Muchos críticos de cine que escriben en portales sobre el tema y los opinólogos que rondan por youtube, dice que “Misa de Medianoche”: es una reflexión perturbadora y emocionante sobre la condición humana y el miedo a la muerte. La serie se permite recorrer la fina línea que puede llegar a separar una religión institucionalizada de una secta (auto) destructiva.

Pero “Misa de Medianoche” es salvada obviamente por la exquisita y estupenda interpretación en todos los sentidos por la verdadera antagonista más que el monstruo que conoceremos más adelante, la actriz: Samantha Sloyan, destinada en cierto modo a personificar a esa América profundamente intolerante, que hace del crucifijo un látigo y que ya no se sabe si confía en Dios o en su reverso oscuro. No tardamos mucho en intuir que es ella la auténtica villana de la función.

En verdad, quizás yo esté equivocado o haya visto otra serie, pero creo que es un gran meollo de cosas, donde realmente la historia en sí, es muy lenta, muy pasiva, los diálogos son larguísimos, escenas que por momento no sabes para que están, y si debo destacar y hacer una crítica constructiva: el personaje del sacerdote, realmente, a mi gusto, es tan lánguido, que eso hace por momentos te genera la tentación de querer cambiar y ver otra cosa.

Hay dos momentos pesadísimos, largos, extensos, aburridos, densos y todos los sinónimos que a ustedes les gusten, los diálogos entre el personaje: Riley Flynn, hijo pródigo de Crockett Island, que regresa después de varios años fuera. Acosado por la culpa por acciones pasadas, el ateo lucha por encontrar su lugar y propósito en medio de los misterios y el renacimiento religioso que se apodera de su ciudad natal y Erin Greene, una compañera que regresó con un pasado problemático, es maestra en la escuela de Crockett Island y amiga de Riley de toda la vida. De manera similar, encuentra su fe y coraje puestos a prueba en medio de los eventos cada vez más extraños en la ciudad.

Otro momento tan agarrado con pinzas, donde ya Flanagan hubiese dicho “vamos terminemos con esto”, nuevamente la escena con la cara de la actriz (esposa del director) donde la reflexión es que pasa cuando morimos pero con otro contraste: el pensamiento panteísta (ese sistema de creencia de quienes sostienen que la totalidad del universo es el único Dios. Esta cosmovisión y doctrina filosófica afirma que el universo entero, la naturaleza y Dios son lo mismo. En otras palabras, la existencia (todo lo que fue, es y será) puede ser representada a través de la noción teológica de Dios) que deja al final la historia, donde ya no hay esperanza, no hay Dios, y cómo digo algún otro opinólogos en los vastos portales de series y películas: conscientes de que las segundas oportunidades no pueden depender de ningún poder superior, ni de debates estériles sobre el sexo de ángeles y demonios. Las segundas, terceras o cuartas oportunidades empiezan en nuestra mente, hoy, aquí y ahora.

Katherine y Ángela que van al bosque para tratar de contactar al espíritu de la madre fallecida, de esta última, antes de que naciera en Haiti a consecuencia de un terremoto. Sin embargo, cuando regresan tienen comportamientos extraños y violentos. Como los doctores no pueden explicar qué ocurre, el padre de Ángela, Víctor, aconsejado por su vecina, la enfermera Ann, recurre a Chris MacNeill, una “experta en exorcismos” que está convencida de que las niñas han sido poseídas por un demonio…

→ OPINIÓN Y PARALELISMO CON “EL EXORCISTA” (1973)
Antes de ahondar en por qué “El Exorcista: Creyentes”: es un desastre realmente como largometraje. Qué quiere jactarse en ser la secuela del clásico W. Friedkin, debemos analizar: ¿Qué es, lo que hace tan aterradora a “El Exorcista” hasta nuestros días? Más allá de los espectaculares efectos especiales, visuales y sonoros, de las voces demoníacas y las escenas perturbadoras de la época, hablamos del año 1973, ¿Cuál es el centro de la historia?

“El Exorcista” es, ante todo, una película sobre fe: se centra en una actriz escéptica, atea, cuya hija es poseída, quien en su desesperación, luego que la ciencia no puede determinar que le sucede, acude a dos sacerdotes porque la situación va más allá de lo que ella puede comprender. El religioso más joven pasa por una crisis de esperanza, que se ve a prueba al enfrentarse al demonio en persona para salvar lo más valioso: el alma inocente de una niña.

“El Exorcista” se basa en el ritual romano para llevar a cabo el exorcismo. En “El Exorcista: Creyentes”, el director, Gordon Green, parece temeroso o no le importo realmente tocar este tema y lo hace desde un enfoque diferente cuya ejecución es terrible: la idea de que todas las religiones en realidad se tratan de la conexión entre personas y no de Dios en sí.

Para el director el pilar de esta película se basa en la unidad. La unidad de todas las personas necesarias, crean en lo que crean no importa, para hacer frente al mal, que puede en cualquier momento romper nuestra plácida rutina y atacar a aquello que más queremos, independientemente de su inocencia. Por desgracia, “El Exorcista: Creyentes” confunde la unidad con la falta de personalidad, la ambigüedad con la dejadez y al demonio con un poltergeist de tercera y muy bizarro.

“El Exorcista: Creyentes” intenta abrazar cualquier tipo de fe, otorgando poder frente al demonio a la simple creencia en un poder superior y a la voluntad de no rendirse frente a las adversidades. Si en la película original el enfrentamiento entre ambos exorcistas y Pazuzu poseyendo Regan se regía por las reglas y códigos de la religión católica, aquí vemos más variedad y ni siquiera se acerca al ritual.

La historia se mueve en los cánones del género: presentación, posesión, tratamiento médico que no conduce a nada y el ritual del exorcismo. Este debería ser el punto álgido de la película y en esta ocasión se desinfla por varias razones: la primera es que el intento de transmitir que los demonios son parte común a todas las culturas se salda con una amalgama de chamanes, hechiceros y pastores que no termina de funcionar, como les decía, un gran sincretismo religioso. La segunda es que se quiera o no el concepto de pecado, del infierno y del demonio son en occidente consustanciales a la iglesia católica y su peso en esta ocasión es casi irrelevante nulo.

Los personajes humanos están bien definidos, algo necesario para la estructura y desenlace que busca el filme; sin embargo, esto es debido a que son personajes muy planos, marcados por una única característica o circunstancia. Junto a este grupo poco inspirado, tenemos a un protagonista fundamental casi ausente: el ente que posee a las chicas es anónimo, y es algo que hace mucho daño al conflicto. (Yo pensaba bueno le preguntan el nombre y dice “Pazuzu” no… me quede con las ganas…)

La escena original de “El Exorcista”, a pesar de ser un combate verbal en la habitación de una adolescente, transmitía una sensación de trascendencia y tensión gracias a la disputa entre Pazuzu, el demonio que poseía a Regan, y en especial con el padre Merrin que ya había tenido sus cruces con este ser del inframundo muchos años atrás. Al final, esa lucha del bien contra el mal era un duelo con nombres y motivaciones claras, así como fortalezas y debilidades. Aquí la posesión no se identifica ni manifiesta intenciones concretas más allá de atormentar a las niñas y aterrorizar a sus familias.

→ ¿INTENTA SER UNA SECUELA DE EL EXORCISTA?
Estamos ante un nuevo intento de secuela disfrazada de reboot o sea de un reinicio. Cuando anunciaban en los tráilers, en los avances, o en las diferentes notas periodísticas, sobre esta película, anunciándola como el largometraje que tenía una conexión directa, un paralelismo con el clásico de William Friedkin del año 1973, “El Exorcista” presentándose como “canónica” y pasaba por arriba las películas y la serie de tv, pensé, ¡bueno debe tener algún sentido para que la presenten de ese modo!

Al terminar de verla, me quede pensando: ¿De que trata la película? ¿Cuál es la trama? ¿Porque son poseídas las niñas y para que? ¿Cuál es la finalidad? ¿Que la une a “El Exorcista” para presentarla como una secuela? sino alcanza, ni el dramatismo ni la intensidad, ni el terror de su predecesora.

EN SÍNTESIS
En definitiva el mensaje que plantea la película, no importa si crees o no en algo, lo importante es el que mal siempre va a ganar… realmente es una falta de respeto a “El Exorcista” y al género en particular. Pero esperen que esto no termina, es el primero de tres nuevos films que Blumhouse Productions planea lanzar de la saga.

El PELADO Investiga

Este largometraje es una remake del año 1951 (The Thing from Another World) dirigida por Christian Nyby, la cual presentaba a una criatura vegetal de aspecto humanoide, que poseía la capacidad de reproducirse a sí mismo a una velocidad sorprendente. Esa cinta desvirtuaba el concepto original del cuento de John W. Campbell Jr., ¿Quién está ahí?, en el que las dos películas se basaron.

Pero es la versión de John Carpenter la que marca el canon de esta historia. En su guión encontramos referencias de corte freudiano y la alusión al desconocimiento del Otro y aún del Yo. Si el engendro metamorfo nos aterroriza es, más que nada, porque no sabemos cómo es; de allí el tratamiento de “Cosa”. En este sentido, se trata de uno de los monstruos más interesantes del cine, ya que, a diferencia de Alien, su forma nunca es la misma.

Desde esta perspectiva, el problema de eliminar al monstruo se vuelve secundario frente a la urgencia de detectarlo. Puede ser todos o ninguno de los integrantes de la expedición que lo han despertado de su sueño de siglos. Incluso, todos los involucrados no tienen la certeza de saber ellos mismos si son humanos o no, dadas las características fisiológicas del intruso. Dudan de sí mismos y de su estado de conciencia.

¿Quién es más peligroso en esta situación de emergencia: el extraño alienígena o los compañeros paranoicos? La Cosa divide y vence. Su mayor poder no estriba en aterrorizar con su aspecto, de por sí repulsivo, sino con su capacidad polimorfa. Consigue minar los cimientos de las relaciones humanas y aún la visión del propio Yo.

Su principal interés no es matar, sino sobrevivir. Es un ente que busca perpetuar sus genes imitando el material genético de otras especies. Camaleónica, la Cosa utiliza además un recurso que muestra lo avanzado de su nivel en el Universo: la reproducción asexual. Se limita a asimilar a sus presas. Cierto que podríamos hablar de agresivas penetraciones, sobre todo con los rojos tentáculos que recuerdan una suerte de monstruosos penes (un poco como la cabeza con forma fálica de Alien), pero se trata de una penetración simbólica.
En una escena memorable, la Cosa baña a un perro con chorros de un líquido que remite al semen; más adelante, nos damos cuenta que este líquido es también parte del monstruo y sirve como vehículo para invadir la anatomía ajena. Como el semen, contiene suficiente carga genética para apoderarse de un cuerpo completo y transmitir su ADN.

El director John Carpenter enfatiza la faceta violatoria de la Cosa en el hecho de que en la película no aparecen mujeres. Son los hombres quienes sufren esta penetración ritual, quienes son poseídos por un monstruo que, en una grotesca parodia del embarazo, se concibe a sí misma a la imagen y semejanza de ellos.

El guión juega con diferentes miedos presentes en el ser humano: el miedo a la soledad en el aislamiento a que están sometidos los integrantes de la expedición; el miedo a los extranjeros en la presencia de un extraterrestre, el miedo al propio Yo en la clonación realizada por la Cosa; el miedo a la sangre en el aspecto del engendro; el miedo a la contaminación física y a las enfermedades, en la propuesta de la cuarentena; el miedo a la oscuridad, pues la mayoría de los ataques ocurren de noche.

En 2011, se lanzó una precuela dirigida donde se narra lo acontecido en el campamento noruego, al cual llega el equipo de exploración que nos mostró Carpenter. Contra lo que podría esperarse, esta nueva visión sobre La Cosa no desmerece, aunque termina desentrañando demasiados misterios que se plantearon en la original.

Estrenada en 1982, una semana después de E.T. el extraterrestre, El enigma de otro mundo, sin duda es uno de los mejores largometrajes de este género que se hayan filmado. Que no les pase como a mí… que por unos cuantos años dejo de ver películas de este género por el socaga que tuve… la recomiendo 100%

El Pelado Investiga

El Místico Bar Efímero | 2020 | 12 Episodios | JTBC | Corea del Sur. Protagonizada por Hwang Jung-eum, Yook Sung-jae y Choi Won-young. Basada en un webtoon escrito por Bae Hae-soo, premiado en los 2017 Korean Comic Awards. Se inscribe dentro del género sobrenatural, fantasía, misterio, comedia y dorama.

¿Qué es una Webtoon? El webtoon es un formato de historieta digital creado en Corea del Sur. La principal diferencia con el web cómic reside en su presentación: cada episodio de un webtoon se publica en una sola imagen vertical, lo que facilita la lectura en teléfonos móviles y dispositivos electrónicos.

¿Qué es un Dorama? Es el término utilizado en Japón para referirse a las series de televisión en imagen real de producción local. De 20 a 30 capítulos cada una, estas series japonesas son también conocidas en Japón como TV Drama. Son el equivalente a las telenovelas, formando parte de la programación diaria. El término se deriva del inglés Radio Drama, que es un tipo de programación radiofónica de corte teatral (conocido también como radioteatro o radionovela). Este tipo de programación ha sido muy popular en Japón desde su aparición en los años 1920; aunque el uso de la radio como medio de difusión para esta programación ya no es el principal, Radio Drama se utiliza coloquialmente para cualquier tipo de drama de sólo audio. Con la aparición de la Televisión, se comenzó a utilizar el término TV Drama para el equivalente de estos programas.

“El Místico Bar Efímero” cuenta la historia de pequeño restaurante con ruedas que solo aparece por la noche. Lo administra una excéntrica mujer malhumorada a la que las tragedias de sus clientes, tanto los vivos como los muertos, no la conmueve fácilmente. Durante los últimos 500 años ha sido enviada al Reino de los vivos para consolar a 100.000 almas a modo de castigo para expiar su pecado. Pero para terminar su penosa misión, todavía le quedan 10 almas por consolar en el plazo de un mes. Para curar las heridas internas de las personas, les ofrece beber una bebida especial “casi mágica” entrando en sus sueños y calmar sus angustias. La acompaña un joven y alegre empleado que –sin saberlo aún- tiene la "visión espiritual" abierta desde su nacimiento. Toda persona que entre en contacto físico con él siente la irrefrenable necesidad de confesar sus problemas. Ella y el joven tendrán una fuerte conexión que los llevara a conocerse en profundidad, ayudándose cada uno en esta historia de El Místico Bar Efímero

Recuerden que la historia está centrada en la cultura asiática, y sobre todo hay una firme creencia en lo que se conoce como la reencarnación. Los budistas creen que mediante la realización del nirvana, el estado de total liberación, se logra también el cese del renacimiento. Dentro del budismo, la tradición tibetana utiliza muy frecuentemente la reencarnación.

Es muy loco ver cómo ellos presentan “al inframundo”, en el Místico Bar Efímero lo hacen ver como una gran empresa, un lobby, donde hay empleados, jefes, papelerío y muchas cosas más que hacen llevadero el tema y que se entienda en profundidad el concepto de lo que se quiere mostrar.

Ellos le dan mucha importancia a lo que hacemos en este plano terrenal y las repercusiones que tiene en el inframundo. Además, es bueno ver este tipo de producciones, porque nos ayuda a abrir más nuestra mente a otras culturas y creencias y no eso no está mal, porque podemos reflexionar sobre el modo que entendemos y creemos -cómo cristianos- en la vida después de la muerte, por ejemplo la resurrección, etc.

Es para verla en familia. Las actuaciones de los actores está bien llevadas sobre todo la de los tres actores principales. El humor parecería tonto, pero no, es en mi opinión sano, sucede que los occidentales tenemos un poco la cabeza más quemada para ciertas cosas y ellos lo manejan de otra manera. Hay que adaptarse a los tiempos de actuación y la dinámica que tienen los asiáticos para este tipo de producciones. (Aclaro esto porque la mayoría está acostumbrada a consumir producciones estadounidense donde prolifera mucha acción y las tramas son más dinámicas)

Los antagonistas están muy bien presentados, la serie tiene su momento oscuro, dramático, sobre todo cuando se nos presente al “malo” que cuando lo veamos nos quedaremos asombrados.

Están bien construidas las historias de amor. Podemos observar que el “Místico Bar Efímero” tiene eso en particular, nos muestra a las personas tras los personajes y eso es algo que no se ve siempre

Rompe con lo que se conoce como “LA CUARTA PARED”. ¿Qué es esto? La pared invisible imaginaria que está al frente del escenario de un teatro, en una serie de televisión, en una película de cine, o en un videojuego, a través de la cual la audiencia ve la actuación de los personajes. En otras palabras, es lo que separa la vida de los personajes con cualquier espectador, ya sea en cualquier medio. Se utiliza el término "romper la cuarta pared" para referirse a la acción de uno o varios personajes que interactúan con el público espectador.

Muchos, vemos también temas de actualidad. El acoso de un jefe de un súper a una empleada. El escapar ante situaciones que se nos presentan y no saber afrontarlas. El valor de la amistad. La superación. El valor de la palabra (algo que la sociedad occidental ha perdido) Que las personas pueden cambiar. Podría seguir pero no quiero quitar el misticismo al Bar Efímero. En mi opinión la recomiendo 100% para ver en familia. Podemos después hablarlo con todos sobre ciertas situaciones que fueron ocurriendo.

El Pelado Investiga

La película muestra realmente la estupidez humana, la vacuidad de la sociedad actual, el absurdo que nos rodea cotidianamente, la falta de escrúpulos de los que se llenan los bolsillos con la superficialidad de los Millennials y los Centennials donde su vida se centraliza en un dispositivo móvil.

Más allá de que “No Mires Arriba” se inscribe en el género de Comedia; Drama; Ciencia ficción; Sátira; Catástrofes y Fin del mundo, deja un claro mensaje de que vivimos en un mundo a donde nadie le importa ¡Nada!

Sinopsis
Kate Dibiasky (Jennifer Lawrence), es una estudiante de posgrado de Astronomía, y su profesor, el Doctor Randall Mindy (Leonardo DiCaprio) sin pensarlo hacen un descubrimiento tan asombroso como aterrador: un enorme cometa lleva un rumbo de colisión directa con la Tierra. Pero esto no es lo más dramático de la película, sin que el problema es… que a nadie le importa. A la humanidad le quedan solo seis meses de vida para que el cometa impacte contra nuestro planeta.

Como es mi costumbre, a diferencias de otros, me detendré realmente en la figura de algunos personajes, y otros directamente los dejare de lado, porque no suman nada en la trama y solo ha servido para tener un elenco brillante con buenos actores, pero sus protagónicos resultaron ser patéticos.

El Doctor Randall Mindy (Leonardo DiCaprio), es cómo todo letrado, introvertido, poco dado con las palabras, vive atado a su frasco de píldoras de ansiolíticos intentado superar sus miedos y procurar que lo escuchen. Hay por un momento un cambio radical cuando este se ve enroscado en un pequeño “romance” si así quieren llamarle, pero que en el momento clave de “No mires arriba” el personaje tiene una gran evolución, donde nos deja muy claro que las cosas suceden por algo y a pesar de que todo se destruirá, puede sacar lo mejor de nosotros y cambiar para ser mejor persona.

Kate Dibiasky (Jennifer Lawrence), realmente tiene que ponerse en un personaje que intenta que las personas, tanto las que están en el poder y toman decisiones, como las grandes celebridades de la televisión, se den cuenta de lo que se avecina y que no es para tomárselo a chiste o intentar darle un giro distinto al problema o sencillamente ignorarlo por otras cosas más superfluas o triviales, como por ejemplo, si la cantante Riley Bina (Ariana Grande) perdonara la infidelidad de su pareja DJ Chelo (realmente ¡patético!)

Uno de los personajes, más indeseables de la película es interpretado por Mark Rylance como Peter Isherwell, millonario, fundador y CEO de la compañía tecnológica Bash, con esa postura de místico relajado y superado, donde su conciencia esta elevada sobre todos aquellos que habitamos este planeta, con un slogan o mensaje que impacta sobre los consumidores de sus productos, viéndolo como un gurú, un elegido que conducirá a la humanidad a una era donde dependeremos de un dispositivo para saber cómo estamos hoy de ánimo y un algoritmo nos dirá como iremos a morir (¡lamentable!).

Luego nos topamos con Meryl Streep como Janie Orlean, la presidenta de Estados Unidos, una mujer que realmente no puedo imaginar cómo accedió al poder de la Casa Blanca, (pero bueno no entrare en detalles) Interesada, centrada, focalizada y obnubilada por ella misma y el impacto que tiene su figura política en la sociedad y en sus votantes. Por momentos, encoleriza su superficialidad, su necedad ciega ante el panorama apocalíptico que los dos astrónomos le presentan. Dicen algunos colegas que analizan o escriben sus opiniones sobre películas que Meryl Streep es una suerte de réplica femenina de Donald Trump, una mandataria negacionista, que no confía en la ciencia y que aprovecha cualquier truco para aferrarse al poder. Un papel irresistible, sobre todo luego que hace unos años el republicano la tratara de actriz "sobrevalorada" y como una de las más activas opositoras a su gobierno en el establishment de Hollywood.

En síntesis: el poder económico y el político cuando se unen, la historia es testigo habitual de esto, nos llevan al caos social y a la destrucción de la sociedad, porque no se vela por el interés de las personas, sino por el rédito que puede sacar de ellas. “No mires arriba” nos muestra realmente la negación de la realidad, la privación de la libertad de decisión, la aniquilación del discernimiento sobre un hecho bueno o malo, el seguimiento ciego y desenfrenado ante aquellos que ocupan lugares de poder y la influencia que ejercen sobre un sector de la población los medios de comunicación en conjunto con las redes sociales.

A mi modo de analizar la película, una parte muy importante del mensaje de “No mires arriba” es sobre la sociedad moderna. En esencia, nos presenta, nos plantea que, de conocer una amenaza que pusiera fin a la vida en el planeta, colectivamente la trataríamos como algo poco importante o, incluso, algunos lo verían como una conspiración. “No mires arriba” nos enseña dos cosas: que el absurdo y la estupidez es el verdadero esquema que rige los avatares de los que habitamos esta gran esfera celeste que llamamos Tierra.

La verdad da igual lo que hagas, da igual lo que digas, da igual que seas bueno, que seas una mala persona, da igual que te pongas en movimiento, o que no digas nada, que plantes una postura de lucha con una pancarta en mano o que te quedes en casa viendo algún programa que no te deje ¡Nada! Hagamos lo que hagamos, sea cual sea nuestra voluntad o nuestro espíritu, la realidad se conduce por un absurdo absoluto al que a nadie le importa que sucede, no solo arriba, sino en tu ámbito más cercano.

El Pelado Investiga
Que vive con los pies en la tierra pero con la mirada hacia arriba

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