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Críticas de Mayra Meza
Críticas ordenadas por:
Pachamama
Pachamama (2018)
  • 6,3
    95
  • Argentina Juan Antin
  • Animation
5
Orígenes culturales
Pachamama es una producción francesa cuyo argumento se desarrolla en sudamérica. La cinta estrenada hace poco en Netflix está dirigida por el argentino Juan Antin, quien realiza en su segunda película un interesante trabajo antropológico que, parte de la cosmovisión indígena para narrar una historia ambientada en Perú (antes de la colonización española), donde un chico y su amiga emprenderán un peligroso viaje por defender sus raíces y tradiciones de un malvado Inca, pero en el camino inesperadamente se encontraran con un peligro aún mayor.

Pachamama luce muy pulcra en sus imágenes, tiñe de colores vivos sus fotogramas y muestra la flora y fauna propia del país andino: un cóndor, una llama e incluso un armadillo acompañan a los protagonistas de esta entretenida travesía que estuvo entre las nominadas a Mejor film de animación en los Premios César 2018. Pachamama aborda su historia con un aire de fábula e incluso con cierto misticismo, resulta entretenida incluso recurriendo a tópicos y personajes que representan arquetipos del género.

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Rizu to Aoi tori
Rizu to Aoi tori (2018)
  • 6,8
    63
  • Japón Naoko Yamada
  • Animation
7
Historia sobre la amistad y la vida
Liz and the Blue Bird es el nuevo trabajo de la directora Naoko Yamada, responsable de Una voz silenciosa, aquella interesante películas sobre bullying, discapacidad y suicidio que estuvo entre las preseleccionadas a los Oscar 2018 en la categoría de mejor película de animación. En esta nueva propuesta la directora reincide en hablar sobre la dificultad de la comunicación y la empatía en nuestra sociedad sobre todo en la complicada adolescencia.

El escenario de Liz and the Blue Bird es un instituto para chicas donde la extrovertida y popular Nozomi y la solitaria e introvertida Mizore, cursan su último año de instituto, el contraste entre los personajes es evidente desde el inicio y la amistad de ambas es representada por el cuento de Liz y el pájaro azul, una historia que cobra vida dentro del metraje y sirve como metáfora para señalar las emociones y la relación de las protagonistas.

La pieza musical que deben interpretar ambas en su club de música y que pertenece al cuento antes citado, es el hilo conductor de la trama. Liz and the Blue Bird es una historia sencilla contada con tempo lento y dando relevancia a las acciones antes que a los diálogos, visualmente es muy pulcra, pivota entre los colores fríos del instituto y los fondos de acuarela coloridos y detallistas que marcan las escenas del cuento, su montaje acopla con precisión las imágenes y la música dando lugar a momentos conmovedores y nostálgicos que, sin embargo, nunca son exageradamente dramáticos.

También, debido a la personalidad de Mizore (ciertos detalles apuntan al síndrome de Asperger), hay momentos curiosos que dan lugar a situaciones ligeramente cómicas. En conjunto, una oda a la amistad y, al valor del arte como herramienta de comunicación y comprensión humana. Muy recomendable para quienes disfrutaron de películas como El himno del corazón.

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An Elephant Sitting Still
An Elephant Sitting Still (2018)
  • 7,7
    532
  • China Hu Bo
  • Zhang Yu, Peng Yuchang, Wang Uvin, Li Congxi
8
Inicio y final
An Elephant Sitting Still es la primera película de Hu Bo y lamentablemente también la última, puesto que el joven director se suicidó antes de que su ópera prima se estrenara. La película de casi cuatro horas de metraje narra la historia de cuatro personas que verán entrelazados sus caminos y cuyo único nexo en común es la ciudad donde habitan y el desencanto vital que los abruma.

An Elephant Sitting Still es un drama que escarba en los males de una sociedad china contemporánea que podría ser cualquier otro lugar. Aborda la desesperanza de quien se siente menospreciado por sus propios padres/hijos, la negligencia del sistema educativo, la violencia, el acoso escolar, el mal uso de las redes sociales y el suicidio, todos estos temas convergen y fluyen con soltura en un dilatado metraje que nunca resulta aburrido.

Bo, recurre a largos planos secuencia y persigue a sus desdichados individuos, los filma con una mirada cercana pero a la vez distante, con tempo lento y escenario grisáceo que contribuye al sentir desangelado que se pretende plasmar en los fotogramas. Su estilo a medio camino entre lo filosófico y poético tiene diálogos interesantes y precedidos por largos silencios que en ocasiones son acompañados por una melodía que refuerza la lúgubre atmósfera y el dramatismo de ciertas escenas/secuencias. Además, tiene interpretaciones bastante correctas, su discurso es potente y su puesta en escena eficaz.

Logra calar hondo en el espectador y sin duda merece la pena el visionado. Aquellos que disfrutan de los dramas existencialistas de tempo lento pueden encontrar en An Elephant Sitting Still una joyita.

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Shadow
Shadow (2018)
  • 6,6
    1.143
  • China Zhang Yimou
  • Deng Chao, Sun Li, Ryan Zheng, Guan Xiaotong, ...
7
Destacable regreso de Zhang Yimou
Tras el fracaso de La gran muralla, Zhang Yimou regresa con Sombra un trabajo más fiel a su estilo, el cual nos recuerda mucho a otras películas del director como La casa de las dagas voladoras o Hero, a esta última se asemeja sobre todo en su fotografía, uso de la música y elementos como el agua que forman parte de algunas de las escenas de acción. De hecho, en Sombra el agua es casi un personaje más, puesto que arropa esta historia con una incesante lluvia a lo largo del metraje.

Su gama de colores grises y cuidada puesta en escena da lugar a una atmósfera sombría para mostrar la confrontación entre dos reinos y una venganza que se cuece a fuego lento de la mano de un comandante herido quien usa a su “sombra” (alguien idéntico a él) para ejecutar sus planes. Un juego de poder y guerra estructurado y desarrollado de manera inteligente lleno de intrigas palaciegas y con una buena dosis de violencia. Sombra tiene un engranaje de mucha precisión y está impregnada de esa belleza visual casi poética que suele percibirse en el cine de Yimou.

Estamos ante una obra quizás más destacable en forma que contenido: no logra el calado de cintas como ¡Vivir!, o el portentoso trabajo realizado en Hero, pero aun así, se puede decir que Sombra es una película interesante, entretenida muy bien dirigida, interpretada y con un aspecto visual y sonoro memorable.

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Ponoc Tanpen Gekijō: Chiisana Eiyū: Kani to Tamago to Tōmei Ningen
Ponoc Tanpen Gekijō: Chiisana Eiyū: Kani to Tamago to Tōmei Ningen (2018)
  • 6,8
    27
  • Japón Hiromasa Yonebayashi, Yoshiyuki Momose, ...
  • Animation
6
Héroes modestos
Kanini & Kanino, el primero de los tres cortos que componen este largometraje fue realizado por Hiromasa Yonebayashi, quien en esta ocasión narra la aventura de una especie de familia acuática que deberá sortear ciertos peligros. Kanini & Kanino recuerda un poco a Arrietty y el mundo de los diminutos, guarda similitudes al tener singulares personajes diminutos, aunque en esta ocasión su hábitat reside bajo el agua, lugar donde se desarrolla la acción de esta historia de supervivencia, entretenida y muy vistosa aunque bastante sencilla y carente de toda la emotividad y calado emocional que suele estar presente en el cine de Yonebayashi.

El segundo cortometraje es Life Ain't Gonna Lose, la historia de un niño que padece una alergia en particular que le causa muchos problemas y le impide llevar una vida normal. Yoshiyuki Momose dirige este drama familiar que muestra de manera interesante los avatares de una madre y su pequeño conviviendo con la enfermedad. Los minutos finales de Life Ain't Gonna Lose están muy bien resueltos.

El tercer y último corto es Invisible, singular relato que pese a su sencillez logra captar la atención del espectador con ese aire de extrañeza que desprende el metraje y al mismo tiempo haciéndonos participe de una aventura poco usual. Quizás resulte demasiado abstracto, aún así, Akihiko Yamashita logra un trabajo visualmente correcto y muy entretenido. En líneas generales, Modest Heroes es un trabajo interesante, tal vez destaca más en su apartado técnico que en su guion, pero sin duda merece la pena el visionado.

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Okko's Inn
Okko's Inn (2018)
  • 6,1
    132
  • Japón Kitarô Kôsaka
  • Animation
6
Fantasmas amistosos
Antes de empezar su carrera como cineasta, Kitarô Kôsaka trabajó en el departamento de animación del Studio Ghibli junto al director Hayao Miyazaki en la animación de películas como Castillo en el cielo, Princesa Mononoke, Ponyo en el acantilado o incluso la nominada al Óscar El viento se levanta. Es probable que por todo ello la influencia de Miyazaki, se atisbe ligeramente en Okko, el hostal y sus fantasmas, adaptación cinematográfica de una novela infantil escrita por Hiroko Reijo.

En Okko, el hostal y sus fantasmas, Kôsaka narra la historia de una adolescente que debe ir a vivir con su abuela en la posada que esta dirige, allí Okko, empezará a tener experiencias sobrenaturales al poder ver y hablar con varios fantasmas de niños que viven en dicho lugar. Todo esto es el preámbulo para desarrollar una historia sobre la amistad, el dolor de la pérdida, el crecimiento personal y las raíces culturales. No es una obra de gran calado pero tiene un desarrollo entretenido y agradable logrando equilibrar el drama y la comedia, además, cuenta con un diseño de personajes y animación bastante correcto.

En definitiva, Okko, el hostal y sus fantasmas es disfrutable y, a pesar de estar dirigida principalmente al público infantil puede gustar también a los adultos.

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Tienda de unicornios
Tienda de unicornios (2017)
  • 4,9
    1.622
  • Estados Unidos Brie Larson
  • Brie Larson, Samuel L. Jackson, Joan Cusack, Bradley Whitford, ...
5
Magia intermitente
Con cierto aire de realismo mágico, Tienda de unicornios busca adentrarse en la dicotomía que representa pasar de la juventud a la compleja edad adulta donde no queda mucho espacio para sueños e ilusiones aparentemente triviales. A partir de ello Tienda de unicornios genera reflexiones sobre el tema pero con muchas situaciones casi surrealistas de por medio, algunas funcionan otras no tanto.

Salvando las distancias y debido a ese componente femenino y un tanto crítico respecto a las reglas impuestas por la sociedad, podríamos compararla con la reciente Tully, de Jason Reitman, aunque hay que decir que la ópera prima de Larson carece del buen guion y personajes que hacen de Tully una película más que interesante. Tienda de Unicornios supone el debut en la dirección de la oscarizada actriz Brie Larson (ahora mundialmente conocida por interpretar a Carol Danvers en Capitana Marvel), es un trabajo bastante irregular: funciona medianamente cuando acepta su naturaleza de comedia ligera e intrascendente pero pierde puntos cuando intenta ser grandilocuente y lo único que consigue es mostrar las asperezas de un guion disperso cuyo microcosmo resulta un tanto inverosímil, tiene algunos personajes que pretendiendo singularidad o extravagancia rozan lo risible.

Por suerte la interpretación de Larson aporta carisma a un personaje más simpático que interesante, lo mismo sucede con Mamoudou Athie y Samuel L. Jackson, pero ninguno logra destacar. Igualmente el trabajo de Larson tras las cámaras es correcto y poco más, pero claro, poco se podía pedir teniendo en cuenta los problemas del guion. En líneas generales Tienda de Unicornios es simpática, entretenida, su metraje no es extenso y mejora en su segunda mitad, así que resulta bastante pasable pese a sus errores. No es una película destacable pero tampoco será lo peor que se encuentre en el catálogo de Netflix.

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Un nuevo camino
Un nuevo camino (2017)
  • 5,7
    519
  • Estados Unidos Ben Lewin
  • Dakota Fanning, Toni Collette, Alice Eve, River Alexander, ...
5
Comedia dramática ligera pero novedosa
Ben Lewin, cineasta que hace unos años abordaba en Las sesiones (The Sessions) el tema complejo y casi tabú del sexo y la discapacidad física, vuelve a dirigir otra cinta de tema poco convencional, aunque esta vez no firma el libreto y quizás por eso el discurso se atisba mucho más buenrollista y con un estilo que apunta al cine familiar. Larga vida y prosperidad se suma a esa lista (no muy extensa) de películas que pretenden retratar la vida y el entorno de las personas con Trastorno del Espectro Autista.

Esta comedia dramática tiene como protagonista a Wendy (Dakota Fanning), una joven con autismo quien es aficionada a Star Trek y disfruta escribiendo historias en su tiempo libre, esto mientras se encuentra recluida en una casa asistencial donde la ayudan a prepararse para vivir una vida tan independiente como le sea posible. A priori la idea principal de la cinta resulta prometedora, sin embargo, el guión escrito por Michael Golamco, no esquiva totalmente los lugares comunes y desarrolla apenas una somera exploración del complejo tema que aborda, añadiendo detalles que resultan impostados, además de algunos momentos de forzado sentimentalismo que se evidencian innecesarios.

Larga vida y prosperidad es una coming of age cuya novedad reside en los diferentes guiños a Star Trek y en la singularidad del personaje protagonista, quien logra resaltar de entre el conjunto debido al destacable trabajo interpretativo por parte de Fanning. Larga vida y prosperidad pese a su irregular resultado funciona mucho mejor en su vertiente cómica lo cual deviene en una propuesta cuanto menos entretenida y muy agradable que además, aunque de manera muy superficial, defiende el cine como herramienta para una mejor comunicación y comprensión humana, un detalle que salvando las distancias me recordó al documental Vida animada (Life, Animated) el cual también hablaba sobre el TEA. Un producto de mero entretenimiento pero más interesante de lo habitual, disfrutable sobre todo para los espectadores menos exigentes.

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Sed
Sed (2015)
  • Ecuador Joe Houlberg
  • Ivan Alzate, Ana Cristina Barragán, Fernanda Barragán, Enzo Macchiavello
6
Para espectadores curiosos y sin prejuicios.
Una de las características del cine ecuatoriano es que sus historias casi siempre giran en torno al género dramático. Pocos directores optan por la ciencia ficción, la fantasía, el thriller psicológico o suspense como eje principal en sus relatos. En ese contexto, la película que hoy nos ocupa resulta un soplo de aire fresco en una cinematografía que continúa creciendo y expandiendo sus horizontes, aunque sea a paso lento.

La ópera prima del quiteño Joe Houlberg, se aleja del realismo social tan habitual en dicha cinematografía y recurre al tema de la discapacidad visual como una especie de metáfora, para construir una obra sensorial a la par que visceral. SED intenta indagar en los claroscuros del ser humano, a partir del fin de semana de cuatro jóvenes en una hacienda situada en la sierra ecuatoriana, dicha locación confiere al relato una atmósfera sombría y un halo de misterio que se presta al servicio de esta narración en clave de suspense y thriller psicológico.

Con diálogos parcos y silencio predominante se da lugar a escenas sugerentes que paulatinamente revelan las pulsiones ocultas de los personajes, las cuales devendrán en un perturbador final. SED tiene un reparto coral con actores debutantes y otros poco conocidos entre los que destacan Enzo Macchiavello, recordado por protagonizar Sin otoño, Sin primavera y Ana Cristina Barragán, quien antes de debutar en la dirección con la película Alba, coescribió y protagonizó este film donde interpreta a una joven con discapacidad visual.

La historia es bastante escueta y se echa en falta más desarrollo en la trama y personajes más perfilados. Sin embargo, su correcta puesta en escena y metraje nada extenso dejan como resultado final, una obra imperfecta pero interesante y con un desarrollo intrigante y entretenido.

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Con mi corazón en Yambo
Con mi corazón en Yambo (2011)
  • 7,6
    40
  • Ecuador María Fernanda Restrepo
  • Documentary, Pedro Restrepo, María Fernanda Restrepo, Doris Morán
6
Para recordar el pasado y reflexionar sobre nuestro presente
Se dice que uno de los grandes defectos de las películas ecuatorianas son sus guiones. Básicamente porque las historias no son lo bastante interesantes o bien estructuradas para lograr captar la atención del espectador. Quizás por eso en contraposición a ello, uno de los géneros más sólidos en la cinematografía ecuatoriana es el documental. Seguramente porque como bien dicen: "la realidad supera a la ficción" y echando mano de la historia, también se puede crear una pieza audiovisual interesante pero sobre todo más importante que cualquier obra de ficción. En esta línea, uno de los documentales más destacados de los últimos años es Con mi corazón en Yambo, película muy intimista donde su directora nos relata un tiempo convulso para el Ecuador, pero sobre todo para ella y su familia. Un país que, en los años ochenta estuvo marcado por la corrupción política y muchos casos de violación de los derechos humanos. Uno de esos casos y el más conocido es la desaparición de los hermanos Santiago y Andrés Restrepo (de 17 y 14 años respectivamente) ocurrida el 8 de enero de 1988, fecha en la que según posteriores investigaciones, la policía ecuatoriana torturó y asesino a los hermanos Restrepo, y según testigos, desaparecieron sus cuerpos en la laguna Yambo. María Fernanda Restrepo hermana menor de Santiago y Andrés, narra en esta su ópera prima, su historia familiar, evocando el pasado a partir de vídeos de archivo, fotografías, audios, testimonios y visitas a los lugares que de una u otra manera forman parte de esta historia.

Uno de los entrevistados es Pedro Restrepo (padre de los desaparecidos y de la directora), quien se encarga de narrar las diferentes pericias policiales y todos los esfuerzos personales que ha realizado para encontrar a sus hijos. Un documental que no sólo trata la tragedia personal y gran pérdida que vivió y ha vivido la familia Restrepo, a lo largo de los últimos 30 años en una búsqueda y lucha incansable por conocer la verdad sobre lo sucedido: también estamos ante una obra que ofrece un análisis a la corruptela del país en la década de los ochenta bajo el gobierno de Febres Cordero y la represión y brutalidad policial que no solo dejó como víctima a la familia Restrepo, también a muchas otras que se vieron afectadas por casos de arrestos arbitrarios, torturas, homicidios y desapariciones. Con mi corazón en Yambo es un trabajo cinematográfico interesante pero sobre todo un documento necesario para conocer, recordar y no olvidar aquella nefasta época que convulsionó al país, y que dejo pérdida y dolor en muchas personas. La crónica de una búsqueda de justicia y verdad que hasta la actualidad continúa cada semana en la Plaza grande; lugar ya emblemático donde ahora además suelen acudir los integrantes de la Asociación de Familiares de Personas Desaparecidas (ASFADEC), para exigir respuestas a las autoridades por cada uno de sus casos. Procesos judiciales que evidencian que incluso más de treinta años después, algunas cosas no han cambiado totalmente y persiste la inoperancia en las instituciones policiales y las diferentes autoridades en el Ecuador. Sin duda, un documental muy recomendable.

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The Escape
The Escape (2017)
  • 5,4
    382
  • Reino Unido Dominic Savage
  • Gemma Arterton, Dominic Cooper, Frances Barber, Marthe Keller, ...
6
Escurridiza felicidad
"La búsqueda de la felicidad" nos traslada al Londres contemporáneo y nos lleva a conocer a una joven pareja quienes aparentemente tienen un matrimonio estable y una economía solvente, ambos intentan ser los mejores padres y esposos no parecen tener problema alguno pero la monotonía del día a día como madre, esposa y ama de casa, logran abrumar a Tara, la protagonista de esta historia, es entonces cuando ella decide que necesita un cambio en su vida. Savage, recurre a los pequeños detalles, gestos, silencios y con tempo pausado desarrolla esta película de tono femenino que nos hace partícipe del descontento vital de la protagonista y el conformismo de su pareja. De manera sutil el director nos acerca al dilema existencial e incluso moral que enfrenta Tara, al encontrarse ante un camino que percibe ajeno y la llena de insatisfacción y agobio, provocando en ella un estado emocional de desesperación que es atendido por su esposo con actitudes machistas o indiferencia.

Estamos ante el epílogo de una relación matrimonial que por momentos y salvando las distancias recuerda un poco a la cinta belga Perder la razón, aunque, Savage opta por un retrato más introspectivo y contenido, también más condescendiente con sus personajes y además poco crítico y minucioso. Quizás por eso su relato y sobre todo sus personajes pese a ser interesantes se perciben carentes de profundidad. Con todo, "La búsqueda de la felicidad" es una crónica de vida que encaja en esa línea de películas de reivindicación femenina, y que además dibuja un esbozo bastante sugerente respecto a la realidad del tema que aborda. Su puesta en escena es correcta, su discurso es interesante y la labor interpretativa es solvente destacando sobre todo el trabajo de Gemma Arterton.

Lo mejor: Gemma Arterton.
Lo peor: Faltan matices a la historia.

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Miriam miente
Miriam miente (2018)
  • 6,1
    75
  • Rep. Dominicana Natalia Cabral, Oriol Estrada
  • Dulce Rodríguez, Carolina Rohana, Pachy Méndez, Frank Perozo, ...
6
Mentira y prejuicio
Los cineastas Natalia Cabral y Oriol Estrada, vuelven a trabajar al alimón esta vez dejando de lado el género documental y partiendo de una anécdota de la directora, buscan mostrar la idiosincrasia de la sociedad dominicana que en ciertos aspectos también logra acercarse a la de otros países (sobre todo de sudamérica). Miriam miente, es una coproducción entre República Dominicana y España, la cual nos relata la historia de dos amigas ambas de familias acomodadas, quienes se encuentran en vísperas de celebrar su tradicional fiesta de quince años.

Mientras se desarrollan los preparativos de dicha celebración, se ahonda en la vida de Miriam, la protagonista de esta historia quien entabla una relación con un chico vía internet, hasta que descubre que el chico en cuestión es de color y entonces surge el conflicto debido a la discriminación social y racial que impera en la familia de la joven. Desde ese momento Miriam inicia un espiral de mentiras y poco a poco se desvelan los diferentes conflictos que subyacen en la trama.

Una premisa que da lugar a temas de calado social como el clasismo, el racismo y la superficialidad de una sociedad apegada a rancias tradiciones. De manera reposada y dando relevancia a los detalles y silencios, los directores desarrollan una historia interesante, aunque sin mostrar la confrontación que a priori se podría esperar, optando por un relato más anecdótico que crítico. También hay que señalar que juega un poco en contra el tiempo que ha pasado para que el guión pueda convertirse en película, puesto que en la era de Instagram, Whatsapp y el adictivo postureo resulta un poco difícil creer que alguien no tiene una foto suya en alguna red social o la capacidad de intercambiarla.

Con todo, Miriam miente cumple en líneas generales y se desarrolla de manera entretenida, con interpretaciones correctas a pesar de ser actores poco o nada experimentados. Pero sobre todo, la película es interesante por las cuestiones que plantea y su capacidad para hacer reflexionar al espectador sobre los muchos prejuicios que existieron y lamentablemente aún existen en la idiosincrasia de muchos.

Lo mejor: La naturalidad con que se desarrolla la historia.
Lo peor: La falta de confrontación en los conflictos que plantea.

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Harrow (Serie de TV)
Harrow (Serie de TV) (2018)
  • 5,4
    115
  • Australia Stephen M. Irwin (Creator), Leigh McGrath (Creator), ...
  • Ioan Gruffudd, Mirrah Foulkes, Remy Hii, Robyn Malcolm, ...
6
Las mentiras que ocultan el secreto
Hace unos meses llegó a AXN España, Harrow, ficción televisiva donde Ioan Gruffudd, tras la serie Forever, vuelve a dar vida a un médico forense aunque esta vez se distancia de la fantasía y la "inmortalidad". La serie narra la historia de Daniel Harrow, un destacado patólogo de carácter bastante particular, una especie de Sherlock pero en versión forense y menos extravagante, el cual tiene que lidiar con su trabajo y al mismo tiempo se verá inmerso en diferentes conflictos personales a causa de su hija, una adolescente un tanto rebelde y yonki (si al ver los primeros episodios piensan que esa subtrama de la hija se asemeja mucho a la compleja relación paternofilial vista en la reciente serie de Hulu, The First, pues hay que apuntar que aquí nada es lo que parece, y tranquilos que esta subtrama encaja y se desarrolla de manera mucho más interesante y congruente con la trama principal). Estamos ante un thriller con tinte dramático que sabe aunar sus piezas y enganchar al espectador.

Si bien es cierto que Harrow tiene un estilo de procedimental policíaco y de criminalística típico de series como CSI o incluso Elementary, y por ello no aporta nada nuevo a la temática, lo que nos engancha a esta propuesta son tres cosas. En primer lugar, el perfil del personaje protagonista interpretado con mucho acierto y carisma por Gruffudd. En segundo lugar, el misterio de la subtrama criminal que se va desvelando episodio a episodio y que mantiene al espectador intrigado a esperas de conocer el desenlace. Y, en tercer lugar y quizás lo más novedoso para una serie de su tipo, es que solo consta de 10 episodios. Harrow, a pesar de echar mano de elementos habituales, sabe barajar sus cartas y desarrollar una trama poco predecible, interesante y con buen ritmo.

En líneas generales el reparto funciona bien, destacando la interpretación de Gruffudd (aunque no supera la buena labor interpretativa que ofrecía en Liar, otra interesante serie protagonizada por el actor). Quizás, hubiera estado bien dar más profundidad al tema relacionado con la hija de Harrow, pero aún así me parece una primera temporada bastante correcta y culmina con un gran cliffhanger, por suerte, Harrow tendrá segunda temporada así que habrá que esperar y ver cómo continúa la historia de este singular médico forense.

Lo mejor: Ioan Gruffudd.
Lo peor: se echa en falta más originalidad.

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Sin fin
Sin fin (2018)
  • 6,3
    967
  • España César Esteban Alenda, José Esteban Alenda
  • Javier Rey, María León, Juan Carlos Sánchez, Mari Paz Sayago
6
Las divergencias del amor
El primer largometraje de los hermanos Alenda, está basado en uno de sus anteriores cortometrajes (Not the end) y utiliza los viajes en el tiempo como excusa para sostener la trama de este drama romántico con estilo de road movie y amago de ciencia ficción el cual nos traslada a un viaje emocional, triste y al mismo tiempo alegre: la teoría en acción respecto a los polos opuestos que se atraen pero no siempre se complementan. Sin fin es una historia de amor, quizás un poco típica, pero logra desarrollar su argumento con estilo propio, narrativa sensible (casi poética) y una estructura sólida y equilibrada que le confiere cierta singularidad. La historia nos presenta el albor y el ocaso de la relación entre Javier y María: se enfoca en el pasado y el presente, dibuja apenas esbozos de los conflictos que fracturaron la relación y entre líneas dejan intuir al espectador el desolador panorama. Estamos ante una suerte de antítesis de la vida misma con sus momentos más brillantes y más oscuros.

La crónica de dos personas que aun amando, no saben amar de la misma manera, y del inevitable paso del tiempo que visto en retrospectiva casi siempre nos hace querer regresar al pasado e intentar mejorar las cosas. Pero más allá de su interesante premisa, desarrollo y nostálgica producción para marcar los cambios de tiempos en la historia; la basa de esta película son las interpretaciones de María León y Javier Rey, quienes al igual que en el cortometraje antes citado dan vida a los personajes protagonistas. Ambos ofrecen un gran trabajo: hay química entre ellos y todo surge de manera tan natural como agradable. En resumen, Sin fin logra destacar de entre otros dramas románticos del cine reciente, porque no intenta vendernos un romance idílico sin más; se apea de esa premisa y opta por mostrar ambas caras de la moneda y los matices y complejidades de las relaciones afectivas que van más allá de flechazos fortuitos. Una película entretenida, muy agradable y recomendable.

Lo mejor: María León y Javier Rey.
Lo peor: Algunos momentos de exagerada sensiblería.

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Desenterrando Sad Hill
Desenterrando Sad Hill (2018)
  • 7,2
    1.736
  • España Guillermo de Oliveira
  • Documentary, Eugenio Alabiso, David Alba Romero, Joe Dante, ...
6
Interesante documental.
Cada vez es más habitual ver películas que hablan sobre películas. El largometraje que hoy nos ocupa es una propuesta bastante curiosa, un documental que narra la ardua tarea de un grupo de personas que se unieron para reconstruir el cementerio donde se rodó la secuencia final de la película El bueno, el feo y el malo. Desenterrando Sad Hill, flamante ganadora del premio a la mejor película en la Sección Noves Visions del Festival de Sitges 2018, documenta el descubrimiento de dicha locación en España, donde hace más de 50 años, Clint Eastwood y compañía rodaron bajo la dirección de Sergio Leone, la tercera y última parte de su trilogía del dólar.

Este documental nos acerca a la génesis de dicha reconstrucción que surgió apropósito del 50 aniversario de la película, y fue tomando forma con el pasar del tiempo hasta convertirse en un proyecto más grande de lo esperado, donde incluso personas de países vecinos a España se sumaron a la iniciativa debido a su cinefilia y especial apego al spaghetti western de Leone. Al mismo tiempo, Desenterrando Sad Hill recurre a testimonios de figurantes y personas como el músico Ennio Morricone, para desvelar anécdotas y entresijos del rodaje durante las escenas del puente o el duelo final, entre otras.

Un documental interesante, montado de manera ágil, aúna vídeos de archivo e imágenes del rodaje con entrevistas recientes a críticos, cinéfilos y fans que narran su primer acercamiento a El bueno, el feo y el malo, y además nos ofrecen sus impresiones y valoraciones de la misma. Estamos ante una suerte de crónica cinéfila, trasladada al medio audiovisual para mostrar la huella que una buena película puede dejar en el espectador. Quizás su forma no sorprende pero su contenido puede llegar a emocionar.

Estamos ante una carta de amor a El bueno, el feo y el malo, uno de los western más destacables y recordados de la historia del celuloide. Pero sobre todo, ante una muestra de lo grande que es el cine y su capacidad para impactar en las personas y avivar una llama que no se extingue con el paso del tiempo; una pasión desbordante que tiende puentes, une diferencias, nos inspira y nos permite soñar. En resumen, Desenterrando Sad Hill es la historia, antes y después de la película, un interesante documental sobre una obra magistral. Muy recomendable para cinéfilos curiosos, y sobre todo, para los fans de El bueno, el feo y el malo.

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Into the Dark: The Body (TV)
Into the Dark: The Body (TV) (2018)
  • 4,7
    357
  • Estados Unidos Paul Davis
  • Tom Bateman, Rebecca Rittenhouse, Aurora Perrineau, David Hull, ...
6
Más de lo mismo
Into the dark es una serie antológica de doce episodios que estrenará un episodio por mes y cada uno de ellos estará basado en las celebraciones más representativas que marque el calendario. Precisamente la celebración de Halloween, sirve como telón de fondo para el inicio de esta interesante propuesta producida por el sello Blumhouse (que también produce la serie The Purge) y distribuida por Hulu. Into the dark estrenó el pasado 5 de octubre su primer episodio titulado The body, el cual gira entorno a un sicario (Tom Bateman) que tendrá dificultades con uno de sus crímenes cometidos durante la noche de Halloween, en la ciudad de Los Ángeles.

The body es un thriller con tintes de humor negro de tono nihilista y con momentos propios del cine de terror en cuanto a suspenso y violencia en escenas un tanto sangrientas. Sin embargo, y a pesar de ser un episodio entretenido la historia es bastante sencilla, incluso convencional diría yo, tanto en fondo como en forma, no cuenta nada que no se haya visto ya, y los personajes supeditados a la trama principal son poco interesantes, además de alguna interpretación que resulta sobreactuada.

En líneas generales The body no arriesga y por tal razón no sorprende, le falta ingenio y le sobra efectismo. La verdad es que tenía muchas expectativas con esta nueva antología pero este primer episodio me parece más de lo mismo. Te hace pasar un rato entretenido es verdad, pero poco más. Esperemos que el próximo episodio que se estrenará el 2 de noviembre y tendrá como telón de fondo el día de acción de gracias, ojalá sea superior a este The body, que sin embargo puede gustar a los espectadores menos exigentes.

Lo mejor: su protagonista y su capacidad para entretener.
Lo peor: su convencionalismo y alguna interpretación sobreactuada.

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3 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Alba
Alba (2016)
  • 6,2
    121
  • Ecuador Ana Cristina Barragán
  • Macarena Arias, Pablo Aguirre, Amaia Merino, Isabel Borje, ...
7
Una historia entrañable
Alba es uno de los estrenos más comentados y laureados del cine ecuatoriano reciente, la ópera prima de la también actriz Ana Cristina Barragán. La historia se centra en el personaje de Alba (Macarena Arias), una niña que está transitando su paso de la niñez a la adolescencia y con ello los inevitables cambios físicos y emocionales propios de esa edad que será especialmente difícil para Alba, debido a que tiene que lidiar con la grave enfermedad de su madre, y el hecho de tener que ir a vivir con su padre, un hombre un tanto raro y solitario a quien ella apenas conoce. Alba es una niña introvertida e inocente que está descubriendo el mundo y descubriéndose a sí misma e intenta encajar en su entorno. A lo largo del metraje los diálogos son mínimos pero la historia fluye sin ningún problema, tal vez porque en cierta manera es fácil identificarse con ese ‘viaje’ que emprende Alba, pero también hay que reconocer cierta destreza en la novel directora a la hora de narrar a través de imágenes sin usar demasiados diálogos; porque estamos ante una película que se expresa a través de sus imágenes, de los gestos, de las miradas y de los largos silencios.

Alba es una obra intimista y de mirada femenina. Un drama de dolor contenido, el cual se narra desde la perspectiva de la inocencia y curiosidad de una niña que empieza a descubrir el mundo y los momentos buenos y malos que este nos ofrece, historia sencilla y de tema universal que sabe calar en el espectador. Sin duda, un pilar importante de la cinta es la destacable interpretación de Macarena Arias (a Barragán le valió la pena buscar entre más de 600 niñas, porque dio con la correcta), junto a la pequeña, la actriz española Amaia Merino en el personaje de la madre enferma y ausente pero en cierto modo muy "presente" a lo largo de la trama, dejando protagonismo al personaje de Igor (Pablo Aguirre), el solitario y silencioso padre que deberá cuidar de Alba, y con quien la pequeña apenas interactúa o tiene alguna conversación, pero que incluso sin palabras en cada escena juntos dicen mucho. Cabe mencionar también que la cinta no tiene música, pero sí una canción, el éxito setentero Eres tú de Mocedades, que sin duda junto a la historia, las interpretaciones y la acorde fotografía de la cinta logra crear una atmósfera de nostalgia, primero en una de las escenas y luego en los títulos de créditos tras la escena final, donde en una especie de recordatorio y despedida afloran en los personajes los sentimientos y emociones hasta ese momento reprimidos. En resumen, Alba es una película de fondo sencillo, puede que también le sobra alguna escena, pero fuera de eso, en su forma y conjunto logra dejar un estilo diferente en el cine ecuatoriano, una historia entrañable.

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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Cesar's Grill
Cesar's Grill (2014)
  • 6,2
    21
  • Alemania Darío Aguirre
  • Documentary
6
“Desde siempre Los pinchos de César se la pasan más que nada sobreviviendo… así como todos en Ecuador”
El grill de César es una coproducción entre Alemania y Ecuador, obra autobiográfica en la cual el director Darío Aguirre decide plasmar parte de su historia: el periplo de un ecuatoriano que decide viajar a Alemania en busca de un futuro mejor y forjar su carrera como cineasta, 12 años después de su partida recibe la llamada de su padre quien le pide ayuda con sus problemas económicos, ante dicha petición Aguirre retorna al país y es ahí donde empieza esta entrañable obra.

El grill de César aborda temas universales como el efecto de la inmigración en la sociedad y las diversas familias, el contraste cultural y generacional y la complejidad de las relaciones familiares, entre varios otros temas. Darío Aguirre en su ópera prima rehúsa a realizar un documental al uso y se convierte en un protagonista más frente a la cámara, y aunque se intuye cierta preparación previa, el film desborda naturalidad en todos sus fotogramas y de una manera muy humana y entretenida nos muestra un proceso de reconciliación o acercamiento paternofilial, donde la crisis financiera del restaurante Los pinchos de César en realidad es el pretexto para ahondar en la crisis de familia y la nula relación entre padre e hijo, dos casi desconocidos que mientras intentan lograr su objetivo de sacar adelante el negocio familiar, tendrán la oportunidad de conocerse y entenderse mejor, a pesar de sus marcadas diferencias.

El grill de César es un constante revoloteo entre las memorias del pasado y las vivencias del presente, entre lo que pudo ser y lo que nunca fue, una búsqueda que deja como resultado respuestas a preguntas que por miedo no se habían formulado antes y el atisbo de sentimientos que a veces tanto cuesta al ser humano expresar. Conforme avanza el metraje, entre tristezas, confesiones inesperadas y una singular música entonada por el mismo Darío Aguirre, vamos conociendo al director, a sus padres, sus penas y alegrías, y es entonces cuando nos damos cuenta que estamos ante una película con la que es muy fácil empatizar: la crónica de una crisis económica de la cual no podía salir nada bueno, pero al menos sirvió como puente para vivencias que lograron afianzar los lazos afectivos de una familia fracturada. Una película que sin duda merece la pena el visionado.

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No robarás... (a menos que sea necesario)
No robarás... (a menos que sea necesario) (2013)
  • Ecuador Viviana Cordero
  • Vanessa Alvario, Erick Chica, Ana María Balarezo, Carlos Clonares, ...
6
Drama punkero
No robarás... (a menos que sea necesario) intenta ahondar en ciertos temas de la sociedad ecuatoriana de clase baja, teniendo como escenario diferentes lugares de la ciudad de Quito la cinta nos narra la historia de un hogar sumido en la violencia intrafamiliar, y las consecuencias de estos hechos. Lucía (Vanessa Alvario), una joven estudiante de 16 años que vive con su madre, hermanos y padrastro, es la protagonista de esta historia que transcurre entre el ruidoso punk de delincuentes juveniles, y las malas decisiones de una madre envuelta en una relación tóxica a partir de la cual se generan situaciones adversas, que orillan a varios integrantes de dicha familia a realizar acciones desafortunadas. No robarás... (a menos que sea necesario) a pesar de contar con dos personajes (Lucía y Elmer) que me parecieron ideados y acoplados de manera interesante, desarrolla una historia de discurso algo desgastado pero no tanto en su mensaje como en su ejecución, esa donde se convierte lo que podía ser una película interesante, en una obra irregular con aire telenovelesco que aporta poco en su conjunto a la cinematografía local.

Por tanto, No robarás... (a menos que sea necesario) no resulta demasiado original en su relato, pero sobre todo en su puesta en escena (tal vez si se hubiese mejorado la 'forma', la poca originalidad del contenido se percibiría menos), quedándose así a medio camino entre el drama de jóvenes rebeldes y delincuentes que ya podíamos atisbar en títulos como Ratas, ratones, rateros, o el 'drama punkero' de la más reciente Mejor no hablar de ciertas cosas. Sin lograr el ritmo y enjundia de la primera ni el logrado despliegue técnico de la segunda, No robarás... (a menos que sea necesario) apenas consigue ser una obra irregular, que sin embargo, logra presentarnos un personaje protagónico interesante e interpretado con acierto por parte de Vanessa Alvario, que sin duda, es lo más rescatable de este film.

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Vengo volviendo
Vengo volviendo (2015)
  • Ecuador Gabriel Páez, Isabel Rodas
  • Carolina Lozada, Rosario Macas, Doris Naula, William Pulla, ...
6
"¿No se pueden pelear en paz?"
Vengo Volviendo es una película dirigida por Gabriel Páez y producida por Isabel Rodas, ambos responsables de la productora Filmarte y del proyecto Encuentros Con El Cine, un Modelo de producción cinematográfica que reunió a 21 jóvenes de distintas comunidades rurales de la provincia del Azuay, para que participen en un laboratorio artístico en el que se escribe y filma de manera colectiva un largometraje de ficción basado en las leyendas e historias de sus comunidades. La cinta usa como historia principal o hilo conductor, la vida y personaje de Ismael, un joven de 22 años quien creció junto a su abuela luego de que sus padres emigraran a los Estados Unidos; Ismael desencantado de Ecuador decide viajar de manera ilegal para estar con sus padres pero mientras espera que llegue el día de partir, vivirá singulares aventuras junto a su amiga de la infancia quien regresa al Azuay luego de años en el extranjero.

En Vengo volviendo asistimos a una especie de roadmovie donde siempre que se puede se resalta los bonitos paisajes de la sierra ecuatoriana, mientras música muy acorde a los distintos momentos y escenas acompañan el metraje. La cinta se desarrolla en la zona rural azuaya donde la vida y situaciones de Ismael sirven como nexo para contarnos tres historias independientes que entremezclan fabula y realidad, cada una con diferentes tonos, comedia, drama e incluso terror. Vengo volviendo a pesar de no tener un reparto profesional cuenta con unas interpretaciones que aportan naturalidad y que sin duda ayudan a que el relato resulte ameno, simpático y entretenido: al mismo tiempo acopla una escueta mirada a temas sociales como la emigración. Una cinta que, a pesar de los fallos que pueda tener (en algún momento se exagera en el tiempo de la música y da la sensación de estar viendo un videoclip) resulta cuanto menos curiosa, sobre todo teniendo en cuenta la historia detrás de la historia, es decir, el proceso de realización del metraje que sin duda tiene mucho mérito.

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