“Primer plano” es puro cine. Moviéndose en los límites que separan a la realidad de la ficción consigue en todo momento mantener al espectador maravilladamente atento a la narración.

La trama es sencilla: Un hombre se hace pasar por un reputado director de cine ante una familia vecina. Envenenándoles con falsas esperanzas de ser los protagonistas de su próxima cinta se aprovecha de ellos. El fraude que comete tanto moral como económico acaba llevándolo a la cárcel. Las intenciones de este hombre -así como su amor por el arte- hará despertar en el espectador honestos sentimientos en el clímax del juicio.

Pese a ser un documental la suave y precisa mano de Abbas Kiarostami consigue que nos sintamos dentro de su universo cinematográfico con una dolorosa maestría. Imprescindible.

Después de dos años sin pisar el @festivalsevilla he tenido la suerte de ver "Ahed's Knee", peliculón israelí muy valiente, cine-protesta en el que #NavadLapid critica la mala praxis de su gobierno y cómo el estado de Israel, además de humillar al pueblo palestino, además de censurar todo aquello que no les beneficie, lava el cerebro de sus ciudadanos más jóvenes, en las escuelas, programando sus mentes, usando política y religión como herramienta de control. Aunque su cinta este año haya sido galardonado por el jurado de @festivaldecannes, los trogloditas retrógrados judeosinoistas de Tel Aviv hacen lo posible para que los fieles de sus sinagogas no vayan al cine a verla. Pero la Revolución llegará, mientras artistas como Lapid sigan echándole huevos al sistema mediante el arte, para que el cine sea efectivo y despierte a las mentes dormidas. Tuvimos la fortuna de disfrutar de un coloquio post-proyección con él. El mundo necesita más directores a los que no le asuste el activismo y la defensa de los derechos humanos ¡Bravo, Navad!

El film parte de la base de que una vaina, llegada del espacio exterior, en cuyo interior no se sabe muy bien lo que hay, realiza la copia de un cuerpo humano, pese a que ese cuerpo nuevo no sea humano aunque lo parezca. Los seres de las vainas se van multiplicando a costa de vidas humanas, de esta forma, la supremacía y supervivencia del ser humano, empieza a correr un grave peligro. Los seres humanos, empiezan a informarse y a tomar medidas para luchar contra este mal, pero también, los bichos salidos de las vainas forman alianzas con el propósito de ser ellos quienes gobiernen el planeta.

Al final de “La invasión de los Ladrones de Cuerpos” el protagonista es el único ser humano cuyo cuerpo no ha sido “robado” por los ladrones de cuerpos, esto significa que él atravesaba una carretera en sentido contrario a la que atravesaba el resto de la población yanqui (una población en la que todos sus habitantes pensaban igual, llevando vidas dedicadas al trabajo y al parecer, carente de sentimientos, lo que viene a transmitir una metáfora de la sociedad de 1956, en la que se suponía que los comunistas estaban locos y a favor de los soviéticos).

En los albores del cine, en los años 20, 30 nace el denominado cine de vanguardia, que intenta separarse de los cánones del cine clásico y de sus reglas, con el objetivo de buscar una actitud reflexiva en el espectador (y también como es lógico, una forma de discurso nunca antes vista, mediante una forma de realizar cine nuevo).

Al terminar la segunda guerra mundial Estados Unidos quedó en paz pero la paz sale cara, para seguir ganando dinero eligieron a los rusos como sus futuros enemigos y declararon al comunismo como el cáncer del planeta, la guerra fría. Muchos directores, actores, escritores y artistas fueron fuertemente perseguidos en la denominada Caza de brujas. Elia Kazan, Fritz Lang, la lista de “criminales comunistas que debían ir a prisión” se fue agrandando, empezaron los chivatazos, el F.B.I y Edgar Hoover impusieron un régimen del terror en el cual las personas que no siguieran las órdenes establecidas, serían puestos a disposición judicial o deportados.

Que el ser humano reflexione es algo que no todas las películas pretenden, en el caso del cine de vanguardia es todo lo contrario, ya que estas películas tienen escenas contundentes que remueven las ideas del cerebro y no son un mero videoclip sin gracia como la mitad de las obras que son seleccionadas cada año en los Oscar’s, obras, que poco tienen que ver con la vanguardia porque están aliadas con el capitalismo.

“Body Snatchers” es la primera obra maestra del que más tarde sería la mano derecha y uno de los mejores amigos de Clint Eastwood. “La fuga de Alcatraz”, “Harry el Sucio”, son muchas las colaboraciones que Don Siegel hizo con “El bueno” del salvaje oeste. Aunque Don Siegel ya no siga entre nosotros siempre seguirá vivo en la memoria del cine moderno americano.

La clase obrera ha sido retratada en el cine infinitud de veces, pero en sus inicios, teniendo en cuenta la censura y la mentalidad cerrada de principios del siglo XX (cuando los blancos y los negros se montaban en distintas partes del autobús y cuando las mujeres no tenían derecho a participar en el sufragio en muchos países) fue retratada de una forma no muy verídica, hasta que llegó el denominado Cine Militante. “Los hombres de Arán” y “Octubre” fueron películas que Franco denominaría de izquierdas y que en un país como España no pudieron estrenarse, nótese que, respectivamente, el primero es un largometraje inglés y el segundo soviético.

El posicionamiento político de una obra audiovisual suele implicar que los guionistas y el director estén a favor del mensaje global y del contenido explicito que va a ser mostrado. El día que Hoover vio “La sal de la Tierra”, horas más tarde, Herbert J. Biberman fue añadido a la lista negra ó caza de brujas.

La persecución era brutal, empleando la estratagema del comunismo, los mismos mandamases que gobiernan al presidente de los Estados Unidos de América como si fuera un títere o incluso lo asesinan públicamente con cámaras grabando (John Fitzgerald Kennedy) censuraban todos aquellos largometrajes (o cortometrajes, mediometrajes, pinturas, esculturas, lo que sea…) por el simple hecho de mostrar una postura ideológica que pudiera restar valor al sistema político de entonces o motivar a los ciudadanos, en especial a los obreros, a que abrieran sus mentes y lucharan por recibir algo más de libertad e igualdad.

1954. Nuevo México. Una mina da empleo a más de cincuenta trabajadores que se parten la espalda día y noche para ganar un sueldo con el que a duras penas les da para mantener a sus propias familias. El desencadenante, un accidente que está a punto de cobrarse la vida de un minero, destapó las miserias de las pésimas condiciones laborales de los empleados, quienes a riesgo de perder la vida trabajando, seguían haciéndolo para que no les faltara el pan a sus hijos.

Pronto, los hombres que ocupaban los puestos altos en la mina, para seguir ostentando posiciones y sueldos privilegiados, abusaron de la jerarquía, distinguiendo entre empleados latinos y caucásicos, amenazando con despedir a aquellos que se rebelasen en contra del capataz y de sus absurdas órdenes, destinadas a perpetuar la sociedad de clases.

Una coalición de mineros y esposas de mineros comienzan una huelga con el propósito de exigir lógicas y buenas condiciones laborales. Todos ellos son tachados de agitadores, la policía es avisada y en poco tiempo empiezan a ser encarcelados muchos miembros, aparte de ser embargadas las posesiones de los más conflictivos, como es el caso del protagonista.

¡Qué irónica la unión entre cine y vida real, pues a causa de “La sal de la Tierra” su director fue encarcelado, tras un juicio contra él! Y yo me pregunto ¿Qué tipo de actividad criminal cometió ese hombre? ¿Acaso no fue la cámara, el arma del delito? ¿Acaso no es delito juzgar a alguien por el simple hecho de sacar las cámaras a la calle para contar al mundo una historia cercana, que podría ocurrir, que podría haber ocurrido? ¿Por qué estaba Hoover enfadado con Herbert J. Biberman? Porque Herbert era sincero, defendía causas justas, se atrevía a hablar de lo que nadie hablaba y empleaba el arte del cine como herramienta de guerra. ¿Qué guerra? La de la igualdad obrera.

Pocas películas han abordado el tema de los ángeles con tanta destreza y con un acierto tan perfecto como en “Wings of desire”. Win Wenders usa la dualidad entre dos mundos: el terrenal y el espiritual (en el terrenal están los vivos y en el espiritual los ángeles, quienes solos se comunican entre ellos). Es un drama que podría catalogarse como fantasía, dependiendo del punto de la subjetividad de quien lo analice, pues para los religiosos es un drama y para los ateos fantasía.

Tenemos a tres protagonistas: a Bruno Ganz (un ángel), Marion (una trapecista) y Peter Falk (en horas bajas, tras muchos años después de su éxito, en un país lejano como Alemania, donde todavía la gente le reconoce por su mítico papel en “Colombo” aquella mítica serie).

El ángel se mueve con total libertad por el mundo de los vivos pasando inadvertido, ni siquiera cuando la gente le mira le ve, no tiene contacto físico con nadie, eso es lo negativo que tiene la positividad de la vida eterna de los seres celestiales. Marion es una chica francesa que vive del circo pero no tiene un hogar fijo, ni trabajo fijo, está hecha un lio y no sabe dónde acabara o donde le pondrá la vida. Peter (Colombo) es un estadounidense que viaja a Berlín a grabar una película bélica en la que él es la mayor estrella.