Peculiar es la película que nos propone Moretti alrededor del mundo vaticanista. El conocido director izquierdista se propone rodar en territorio Vaticano con un guión que consiga el vistobueno de la jerarquía. Y como el mejor Berlanga, consigue retratar lo que quiere retratar sin que la autoridad competente se dé cuenta de lo que está retratando.

"Habemus papam" se plantea en buena medida como una inocente comedia que gira alrededor de las inquietudes de un Cónclave al que su proclamado papa le falla, víctima de la depresión y del peso del legado de Pedro. Desconcertados ante la extraña reacción papal, asistiremos a la inquietud de los cardenales ante el fenómeno, a las tentativas de un psicoanalista de poner orden en la mente del papa y de los cardenales y al viaje a ninguna parte que realiza un muy buen Michel Piccoli, encarnando al Papa.

¿Pero realmente es tan inocente la propuesta de Moretti? ¿Cómo se nos presentan los cardenales? ¿Cómo personas capaces que están a la altura de las circunstancias o como un puñado de sere pusilánimes? Con simpatía, eso sí. ¿O cómo se nos presenta la guardia suiza y el entorno vaticanista en general? Y para que nadie se queden sin recibir, ¿cómo se presenta el psicoanálisis y los psicoanalistas? Pues no, no es una propuesta inocente, sino algo mucho más cercano a una parodia irreverente, que es lo que esperamos de este director. Ello, no obstante, no impide la existencia de un enfoque intimista que se produce en la figura del papa y que funciona al margen de todo lo demás, añadiendo la densidad necesaria a la historia.

Lo bueno además es que todo fluye con encanto, en una película muy amena y con algunos momentos muy buenos, que son aquellos en que intervienen los actores de Chejov, en un par de escenas tan geniales como divertidas.

Por lo tanto, no estamos ante una obra maestra, pero si ante un producto interesante, aconsejable de ver y lejos de los cánones establecidos del cine del día a día, lo que nos recuerda una vez más que es en Europa donde mejor se protegen las diversas maneras imaginable de ver una película. No le gustará a todo el mundo, pero a mí sí y no me cabe duda de que el director ha hecho exactamente lo que quería hacer ¡Bien por Moretti, por Piccoli y por toda el equipo!

El equipo A forma parte de los numerosos revivals que viene proporcionando el cine estadounidense a lo largo de los últimos años, pero en este caso no nos deja material para hacer una crítica demasiado sustantiva. Se trata de una muestra de cine palomitero de la especie: "mucha acción, mucha explosión y pocas nueces". Y es una pena, porque a pesar de que la serie del equipo A, como materia prima, no es gran cosa, el personal elegido para emular a los cuatro clásicos de las sobremesas no está mal del todo. No solamente cuenta con un actor tan eficaz como Neeson, sino que además los otros tres interfectos saben encontrar su sitio en el modus operandi de los protagonistas televisivos, a los cuales se echa en falta en forma de cameo o personaje secundario. Lo malo es que eso es todo lo bueno que se puede decir de una pelicula de guión facilón, con un par de ideas que no están mal del todo, con un intercambio de diálogos aceptable pero que al final brilla más por sus carencias que por sus defectos.

Ideal, pues, para verla en la sobremesa un domingo de bajo rendimiento intelectual.

La cuarta entrega de los piratas pierde fuelle respecto a su predecesora tercera parte, insuficientemente apreciada como objeto de entrenimiento bien conducido. Pienso que la construcción de la película presenta numerosos fallos de concepto, entre ellos: el papel de Penélope Cruz (su papel es malo pero ella también está fatal), el rol asignado a Barbosa (que propicia su desaprovechamiento a lo largo de buena parte del film), un excesivo abuso de aburridas persecuciones en el principio de la película y graves dificultades en el arranque de la trama, con motivo de una total desubicación de los personajes ya conocidos. Si a ello añadimos una historia no demasiado meditada y la incorporación de elementos dudosos como las sirenas, los piratas lo tienen mal esta vez para aprobar.

Ahora bien... "Piratas del Caribe" sigue siendo algo muy importante para el cine de masas: una buena muestra del equilibrio entre calidad cinematográfica y historias sin demasiadas complejidades. Para ello es necesario contar con actores que estén al nivel que hay que estar sea la película que sea y una vez más Depp o Rush vuelven a bordar sus personajes, dando algo de sentido a una película de bajos vuelos. Esa es para mí la raya que no hay que atravesar, la que te permite creer que aunque la película no sea gran cosa, tienes la sensación de estar viendo cine y no alguna bazofia audiovisual. Por eso, a pesar de los pesares, apruebo a la cuarta de los piratas con un cinco raspadísimo... Eso sí, tampoco hace falta volverse loco por verla.

Mala nota para la película dedicada a Thor, el poderoso dios del trueno según Marvel Comics. A pesar de los importantes nombres que agrupa (Branagh en la dirección, Hopkins y Portman como elementos claves del reparto...), a pesar de que el protagonista elegido no es del todo inadecuado, el resultado es muy pobre en todos los sentidos.

Vamos a los detalles. Uno muy importante: es increible que Branagh firme esto, dado su pobre guión, su pobre puesta en escena y la ausencia total de signos característicos de su buen hacer (¿se limitó a poner el nombre y el trabajo recayó en otros?). Por el contrario, toda la película se pone en manos de los maestros digitales, para marearnos con escenario más propios de un juego de ordenador y que no despiertan ningún interés ni atractivo, ni mucho menos nos evocan una tierra de dioses. Todo apunta también a que Branagh no se ha leido ningún cómic de Thor ni por asomo y que no ha dedicado mucho tiempo a revisar películas de superheroes, a fin de entender que elementos deben ponerse en juego para construir una película. En este sentido, es un hecho que los héroes esquemáticos y con poca personalidad, como Thor, no funcionan, a diferencia de aquellos que presentan una fuerte personalidad (caso de Iron Man o de Lobezno). La elección de un antagonista de talla también es relevante y la saga Thor goza de un personaje de excepción, Loki, al que mucho partido se le puede sacar en el cine. Aquí en cambio queda en manos de un actor de un nivel paupérrimo, al que le faltan muchos hervores para darle credibilidad al personaje. Más detalles: los tres guerreros y Sif parecen seres salidos de un circo, más que poderosos guerreros; el vigilante de Asgard es un personaje pobrísimo, y tanto Portman como Hopkins, no sólo están desaprovechados, sino que por momentos rozan el ridículo en sus papeles.

A parte de algún momento, no se salva gran cosa en esta película, que recomiendo claramente no ver. No ha sido más que una fiesta de hacer caja: los de Marvel Comics estirando la máquina del dinero a base de superhéroes mientras dure, actores y director veteranos llenándose los bolsillos por no hacer nada y a exprimir a un público cautivo al que en ningún momento se le da lo que se le promete.

No soy persona de poner dieces en las críticas de las películas (o documentales, si se prefiere) y todas a las que se los pongo son películas especiales. Hacía mucho tiempo que quería poner otro diez y en "Pina" he encontrado la película que necesitaba. Es también la película que estaba esperando para acercarme al 3D. No quise ver "Avatar", porque aun pensando que no sería mala (y no lo es), no me dejaría la huella que puede ofrecer un medio con tantas posibilidades. En "Pina" en cambio he encontrado la posibilidad que buscaba y no sólo no estoy decepcionado, sino que me siento maravillado. Ni un sólo comentario negativo voy a introducir en esta crítica, ni uno solo, a partir de aquí, sólo vienen elogios.

La danza contemporánea es uno de esos artes que en principio no se pueden llevar al cine, porque las dos dimensiones le restan la tridimensionalidad que se disfruta desde la butaca de un teatro. En cambio con el 3D podemos obtener esa tridimensionalidad y además gozar de unos planos que en un teatro no son disfrutables. Las posibilidades audiovisuales del 3D son inmensas y hacía falta que alguien se pusiera en serio en llevar la danza al 3D. Ese ha sido Wim Wenders, un tipo especial, el director de la fabulosa "París-Texas" y de una filmografía globalmente muy relevante. Y como un tipo especial que es, ha seleccionado las magistrales coreografías de Pina Bausch para llevar acabo el proyecto. De dichas coreografías, decir que son brillantes, absolutamente emocionantes y que están interpretadas por un@s bailarin@s excelentes. Esto es algo que a las no aficionad@s a la danza tal vez no les diga mucho, pero a l@s que sois aficionad@s ya os lo tendría que decir todo.

Seguimos... ¿Qué es lo que ha hecho Wenders exactamente? Reproducir las coreografías de Pina, unas veces sobre el escenario, otras en espacios naturales, otras en ciudades... Las integra todas ellas en una reflexión de l@s integrantes de la compañía de Pina sobre su lenguaje, sobre su arte y sobre como les influyó en su trabajo, tras lo cual escenifican fragmentos de las mismas. Asistiremos así a una exhibición de danza absolutamente sensacional, con fragmentos perfectamente seleccionados de las mejores obras de Pina y lo haremos disfrutando del 3D, pieza clave para que el proyecto otorgue a dichos fragmentos la capacidad de reproducirse como realmente merecen. Pero además, y esto es muy importante, lo hace prestando mucha atención al lenguaje de Pina, para que lo apreciemos y para que lo entendamos, por lo que el director muestra aquí una sensibilidad extraordinaria.

(se acaba el espacio, vamos a spoiler)

Rocky IV es lo que podríamos denominar un atentado intelectual. La cosa no se encuentra carente de interés, porque és un producto idóneo para acercarse la filmografía propagandística de la era Reagan en los últimos compases de la Guerra Fría, que tantos productos así de vergonzosos produjo -varios de ellos con Stallone de protagonista- pero que tan eficaz fue para reforzar un discurso anticomunista que aglutinaba a las huestes republicanas y al votante medio estadounidense, mientra se perpetraban reformas económicas de corte liberal y ataques sin precedentes al papel del estado en la protección social. En los tiempos que corren nos bastan las distracciones sencillas, ya que todo parece del mismo color, pero en aquel entonces era fundamental dejar claro que el vecino del Este era muy malo, no fuera cosa que a los occidentales les diera por el comunismo.

Así las cosas, Stallone se presta al juego entre peleas y matanzas de charlies y nos brinda un nuevo Rocky con serias deficiencias conceptuales y de desarrollo. La primera, naturalmente, es que el choque Este-Oeste es tan proestadounidense y antisoviético, que se le suben a uno todos los colores, pero la segunda es, creo, mucho más grave para esta saga: la destrucción de todas las señas de identidad de la épica de Rocky. Es la única película en que no existe itinerario del personaje de A a B, simplemente se trata de ir a dar unos golpes. No son necesarias nuevas superaciones personales ni nuevos aprendizajes, aquí Rocky ya lo sabe todo y nada más se trata de dejarse sacudir un poco y acabar venciendo de la mano de las barras y estrellas.

Espera, ¿he dicho que no hay aprendizaje? Me equivoqué: si en Rocky II el héroe era incapaz de rodar un anuncio por graves problemas de dicción, aquí nos suelta un discurso que pone en pie a la plana mayor del Partido Comunista de la Unión Soviética. No sólo es el mejor boxeador sino un gran orador y un embajador de la distensión. ¡Toma ya!

Con estos mimbres, ¿qué más decir? ¿Que es mala? Lo es. ¿Que es estúpida? Lo es. ¿Que es la peor película de la saga? Desde luego y eso que alguna otra no lo pone fácil. ¿Que carece de las señas de identidad mínimas necesarias para hablar de una película de Rocky? Totalmente. ¿Que los actores habituales chirrían como nunca en sus papeles? Por supuesto. Y aun hay más. Esta película es la causa principal del fallecimiento de la saga durante años, porque le hizo perder la credibilidad al personaje. Por eso fue imposible que la siguiente entrega levantara el vuelo y por eso fue necesario que pasaran 21 años para rodar la sexta, tiempo suficiente para que la gente sólo se acordara ya de las dos primeras y como mucho de la tercera. Justo precio para un ejercicio tan vergonzoso políticamente y tan deleznable moralmente.

En definitiva, película sólo accesible a los varones que aprecian los excesos de testosterona y que estafas intelectuales semejantes en productos tan mediocres no les hagan cambiar de canal.

Sugerente trabajo el que hizo Wenders sobre estos ángeles que acompañan a la raza humana en su viaje a la eternidad, sin poder participar de sus momentos ni de sus vivencias. Es extraño que el entrañable Colombo tenga que proponerles una manera distinta de vivir su vida, pero así son las cosas en esta película un tanto extraña, sin las pretensiones que cabría esperar con tan celestiales protagonistas y que se nos presenta como una mirada sobre la vida, en la que se entremezclan buenos y malos momentos de la existencia de cada cual. No se trata de una pregunta sobre el sentido de los ángeles, sino de una respuesta sobre el sentido de la vida, que si bien puede parecer insuficiente, al menos le sirve al director para proponer una película diferente de lo habitual, aunque no de gran parte de su cine. Una cosa más en spoiler...

Le podemos (o le puedo) cuestionar que tal vez algunos elementos de la puesta en escena suenan a falsete o a un cierto exceso de teatralización, lo que creo que le acaba restando rotundidad a la propuesta. Entre eso y un Bruno Ganz que desde mi punto de vista no acaba de conducir con la fuerza necesaria la función, creo que la película sufre un poco para ser redonda, pero cuenta con la maestría de Wenders y eso es bastante aliciente como para verla.

Vista la puntuación y el título, ya se deduce que la crítica no va a ser buena, pero me preocupa que a lo largo de la misma no pueda ser lo bastante ponderado y preciso como para explicar mi puntuación. Vamos allá...

"El árbol de la vida" es una película de una pretenciosidad inconmensurable, sólo explicable en un director que, a pesar de su enorme -realmente enorme- talento, ha perdido la cabeza y se ha metido en una aventura inaccesible a los pobres pecadores. Y de ello ninguna culpa tienen los pobres actores, casi todos brillantes, a los que debo compadecer, muy particularmente en el caso de Sean Penn, quien tenía toda la razón cuando se lamentaba del triste residuo de interpretación que el omniscente Malick dejó en la película tras aplicar las tijeras. Sólo hay un responsable y se llama Terrence.

¿Y por qué? Bueno... La película contiene una parte muy poderosa cinematográficamente, en la que Brad Pitt y unos muchachos trenzan un conflicto familiar, en la que predominan los silencios vocales, suena música clásica y la maestría de Malick brilla con luz propia. Genial y brillante resulta sin duda ese aspecto de la película, ¿pero qué ocurre? Que ese es un elemento que queda enmarcado en el origen de la vida e incluso el más allá. Y ahora es cuando alguien debería decir: ¿Como? Pues sí amigos, y evidentemente pasar de una cosa a la otra no puede ser más que un salto en el vacío... Ay, ¡vacío! Ese es el gran problema: que no se puede llenar el espacio que separa lo particular de lo universal y mucho menos lo vas a llenar con un pseudodocumental soporífero que ocupa buena parte del principio de la película y un final absolutamente delirante, que no hace falta que diga a que final de serie recuerda. Algunos con mucha moral le verán rasgos poéticos, yo la verdad es que en algunos momentos esperaba encontrarme por ahí al monolito de 2001 y una importante porción de la raza humana sentirá un fuerte sopor si se pone a verla. Y para colmo de males... Dios. Todo el rato que si Dios por aquí, que si Dios por allá, que si Dios esto, que si Dios aquello... ¡Uf!

Por añadir algo más, aclarar que en ningún caso recomiendo su visionado y que en modo alguno considero que los elementos más potentes de la película justifiquen el ir a verla, salvo si se tienen ganas de sentirse desconcertado, puede que engañado y desde luego fatigado, porque raro es aquel que no echa una cabezadilla en algún tramo de la película, al menos si la va a ver en primera sesión. Y también que no sólo no se puede comparar al mejor Malick, ni tampoco a Tarkovsky o Angelopoulos, sino que hay que compararlo con el peor Oliveira. Pero bueno, si alguien quiere arriesgarse, ya somos mayorcitos. Sólo si te gusta levitar sobre el vacío, especular sobre naderías o estás completamente autoconvencido de que vas a ver una obra maestra te puede gustar esto. Si eres una persona racional y poco dada a la metafísica de cantina, seguramente tendrás mejores opciones en la cartelera.

Esta es mi crítica número 200 y siempre lo será. Es por eso que quería dedicársela a una película de la que pudiera decir algo realmente elogioso y la afortunada es "Il divo".

La primera república italiana murió sepultada por una avalancha de corrupción en grado superlativo, de la que realmente el país nunca se ha llegado a recuperar. La formulación de un nuevo sistema de partidos ha derivado en un caos, con dos grandes entes: la derecha berlusconiana y neofascista y un centroizquierda a veces aglutinado alrededor de las cenizas del historico partido comunista italiano, ahora denominado partido demócrata. Además cada ente está densamente poblado por los restos humanos y partidistas del viejo sistema, lo que aplasta las posibilidades de la política italiana de salir de su tumba (aunque la esperanza es lo último que se pierde...).

Así las cosas, dedicar una película a Andreotti no es cualquier cosa, vendría a ser lo mismo que dedicársela a Berlusconi. Andreotti fue uno de los grandes pilares sobre los que se articuló un sistema político enfermo, acosado por la falta de verdadera pluralidad política, el terrorismo y la mafia, pero dominado por personas que no tenían reparos en moverse en aguas turbulentas ni en confrontarse por medios ilícitos con rivales y enemigos. Andreotti fue uno de ellos y para abordarlo, necesitamos de un director capaz de enfocar correctamente su figura, de un guión capaz de diseccionarlo y de un planteamieinto visual que subraye su singularidad.

Así las cosas, a pesar de sus personalísimo e incluso paródico enfoque, la tentativa se salda con un exito total, ya que Sorrentino consigue desgranar los elementos esenciales del asunto. No se logra una película rotunda, porque el enfoque no es lo bastante ambicioso, pero el resultado es muy bueno, refrescante y sin duda interesante. Mención a parte merecen las numerosas frases inolvidables puestas en boca del personaje principal.

Y todo lo dicho tiene sentido solamente desde la mirada al presente. Un presente político, el de 2008, dominado por una decadencia política tan explícita como evidente para todos los italianos, que hasta 2011 no ha hecho más que agrandarse. Es una película para italianos que conocen bien su historia reciente, a los que se puede refrescar la memoria como lo hace Sorrentino. El lenguaje un tanto bufón y burlesco es la única manera de explicar la historia política reciente de Italia sin caer en el psicodrama colectivo o en una depresión rotunda, puesto que con todo lo que ya ha caido, ¿cómo les puede gobernar quien les gobierna?

Recomendación: interesantísima, hay que verla.

Ser un director talentoso no comporta que puedas jugar con cualquier elemento de cualquier manera y elevarlo a la categoría de arte. En este sentido, los saltos en el vacío y las luchas imposibles con arma blanca son un material sensible, que si ha de servir de argamasa de una película, requiere de la máxima precisión y acierto en su uso. Yimou, cuando hizo "Hero" se propuso introducirlos a mansalva y montarlos en una película de vocación poética. Y lo que le salió una obra reiterativa, lastrada por sus excesos coreográficos y que por pretender hacer algo distinto acabo resultando muy pretenciosa.

A pesar de que el trabajo gustó, parece que nuestro director es sabio y con "La casa de las dagas voladoras" llegaron las rectificaciones. La acción se aplicó en dosis mucho más moderadas, así como menos prolongadas, y quedó mejor relegada a una historia de cierta épica. También fue objeto de un trato más cuidadoso. El resultado fue una película más ágil, con menos aspiraciones pero mejor acabada y más redonda en su propósito.

Pues todo esto para decir que "La casa de las dagas voladoras" es una pélícula que está bien, que se ve con gusto y que aunque ofrece algunas dudas, es convincente en casi todos sus aspectos. Los excesos de la fórmula de los malabares imposibles son bien canalizados aquí hacia una historia de amores y heroicidades, que creo que resulta convincente y ciertamente más amena que su predecesora "Hero". También el juego de colores cinematográficos se sitúa un paso por delante de la mencionada y es por todo ello que éste me parece un trabajo interesante y satisfactorio, así como altamente recomendable.

Simpatizo bastante con las actuaciones de Bruce Campbell en la saga de Posesión Infernal, tanto por la manera como están construidas dichas películas como por la aportación específica de nuestro amigo. No obstante, ni siquiera la mitificación que algunos seguidores puedan haber hecho de este actor justifica semejante despropósito, que incluso me cuesta entender que sea del agrado de los fans de Campbell. La película es incalificable, escasamente divertida y el rendimiento del acto muy inferior al de sus trabajos mas memorables.

En resumen, esto es una payasada bastante infumable.

Excelentísima comedia negra la que nos ofrecen los cines este mes de los directores Mariano Cohn y Gaston Duprat. Una película en que se agradecen tanto el buen trabajo del reparto, como la cantidad de elementos que enriquecen la película y la enorme calidad de los textos que la componen. De su contenido no hay mucho que añadir a la descripción ofrecida en esta web, pero hay que insistir en lo magistral del desarrollo de la misma. Sin embargo cuesta no insistir en el gran duelo de los dos protagonistas: ambas bordan sus respectivos papeles y dan credibilidad a una historia tan insólita como posible, en un mundo egocéntrico y antisocial como éste. Tampoco me puedo marchar sin reiterarme en lo de los pequeños detalles: en la película tienen su espacio tanto momentos de una sutileza visual impresionante, como composiciones que aunan espacio, actuación y diálogo de modo soberbio. Es tanto el todo como las partes lo que hace de esta película un muy buen trabajo.

La recomendación es, pues, que la veais y la disfruteis.

No dudo que "El desencanto" tuvo su impacto en los tiempos en que vio la luz. Para una sociedad que accedía progresivamente a productos culturales exteriores u homologables a lo que ya se hacía en la década de 1970 en el extranjero desde hacía años, "El desencanto" pudo ser un paso que nos acercaba al cine europeo de la época. Sin embargo creo que debe hacerse balance de lo que representa hoy en día y sinceramente me parece que no pasa de ser un subproducto, con cierto valor histórico y escaso interés cinematográfico.

En efecto, en nuestro presente, "El desencanto" es un documental bastante aburrido donde se mezclan las sandeces mentales de la familia Panero con un desglose de intimidades familiares perfectamente exportables a un programa de telebasura. Digo esto con mi respeto hacia todos aquellos que consideren que las pajas mentales de los hermanos Panero resultan apreciables, pero no las comparto.

En definitiva podrá ser un trabajo apreciable para cronistas de una época y estudiosos o amantes del documental, puesto que como proyecto y puesta en escena es loable. Lástima que el contenido sea un poco infumable.

Distanciándome del sentir general, no creo que "¡Vivir!" sea uno de los grandes trabajos de Yimou, sino que lo sitúo lejos de sus mejores obras de los años 1990 ("La linterna roja", "Ni uno menos"...), en mi opinión muy apreciables, y mucho más cerca de su bastante negativa evolución posterior.

La película traza un retrato familiar con un arranque excelente y una muy buena elaboración de su primera parte, enmarcado en los años anteriores a la victoria de Mao en la guerra civil China y a la formación del régimen comunista. A partir de ese momento, la película evoluciona incomprensiblemente hacia una parodia con tintes trágicos, que le deja a uno confuso y contrariado. Son tales los esfuerzos por vincular la trayectoria familiar a los abusos del régimen chino, que todos los elementos desgraciados que se suceden en el film tienen como explicación dicho régimen. Y es tal el contraste entre una primera parte de la película en que la responsabilidad individual es la causa de la desgracia familiar, y la segunda, donde dicha responsabilidad siempre está mediada por el poder comunista, que Yimou acaba perdiendo el norte argumental y deja a sus personajes completamente desamparados. Y si a ello, además, sumamos el tono paródico, desequilibrado y falto de realismo con que presenta el comunismo chino, lo que acaba quedando es una película con demasiadas debilidades.

A pesar de todo, creo que es un trabajo que puede verse, ya que los aspectos más positivos del cine de Yimou también están allí, si bien resultan mucho más apreciables en historias más desprovistas de lastres innecesarios y mejor cohesionadas.

Nadie le puede negar a Yimou talento cinematográfico ni buen gusto tras la cámara. Lo ha demostrado ampliamente, sobre todo en las primeras obras de su filmografía, donde creo que alcanzó su mejor nivel como director. Después, ciertas innovaciones me dejan absolutamente frío.

Éste es el caso de Hero, película muy sobrevalorada ante lo que es un claro atracón de coreografías más largas que bellas, más aburridas que intensas, más forzadas que fluidas. A ello hay que añadir un argumento de fondo bueno, pero ni especialmente bien contado ni explotado y que en algunos momentos resulta cansino.

Si no existieran numerosas obras orientales que han explotado magistralmente los silencios, los colores, el movimiento y otros alicientes esenciales de la película de Yimou, estaríamos ante algo al menos innovador. En cambio, nos encontramos ante un trabajo tan exagerado como demasiado visto para ponerle una buena nota. Zhang lo puede hacer mucho mejor.

Por lo demás, a los interesados en las guerras entre los reinos para la unificación de China, les recomiendo "El emperador y el asesino", de Chen Kaige, obra mucho más fascinante y redonda que ésta, con enormes cualidades también en el apartado visual.

Los primeros años de la década de 1980 son conocidos por ser los últimos del antagonismo entre las democracias occidentales y los países del socialismo real. Con el despliegue de misiles SS, la ofensiva soviética sobre Afganistán y la llegada de Ronald Reagan al poder, se vive un recalentamiento de las relaciones entre ambos mundos, que desemboca en el último episodio de la guerra fría y que concluirá con la llegada de Gorbachov al poder.

Es en este mundo donde se ubica este thriller de espías, que desde la demasiado osada pretensión de explicar en términos de espionaje las reformas iniciadas por Gorbachov en el Este, nos hace viajar por una historia de espionajes y personajes. Los protagonistas, un coronel ruso representado por un excelentísimo y ciertamente principal valor de la película Emir Kusturica, y un ingeniero francés que mediará entre él y las altas instancias políticas de Francia y Estados Unidos. A pesar de contar con algunos eslabones débiles en la concepción de la misma, que restan credibilidad a la trama, se trata de un trabajo muy disfrutable, marcado por una magnífica dirección y notables interpretaciones.

El talento y el buen gusto tras la cámara se dan cita en este film, por lo que ofrece una buena razón para acercarse al cine en agosto. Que nadie espere la película de espías de su vida, sino una película inspirada, bella y de clara concepción europea. Sinceramente recomendable y con más cualidades que defectos.

No son obras perfectas las últimas películas de Harry Potter, pero todas ellas me han interesado y en todas ellas he apreciado un esfuerzo por hacer las cosas bien. Dicho esfuerzo vuelve a apreciarse en la última entrega, que vuelve a tener elementos discutibles, pero que globalmente no me deja un mar sabor de boca.

Tres cosas hay que me gustan de ella. En primer lugar, la puesta en escena, a mi entender impecable como viene sucediendo desde que Yates tomó el mando de la saga. En todo momento la cámara se mueve en enfoques, colores y texturas de gran riqueza visual, que hacen de la contemplación del trabajo una delicia. En segundo lugar, los textos, bien casi siempre y casi siempre bien pronunciados, en especial por parte de los más veteranos de la función. En tercer lugar pero no menos importante, el notable respeto al equilibrio de género, es decir, al peso que las mujeres también juegan en el film, ya sean "buenas" o "malas". Y, finalmente, destacar que una vez más la película logra transmitir el que estamos en un mundo de fantasía, de brujería y de hechizos y cómo podría ser realmente ese mundo.

Estos elementos constituyen realmente las bases de cualquier buen film y suelen fallar muchísimo en el cine comercial, pero no aquí. Otros elementos del cine comercial, como las escenas de acción, resultan mucho más convencionales y hay a veces excesivas concesiones al libro original, como en la recreación del final (esto último a pesar del recurso a introducir ciertas divergencias por parte de los guionistas, a mi entender afortunadas para respetar el tempo de la película).

En definitiva, película bastante recomendable siempre y cuando se hayan visto al menos las tres anteriores entregas, en donde la heroicidad de Harry Potter encuentra su culminación.

He de reconocerlo: yo a "Cisne negro" le pongo muy buena nota. No se puede decir que sea una agradable sorpresa, porque en su día fue ampliamente presentada y ya prometía mucho desde su primer trailer. En este caso se trata de una película que cumple con lo que promete y que en modo alguno puede decepcionar a cualquiera cuya trayectoria cinematográfica vaya más allá de Torrente y Transformers. Sus gracias son muchas. La empiezas a ver y dices: "A ver si no va a estar bien", pero como si de una bebida gaseosa se tratase, mejora a medida que la agitas y aumenta la tensión, de modo que al final acaba surgiendo tanto una magnífica película de danza como un gran relato entre terrorífico y desquiciado.

Lo que más me fascina es lo bien que encajan todos los elementos. Hacer una película de danza es muy difícil, excepto si te limitas a reproducir fragmentos, pero aquí Aranofsky logra insertarla a la perfección en el argumento, formando con él un perfecto engranaje. Natalie Portman, actriz que a mí siempre me produce sensaciones contradictorias, también acaba entrando perfectamente como el pie de Cenicienta en el zapato de cristal. El resto de actores, cada uno en su papel, también lo bordan, con especial mención para Vincent Cassel. Y finalmente el lado tenebroso del film tambien se integra maravillosamente en el entramado, formando una historia fuertemente perturbadora, repleta de imágenes inolvidables y que no puede dejar indiferente a nadie.

Ciertamente nada de lo anterior hubiera sido posible sin contar como telón de fondo con uno de las mayores obras de danza clásica de todos los tiempos, "El lago de los cisnes", cuya entidad musical y riqueza visual nutre y enaltece la película de manera majestuosa. Me encanta que nada sea aquí la excusa para hablar de otra cosa, sino que todo se muestre tan bien entrelazado.

Por lo tanto, no escatimaremos con la nota. Magnífico trabajo de Aronofsky, sin duda el mejor de todos y muy superior a la mayoría. Lo que se anunciaba en PI y empezaba a fructificar en "La fuente de la vida", por fin ha brotado. ¡Bravo!

Este hombre ha hecho tanto cine que a los adoradores del libertario no se le acaban las películas. Ésta estaría en el grupo de las malillas, pero ya aviso a los adoradores que a mí sus mejores trabajos no me parecen tan maravillosos, de modo que lo que yo diga tampoco tiene mucho interés para fanes.

Yo a Eastwood siempre le veo el problema de que es un tipo a medio cocer, un tipo que siempre se queda a medias, nunca acaba de dar con el punto de cocción a sus filmes porque el siempre va pasado de sal. En este caso el libertario nos presenta una trama imposible, llena de personajes imposibles, empezando por él haciendo de galán con todos esos años que ya llevaba encima y no especialmente bien llevados. Prosigue con la tentativa de evitar una ejecución, como el nombre de la película indica, donde una trama que por sentido común exigiría algunos días en la película se realiza en horas. La historia además se desarrolla sin demasiadas ambigüedades, con personajes muy planos y con un rumor de cierto drama personal de fondo que nuestro protagonista se pasa por el forro como si de un Chuck Norris de la vida se tratara.

El que si que está genial es James Woods, con diferencia el personaje más carismático y con un texto con el que te partes, como mostrando que nada de lo que está pasando puede ser tomado en serio.

En fin, película para un aburrido domingo tarde y gracias, pero yo recomendaría mejor dedicar tiempo a un libro o a un diario. Es más enriquecedor.

Inolvidable secuela de una gran primera parte, que transcurre por senderos muy distintos de su predecesora. Fabricada por el todavía por aquel entonces magnífico Frankenheimer, aterrizó está incomprendida y menospreciada segunda parte, que se aleja de la acción policial para penetrar en el interior del ser humano. El olfato de John no falló al otorgar todo el peso de la película al entrañable Popeye, alias Gene Hackman, quien no sólo hace un enorme papel sino que nos presenta una de las mejores caidas en el infierno que se ha mostrado en el cine en relación con las drogas.

Lo mejor es olvidarse de la primera parte y disfrutar de su sordidez, de su miseria, de su oscuridad. Porque esta película no decepciona ninguna de las veces que vuelves a ella.