Realité es una mágica pieza de la búsqueda de una visión científica del guión. El tono esta tan bien construido que da libertad para explayarse con el verosímil y que se extienda a limites morales imprevistos. La película está construída como una sátira donde a partir de una reflexión del lenguaje cinematográfico (desde las tramas y lo metalingüístico), tu cerebro se convierte en un laberinto de conjeturas sobre conexiones de planos (superiores/inferiores) de "posibles realidades". El guiño que le hace al mundo de los sueños con sus leyes
físicas cuando no puede ir a buscar el premio es simplemente majestuoso (quizás un posible superobjetivo). Quentin Dupieux es como un Godard pero del lenguaje del guion. Sabe tanto de ese arte, que lo enrolla, lo da vueltas, lo trae, lo junta, lo sublimina, lo envuelve. El guion es una cinta de moebius con todas sus cualidades:
infinita, transversal, ecléctica. A su vez, Dupieux mantiene una altivez en la composición de planos
y un formato clásico en cuanto a lo estructural del guión, que hacen desfallecer al espectador.

Durante el primer sueño de Isak, se destaca la presencia de datos "técnicos" de la realidad onírica: el reloj no tiene agujas, dado que en los sueños no hay tiempo físico ni se tiene real conciencia de él. Dentro del mismo se genera un diálogo intertextual entre el film y la pintura de René Magritte "Prohibida la reproducción", de la vanguardia surrealista, donde en este caso, el hombre que no es Isak muere siendo ésta situación un espejismo de su vida o de sus presentimientos (las Campanas refuerzan el sentido). Luego se genera una segunda relación intertextual con un film de Sjostrom (Isak en esta película) donde Isak ve pasar una carreta funeraria, donde cae el cajón y el que estaba dentro era él: otro espejismo. Estas imágenes cristal (Deleuze) pretenden anunciar una posible aproximación al deceso. Estas "pesadillas" llevan a Borg a tomar la desición de ir en auto, en vez de avión, y esta desición produce dar pie al viaje hacia todos sus recuerdos, transformandose en una road movie existencial. En el comienzo de esta aventura, Isak viaja con su nuera, y ésta saca a relucir todas las actitudes egoístas y altaneras que éste había tenido. La primer parada va a ser en una casa de veraneo de la infancia de Isak, donde se reproducen (por medio de un sueño) los deseos adeudados que tiene Isak: el enamoramiento que tenía por su prima, que lo deja por su hermano. Esta prima junta fresas, lo que hace disparar ideas de juventud, de rebeldía, de amor. El punto de contemplación que hace Isak sobre esta imágen cristal se ve reforzado por la fotografía donde sugerentemente Isak esta apartado y a oscuras divisando un almuerzo en el que los comenzales estan en tonos claros (viviendo).
Lo despierta de este sueño/flashback una autoestopista que tiene un parecido enorme con Sara (prima), de la cual Isak, no tiene deseos pero si buenas impresiones donde se nota una satisfacción al generar charla con ésta. De hecho esta charla de genera una distracción que lo hace chocar con su auto: enrealidad chocó contra su realidad, su vejez. Esta vejez va a tener algunos momentos de progresividad donde en un momento, Isak quiere citar un poema, pero se lo olvida.
Luego se establece un paralelismo entre los planos de realidades: el sueño y lo que vive. Isak detiene su automovil en la casa de su madre, donde ella anuncia que tiene un defecto, que es que nunca muere, y a su vez le muestra un reloj sin agujas. La muerte es el gran tema del film. De hecho su hijo, se considera muerto (al igual que él) y por eso no quiere procrear, porque el mundo no es un buen lugar para nadie. Quizás estas reflexiones forman parte del alter-ego del autor, Ingmar Bergman, donde el que declara, es él, no su personaje.
El clima es un factor de la puesta en escena fundamental. Éste recurso simbólico tiene sus reminiscencias en el cine sueco mudo, por ejemplo el de Sjostrom, donde la relación estado de animo de los personajes y el clima se mimetizan para dar sensaciones bien claras. A medida que avanza el relato, en "Fresas Salvajes" se avecina una tormenta, donde gradualmente por medio de las nubes y la oscuridad se va sugiriendo esta cercanía del personaje con la muerte. Se explota este recurso en el tercer sueño, donde la potencia poética de la imágen (pajaros y árboles oscuros, el cielo cubierto) lleva a Isak a chocar contra lo que le toca: asumir la verdad, la vejez continúa. En este sueño, la muerte personificada en un paciente se ríe de Isak como expresando lo inevitable, que es su destino. Aquí también el personaje hace una reflexión sobre su profesión, de la cuál en su sueño, no puede saber nada.
Los tres jovenes le traen flores a Isak, que se encuentra en su auto. Aquí también se puede hacer un avance hacia su muerte: la luz se oscurece gradualmente dejando como único punto de interés a Isak, ya casi muerto.

Lo importante de los mínimos detalles donde eso termina supeditando al tono, generando climas intimistas y construyendo una personalidad fabulosa, Charlie Kaufman consolida una película que junto con formalidades diegéticas (como lo es el sonido, mas que nada las voces de las personas y el stop motion) se transforma en una obra descomunal. Mas allá que dentro del verosímil uno va aceptando la construcción de un mundo donde naturalmente las mujeres y los hombres hablan casi con la misma frecuencia (un medio grave, natural en el sexo masculino), pero donde a su vez, esa frecuencia llama la atención como mínimo. Esta anecdota se va desarrollando de una manera formidable con el perfil psicologico del personaje principal, en el cual genera una empatía muy compleja debido principalmente porque la chica en la cual encuentra ese factor magico de la voz aguda (de mujer), es una chica sin competencias, un poco torpe y fea dentro de los parámetros medios establecidos, pero su forma de pronunciar y su tono lo desvelan. Entonces aquí es donde se produce el juego de la anomalía junto con Lisa generando la Anomalisa. Es genial, la interpretación que se hace de los momentos, valorados como únicos, ya que el protagonista no proyecta ese efecto psiquico todo el tiempo con Lisa, sino solo en la espontaneidad de ese "enamoramiento". Después de esa gran osadía, Lisa deja de ser quien completa la existencia del personaje principal, y pasa a ser otra de esas personas que lo aburren y que por lo tanto hablan en una frecuencia grave. Termina siendo una cuestión personal, que es con la focalización en que esta desarrollada la película: la percepción del personaje principal. La película tiene aún mas detalles existenciales determinantes: cada personaje tiene una cara que es una careta (es mas, al personaje en un sueño -dato no menor- se le sale), la cantidad de cigarrillos que fuma, el exceso de indesiciones o la falta de convencimiento de sus acciones, etc. Estos detalles completan una forma (por sobre todo una FORMA) de mostrar este conflicto psicológico. A la par de esto, la película cuenta con atenciones de dirección de fotografía muy bien logradas, los desnudos en muñecos, y la pasividad con la que son construídas las escenas, la transforman en una película por fuera de la catalogación de cine de animación. Es una película que sobrepasa esa cuestión genérica. Maravillosa.

El plano de lo formal es minimalista y notable. El director resuelve todas las tomas con un plano general fijo, donde mediante el gran angular, abarca toda una puesta en escena situacional y compleja. El tamaño de los elementos en el plano son proporcionales al nivel narrativo de importancia. En este se establecen grados de importancia de los personajes, pero siempre hay detalles que conviene observar. Me llamó mucho la atención las cosas ocultas que de repente se develan cuando hay un cambio sustancial en lo narrativo. Este es el caso, de la mujer aparentemente musulmana que se encuentra en la gran oficina de los ejecutivos, o también cuando el personaje principal tira un TV hacia atrás y de repente habían un montón de indigentes o "muertos" que formaban parte del paisaje anteriormente. Es una película que trata la existencia de una forma muy burda, y en algunos casos es una especie de parodia existencial donde se ridiculizan los niveles de vida capitalista, el consumo, las ambiciones absurdas y la religión.

Godard nos invita al pensamiento sobre el cambio de medios y nos dice “mire un niño jugando a los dados”. Ataca punzante cuando expresa “lo que ellos llaman imágenes” está asesinando el presente. Implora escenas donde a esta sociedad “deslenguajizada” se le presentan las fuerzas de co-acción del estado, como un poder omnisciente constante (reminiscencia quizás en Focault) y nos dice “hoy en día todo el mundo tiene miedo”. Muchos tips para enlazar y entrelazar, doblar y desdoblar ideas, y que florezca entre todo el collage un concepto, una idea.

Como contraste avasallante, Godard nos poetiza la vida, nos da un poco de esperanza ante tan pesado problema y nos presenta a un perro, que mimetizado en él se encuentra solo, pensante, viejo, contemplativo, natural, humano, y nos revela con una lucidez apasionante: “si estas cara a cara inventas el idioma”…