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Críticas de néstor
Críticas ordenadas por:
Frances Ha
Frances Ha (2012)
  • 6,9
    8.176
  • Estados Unidos Noah Baumbach
  • Greta Gerwig, Mickey Sumner, Adam Driver, Michael Esper, ...
8
En los vértices del tiempo
Uno crece y aunque no quiera, ve cómo los años de juventud y universidad van quedando atrás. Esos amigos que eran tan cercanos empiezan a sentar la cabeza mientras tú sigues con ganas de hacer el loco, cantar, bailar, soñar despierto, hacer planes y promesas combatiendo el sueño cuando el sol ya despunta en el horizonte.

La vida no es exactamente lo que habías previsto, pero vas aprendiendo que hay que bajar al barro y luchar, dejarse la piel, equivocarse y caer, volverse a equivocar e intentar mejorar. No cejar en el empeño. Saber que otros pueden desenvolverse mejor, pero que tu fe es inquebrantable, las ganas de comerte el mundo las tienes intactas.

Y eres joven pero otros de tu entorno ya no lo son tanto, así que te encuentras en situaciones raras, ellos tienen una vida que no te encaja y eres torpe, raro, extravagante. Se miran, te miran, te disculpas, te vas. Lloras un poco pero luego te ríes, ¡qué más dará! Yo sigo luchando. Ellos puede que sean más guapos, o más ricos, o más suertudos. O quién sabe, ¡incluso más de todo! Pero tú haces de tripas corazón y sigues intentándolo.

Y así es como "Frances Ha" nos desgrana un pequeño compendio de todos estos sentimientos. A mí me encantó y no hay día que no la recuerde.
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66 de 70 usuarios han encontrado esta crítica útil
Noches mágicas de radio
Noches mágicas de radio (2006)
  • 5,7
    2.354
  • Estados Unidos Robert Altman
  • Woody Harrelson, Tommy Lee Jones, Meryl Streep, Lily Tomlin, ...
6
Filmoteca de Catalunya: Adéu Aquitània! Ens veiem al Raval!
Después de proyectar durante exactamente 20 años las películas de la Filmoteca de Catalunya, el día 21 de noviembre la Sala Aquitània cerró sus puertas en la Avinguda Sarrià para dar paso a la nueva sede de la "Filmo" en el Raval. A modo de despedida se proyectaron tres títulos simbólicos: "El último show" (Robert Altman, 2006), "La última película" (Peter Bogdanovich, 1971) y "Río Rojo" (Howard Hawks, 1948). Sirva esta crítica a la primera de ellas como brindis por el Aquitània, que tan buenos y variados momentos me/nos ha dejado a lo largo de estos años. La crítica de la película, en el spoiler.

Parece que fue ayer cuando entré en la "Filmo" por primera vez: gente sola, muchas americanas de pana, alguna que otra pipa, libros bajo el brazo, cachitos de conversaciones profundas... Todo este paisaje me pareció tan diferente del resto de salas en las que había estado que no pude más que caer rendido a sus pies. Han sido muchos años en versión original subtitulada, descubriendo directores, viendo películas de nacionalidad a veces exótica, abriendo nuevos frentes cinematográficos que tan bien se complementan con el uso de filmaffinity. Gozando del cine, vaya.

Quién iba a decirme que poco después de descubrirla ya me atizaría una sesión completa con "Lo que el viento se llevó", cuatro horas de domingo y sin cenar; o que me concentraria con "Sed de mal" pese al manoseo de la pareja que estaba a mi lado; o que me reiría como pocas veces con "Leningrad Cowboys go America", que me descubrió al gran Kaurismäki; o que dormiría apaciblemente con documentales que ni si quiera constaban en IMDB; o que me aterrorizaría "Nosferatu" con el acompañamiento de piano del gran Joan Pineda; o que el aire sombrío de "Elvira Madigan" traspasaría la pantalla para abrazarme después de verla; o que la pálida sonrisa de Chaplin en "Candilejas" me hiciera rendirme para siempre más a don Charlot; o...
Por unos módicos dos euros el entretenimiento estaba asegurado, o al menos el descanso si era un poco tostón. Correr para no llegar tarde, esperar pacientemente en la cola los días de películas más conocidas algunas veces, pensar tranquilamente antes de que se apagaran las luces: "¿cuánta gente habrá hoy en la sala?", "¿irá acompañada esa persona?", "¿qué tal será esta película de la que nada sé y cuya sinopsis me prohíbo leer?"...

Qué sería nuestra vida sin Kazan, Bergman, Dreyer, Ford, Ozu, Allen, Hawks, Huston o Chaplin; o sin Wai, Lubitsch, von Trier, Leone, Visconti, Coppola, Scorsese, Buñuel o Tarantino. Qué gran labor la de la Filmoteca descubriendo sus películas menos conocidas, abriendo nuevos frentes, dando voz a nuevas apuestas, atiborrándonos del cine. Salas como el Aquitània son el material con el que se hacen los sueños, esos sueños en forma de historias que siempre se recuerdan y nos constituyen.

Por todo esto: Adéu Aquitània! Ens veiem al Raval! (¡Adiós Aquitània! ¡Nos vemos en el Raval!)
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Martin Scorsese Presents the Blues - Warming by the Devil's Fire
Martin Scorsese Presents the Blues - Warming by the Devil's Fire (2003)
  • 6,9
    237
  • Estados Unidos Charles Burnett
  • Documentary
7
¿Ángel o demonio?
"Martin Scorsese presenta the Blues" sigue avanzando en la historia de este género musical. Tras pasearnos por sus orígenes ("Nostalgia del hogar", Martin Scorsese) y visitar el Memphis de B. B. King ("Camino a Memphis", Richard Pearce), ahora le toca a Charles Burnett. Su documental, tal vez un poco más flojo que los anteriores, nos ofrece una interesante visión de la lucha que se daba a principios de los años 50 entre el gospel y el blues.

Se parte de una perspectiva la mar de curiosa: en los años cincuenta un niño californiano negro es acogido por sus familiares de Mississippi. En lugar de recogerlo un tío religioso, por azares del destino acaba apadrinándolo otro tío cuyos gustos son más "diabólicos": mujeres, intensidad, carpe diem... y sobre todo blues, tiene un inmenso amor por el blues.

Paseamos por el río, sus algodones, sus esclavos, sus dramas, en lo que es una gran composición del material del que se hace el blues. Vidas duras, segregación y picardía se entremezclan con historias de (des)amores, que cantan voces rotas mientras rasgan una guitarra comprada con los pocos centavos que podían ahorrar. El tío introduce al niño (once añitos) en este mundo, le descubre cantantes e incluso le presenta a los que aún viven. Todo ello ante la cada vez menor resistencia del chaval: ir a misa y formarse como pastor era el plan inicial, pero esto tampoco está tan mal.

En definitiva, "Entre lo sagrado y lo profano" es un interesante documento que nos expone de forma a veces cómica, a veces profunda, las disyuntivas a las que podía enfrentarse un joven negro de los cincuenta: la ortodoxia y buen hacer de la religiosidad, encarnada por el gospel, o el viva la vida algo diabólico del blues. Esta visión, de paso, nos deja suculentas imágenes de los padres de este género, así como diversas de sus anécdotas y reseñas biográficas. No negaré que le eché en falta algo de garra, pero no por ello deja de ser recomendable.

Sigamos, pues, aprendiendo la historia del blues a través de estos documentales. A ver qué nos depara el próximo...
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
El grito
El grito (1957)
  • 7,4
    858
  • Italia Michelangelo Antonioni
  • Steve Cochran, Alida Valli, Betsy Blair, Gabriella Pallotta, ...
9
El eslabón perdido entre la nouvelle vague y el neorrealismo.
Uno ve y disfruta películas de la postguerra italiana. "El limpiabotas", "Ladrón de bicicletas"... le dejan a uno clavado en la butaca. Emoción, pasión algunas veces, sangre del sur que brota y anima historias muy tristes pero a la vez cargadas de humanidad. Caras tristes, curtidas, anónimas.
Después uno se pasea por la nouvelle vague, con películas a bote pronto correosas, que da algo de pereza verlas pero que a la que uno se zambulle en ellas acaban siendo una delicia en forma de conversaciones, pensamientos, imágenes. "Mi noche con Maud", por ejemplo. O los rostros de Anna Karina y Jean Seberg.

Y en esto que uno se encuentra con "El grito" y descubre una obra de arte en la que se combinan elementos de las dos escuelas: el humanismo, los desastres de la guerra vistos a la italiana, junto con la introspección, la soledad existencial francesa.

Un hombre prácticamente echado de casa que huye, huye adelante en busca de un algo que realmente está dejando atrás. Corre, viaja, escapa, intenta amar, pero infructuosamente: su corazón, su vida, su todo, solo puede verlo por el retrovisor.

Desconozco si hay películas de trazo similar. Leo que la escuela de Antonioni no tuvo demasiados discípulos. Sea como fuere, a mí me pareció un descubrimiento delicioso en que se hermanan las dos "esperanzas blancas" del cine europeo de los cincuenta: el neorrealismo italiano y la nouvelle vague francesa.

Te la recomiendo.
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15 de 15 usuarios han encontrado esta crítica útil
Una película de amor
Una película de amor (1988)
  • 7,8
    4.983
  • Polonia Krzysztof Kieślowski
  • Grazyna Szapolowska, Olaf Lubaszenko, Stefania Iwinska, Piotr Machalica
8
Más que ventana, el espejo indiscreto
- Dime, ¿por qué me espías?
- Porque te quiero. Te amo.
- Y, ¿qué es lo que quieres?
- No lo sé...
- ¿Quieres besarme?
- No.
- Quizás... ¿quieres que hagamos el amor?
- No.
- Entonces, ¿qué es lo que quieres?
- Nada.
- ¿Nada?
- No, nada.
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9 de 10 usuarios han encontrado esta crítica útil
Dr. Insólito o: Como aprendí a dejar de preocuparme y amar la bomba
Dr. Insólito o: Como aprendí a dejar de preocuparme y amar la bomba (1964)
  • 7,9
    45.435
  • Reino Unido Stanley Kubrick
  • Peter Sellers, George C. Scott, Sterling Hayden, James Earl Jones, ...
9
¿En manos de quién estamos?
Una divertidísima pasada: en plena Guerra Fría, un general loco ordena atacar a la URSS. Debido a la imposibilidad de detener tal ataque, el presidente de los Estados Unidos intenta preparar a su homólogo ruso ante tamaña catástrofe. ¡Hay que evitar que se desencadene la temida guerra nuclear!

Riéndose de todos, Kubrick nos obliga a preguntarnos en manos de quién estamos y, lo que es más importante, hacia dónde nos conducen...

Genial.
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4 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
La flaqueza del bolchevique
La flaqueza del bolchevique (2003)
  • 6,7
    13.634
  • España Manuel Martín Cuenca
  • Luis Tosar, María Valverde, Mar Regueras, Nathalie Poza, ...
8
Un grito
Una maravilla, un grito a la rebelión contra la vida impuesta. Un grito hacia la búsqueda del amor, venga de donde venga, sea donde sea, sin barreras psicológicas ni sociales.

Estremece la proximidad de María Valverde, parece que salga de la pantalla. Estremece casi tanto como el abismo en que se mece el personaje de Tosar. Impresionante.
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13 de 15 usuarios han encontrado esta crítica útil
La vida de David Gale
La vida de David Gale (2003)
  • 7,3
    44.174
  • Estados Unidos Alan Parker
  • Kevin Spacey, Kate Winslet, Laura Linney, Gabriel Mann, ...
9
Si el río suena, ¿agua lleva?
Kevin Spacey está en el corredor de la muerte en una cárcel de Texas. Mientras la cuenta atrás para su ejecución llega a su fin, explica su historia a una periodista, Winslet, con el fin de que ésta investigue el caso...

Buen alegato en contra de la pena de muerte que, además, refleja el poder de los prejuicios y las etiquetas, que condenan a las personas mucho más de lo que puede llegar a hacer un tribunal.

Gran película.
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5 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Martin Scorsese Presents the Blues - Feel Like Going Home
Martin Scorsese Presents the Blues - Feel Like Going Home (2003)
  • 7,5
    672
  • Estados Unidos Martin Scorsese
  • Documentary
8
Que empiece el espectáculo
Scorsese da el pistoletazo de salida a "The Blues" con un muy buen recorrido por los orígenes de esta música, consiguiendo así que nos frotemos las manos ante lo que está por venir: una monumental obra en que siete amantes del blues se ponen tras la cámara para rendirle tributo... con la gran virtud de ser todos ellos directores con muy buen hacer.

Emulando lo que hiciera el musicólogo Alan Lamax en los años treinta, Scorsese sigue el rastro de esta música por diversas zonas de Estados Unidos. El documental es un constante ir y venir de viejas glorias intercaladas con imágenes y documentos sonoros de pioneros como Robert Johnson, Son House, Muddy Waters, John Lee Hooker y demás. Es inevitable seguir con atención las explicaciones que van dando los entrevistados, así como aguzando el oído cada vez que suena alguna melodía, pues no es extraño detectar que bajo las grabaciones de hace ochenta años se oculta una melodía que hemos escuchado versionada muchísimas veces en los estilos más diversos.

También nos encontramos con un viaje a Mali en que se exponen los paralelismos del blues con la música que allí se produce. La escala pentatónica y demás argumentos sirven para mostrar la hermandad de estas músicas. Resulta un poco plastilla la intervencion del músico/mecenas local, la verdad, pero se consigue sacar la idea bastante convincente de que los esclavos que trabajaban en los cultivos de algodón de la zona sur de Estados Unidos fueron quienes introdujeron el blues en este país.

Lo dicho: un gran entrante para la gran comilona musical que es "The Blues", una maravilla para conocer este estilo de música y rendir tributo a sus padres, así como alentar a sus actuales y futuros intérpretes.

Que empiece el espectáculo.
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4 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Martin Scorsese Presents the Blues - Godfathers and Sons
Martin Scorsese Presents the Blues - Godfathers and Sons (2003)
  • 7,3
    222
  • Estados Unidos Marc Levin
  • Documentary, Mike Bloomfield, Common, Mick Jagger, ...
8
¿Es el hip-hop el nuevo blues?
Marc Levin toma el testigo de Martin Scorsese y deja su impronta en la serie de documentales "The Blues" con un recorrido por el Chicago más blusero y su conexión con el hip-hop.

El director sigue a Marshall Chess, quien cuenta sus recuerdos personales intercalados con el mundo del blues, al que entró de la mano de su padre Leonard Chess, cofundador de Chess Records. Plagado de anécdotas y cameos de viejos bluseros, resulta entrañable el paseo histórico que da.

En este recorrido también brilla la presencia de Chuck D, cantante y letrista del grupo de rap Public Enemy. Es en este punto donde se expone la hipótesis de que hip-hop y blues tienen lazos comunes, que son... como padrinos e hijos.
Una vez soltado este bombazo (a mí me lo pareció, de veras) se van exponiendo argumentos en este sentido. Chuck D comenta que sintió esa afinidad tras escuchar el disco "Electric Mud" y tal vez los argumentos no sean demasiado rotundos y se centren en cuestiones más periféricas que de fondo, pero no dejan de ser interesantes.

Para rematar la faena, se produce un curioso hermanamiento (o padrino-hijamiento) entre los raperos y un antiguo grupo de blues. Todo ello aderezado con fragmentos de actuaciones de Koko Taylor, Otis Rush, Ike Turner, Magic Slim y otros miembros de la creme de la creme del blues.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Volver a empezar
Volver a empezar (1982)
  • 6,6
    6.306
  • España José Luis Garci
  • Antonio Ferrandis, Encarna Paso, José Bódalo, Agustín González, ...
6
Detalles que justifican una película
"Volver a empezar" deja cierta sensación de que podría haber dado más de sí. Su inicio es muy bueno, con Ferrandis evocando su vida de hace 40 años en Gijón y retomando el contacto con viejos conocidos. Un par de conversiones interesantes, imágenes bellas, el "Canon" bien colocadito... hacen que uno se frote las manos ante la perspectiva de que va a ver un peliculón.

Sin embargo, poco a poco la cosa se va deshinchando: las conversaciones devienen algo pretenciosas, la trama no da demasiado más de sí, los gags con el gerente del hotel resultan más casposos que divertidos... En fin, se deshincha y no remonta.

Por suerte, la aparición de José Bódalo le da un Motivo (en mayúsculas) por el que esta película tiene sentido verse.
Me refiero, cómo no, a la larga conversación entre Antonio Ferrandis y José Bodalo en que el primero desvela el motivo por el que ha vuelto a Gijón.
De una belleza impresionante, en esa secuencia Bódalo transmite millones de sensaciones sin apenas articular palabra, convierte una pantalla de cine en algo muy próximo. Tanto, que es difícil controlar el escalofrío que recorre el cuerpo de uno observando su mirada. Qué contención, pero qué grandeza a la hora de mostrar pena, amor, frustración sin pronunciar una sílaba.

Se trata, en definitiva, de uno de esos detalles que hacen que una película perdure en la memoria, cale en los huesos. Para acordarse de que el cine no sólo se ve, también se siente y se pega a uno, cual recuerdo al que volvemos de vez en cuando para que nos abrigue.
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27 de 27 usuarios han encontrado esta crítica útil
Control
Control (2007)
  • 7,3
    10.517
  • Reino Unido Anton Corbijn
  • Sam Riley, Samantha Morton, Craig Parkinson, Alexandra Maria Lara, ...
9
Absorbente, profunda, biográfica... cojonuda
Ya hace más de un mes que vi esta película, he visto varias más desde entonces, pero "Control" no se me va de la cabeza.

Absorbente, profunda, biográfica, me transmitió unas sensaciones que quise comparar con la audición de un disco de Joy Division y "Closer" fue el elegido. Publicado dos meses después del suicidio de Ian Curtis, el CD me evoca cada uno de los planos, cada una de las miradas, cada una de las conversaciones que me sedujeron en el visionado de la impresionante cinta.

Como si se tratara de una de sus fotografías en blanco y negro, Anton Corbijn capta la génesis del mito de Joy Division, los inicios de esos jóvenes de Manchester que decidieron cantarle a la depresión en un ambiente pre thatcheriano, oscuro, punk e influenciados por Velvet Underground, Sex Pistols, David Bowie y demás genios.

A veces contarlo todo de un personaje es un poco peñazo en una película, supongo que al director le podría hacer más ilusión dejar volar un poquito la imaginación cual realismo mágico, pero Corbijn lo borda reflejando la vida de Ian Curtis con un estilo sobrio, oscuro y profundo que tan bien ha captado de las canciones de Joy Division.
Desde su inicio de chico inadaptado en el instituto, recorremos el periplo vital de Curtis como poeta maldito influenciado por la onda de los sesenta y setenta que ya terminaban, la irrupción del amor que le llevó a casarse con apenas 19 años, los primeros pasos en la banda, la aparición en la BBC de la mano de Tony Wilson (¡qué ganas tengo de ver "24 hours party people"!), el desgaste de su enfermedad, la neurosis que le atormentaba, el dramático final.

Merece la pena destacar las grandes interpretaciones de Sam Riley (casi debutante, impresionante su parecido con Ian Curtis), así como de Samantha Morton ejerciendo de esposa y transmitiendo la angustia de una mujer que ve cómo su marido se pierde, se aleja irremediablemente y el sufrimiento que causa en esa espiral autodestructiva.
La fotografía, como no podía ser de otra manera, es absolutamente perfecta, un blanco y negro que se te engancha al alma como si la niebla y los cigarrillos de los clubes de Manchester hubieran entrado en la sala de cine.

Y sigue sonando "Closer" en el reproductor y siguen viniéndome a la cabeza imágenes de la película. Ese baile semi espasmódico de Curtis en el escenario, ese asma que le ahogaba, esa angustia vital que no le dejaba vivir, esa infinita tristeza que transmitió en sus canciones, ese desgarro que canta mientras batería lo acompaña con su letanía, las guitarras distorsionan y el bajo retumba en el pecho... Os recomiendo encarecidamente esta película.
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9 de 9 usuarios han encontrado esta crítica útil
El buen pastor
El buen pastor (1944)
  • 6,7
    1.032
  • Estados Unidos Leo McCarey
  • Bing Crosby, Barry Fitzgerald, Rise Stevens, Gene Lockhart, ...
7
Crosby canta y encanta
Con un convincente Bing Crosby, se nos plantea una película amable, que emana bondad y buen hacer. En ella Crosby interpreta a un cura enrollado y renovador que es destinado a una parroquia algo decadente a la que debe intentar engarzar con la comunidad en la que se encuentra.

La película en sí está bien, transmite optimismo, fuerza y amor al prójimo. Eso sí, también resulta un poco plana y previsible. Sin embargo, resulta agradable y además cuenta con la grandísima presencia de Crosby, que demuestra su gran voz en numerosas ocasiones, cantando solo o bien acompañado de Jean Heather.

En resumen, una película agradable a la que hay que exigirle lo justo, pero que no por ello deja de ser aceptable y recomendable.

Para finalizar, resulta interesante comentar que los premios Oscar entregados en marzo de 1945 premiaron esta historia de la bondad con nada más que siete estatuillas. En el de mejor película batió nada menos que a "Perdición", lo que invita a pensar en que se premió la luminosidad y el optimismo en esos días previos al fin de la Segunda Guerra Mundial.
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15 de 15 usuarios han encontrado esta crítica útil
Vicky Cristina Barcelona
Vicky Cristina Barcelona (2008)
  • 5,8
    63.419
  • Estados Unidos Woody Allen
  • Rebecca Hall, Scarlett Johansson, Javier Bardem, Penélope Cruz, ...
7
Woody Allen sigue sin encontrar la fórmula del amor
Buena película a la que fui predispuesto a que no me gustara. Me decían que parecía un panfleto turístico, pero la verdad es que tiene más chicha de la que pensé, así que salí contento de haberla visto y qué caramba, de que salga tan bonita Barcelona.

Allen tocó techo con “Delitos y faltas” o “Manhattan”, pero los temas que en ellas trata siguen presentes en su obra, señal inequívoca que no hay dios que se aclare con esto del amor.

Con una Scarlett que se come la pantalla, Rebecca Hall como agradable sorpresa, Bardem de latin lover y Penélope un poco histérica, asistimos a un retrato en sepia de unos personajes algo irreales con visiones de la vida y del amor bastante contrapuestas.
Por orden, tenemos a Cristina (Scarlett) en una eterna búsqueda del amor perfecto, ese que nunca durará demasiado cuando lo encuentre por enésima vez; a Vicky (Hall) cuya racionalidad pugna con la razón por resquebrajarse; y finalmente, el amor completo-incompleto de Bardem y Cruz, ese ni contigo ni sin ti autodestructivo pero perfecta musa de la creatividad artística.

Hay situaciones que Woody Allen despacha con poco rigor, escenas no demasiado creíbles que hacen que te revuelvas un poco en el asiento en señal de sorda protesta. Sin embargo, su maestría y cajón de sastre sentimental hacen que el conjunto sea más que aceptable, de modo que todos terminan contentos: los espectadores por pasar un rato majo, Barcelona porque está encantada de haberse conocido y Allen por llevarse de la ciudad unos dinerillos que nunca van mal.
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
El poder del amor
El poder del amor (1995)
  • 4,8
    3.778
  • Estados Unidos Lasse Hallström
  • Julia Roberts, Dennis Quaid, Robert Duvall, Gena Rowlands, ...
6
Interesante película sobre caballos y matrimonios
Julia Roberts traza un interesante dibujo de una mujer engañada por su marido que vuelve a su hogar natal, en el sur profundo de Estados Unidos (sí, sí, el de los esclavos y el algodón prácticamente), desde donde emprende una reformulación vital que lleva a toda su familia a una especie de catarsis sentimental.

Con un guión algo previsible, pero no por ello menos rumboso, asistimos a un muestrario de fórmulas sobre el amor, el compromiso y la fidelidad matrimonial. Y digo fidelidad y no lealtad, pues son matrimonios aguantados por las apariencias y cuya chispa hace tiempo que se acabó, pero que las convenciones sociales estipulan como irrompibles. Es ahí donde la película gana puntos según mi punto de vista, ya que plantea unos diálogos productivos, así como una evolución de los personajes bastante creíble.

La parte divertida de la película es que cada dos por tres sale un caballo por ahí haciendo un cameo, me da la impresión de que el lobby equino tuvo mucho que ver en la producción de la película...
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5 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Un camino para dos
Un camino para dos (1967)
  • 7,5
    11.576
  • Reino Unido Stanley Donen
  • Audrey Hepburn, Albert Finney, Eleanor Bron, William Daniels, ...
8
El amor, ese peculiar compañero de viaje
Siempre me ha parecido divertida la evolución histórica de las películas sobre el amor: en el inicio, las historias eran bastante planas, finales felices, etc. Poco a poco la cosa fue evolucionando, hasta llegar al día de hoy, en que ya está muy visto eso de las perdices y demás. Es decir, pasamos de la “simplicidad” inicial al barroco posterior, el matiz, ese gris de tonalidad infinitamente matizada en busca del punto exacto: ¿dónde está el amor? ¿qué es? ¿cuánto dura? ¿qué hacer cuando se va?

Esta película, para mí, representa unos de los eslabones perdidos entre esos dos tipos que comento. Viéndola, me vino a la cabeza otro título, “El graduado”, en el que se nota que la sociedad de la época (ambas son del 1967) empieza a salir del ensimismamiento de los años cincuenta, esa felicidad tan maja pero en muchos casos vacía que tan bien retrató Don Billy Wilder.

¿Qué vi en esta película? Pues un bonito recorrido por el proceso de enamoramiento y posterior convivencia de una pareja a través de sus viajes en coche.
Con continuos saltos en el tiempo, entreteje varias experiencias en las que se observa el inevitable paso del tiempo, cómo el enamoramiento inicial da paso a una convivencia cada vez menos romántica, más tensa. Pasan de ser dos chiquillos recorriendo Francia a la aventura a un famoso arquitecto y su señora-florero cuyas obligaciones sociales les han erosionado demasiado y han perdido la frescura de su juventud.

Hay momentos en los que la cámara se acelera y se produce un efecto cómico que resulta algo cutrillo. Ahora bien, en general las situaciones son creíbles, tiene momentos divertidos (bastantes) y muestra esa evolución del amor de una forma interesante.
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Rivers and Tides: Andy Goldsworthy Working with Time
Rivers and Tides: Andy Goldsworthy Working with Time (2001)
  • 7,7
    419
  • Alemania Thomas Riedelsheimer
  • Documentary, Andy Goldsworthy
5
Seamos
Seamos malos: esta película es una ida de olla impresionante.

Seamos tolerantes: me parece perfecto que se hagan películas, sean como sean. Ahora bien, ¡qué tostón!

Seamos graciosos: no se me ocurre nada.

Seamos gafapastas: Riedelsheimer nos muestra las vicisitudes, el recorrido vital del gran Andy Goldsworthy, el último mohicano de los que escuchan la naturaleza, de los que se alejan del mundanal ruido del día a día y fijan la vista en los ríos y las mareas, trabajando sin descanso para que nos paremos un momento y reflexionemos sobre otras maneras de vivir esta vida que se nos impone, llena de prisas y desdén por la madre naturaleza. Olé tus cojones, Andy.

Seamos rudos: tampoco vale la pena. Paz, amigos.

Seamos sinceros: las imágenes en sí son bonitas. Tiene hasta buenas ideas. Ahora bien, al ser Andy Goldsworthy un poco sosainas y un mucho raro, la sensación final es que nos han colado un gol.

Seamos recomendadores: ideal para verla si quieres descansar un poco la vista, ver imágenes bonitas e ideas curiosas. Sin más.

Seamos concisos: hay gente pa to.
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19 de 40 usuarios han encontrado esta crítica útil
LT22 Radio La Colifata
LT22 Radio La Colifata (2007)
  • 6,8
    223
  • Argentina Carlos Larrondo
  • Documentary
7
Emoción, colifatos y música
Agosto de 1991 en Buenos Aires fue testigo del nacimiento de un proyecto sumamente interesante: Radio La Colifata. En un intento de aumentar la autoestima, la autonomía y la iniciativa de sus pacientes, un psicólogo del Hospital Neuropsiquiátrico José Borda ideó una emisora de radio en la que los "locos queribles" (eso significa colifato) contaran sus experiencias, reflexiones o cualquier cosa que quisieran.

Tras cruzar el muro del hospital y colarse en las ondas de las casas de algunos barrios de Buenos Aires, la relación entre locutores y oyentes pasó a representar un acicate en el día a día de los pacientes, que poco a poco convirtieron su participación en el programa en una parte importante de sus pensares, así como una importante inyección de autoestima e ilusión. De esta manera se cumplía con creces la idea inicial del impulsor del proyecto.

Más de tres lustros después, esta idea se ha demostrado muy interesante, convirtiendo la señal de La Colifata en un referente para iniciativas similares en otros lugares del mundo (Barcelona, Toulouse, Trieste...), cual bocanada de aire fresco en el -a veces- siniestro mundo de los hospitales psiquiátricos.
Parte de este reconocimiento proviene de la difusión que de él ha hecho el cantante Manu Chao, quien colaboró en el curioso CD "Siempre fui loco" (2002) en el que se entremezclan canciones de grupos de Barcelona (Che Sudaka, 08001, Des+Karadas, Golem, Palo Q Sea, etc.) con fragmentos del programa (menciono uno más abajo). Este disco, vendido fuera del circuito convencional, sin sello discográfico ni nada, resultó un éxito y sus beneficios fueron destinados a potenciar el proyecto.
A raíz de esta colaboración, y unos años después, se celebró un concierto de la banda de Manu Chao, Radio Bemba Sound System, en el que algunos pacientes colaboraron de una forma emotiva, hablando a los más de 15.000 espectadores que llenaron el Estadio de All Boys en Buenos Aires.

Pues bien, el documental "LT22 Radio La Colifata" representa un tierno recorrido, cámara en mano, por el hospital Borda, así como por sus emisoras hermanas en España (Radio Nikosia), Francia e Italia. Plagado de momentos emotivos, da voz e imagen a los pacientes, quienes narran en primera persona cómo ven este proyecto, así como la manera en que les ha cambiado sus quehaceres diarios. Todo ello con los temas de "Siempre fui loco" como banda sonora.
Para terminar, se muestran varios fragmentos del concierto (y preconcierto) de Manu Chao, que culmina con la emotiva presencia de Stella Cross, una interna de tristísima historia y enorme trasfondo.

En definitiva, se trata de un bonito documental que capta la esencia de una magnífica idea. Aunque sea un poco flojo en su reflexión subyacente y excesivamente festivo en algunos momentos, no deja de provocar un flechazo de ilusión y esperanza en el espectador.
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10 de 10 usuarios han encontrado esta crítica útil
Che - El argentino
Che - El argentino (2008)
  • 6,6
    25.101
  • Estados Unidos Steven Soderbergh
  • Benicio del Toro, Demian Bichir, Elvira Mínguez, Jorge Perugorría, ...
6
Ecuaciones Diferenciales
Salir de un examen de Ecuaciones Diferenciales es lo que tiene: tras cuatro horas de holocausto neuronal exigiéndote el aprobado, acabas hecho una piltrafa. Y hasta los huevos. Total, que en lugar de tomar la Kalashnikov y liarme a tiros para desfogar un poco el espíritu, preferí ceder el privilegio al Che Guevara y a Del Toro y me encaminé al cine.

Fiel a mi costumbre de no leer nada sobre las películas antes de verlas, iba con la idea de que vería reflejado el viaje espiritual, ideológico y físico que llevó al Che desde su Rosario natal a la Sierra Maestra, combatiendo con los Castro en pos de la revolución. Craso error. Craso error porque resulta que la película va de la Revolución, muestra la Revolución Cubana, con breves incisos de una visita del Che a los Estados Unidos y su comparecencia en la sede de la ONU.

Vale, vale, entonces reconfigurémonos, señor director: la película va de la Revolución. Entonces, ¿por qué está contada de una manera tan parcheada? Retazos de información, pero mal pegados. Anécdotas varias, pero falta de ligazón como para hacerse con una visión diáfana del proceso vivido. Como dice Germán en su crítica: "Podríamos quitar cualquier secuencia y la película seguiría siendo igual". Totalmente de acuerdo. Además, el montaje está hecho de manera que se te escapan cosas, resultan providenciales las apariciones de Fidel Castro para darnos idea del estado de los combates y los pasos que se van a dar a continuación.

En fin, considero que a Sodenbergh le faltaron agallas para decir: oigan, que voy a hacer una película sobre la Revolución cubana. Espero que con el tiempo se acabe haciendo, obviando debates sobre la pureza moral y demás. Creo que es el espectador quien debe decidir, el director nos enseña y nostros opinamos.
Porque no fastidiemos, analizar con la razón del año 2008 la idoneidad de liarse a tiros por la revolución el año 1958 es como pedirle a los espartanos que enviaran a Ban Ki Moon a dialogar con Jerjes.

Total, que después del examen y las dos horas de película ya no tenía ni neuronas, ni seis euros, ni nada de nada. Vi dispararse muchas armas, me reí con las ocurrencias de Camilo Cienfuegos, pero creo que fue más el cansancio que la emoción por la película lo que me hizo dejar la Kalashnikov arrinconada.
Y como dice una profesora mía: "El mundo es como una función que hay que optimizar un poquito". Pues eso, que ya sea con Ecuaciones Diferenciales o con Revoluciones, algo se va haciendo.
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13 de 16 usuarios han encontrado esta crítica útil
Shine a Light
Shine a Light (2008)
  • 6,6
    2.806
  • Estados Unidos Martin Scorsese
  • Documentary, Mick Jagger, Keith Richards, Ron Wood, ...
8
¡Qué gozada!
Dicen de "El último vals" que es el mejor concierto que se ha filmado (no la he visto aún, debo comprobarlo). También dicen que "quien tuvo, retuvo". Y Scorsese lo demuestra: ¡qué gozada de concierto!

Viendo la grabación del festival de Woodstock te das cuenta de la cantidad de errores que se pueden cometer grabando un concierto (el más grave, enfocar a Jimmi Hendrix a la cara mientras hace un solo de guitarra). Pues bien, la grabación de Scorsese raya la perfección y resulta absolutamente espectacular, ya que permite ver con todo detalle a sus Satánicas Majestades en su máximo esplendor.

Por poner algún pero me gustaría señalar que en el pase en cine sería interesante que se subtitularan también las canciones.
También me gustaría comentar que en los pocos momentos en que se sale de las canciones la cinta pierde algo de fuelle, pues las imágenes de entrevistas hechas hace años resultan interesantes, sí, pero algo simplistas: Watts el raro e incomprendido, Jagger el echado p'alante, Richards y Wood los fiesteros. Sin más matices.

En fin, intensísimo concierto que pasa a formar parte fundamental de la hagiografía de los Rolling... ¡o como se diga cuando en lugar de santos son enviados por el diablo!
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9 de 10 usuarios han encontrado esta crítica útil