Como un maestro de escuela rural, Rudolf, comandante de Auschwitz, vive con su familia junto al campo de concentración. Su esposa dirige el orden de la casa, tratando de hacer de ella y de sus alrededores un lugar idílico para la vida familiar. A las puertas del espanto, la vida cotidiana es similar a la que podrían llevar junto a una fábrica de automóviles alemana. Resulta impresionante observar sus tareas domésticas o asistir a las conversaciones frecuentes en la casa, alejadas del horripilante entramado que les sustenta a pocos metros. Como parte de un orden individualizado y meritocrático, hacen lo que se espera de ellos y creen merecer lo que van obteniendo por ello: nada les impedirá conseguir la vida a la que aspiran, aunque desde la casa se pueda ver el humo de los crematorios durante la noche o se escuchen los gritos, lejanos, de los judíos. A veces se aprecia el olor. Pero ellos viven ajenos: se preocupan por mejoras en la vivienda, por ampliar la familia o por ascensos y traslados en el trabajo. La casa y la abstracción les permite la vida idílica que cualquiera querría: amigos y reuniones, visitas familiares, sirvientes, días de piscina y paseos por el jardín, charlas de café… Da igual dónde o cuándo. Todos esos momentos sugieren una discapacidad humana atroz. Las debilidades de algún personaje ante la situación, de la que nadie habla, no interfiere lo suficiente en el cosmos que han creado, exterminando en común cualquier flojedad, sostenidos por el aislamiento, por los muros que les salvan de la monstruosidad que ellos mismos construyen y evitan a diario.

La puesta en escena de la película, abrupta y rompedora, subraya la aparente distopía a la que asistimos. Por momentos experimenta con su ambientación sonora, con una partitura musical llamativa o con juegos de escenas con paralelismos y saltos que la harán incómoda o confusa, incluso cínica, para muchos de sus espectadores. El riesgo que se asume a través del propio relato, con una seca y traslúcida muestra de los hechos, como si asistiéramos a una exposición museística del horror, se eleva también en su propuesta estructural, que trata de ser sugerente y provocativa.

Adaptación libre de la novela de Martin Amis, “La zona de interés”, más allá del propio espacio de vida a la que pone el foco, es sobre todo el retrato del holocausto fijando la mirada en la ausencia moral de quienes fueron parte de él, de la responsabilidad ética de quienes se aprovecharon del exterminio para mantener una posición de salvación. La película nos señala que no estaban libres de culpa. Son parte de una “sociedad podrida y desencajada”, como decía Saramago sobre su libro “Ensayo sobre la ceguera”, que desvelaba el profundo egoísmo ante la supervivencia. Resulta inevitable encontrar paralelismos a gran escala con la vida contemporánea y con el estado de las cosas y de los conflictos actuales: ¿no somos parte de algo parecido? La crítica y el autorretrato de los tiempos que atraviesa todo el film es estremecedor. Un brillante y despiadado análisis social, tan pavoroso como los hechos que no muestra y que se bosquejan siniestros durante toda la película.

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Ganadora del premio de la crítica en el Festival de Venecia y del premio del público en el de San Sebastián, donde emocionó en su pase en el Teatro Victoria Eugenia al grito de "¡Nunca más!", "Argentina, 1985" va camino de convertirse en una de las películas del año 2022.
Y es que esta película de Santiago Mitre relata el Juicio a las Juntas de la Dictadura Militar de Videla, con el forzado héroe Julio Strassera como fiscal acusador, interpretado por un enorme Ricardo Darín, y que supuso el paso oficial de Argentina hacia la democracia. La película se formula bajo el thriller político con una puesta en escena efectista con aroma a algunas de las mejores películas del cine de judicial y mainstream americano, pero a la que no le falta garra y capacidad de debate, consiguiendo transmitir la importancia de lo que este juicio supuso para la ciudadanía argentina y global, como demuestra el eco que está provocando la propia película en quienes la ven en cualquier parte del mundo. El difícil proceso real al que se atrevió el joven equipo de juristas retratados en la película, largo, complejo, bajo la presión del tiempo y en constante amenaza, queda hábilmente condensado para ser popular, convincente y, en determinados momentos, emocionante, especialmente cuando entran en juego esas dosis de humor que sorprenden y destensan una narración vibrante colmada de ingredientes históricos, domésticos e idealistas de gran interés.
Una película con vocación universal que redondea su oportuno llamamiento a la memoria, resultando tan épica, sincera e inmortal como actual.

Strassera cerró su alegato de la fiscalía con estas frases:
"Señores jueces: quiero renunciar expresamente a toda pretensión de originalidad para cerrar esta requisitoria. Quiero utilizar una frase que no me pertenece, porque pertenece ya a todo el pueblo argentino. Señores jueces: "Nunca más".

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En tiempos de neoliberalismo desatado, cuando la vida desaforada está en muchos sueños e imágenes como paradigma de éxito, las películas de Aki Kaurismäki parecen una tabla de salvación moral y ética. También de salvación estética y de originalidad. Su puesta en escena, de la que se adivinan referentes clásicos de los que no rehúye, muestra un mundo donde parece haber quedado congelada un tipo de vida ya lejana, en la que los individuos se mueven por sentimientos, problemas y necesidades sinceras. La casi ausencia de diálogos y la parquedad de sus personajes, convierte cada escena en una divertida coreografía de miradas y comportamientos donde afloran los sentimientos fundamentales. Esa poética de personajes hieráticos y derrotados supone una clara denuncia a la opresión laboral y al ritmo de vida actual, así como, paradójicamente, una evidente llamada a la lucha o, al menos, a la resistencia. En su cosmos, Kaurismäki narra situaciones y retrata universos individuales y colectivos con la benevolencia que da la verdad de lo que conoce, defendiendo la dignidad de sus personajes y aspiraciones con una ternura y una vehemencia que constituye una implicación artística y humanística que ya de por sí emociona. No cabe duda de que le echaremos de menos.
Una película modélica y paradigmática del cine caricaturizado, agradable y ácido de Aki Kaurismäki, que posee una historia muy inocente de personajes acartonados y dependientes, pero también sensibles y partícipes de un mundo en común donde todavía sobreviven algunos vínculos leales. Una oda a la vida sencilla y al mundo obrero, así como a los errores y las segundas oportunidades, llena de humor y vitalidad, que supone, además, un precioso homenaje al gran Charles Chaplin.

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No sólo por el éxito cosechado, la novela de Sara Mesa invitaba a una adaptación cinematográfica que muchos esperábamos con interés. Por su temática, personajes y acontecimientos, repleta de equívocos, tabús y prejuicios, y por las latentes frustraciones contemporáneas que atraviesan sus páginas, hacía imaginar una escenificación tan adusta y compleja, tan seca y agresiva en tiempos abruptos, que merecía ser trasladada a la pantalla.

Sin embargo, llevarla al cine también suponía un reto envenenado: era fácil imaginarla por la realidad a la que está apegada, con personajes antisociales que pueblan nuestro entorno, entre muchos detalles conocidos, y hacerlo de forma muy cercana al texto podría lastrar la originalidad de la película. Isabel Coixet debía saberlo bien, porque lo ha hecho arriesgando y aportando más de lo esperado, interpretando y explicitando más que la propia novela, lo cuál no tiene por qué ser positivo y generará opiniones encontradas, pero desde luego no se puede decir que la adaptación se haya realizado sin implicación: se nota claramente la aportación de la cineasta y sus añadidos diría que son acertados, aunque “Un amor” es una película también muy personal e íntima para cada espectador, sería absurdo hablar de ella como si las miradas de las que depende fueran homogéneas.

A nivel visual es una película de estética plomiza pero muy cuidada y elegante, con un cromatismo acorde con el universo agreste y tenso de un lugar sin intenciones de querer ser un hogar para nadie. Se visualiza la jungla, que también es rural, y el antipático espacio de lucha que Nat, su protagonista, no esperaba encontrar y que tendrá que atravesar. Dramáticamente, los vecinos y el propio pueblo parecen una secta uniforme con roles diferenciados, como si funcionaran mecánicamente para confundir en lo posible a Nat, aunque adolecen de ciertos estereotipos (y, quizá, del tiempo necesario para desarrollarlos) que los banalizan en parte. Nat, personaje perdido tomando decisiones contradictorias, aparenta ser lo que no puede ser, deseando demostrar que no es en lo que parece haberse convertido. Seguramente, una persona en momentos de debilidad, en una etapa de mutación, cuando sabe que tiene que sacar su amor propio, su carácter y lo que realmente es, descubriéndose ante sí misma, pero que por ello no merece ser tratada de manera tan incomprensiva. La falta de comunicación sincera y el lenguaje de sobreentendidos en el que Nat, traductora e intérprete, se instala, hacen de sus días una travesía de ansiedad irrespirable.

Con pequeños excesos, “Un amor” muestra la imposibilidad de adaptarse a la crueldad diaria, cuando a priori todo parece ser más sencillo que antaño y todos se empeñan en recordarlo. Una película tan interesante como la novela, en la que se aprecia una sociedad ennegrecida, desapegada e individualizada, tan egoísta de la que merece la pena escaparse. A priori era La Escapa un buen lugar para ello, pero allí no ha funcionado. Quizá, no queda otra, toca huir al lugar en el que Sieso, el perro apaleado de la protagonista, querría estar ahora.

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En los últimos años, seguramente por cuestiones de financiación, autocensura, arraigo indie y, ojalá, por tratar de ser más trascendentales y alegóricos, abundan las películas ambientadas en el mundo rural protagonizadas por muy pocos personajes y con historias psicológicas alimentadas por dilemas morales de difícil resolución, pero que dejan entrever un interesante análisis sobre nosotros mismos. Bienvenidas sean si manejan esas intenciones y recursos de forma tan certera como lo hace "Suro", un film interesante, duro y tenso.
Rodada en catalán y ópera prima de Mikel Gurrea, la película aborda la incomunicación de pareja, la inmigración, el choque cultural o la dificultad de otras formas de vida en entornos ya viciados a partir del anhelo de una pareja que se propone una nueva vida en el campo, cerca de un bosque de alcornoques que tendrán que aprender a gestionar. Iván y Helena comprobarán rápidamente que las contradicciones y deseos del mundo moderno se mantienen casi intactos allá donde vayan, recrudeciéndose en la soledad del nuevo lugar, escenario que verá aflorar sus diferencias como pareja y las frustraciones personales, logrando transmitir un mensaje contundente sobre nuestra sociedad y la imposibilidad de remar a contracorriente.
"Suro", que significa corcho en catalán, es un pesimista retrato de un mundo impregnado de egoísmo, de racismo o de clasismo en su seca y vieja corteza, de la que es casi imposible desprendernos, y todo ello a través de la visión madura pero a la vez naif de unos individuos que desearían otra cosa pero que no saben cómo lograrlo, completamente perdidos entre el caos y la nada.
El excelente nivel del cine español este 2022 quizá la haga pasar desapercibida entre el público y de cara a la temporada de premios, pero en otras circunstancias esta sería una de las películas que competiría entre lo mejor del año con merecimiento.

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