Grata sorpresa. Una puerta abierta para el cine español a un nuevo camino que esperemos que no se cierre.

Kike Maíllo dirige su primer largometraje, una película humilde, sencilla, sin grandes fuegos artificiales, creativa, innovadora hasta cierto punto en nuestro cine, y más profunda de lo esperado. Se desprende de la clásica ciencia-ficción, de grandes ciudades avanzadas y saturada tecnología punta. Nos acerca el futuro a nuestra cotidianidad, un escenario nevado en el que contar una preciosa historia.

Su fotografía es cuidada, aunque, a veces, demasiado clásica su planificación. A pesar de eso, el apartado artístico es muy bueno. Robots con ingenio, en su justa medida. Un futuro retro, que recuerda en cierto modo a "Blade Runner", salvando las diferencias. Un escenario bellísimo, y la tecnología usada sin grandes artificios ni alardes de grandiosidad. La banda sonora es, en general, correcta. En momentos, espléndida y en otros se queda corta.

Los efectos especiales son buenísimos, realmente bien hechos y muy bien utilizados. El modo de creación del cerebro de un robot, me ha dejado sin palabras. Arte y más arte.

En cuanto al guión, nos encontramos con un Ulises, que regresa a su Ítaca particular en busca de Penélope. Muy a su pesar, es tarde, su Penélope está casada, y Telémaco... bueno, digamos que dará muchas sorpresas. Y en paralelo a esto, una gran pregunta, ¿Nos sustituirán socialmente las máquinas?, en cierto modo ya lo hacen, muchos creen estar profundamente unidos a su móvil, su maquinita o lo que sea. ¿Hasta dónde llegará esto? Preguntas que ya se hiciera Isaac Asimov, siguen planteándose y más ahora, donde la tecnológía está cambiando nuestra forma de ver las relaciones humanas. ¿Podrá una máquina sentir en algún momento? ¿Y qué efecto causará esto en nosotros?

El punto más bajo del film lo encontramos en la interpretación. Daniel Brühl y Alberto Ammann, patinan de vez en cuando con sus personajes. Sobre todo este último, a quien además le ha tocado un personaje, que realmente ha sido mal-tratado. Claudia Vega (Eva), sin embargo, es encantadora, nos sacará más de una sonrisa, un gran personaje, muy entrañable. Marta Etura muy correcta, y simplemente con su sonrisa emociona. Pero el punto alto se lo doy a Lluis Homar, me ha sorprendido mucho, qué dificil no caer en el ridículo con su personaje, y qué bien lo ha llevado. Grande.

La película en general, funciona, funciona y mucho. Impresiona, deja buen sabor de boca. Abre un poco el alma, y emociona. Su inicio, nos abre una pregunta que nos mantiene alerta ante toda la dulzura del film. Un montaje brillante para mantener las emociones necesarias en cada secuencia. ¿Es ciencia ficción? Sí, lo es. Pero es una excusa, un cambio de aires para nuestro cine, para contarnos un bonito drama.

Le pongo un 8, por la osadía del proyecto. Si señores, podemos hacer buen cine. Hay medios y hay talento, solo tenemos que creérnoslo.

James Watkins (Eden Lake, 2008) dirige esta adaptación de la novela de Susan Hill: “La mujer de negro”. La película significa una apuesta a lo grande por parte de la Hammer. Una apuesta que, como todo, tiene sus grandes aciertos pero que fracasa en más de lo que debería. Esta segunda adaptación de la novela (la primera es del 89, hecha para la televisión británica) es una clara propuesta comercial que intenta explotar los tópicos del género con Daniel Radcliffe de protagonista.

El actor conocido por su papel de Harry Potter se intenta desprender del rol que lleva interpretando 10 años, con un claro beneficio para la promoción de la película. Daniel Radcliffe se mete en la piel de Arthur Kipps, un joven abogado que debe vender la casa de un cliente que acaba de fallecer. Para ello debe dejar a su hijo atrás y viajar al pueblo donde se encuentra la casa, un pueblo en donde nadie quiere hablar sobre la mansión y menos reconocer la existencia de una mujer vestida de negro que vive en su interior.

Encontramos en la película muchos puntos fuertes. Para no extenderme, diría que el apartado técnico en general está muy conseguido. El diseño artístico, ambientación, vestuario… en general apartados en los que el cine británico se mueve con maestría, están más que conseguidos.

La película comienza fuerte, impactante, rompedora. Los veinte primeros minutos de metraje dejan ver el gran potencial que tiene el film. Lástima que pasado esos minutos, la historia ya esté contada. Todo se vuelve previsible, todo está sujeto a tópicos, y el guión se torna totalmente plano.

“La mujer de negro” es una película entretenida, que por desgracia solo consigue meter miedo al espectador por medio del susto fácil. En ningún momento crea la tensión propia del suspense o del thriller, el espectador está en tensión porque sabe que en breve el volumen de la banda sonora (de gran calidad, por cierto) subirá, se oirá un grito o un ruido y aparecerá una cara demacrada, un muerto o lo que sea.

Me fue imposible durante toda la película quitarme a Harry Potter de la cabeza, soy gran admirador de la saga del mago, y reconozco que arrastrará el papel durante un tiempo, será difícil no relacionarlo con él. Aun así, demuestra un registro que potenció poco en la saga que le dio a conocer. Y por suerte se desenvuelve bien en el papel del abogado, aunque no sé si lo suficiente como para llevar todo el peso de la película, que por otra parte es lo que ocurre ya que si de algo peca la película es de no aprovechar en absoluto a sus secundarios.

Para los fans del género, en esta película encontrará una buena opción para ver a niños muertos y fantasmas, además de más sustos de lo que quizá algunos estemos acostumbrados. Pero para los que queremos algo más allá: innovación, nuevas propuestas, un guión que sorprenda, que consiga poner los pelos de punta al recordarlo… Lo siento, esta no es nuestra película.

Daniel S. Reina

Fresnadillo vuelve a presentarnos una película personal, como ya hizo con Intacto, y esta vez con corte hollywoodiense. Tras su anterior proyecto, 28 semanas después, donde quizá la creatividad del autor se ve mermada por la fuerza del proyecto como producción de masas, Fresnadillo regresa con un análisis del miedo en la infancia, y la influencia de los padres a la hora de transmitir esos miedos.

"Intruders" no es una película redonda, se excede en ocasiones y otras veces se queda corta. Pero es buena, y a veces más que buena. Crea una gran atmósfera, tensión y suspense, y huye casi siempre del efectivismo del susto fácil, intentando siempre que penetre la agonía de los personajes en el propio espectador. Técnicamente es brillante, y las interpretaciones magníficas. Genial Pilar López de Ayala, Clive Owen en su línea, no decepciona y destaca la interpretación del niño, Izan Corchero, quien a su poca edad logra entrar de lleno en su personaje.

La película recorre varios géneros, al principio el terror, luego el suspense, el drama psicológico y el drama familiar. En general todos los resuelve bien, exceptuando el suspense y el drama familiar, que los maneja de un modo magistral. Al final de la película hará uso de buenos efectos especiales, con los que resuelve de un modo muy visual y poético el misterio.

Si es cierto que el guión flojea a mitad de la película, donde la agonía que pretende transmitir cansa; no todo puede quedar en las manos de la excelente banda sonora. Pero, después de todo, remonta con un final brillante. Un final que venía desvelando poco a poco el personaje de López de Ayala, pero que nunca el espectador logra descubrir por si mismo. Por otra parte, el tratamiento de las dos historias paralelas, que suceden en dos ciudades tan diferentes, se resuelve también con total fluidez, excepto en muy contadas ocasiones.

Fresnadillo logra integrar en la historia parte de él mismo, de su propia psicología, en la que como buen cineasta, utiliza una historia como su medio de expresión. "No es una película de miedo, sino sobre el miedo" ha dicho, y es una gran verdad, y sin duda una gran propuesta correctamente llevada. La creatividad propia del cine europeo, con la factura de la industria americana. Sin duda, todavía nos esperan grandes cosas de este director.

Acero Puro, puro tópico. La película ya la hemos visto todos. No nos plantea nada nuevo, pero funciona como lo que es, un entretenimiento superficial e infantil para estas navidades.
No se puede esperar otra cosa de un director, Shawn Levy, que guarda en su filmografía películas como Doce en Casa (2003), La Pantera Rosa (2006) o Noche en el museo (2006), películas de producción en serie, con guiones simples y sin nada realmente bueno que aportar al cine. En este caso nos encontramos ante un producto demasiado lineal, sin sorpresa alguna, totalmente predecible de principio a fin. Hay innumerables tópicos, que ni siquiera son tratados con la suficiente naturalidad como para parecer creíbles, solo hay que mirar a los “malos” de la peli.
El film es excesivamente largo, hasta repetirse demasiado y resultar cansino. La primera parte de la película es totalmente monótona, a pesar de la exhibición incansable de todos sus efectos especiales. Estos, en la primera mitad, son bastante prescindibles. Saturan la película, por lo que se presenta demasiado estruendosa. Después de esta mitad, al espectador únicamente le interesarán los efectos. Las peleas de robots son realmente un espectáculo. La factura de la película es impecable, todo el apartado técnico cumple y con creces. Consigue crear una acción trepidante y especialmente atractiva, por lo que al final es lo único salvable del conjunto.
El guión es pobre, con momentos realmente risibles, conversaciones mal llevadas, excesivamente llanas y desarrolladas de forma primitiva. Por esto no crea una empatía con el espectador, el dramatismo con el que se intenta impregnar el producto queda pobre y superficial. La historia de un niño, perfecto y muy mono, que consigue que su padre, un fracasado y peor padre, triunfe y sea mejor persona, está demasiado manida. Crea una sensación de falsa moralina y una artificial emotividad. El film está destinado a niños menores de 12 años, que en lugar de fijarse en la historia entre el padre y su hijo, se quedarán con lo espectacular y divertido que es “darse de ostias”.
Hugh Jackman no lo hace mal, está correcto y en su línea, pero no aporta nada interesante a su personaje, está dentro del film para darle tirón comercial, sin más. Dakota Goyo, interpreta al niño, un personaje que tiene sus momentos divertidos pero cae cansino e insoportablemente pedante, además la sobreactuación del actor no ayuda a que conectemos con él. El personaje de Evangeline Lilly, no es mucho más que el de una mujer florero, pero es, probablemente, la que mayor conexión logra con el espectador, da gusto verla.
A pesar de todo, la película tiene todo lo necesario para triunfar, la propuesta funciona igual que ha funcionado siempre e igual que funcionará hasta que aburra. Y si no triunfa es porque los niños menores de 12 años, preferirán ver “El Gato con Botas”, y los mayores “In Time”.

Daniel S. Reina

Andres Veiel, autor de varios documentales, debuta con este film en el cine de ficción, o no. “Si no nosotros ¿Quién?” se establece en la línea difusa que separa el cine de ficción histórico y el documental. Una historia basada en hechos reales, contada con una verosimilitud aplastante, en la que se intercalan imágenes de archivo para reflejar, más aún, la dura realidad que rodea a los personajes. Nos ofrece una película cuya belleza es directamente proporcional a la dureza que va desarrollando la trama.

En la Alemania de los años 60, la democracia se tambalea en el lado occidental del muro. El miedo a la represión, al conservadurismo y a la ultraderecha alimenta un sentimiento revolucionario en jóvenes alemanes. Un estudiante universitario, que sueña con ser escritor, Bernward Vesper, se propone la difícil tarea de defender las obras literarias de su padre, un autor vinculado al nazismo. Entre tanto conoce a Gudrun Ensslin, una joven con la que comparte el amor por la literatura y una misma ideología. Juntos crean una editorial para reeditar las obras de Will Vesper, el padre del protagonista. Nace entonces, una apasionada historia de amor, basada en la lucha contra el sistema y en llegar más allá de lo establecido por los límites. Pero surge un problema, para Gudrun, la literatura no es suficiente para cambiar el mundo, hay que pasar a la acción.

Con un planteamiento interesante, comienza lo imposible: Abarcar, en 127 minutos, diez años de la vida de los protagonistas y de su contexto histórico y sociocultural. Existe en la película, la intensión de querer abarcar demasiado, de meterse más en la boca de lo que puede masticar. Esto produce que muchas veces el espectador se sienta extrañamente perdido, o no entienda el modo de actuar de los personajes. El método de narración es, en ocasiones, torpe, saltando de año en año, y rompiendo continuamente el ritmo de la película. La película se hace larga, no solo sobran una inmensidad de planos, si no que determinadas secuencias se asemejan a una carrera de caracoles.

(Sigo en "spoiler", sin desvelar nada)