquel de Errol Flynn con Olivia de Havilland..! Esta "Isla del Tesoro" no lo necesitó para ser la versión de mayor referencia, la canónica.

Otro tremendo ejemplo de que una película muy buena puede hacerse con un presupuesto ínfimo. Sobresalientes los tres actores que llevan el peso del argumento: Mónica Bellucci, Morgan Freeman y Gene Hackmann, destacando sobre todo la genial actuación de este último. Thomas Jane, conocido por su papel en "The Mist", no les va a la zaga en su más corto papel de policía imbécil que merecería ser encarcelado. Consigue hacerse detestar por el público, lo que no es fácil en un actor con aspecto de galán "bueno" como el suyo.

Infumable -y pretencioso- tostón lleno de personajes con forma de humanos en busca de su animalidad. Por si fuera poco, está llena de rituales tópicos de ésos que todo el mundo cuenta que se hacen en las sociedades secretas, y de minifábulas tan manidas que ya todos nos las sabemos de memoria. El colmo es ya la representación del consabido cuento de los discípulos que siempre contaban uno menos de los que sabían que tenía que haber porque cada uno se olvidaba siempre de contarse a sí mismo. Si hasta le hacen un funeral al que falta. Hubo momentos (como éste) que me sentí lleno de vergüenza ajena y verdaderamente estúpido viendo esta película. Como si la gente fuera idiota, vamos. Después del visionado, la reflexión es que las drogas que tomaba esta gente en la época psicodélica le reblandecían tanto los cerebros que cualquier historieta hilarante falta de ingenio les parecía de lo más elaborado.

Agradable y discreta comedia que se deja ver desde el principio hasta el final sin llegar a aburrir. La fotografía es la firma inconfundible de Ridley Scott, con escenas que llegan a estar rodadas prácticamente en azul y negro, con mucho detalle ocupando la pantalla y composiciones clásicas. La hermosura de la Provenza francesa, simbolizada en la mujer, la benignidad de su clima y el mundo de los recuerdos dejan un buen sabor de boca al final.