arrow
Críticas de Donaldheil
Críticas ordenadas por:
El niño y el fugitivo
El niño y el fugitivo (2012)
  • 6,8
    21.403
  • Estados Unidos Jeff Nichols
  • Matthew McConaughey, Tye Sheridan, Jacob Lofland, Reese Witherspoon, ...
8
Jeff Nichols continúa confirmando su talento
MUD tiene un estilo muy sobrio en su puesta en escena. Destaca por una narrativa tradicional al mejor estilo de las historias de Mark Twain (Tom Sawyer, Huckleberry Finn) que le sirven de inspiración. Y eso es algo bueno, pues da como resultado un filme que tiene una dirección segura, exenta de trucos visuales o narrativos tan comunes hoy en día. Es simple y llanamente, cine interesado en contar una buena historia, y hacerlo bien.

Nuevamente (después de TAKE SHELTER) Jeff Nichols logra extraer excelentes actuaciones de su reparto. Mucho se ha hablado (con justicia) de Matthew McConaughey interpretando al personaje que le da nombre a la película. Pero la carga recae sobre Tye Sheridan (casi desapercibido como el hermano menor en THE TREE OF LIFE) y no es cualquiera el que tiene tal protagonismo y sale tan bien librado. Ésta historia es básicamente sobre su personaje. La película debió haberse titulado "Ellis" (pero siendo justos, ese nombre carece del efecto y simbolismo que tiene "Mud").

Al igual que con TAKE SHELTER, mi mayor queja respecto a MUD sería que da un giro de más, que se siente forzado y afecta la plausibilidad del relato (responsabilidad del director, como guionista). Pero el efecto lo siento menos negativo aquí, de algún modo. Quizá para ambas películas vale decir que si el desenlace no es tan satisfactorio, todo lo que le antecede sí es altamente disfrutable, por las virtudes formales y las actuaciones.
[Leer más +]
10 de 11 usuarios han encontrado esta crítica útil
Shooting Dogs (Beyond the Gates)
Shooting Dogs (Beyond the Gates) (2005)
  • 7,0
    1.752
  • Reino Unido Michael Caton-Jones
  • John Hurt, Hugh Dancy, Dominique Horwitz, Clare-Hope Ashitey, ...
8
Apartemos la mirada... son africanos
SHOOTING DOGS fué estrenada con cierta desventaja, pues se desarrolla en el mismo contexto histórico de la afamada HOTEL RWANDA, que le antecede por un año. Muchos habrán pensado que era "más de lo mismo", pero esa apreciación sería tan exacta como decir que SAVING PRIVATE RYAN y THE THIN RED LINE son lo mismo porque se desarrollan en el contexto de la segunda guerra mundial.

Podrían señalarse un par más de desventajas aparentes:
-El conflicto racial es casi apenas un marco de referencia para los personajes principales, en su mayoría blancos. A diferencia de HOTEL RWANDA, los protagonistas directos del conflicto quedan un tanto en el fondo.
-A pesar de que algunos de esos protagonistas principales están inspirados en personajes reales, en su mayoría se trata de personajes ficticios.

Quienes critican el predominio de personajes blancos, pierden un poco la perspectiva de la pelìcula. A diferencia de HOTEL RWANDA, SHOOTING DOGS se concentra en denunciar la ineficacia de la fuerzas de paz de las Naciones Unidas, presentes mientras el conflicto se desarrollaba ante sus propias narices, pero incapaces de actuar porque su misión era "monitorear la paz, no imponerla". A través de esa incapacidad expresada por los soldados en el lugar, se retrata la hipocresía occidental de simular interés enviando tropas, pero no el suficiente como para evitar el genocidio (eso sí, queda margen para proteger a los ciudadanos internacionales en el país, es decir, a los blancos). El llamativo título original de la película insinúa la ironía: las fuerzas pueden dispararle a los perros que se alimentan de los muertos y así evitar una crisis sanitaria, pero no actúan en contra de los victimarios en primer lugar (dicho título fue cambiado por BEYOND THE GATES en Estados Unidos, probablemente para evitar confusión sobre el tópico de la película).

Como consecuencia de lo anterior, surge la problemática de los refugiados locales, cuya integridad corre mayor peligro con cada día que pasa, y de quienes pudiendo huir (los "blancos" que convivían con los locales) deben tomar una decisión de vida o muerte. Su situación, y en especial la del personaje interpretado brillantemente por John Hurt, el padre Christopher (libremente basado en un sacerdote de origen Bosnio), es reminiscente de la situación que años después sería recreada en la película OF GODS AND MEN, cuando un grupo de monjes en Algeria debe decidir si huyen o si respaldan su fe y palabras con hechos.

En conclusión, SHOOTING DOGS es un fuerte drama que sirve de complemento a HOTEL RWANDA, y que de igual forma, gráficamente se reserva muy poco para representar los horrores de una matanza racial sin sentido, que como es esperable, proporciona e inspira muchas historias que deberían ser contadas, con la esperanza de que los horrores (y errores) no se repitan.
[Leer más +]
1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Upstream Color
Upstream Color (2013)
  • 6,2
    3.774
  • Estados Unidos Shane Carruth
  • Amy Seimetz, Shane Carruth, Andrew Sensenig, Thiago Martins, ...
7
Película con ideas
Hace años tuve la oportunidad de ver el debut directorial de Shane Carruth, PRIMER (2004), atraído por la premisa de una historia de ciencia ficción original que prometía la caja del dvd.

La propuesta me resultó bastante desagradable entonces. Quiero remarcar lo de "desagradable". Decir que no me gustó, queda corto. Más me bien me enojó. Primero que nada, el look de la película me desalentó (aunque era perdonable por ser proyecto de bajo presupuesto). El problema mayor era que el guión parecía más interesado en transcribir un libro de texto sobre viaje en el tiempo, que cualquier otra cosa. Lo percibí como un proyecto de vanidad para nerds, en donde los pobres que no tenemos ningún conocimiento de física cuántica y materias parecidas, teníamos que quedar como aquéllos que si acaso se tienen que reir de un chiste que no entienden

Con el tiempo he comprendido que probablemente sobre reaccioné. Aunque pienso que la película la odio igual, y no la volvería ver, entiendo que se trata de un proyecto muy original y particular, una película que estaba destinada a convertirse en un filme de culto para quienes tuvieran una actitud más abierta a sus ideas, aunque no se entendieran en un 100 %.

Tal vez el suavizar mi actitud hizo que cuando se anunció el nuevo proyecto del director, UPSTREAM COLOR (2013), se despertara mi curiosidad. En lugar de pensar "con qué nerdada impenetrable nos bombardeará Shane Carruth ahora?" me pregunté si traería otra propuesta original que ahora sí me atrajera. Vistos el trailer y las reacciones positivas de gran parte de la crítica, me propuse verla cuando tuviera la oportunidad.

Debo decir que UPSTREAM COLOR es todo lo que anticipaba en ese sentido: un filme muy original (con presupuesto asegurado, ahora sí luce como película "normal"), con ideas ambiguas y crípticas que dejan un rompe-cabezas para que el espectador lo arme al final.

Algo que es constante en las críticas es que parece que Carruth estuvo poniendo mucha atención al cine de Terrence Malick. Efectivamente, la película, en su ritmo e ideas, recuerda más THE TREE OF LIFE que PRIMER, y eso seguramente será un motivo de desilusión para los que llegaron a ser fans de Carruth por su debut.

Con la premisa principal de una historia común (en este caso, el acercamiento de dos seres marcados por una invasor destructivo -llámesele adicción, o lo que sea-, que tratan de rehacer sus vidas), se desarrolla una trama menos clara y adornada con elementos de ciencia ficción, que nos transmite un mensaje de una especie de inter-conexión entre los seres vivos (animales y plantas) y entre éstos y la naturaleza.

Tal vez en lo que falla UPSTREAM COLOR es en que esas ideas de conexión natural y espiritual se sientan muy artificiales (no faltará quien más bien las vea como absurdas y risibles), y que como ideas trascendentales no se transmiten en forma tan convincente como en THE TREE OF LIFE.

No quisiera dar una idea errónea: UPSTREAM COLOR no es una fallida imitación de THE TREE OF LIFE (comenzando porque no busca tener la misma magnificencia visual), ni Shane Carruth es, como dirían los gringos, un Terrence Malick "wanna- be". La comparación es casi obligatoria como referencia, y es válida en el tanto le puede dar a los espectadores casuales una idea parecida de qué tipo de película estamos hablando. Pero no hay duda de que se trata de un proyecto muy personal, escrito, producido y dirigido por Carruth, en donde además hace la música original, se encarga de la cinematografía y de la edición. Y también actúa.

Por mi parte encontré UPSTREAM COLOR como un filme fallido, pero atractivo en su ejecución y con ideas sugestivas e interesantes. Técnicamente es de gran nivel en todos los departamentos, pero destaca grandemente en su diseño de sonido, lo que es vital por el protagonismo que tienen los elementos auditivos en la historia (no en balde se le otorgó un premio especial del jurado en el festival de Sundance por su "absorbente uso del sonido e increíble inventiva aural").

Queda ahí recomendado para quienes quieren ver cine diferente, que esperan algo más retador que una historia lineal, estan dispuestos a dejarse llevar por la propuesta, y quieran un poco de ejercicio para el cerebro.
[Leer más +]
1 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
El amor es un juego cruel
El amor es un juego cruel (1991)
  • 6,7
    375
  • Estados Unidos Nancy Savoca
  • River Phoenix, Lili Taylor, Richard Panebianco, Anthony Clark, ...
7
Predecible pero tierna relación de amor
Tierno relato ambientado a finales de 1963. Eddie (Phoenix), un joven marine a punto de partir a prestar servicio, invita a Rose (Taylor) a un baile que no es más que un concurso-apuesta en el cual ganará el soldado que lleve a la pareja más fea. A partir de ahí la historia se desarrolla en forma predecible, pero no por eso menos interesante, al mejor estilo de BEFORE SUNRISE, en donde somos testigos de como se establece la relación amorosa entre dos sujetos sensibles en una sola noche, la última de Eddie en la ciudad. En donde falla el filme es en la trascendencia que le quiere dar a esa relación en un contexto más amplio, como es la guerra de Vietnam y la efervescencia social de esos años, temas que se insinúan como importantes pero que quedan casi como notas al pie. Particularmente, el preámbulo al desenlace se siente muy atropellado y torpemente representado (para lo cual no es excusa el bajo presupuesto). Pero a pesar de ello, deja su marca cuando se enfoca en la relación, sobre todo por la actuación de Lily Taylor, que fácilmente crea gran simpatía para su personaje. River Phoenix es convincente en su papel de adolescente que pretende jugar de macho y duro, pero que ya está comenzando a madurar. Buenos toques de humor y adecuada representación del periodo.
[Leer más +]
2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Un gato sobre el tejado de cinc
Un gato sobre el tejado de cinc (1958)
  • 8,0
    19.588
  • Estados Unidos Richard Brooks
  • Elizabeth Taylor, Paul Newman, Burl Ives, Jack Carson, ...
8
Cuando el tejado se pone incómodo
Drama basado en una obra teatral de Tennessee Williams. Como tal, el interés en la historia es mantenido por la intensidad de la gran cantidad de diálogos y la calidad de las actuaciones. La película sin embargo no se siente como una simple filmación estática de la obra, y tiene una buena puesta en escena y edición. Con gran convicción, logra transmitir la atmósfera incómoda y claustrofóbica de una familia que ha vivido toda su vida hipócritamente, rodeada de mentiras y objetivos materialistas, y ahora tiene que hacer un alto para enfrentar la verdad y comenzar a vivir con las consecuencias. Aunque la historia fue modificada (sutil censura) en cierta parte para no herir sensibilidades en la época, curiosamente es fácil descifrar de qué trata ese detalle particular, pues lo aluden en exceso sin llamarlo por su nombre. Las interpretaciones son uniformemente buenas, pero sobresale la de Burl Ives como el abuelo, quien de todos modos tiene una gigante presencia física imposible de ignorar. Sobre Elizabeth Taylor, también cumple, pero está lejos del nivel que lograría años después en QUIEN TEME A VIRGINIA WOOLF ? (para comparar con otra obra de origen teatral).

El filme incluye lo que podría ser la representación más odiosa de una camada de niños, completamente insoportables y aborrecibles. Su excesiva caricaturización se puede considerar como un defecto de la película.
[Leer más +]
Sé el primero en valorar esta crítica
El caballo de dos piernas
El caballo de dos piernas (2008)
  • 5,0
    231
  • Irán Samira Makhmalbaf
  • Haron Ahad, Gol-Ghotai, Ziya Mirza Mohamad, Khojeh Nader, ...
7
Difícilmente se verá una película como ésta
Obviando los predecibles altibajos desde el punto de vista técnico (actuaciones irregulares, edición torpe en algunas partes, tremendos desfases de continuidad) al provenir de un área con serias limitaciones presupuestarias, sobrevive la esencia de una extraña metáfora o fábula sobre la deshumanización. Normalmente uno espera del cine proveniente de países del medio oriente historias ambientadas en una gran pobreza material, pero aquí presenciamos adicionalmente una bancarrota moral que resulta difícil de digerir. Aunque la historia es algo repetitiva, se va poniendo más bizarra conforme avanza, sin proponer alguna moraleja como solución a su tono pesimista. Para mí vale por su rara propuesta, pues difícilmente una película de este tipo se haría en otro lugar. Además, desde el punto de vista formal no todo es malo. Las actuaciones de los dos protagonistas principales son más que adecuadas, y la película tiene algunas tomas y secuencias interesantes.
[Leer más +]
Sé el primero en valorar esta crítica
El mago de Oz
El mago de Oz (1939)
  • 7,4
    53.181
  • Estados Unidos Victor Fleming
  • Judy Garland, Frank Morgan, Ray Bolger, Bert Lahr, ...
8
Un clásico que mantiene su encanto
Asumí el visionado de esta película con cierto escepticismo. Primero, lo hice más por "obligación" que por convicción, ya que es un innegable clásico cuya existencia es imposible de ignorar, pero que aún así no había llegado a verlo.

Mis expectativas eran de una película de regular interés, anticuada en casi todos los aspectos. Cierto, aún mantiene su popularidad, como lo demuestra su permanencia entre las más altas calificadas en IMDB (el famoso top 250) pero pensé que probablemente era más por sentimentalismo que por virtudes duraderas, una forma en que el público (mayormente estadounidense) muestra un aprecio romántico por algo que significó mucho en su historia cinematografica.

La verdad hay un poco de todo eso, pero la película me sorprendió gratamente. Es cierto que se requiere de primera entrada una mentalidad amable para ver el filme, no solo por su antigüedad, sino además tomando en cuenta que es una película fundamentalmente infantil, y 50 % (?) musical. Pero habría que ser muy cínico para valerse de esos elementos como descalificadores. La verdad es que EL MAGO DE OZ mantiene su encanto. Difícilmente su carácter de "cuento con moraleja" ha pasado de moda, y aún se puede apreciar que su realización contó con mucho entusiasmo e imaginación, llevando esa indeleble "magia de hacer películas" que tienen los clásicos.

Ayuda bastante la presencia de personajes simpáticos, y me refiero al espanta-pájaros, el hombre de hojalata y el león cobarde. Viendo pedazos de la película, me había quedado la impresión de actores mal disfrazados que se esforzaban por tener encanto. Pero es diferente "llegar a conocerlos" y apreciar su personalidad. Al respecto, una de las grandes virtudes de la película es el maquillaje. Repito que al ver a esos tres personajes solo en escenas da una idea equivocada, y eso va también para las particularidades de los disfraces, que la verdad es que si no llegan a ser convincentes, sí son sobradamente adecuados.

Curiosamente, el único personaje que no me convence mucho es el de Dorothy, por la personificación de Judy Garland. Su voz grave y aspecto maduro no parecen ser adecuados en donde una niña más joven y dulce hubiera lucido mejor y hubiera provocado mayor simpatía. Quizá en esta opinión estoy solo, pero admito que tampoco llega a “arruinar” la película.

Desde el punto de vista técnico, esperaba más derroche de color, pero creo que el problema aquí es el formato (1:33:1) que hace que los encuadres se vean más limitados (a diferencia del “widescreen”) por lo que uno siente que la imagen pudo haber sido más espectacular (claro que el formato era el dominante en la época, por lo que eso no se puede señalar como defecto). El filme goza una edición adecuada y que no abusa en general del tiempo. Las canciones en general son propicias para describir los sentimientos de los personajes, y no se sienten cansinas o de relleno. Los vestuarios y decorados son elementos que destacan. En general los últimos no producen una gran sensación de profundidad, pero si son suficientes para recrear el mundo de fantasía en que se desarrolla la historia, inclusive exhibiendo características semi-impresionistas en ciertos momentos tenebrosos. Mención particular también para ciertos efectos visuales, que realmente mantienen su efectividad (y entre los que destaco la representación de un tornado al principio de la película).
[Leer más +]
2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Un cura
Un cura (1961)
  • 7,0
    305
  • Francia Jean-Pierre Melville
  • Jean-Paul Belmondo, Emmanuelle Riva, Iréne Tunc, Nicole Mirel, ...
8
Enfoque particular sobre una relación diferente
La película trata un tema delicado (muy controversial para su época) sin llegar a abaratarlo, presentándolo de un modo bastante maduro. Barny (Emanuelle Riva) quien recibió educación católica pero está alejada desde hace años de la religión, se acerca a la iglesia para jugarle una broma al sacerdote y divertirse. Sorpresivamente, el padre Morin (Jean-Paul Belmondo), sin inmutarse, le sigue la corriente, descubriendo de inmediato la posibilidad de recuperar una creyente que se ha alejado de la Iglesia. A partir de allí comienzan una serie de encuentros entre ellos, en donde su relación se va estrechando, y en donde inevitablemente el re-acercamiento a la fe para Barny se confundirá con la atracción que el sacerdote ejerce sobre ella.

La película se desarrolla lentamente, pero el resultado final es interesante, tomando en cuenta que trata una relación poco común entre dos seres humanos con ambigüedades.

Las actuaciones son muy buenas. Riva logra en forma muy sutil representar a una mujer confundida en busca de explicaciones. Belmondo personifica idealmente a un sacerdote con ideas progresistas, quien también tiene un cierto magnetismo físico, sin llegar a poseer una fisonomía digamos “perfecta” como para poner en riesgo la credibilidad del protagonista. En ninguno hay una nota de sobre actuación, luciendo muy naturales.

Quizá la mayor crítica a la película es que si bien es cierto se hacen muchas referencias a la vida de los civiles en tiempos de guerra y la invasión de tropas extrajeras, la falta de más representación visual (por restricciones presupuestarias, probablemente) contribuye con que la atmósfera no sea del todo convincente, de modo que no se percibe una amenaza constante.
[Leer más +]
3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Gladiador
Gladiador (2000)
  • 7,9
    184.181
  • Estados Unidos Ridley Scott
  • Russell Crowe, Joaquin Phoenix, Connie Nielsen, Oliver Reed, ...
8
No es para premios, pero es una gran película
El mayor problema que GLADIADOR enfrenta en perspectiva, es haber sido ganadora del oscar a la mejor película en la premiación del 2001. De la década 2000 a 2009, quizá solamente CRASH ocuparía un lugar inferior entre los que la consideran sobrevalorada. Para peores, las nominadas del 2000 no representaron gran competencia en particular (CHOCOLAT, ERIN BROCKOVICH, TRAFFIC pueden calificarse de “coladas”, mientras que CROUCHING TIGER, HIDDEN DRAGON estaba predestinada a “conformarse” con el oscar a mejor película extrajera, premio que con más justicia se le debió otorgar a AMORES PERROS). Por lo tanto, en un año en que no había pesos pesados, GLADIADOR fué la ganadora desde su nominación.

Creo que si la película no hubiera recibido la atención de la Academia, sería juzgada con menos dureza por algunos sectores, que la critican fuertemente como poco novedosa, cliché y cursi.

El filme es una forma de regresar (y homenajear) al Hollywood de 40 años atrás, el de películas épicas a gran escala, en que el espectáculo es lo primordial, y en donde el público necesariamente se identificará con los protagonistas buenos que están luchando por ideales más importantes que su vida misma. Concedo que sí, al volver al Hollywood del pasado, también se recurre a un guión acomodado, repleto de situaciones forzadas y poco creíbles (entre las que destacan los encuentros frente a frente entre el gladiador y el emperador en la arena del coliseo, no una… tres veces!) que, con todo, difícilmente serán despreciadas por el público en general . Para peores, algunos echarán de ver que adicionalmente, la historia retoma ciertos protagonistas principales de LA CAIDA DEL IMPERIO ROMANO (1964, casualmente una de las últimas películas de la época dorada del género épico hollywoodense), aunque para ser justo, el protagonista principal es totalmente diferente, y el enfoque de LA CAIDA era más histórico/político.

Tomando en cuenta ese “volver al pasado” la película vale como gran entretenimiento. Formalmente es irreprochable. La recreación visual de Roma antigua nunca había sido tan detallada y la película hace uso inteligente de efectos especiales no solo para esa recreación, sino además para las peleas en la arena (particularmente la famosa secuencia en donde los tigres son parte de la lucha).

Los diálogos están cargados tanto de frases inteligentes como cursis, como corresponde a la tradición de este género, de ese tipo de frases que gustan ser repetidas por los que le han dado al filme tratamiento de culto (“A mi señal , desaten el infierno” “Lo que hacemos en esta vida, hace eco en la eternidad” “Yo soy Máximo… padre de un hijo asesinado, marido de una mujer asesinada, y tendré mi venganza, en esta vida o en la siguiente”. “Nos veremos otra vez, pero aún no. Aún no”).

Las actuaciones, en mi concepto, no defraudan. Difícilmente pasaría desapercibida una película que cuente con el talento de Richard Harris y Oliver Reed (éste en su último filme) cuya simple presencia demanda atención. Joaquin Phoenix, apenas en ascenso entonces, ya se sabe que puede actuar y bastante bien. Aquí hace un trabajo convincente como un villano con profundos complejos cuyas debilidades son apenas superadas por su ambición y deseo de poder. Connie Nielsen sale bastante bien librada para alguien que comparte gran protagonismo y tiempo en escena.

Lo que nos lleva finalmente a la actuación de Russell Crowe. Y volvemos a la misma historia: el hecho de que haya sido premiado con el oscar a mejor actuación masculina, lo pone en el microscopio y en la candidatura de sobrevaloración. En mi concepto, como he dicho en otras ocasiones, me parece que el mérito de Crowe, más que en los pequeños detalles histriónicos, está en representar el personaje a la perfección. Sí, tal vez fue la forma en que la Academia compensó su falta de no premiarlo el año anterior por THE INSIDER, pero argumentar eso sería demeritar su trabajo en GLADIADOR. Al respecto, lo que escribió James Berardinelli en el 2000:

“Para Russell Crowe, GLADIADOR representa la oportunidad de expandir su reputación, la cual fue realzada a principios de este año por su nominación a mejor actor en su interpretación del soplón Jeffrey Wigand en THE INSIDER de Michael Mann. Esta es la primera oportunidad para Crowe de echarse encima una película de gran presupuesto. El papel de Maximo requiere más presencia que habilidad histriónica y Crowe demuestra que puede dar la talla. De películas tan diversas como PROOF, ROMPER STOMPER y THE INSIDER, sabemos que él puede actuar. GLADIADOR demuestra que puede dominar la pantalla con una mirada fría, mandíbula apretada y determinación segura, atributos normalmente reservados para mega-estrellas de acción como Arnold Schwarzenegger y Sylvester Stallone”.
[Leer más +]
Sé el primero en valorar esta crítica
Jesucristo Superstar
Jesucristo Superstar (1973)
  • 6,8
    7.745
  • Estados Unidos Norman Jewison
  • Ted Neeley, Carl Anderson, Yvonne Elliman, Barry Dennen, ...
7
Disfrutable filme de una ópera rock de principios de los setentas.
JESUS CHRIST SUPERSTAR no es una gran película. Pero no es una película mala.

El mayor problema del filme es llevar sin duda alguna el sello de ser producto de su tiempo. En primer lugar, es la culminación de una obra de musical (más específicamente denominada "opera rock") nacida en 1970 (entendiéndose como culminación el hecho de que primero surgió el disco, luego se llegó a montar como obra de teatro, luego se adaptó a película). Por lo tanto, musicalmente, suena como música "rock" de esa época. Para alguien que no tenga el gusto para el sonido rock de finales de los 60's y principios de los 70's, difícilmente podrá disfrutar de las canciones.

Pero el mayor problema en cuanto a lo anticuado que luce el concepto, fué estructurar la película como si fuera hecha por hippies y para hippies, es decir, para hablarle a una generación que estaba replanteando los rígidos valores polìtico-sociales y buscaba abrazar ideales más propios de identidad y liberación, representando una revolución cultural de importancia. Parte de esos valores, incluyendo la forma de vestir, fueron transportados a la puesta en escena, lo que provoca que irónicamente una historia que se desarrolló hace 2000 años, y que tiene un mensaje más atemporal, se vea condenada a verse artificialmente anticuada, claramente filmada en los 70's.

Desde el punto de vista religioso, la película no provee ninguna experiencia superior en particular. De hecho, los más conservadores criticarán la introducción de conceptos que se han extendido solo recientemente (por ejemplo, la idea de que Judas no era un traidor, sino que cumplió un papel dentro del plan divino que atañaba a Jesucristo, o la insinuación de una relación más cercana entre Jesús y María Magdalena). En general, el tratamiento de la historia no debería considerarse tan cambiado en extremo como para tildarla de hereje o algo parecido, pero a los creyentes probablemente lo único que les provoque es alguna simpatía por ver musicalizados ciertos hechos que le son familiares. Para los que no conocen a fondo la vida del personaje central, JC SUPERSTAR representa todos los limitantes de una película 100 % musical, que difícilmente va a elaborar profundamente sobre personajes, conceptos y pensamientos.

Si se tiene el gusto por el tipo de música, éste es un punto alto de la película, como lo es sin duda alguna la gran utilización que hace de escenarios naturales en Israel (la película recibió nominación al BAFTA por mejor cinematografía). Por otro lado, no hay duda de que el musical y la película transmiten el juvenil entusiasmo y energía que estuvo tras su concepción, planificación y ejecución. Pero así como la música (la letra) tiene ciertos baches de ingenuidad, la puesta en escena pasa de decisiones buenas e impresionantes (por ejemplo, la vestimenta de los fariseos asemejando alguna especie de aves de rapiña al acecho, la inquietante escena de leprosos que se arrastran y salen de sus cuevas para acosar a Jesús justo en el momento en que éste se ve abrumado por dudas) a otras negativamente inolvidables (por ejemplo, toda la escena de Herodes, en que se trata de ridiculizar su figura pero introduciendo un tipo de puesta en escena y coreografía cuyo look comédico y ligero resultaría más apropiado para musicales tipo ROCKY HORROR PICTURE SHOW).

Otro punto a favor es que de alguna forma la película trata de abandonar la forma estática más tradicional de filmar coreografías en los musicales, y experimenta con ediciones que serían familiares una década después durante el auge del video musical. De alguna forma, aquí hay algunas semillas.

Finalmente, el reparto cumple hasta donde se le exige actuar, y aunque como es la costumbre, los actores no hacen más que "lip-synch" sobre pistas pre-grabadas, la sincronización es competente y en ningún momento arruina la ficción que quiere crear.
[Leer más +]
1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil