En este trabajo especialmente focalizado en el actor Patrick Stewart, tomamos contacto con un drama en que se encuentran la vejez y la pérdida, tanto de facultades como de personas.

Al actor le sienta el personaje como un traje a medida y todo gira alrededor de él. La imagen es exquisita y el sonido gozoso, gracias a las composiciones clásicas que suenan a lo largo del film.

Más en la superficie se queda la personalidad de los personajes y el porqué de todo lo acontecido, que queda dibujado de forma suficiente, pero sin el brillo de otras grandes películas.

El cine es en el 99,9% de los casos una tentativa de narrar una historia de forma consistente, es decir, generando un relato en el que una serie de causas derivan en una serie de efectos sobre los que se sostiene una narrativa donde todo parece suceder de manera coherente, por mucho que intervengan elementos de ficción o fantásticos. Cuando ello no sucede de ese modo, se corre un enorme riesgo de incomodar al espectador y ese es precisamente el riesgo que ha asumido Aronofsky.

En una película en la que las imágenes dicen más que las palabras Darren traza un relato fantástico que se desliza progresivamente desde un crisol de relaciones incómodas hacia un conjunto de fenómenos irracionales. Los fenómenos irracionales no son frecuentes en el cine ni en la television y son pocos los autores que salen vivos tras utilizarlos. Un buen ejemplo de ello es David Lynch, que no siempre recurre a lo irracional pero no le hace ascos y lo articula a menudo de la mano de enfoques oníricos.

Lo irracional no tiene sentido explicarlo, porque no puede explicarse mediante argumentos racionales, es mejor verlo, pero desde el convencimiento que no hay que buscarle correlaciones argumentales que le den sentido. La trama de la película es muy evidente cual es y lo es desde el minuto uno, pero solo es trama en tanto que marco donde se construye esta película y donde se evidencía un articulado argumental que sirve de caparazón para cobijar lo que en la película sucede. Lo que ocurre después, la escalada exponencial de elementos que conducen hacia el climax final carecen de explicación logica, es el reflejo de una serie de ideas inconexas por su naturaleza.

Dicho todo esto, lo que aquí tenemos es un trabajo que se aleja de los esquemas narrativos convencionales pero que esta lejos de ser una gran obra, ya que por un lado el uso de lo irracional está muy explotado tanto en el cine como en la literatura, y por el otro, no es un trabajo que despierte grandes respuestas emocionales, ni que sea especialmente disfrutable cinematográficamente.

Es pues una película que no está mal, gracias al esfuerzo sobre todo de sus actores, pero que a pesar de sus elevados objetivos no acaba de llegar, ni de llenar el alma del cinéfilo.

En "Black Panther" nos habían prometido toda una serie de novedades socioculturales, que iban desde la hegemonía afroamericana entre los actores y actrices participantes, hasta su posicionamiento feminista y su viaje a la cultura africana.

Vista la película, el resultado nos muestra que esos ingredientes son puro carton - piedra: una fachada para vestir un mediocre film de aventuras, que ni tan siquiera destaca en sus aspectos más superheróicos. En el incesante declinar de las películas superheróicas solitarias, nos llegan últimamente algunas que convencen medianamente (Strange) o mayormente (Ragnarok) y las que no convencen ni gota, porque no tienen nada interesante que contar y esta es una de las segundas.

Empenzando por el tratamiento de las tradiciones africanas, digamos que es de vergüenza ajena: está tan lejos de hacer justicia a la realidad como Indiana Jones de hacérsela a la arqueología. La única perspectiva antropológica que se ha tenido aquí en cuenta es la de como poner a hacer cola a la gente en la taquilla.

El mensaje feminista no sale tan mal parado, en la medida que es innegable que las mujeres cobran un gran protagonismo en el film, tanto en número como en personajes clave, pero no es ni mucho menos para tirar cohetes. En ningún momento logran romper su techo de cristal natural: al final son solo mujeres que giran alrededor del protagonista y de su antagonista, y de hecho las personas que en la película ostentan algún poder político son todo hombres. Si, amigas, si os chirriaba algo, era eso...

En cuanto a la película, pues sí, como película de superhéroes y de acción es terrible, aburrida hasta decir basta y montada con pésimo gusto. Los pocos actores destacables que aparecen no logran en ningún momento dar algo de tensión a la historia más allá de los primeros 15 minutos, que son con diferencia los mejores, y cuando la historia pasa a centrarse en el bueno de Chadwick, el sopor se apodera del espectador. Más aun con ese enemigo tan tópico que le han puesto delante...

Y más allá de esto, pues comentar que todo esto no deja ningún legado, es un elemento perfectamente prescindible del relato cinematográfico marveliano. Si al menos fuera divertida, pero es que ni eso...Ni las escenas postcréditos se salvan...

Deadpool 2 es un desastre cinematográfico completo, hasta aquí la idea general que sustenta esta crítica.

El porqué es es algo que puede apreciarse a lo largo de un metraje donde prima sobre todo la vulgaridad, la idiotez, lo escatologico y, en general, la cutrez. Es lo más parecido a 'Torrente' que ha dado el cine USA, pero con menos gracia, que ya es decir. Una pena que a Reynolds y Leitch les hayan dado barra libre para profundizar los rasgos más deleznables del primer film e intentar conseguir un éxito de taquilla con este exabrupto cinematográfico.

No me voy a alargar mucho. No vale la pena valorar ni el argumento inexistente, ni unas interpretaciones lamentables (con la excepcion de Zazie Beetz, que realmente se lo curra un poco), aunque si que he de decir que a Brolin le ha sentado fatal quedarse sin maquillaje lila. Si veis la película y os parece que el problema lo tengo yo, que carezco de sentido del humor o de sensibilidad para apreciar una parodia o una gamberrada, os diré que os equivocais: el problema será vuestro por comeros eso y pensar encima que está bueno o que está guay, cuando además resulta bastante asqueroso.

Mi recomendación es que no vayais a verla y que enterremos bajo siete llaves esta aportación de una major como 20th Century Fox, que habría hecho un inmenso favor al mundo cerrando sus aportaciones superheróicas con "Logan".

Y si vais, el consejo es que después de las escenas con los yakuzas os echeis una buena siesta y no desperteis hasta los títulos de crédito, que es donde aparece lo poco aprovechable de la película.

Infinity War es perfectamente predecible en lo que ofrece: un enorme entretenimiento con la marca inconfundible de la Casa de las Ideas cinematográfica. Los estilos habituales y los lugares comunes siguen ahí, inmutables, decenas de peliculas después, a los que ponen rostro unas caras muy conocidas.

Los puntos fuertes se encuentran en el conjunto, en la confeccion de una enorme Space Opera que transita por mil lugares que son objeto de una gran recreación: la enormidad de la producción queda bien reflejada en la grandiosidad de la escenografía espacial. También en la consumación del triunfo de unos efectos especiales que ya no tienen nada que demostrar respecto a su capacidad de recrear las características de los superhéroes. Y finalmente, en la creación por fin de un malvado convincente que aquí brilla con luz propia.

¿Y lo malo? Bueno, un exceso de personajes puestos al servicio del fandom, que en muchos casos parecen más motivo de cameo que de protagonismo. Se agradece no obstante que algunos los que más metraje se llevan sean los interpretados por mejores actores (Downey, Cumberbatch...) o los más carismáticos (Hemsworth, Holland). La sucesión de mamporrazos es también demasiado intensa , aunque disfrutable en general, mientras que en las escenas de frenada y conversación el ritmo se resiente y el sentido incluso se pierde.

Pero, en definitiva, el principal problema que podemos señalar es que la obra, a pesar de que contiene detalles de cierta entidad, no acaba de trascender su condición de entretenimiento superheróico, ni siquiera ante la llegada del Apocalipsis. Pero si les atrae, vayan a verla que no les decepcionará.

A Von Trier le boicoteé el estreno en cine de esta película, por sus muy desagradables e impresentables declaraciones sobre Hitler, por lo que me tocó esperar un tiempo para verla en otro formato y todo lo que puedo decir es que estoy muy gratamente sorprendido de su evolución desde su insatisfactoria "Anticristo".

Von Trier me sabe mucho a Tarkovsky en este trabajo y ese es un sabor que me gusta, por mucho que eche en falta sus reflexiones filosóficas y la extrordinaria profundidad intelectual de las propuestas de aquel director. Ahora bien, también tiene su favor la extraordinaria consistencia interna que presenta esta película, constituida de una primera parte que, de entrada, no sabes muy bien a donde va (pero en donde a pesar de todo abundan las pequeñas grandes cosas) y que es imprescindible para entender la segunda, verdadero centro del film y para mí, parte mucho más perturbadora que conmovedora. Si reflexionamos por un momento en lo que está narrando (lo que sucede y la vivencia de los personajes respecto a lo que sucede) y de qué manera tan maravillosa lo narra, creo que es difícil no considerar esta película como algo grande, llena de esos pequeños detalles que marcan la diferencia entre lo mediocre y la excelencia y que además funcionan como un todo espléndido. Mención a parte merece la "sinopsis" inicial, el tratamiento musical (aunque con Wagner es difícil equivocarse) y por supuesto el genial trabajo de Charlotte Gainsbourg, verdadera piedra angular del reparto.

Y acabaría señalando que no sé cuáles son los sentimientos en que vive inmerso el director hoy en día, claramente afectado por su episodio depresivo, pero si alguien me preguntase que metáfora podría expresar el modo como vivimos el futuro en estos tiempos de activos tóxicos, aumento de las primas de riesgo y amenazas de intervenciones, pensaría claramente en el trio protagonista de la segunda parte del film. Y que me recuerde ese crisol de reacciones y emociones que tales episodios suscitan en nuestro cerebro, me convence del todo para considerar "Melancolía" uno de los grandes trabajos de nuestro tiempo, una de las mejores películas del director (y ya van muchas de éstas) y en fin, nada más que añadir, salvo que no tiene porqué gustar a todo el mundo.

Sin haber leido el libro, que no dudo de que será más interesante que la película, este trabajo transmite la sensación de ser un desdoblamiento. Por un lado, una interpretación de gran altura de Francisco Rabal, metido a pueblerino sabio de sus cosas, que transmite como nadie la España rural, quizás una España un tanto anacrónica, considerando que estamos en la segunda mitad de los años 1970, pero bien expresada y muy reconocible. Por el otro, una película donde unos tipos van a hacer una campaña electoral y dicen vaguedades muy a menudo, mientras que unos flashbacks nos remiten a un presente con dos actores completamente acartonados y sin ninguna credibilidad como personas de vuelta de todo. Y en medio, un Juan Luis Galiardo que intenta, con cierto éxito, estar a la altura de Rabal mientras da algo de credibilidad a ese otro lado de la película en que cada vez que vemos pasar a Lydia Bosch nos sonrojamos pero que no se sostiene mayormente, por superficial y previsible.

Y así transcurre una película que no se sabe muy bien donde lleva, en donde dos actores como Iñaki y Lydia tienden a destrozar a sus personajes, privándolos de toda profundidad, y en la que en ningún momento te acabas de creer que el "descubrimiento" del candidato sea tan grande como para cambiar su vida por completo.

A pesar de todo, pues bueno, se puede ver, pero no forma parte de las imprescindibles del cine español, aunque si de las imprescindibles del Paco Rabal en estado de gracia.

Guédiguian nos ofrece una nueva lección de cine social. Recurriendo de nuevo al modelo francés de protagonistas amables en situaciones complicadas, el brillante director nos situa en medio de un conjunto de situaciones tras las que se esconde muchos elementos de reflexión profunda: el papel de los sindicatos, la actitud de los trabajadores, la exclusión, la violencia social, el rol de las nuevas generaciones... La película nos da la oportunidad de meditar sobre el papel que juega cada uno.

Sin embargo, la reflexión más importante de este trabajo se encuentra en el núcleo de su argumento: ¿Qué hacer cuando la solidaridad entre los de abajo se rompe y tus iguales se vuelven tus enemigos? ¿Cómo reparar esos lazos rotos, en un mundo donde las dinámicas y otros poderes superiores propician su ruptura? Y los protagonistas de Guédiguian darán con la respuesta, encontrarán una solución acorde con su ideología y su visión de lo que es correcto, reconstruyendo la cohesión desde el único punto de vista posible en una situación extrema.

Muy, muy, muy, muy recomendable... Una película esencial en tiempos de crisis.

Con menos tiempo y un esfuerzó más concentrado, Raman Hui saca más partido del personaje y ofrece una buena historia con bastante humor por minuto y momentos bastante logrados Si te decepcionó la película, prueba con esto que igual te gusta más.

Esta versión de Tintín contiene las fortalezas y debilidades que cabía esperar de entrada. En el apartado de fortalezas, un tremendo trabajo técnico, una película de animación que roza la perfección tecnológica. En el de las debilidades, una versión muy light de Tintín, cuyas versiones animadas precedentes superan ampliamente a la versión de Spielberg en capacidad de trasladar el universo de Hergé a la pantalla. Si exceptuamos al perro, uno tiene la sensación todo el rato de que los personajes rinden por debajo de sus posibilidades. Tintín no es capaz de transmitir la brillantez y la genialidad de las historietas sino que se convierte en un personaje de una película de Indiana Jones, más físico y con menos cerebro. El Capitán sólo alcanza a parecerse al original en algunos rasgos, resultando un tanto postizos sus arranques y perdiendo gran parte del carisma que le es propio. Y los agentes son más o menos lo mismo de siempre, aunque aparecen algo desaprovechados.

La cuestión es que a esta película le falta el toque francés, el alma europea que impregna las historias del personaje, una parte que Spielberg se le escapa por completo. El resultado es una película de dibujos animados inconfudiblemente americana, con un nivel superior a la media, pero lejos de lo que podría haber sido con tan buen material entre manos. Este Tintín deja frío a demasiada gente.

"Los idus de marzo" nos aporta muchas cosas positivas, pero sobre todo una puesta en escena meticulosa y un trabajo de los actores verdaderamente excelente. Y sin embargo también tiene un problema, nada pequeño: su falta de profundidad en la trama y su falta de ambición en el retrato de la política estadounidense. Lo cierto es que ambos problemas son dos caras de la misma moneda. Eso propicia que mi puntuación sea muy moderada, sin que por ello la película me haya desagradado. En mi mente está muy cerca del seis pero esa nota la pongo ya a partir de cierto impacto.

Y es que está muy bien asistir a una trastienda muy bien construida de unas primarias y disfrutar del esfuerzo que ponen todos los actores en darle credibilidad, solemnidad y tensión al relato, pero el fondo del mismo es endeble. Lo es porque la secuencia de situaciones y consecuencias que se desencadenan simplemente no cuadra (ver spoiler). Lo es porque las partes de la trama están un poco manidas. Y lo es porque al final no nos queda una reflexión profunda, tan sólo unas pinceladas sobre las dinámicas de la competición electoral, que no nos sorprenden ni nos aportan nada demasiado significativo.

Por lo tanto, yo ésta la considero una pieza de cine político muy menor, por detrás por ejemplo del clásico "El candidato" y no digamos de cosas más clásicas. Agradezco sin embargo su existencia y se la recomiendo a todos aquellos que no esperen nada demasiado grande y que aprecian las buenas interpretaciones.

No podía dejar de resolver la siguiente duda: ¿Qué clase de película podía haber desbancado al que es con diferencia el mejor director español en activo, si "La piel que habito" era brillante"? Resolverla pasaba necesariamente por enfrentarse a "No habrá paz para los malvados", trabajo que no me interesaba en absoluto de entrada. Y bien, pues vista queda...

Creo que la decisión de los Goya sólo puede deberse a los celos y envidias a los que nos tiene acostumbrados el cine español. No me extraña que hasta Santiago Segura se sienta ninguneado, cuando en la gala triunfa una película como ésta, completamente mediocre. Ojo, no digo que sea mala, simplemente que no es buena, que es una más, que es otra del montón, que si de lo que se trataba era de humillar a Almodóvar, podían haber buscado un título más digno del maestro, pero no este thriller con muchísimas carencias, que no pasa de ser una secuela un tanto extremada de la serie "Brigada central".

Quizás sea injusto hacer una crítica bajo la sombra de Almodóvar, pero es imprescindible que nos demos cuenta de donde estamos. Hoy en día el director español más internacional ofrece con diferencia el mejor cine y tiene el derecho legítimo de arrasar en los premios del cine patrio a todos aquellos que no estén al nivel. Y frente a ello, no puede ser que se tome a "los malvados" como espantajo de rivalidad y que para más inri le den el premio. Si me traeis a la mejor Isabel Coixet a hacer una película en España, si me poneis encima de la mesa un buen trabajo de uno de nuestros buenos directores, lo hablamos, pero la versión seria de Torrente con la cara de José Coronado es manifiestamente insuficiente.

De Sacha Baron Cohen sólo se puede decir una cosa: es lo mejor que le ha pasado al humor estadounidense en los últimos años. Gracias a un desparpajo bien utilizado, a su capacidad de acercarse a terrenos oscuros y una inteligencia incuestionable, él es el gran parodiador de las áreas profundas de los Estados Unidos del siglo XXI. Guste más o menos o le pese a quien le pese.

En Bruno nos encontramos con una segunda parte de Borat, con una nueva ridiculización de su sociedad, con momentos de inspiración y otros en que temes por su vida. Y no solamente, también es una puesta en evidencia del papanatismo de esa sociedad, de sus fobias y sus comportamientos patológicos. Sólo alguien de su talento y con su sentido del humor nos podía mostra dimensiones tan lamentables del ser humano y hacernos reir a la vez. Y sólo por eso, le perdonamos que a veces sea tan chabacano.

Sinceramente, es muy recomendable, pero también es imprescindible verla en Versión Original. Si no la habeis visto, ya estais tardando.

"Alicia" se presenta como un nuevo fiasco en la irregular carrera de Tim Burton. Con los medios tecnológicos actuales, se hacía deseable una versión del siglo XXI de la historia de Lewis Carroll y para ello Tim era una correcta decisión en la dirección, pero las cosas no han salido bien por diversos motivos. El primero y más importante, por la orientación de la historia: se pretendía que fuera distinta, pero se ha logrado un argumento que no tiene ni sentido ni interés y que se queda muy lejos de la lógica original de las criaturas con que topa Alicia y las historias en que se envuelve: Alicia no es, no ha sido ni será nunca lo que es aquí, una especie de cazadora de dragones, sino alguien que transita por un mundo absurdo conociendo sus absurdidades. ¿Seguro que Burton se ha leído el libro?

Un segundo motivo de fracaso ha pasado por trasplantar a Deep y Helena desde el Londres de Sweeney Todd, cambiarles de ropa y ponerles aquí como si nada, dejándoles hacer más de sí mismos que de los personajes que les corresponde interpretar, especialmente el primero, en detrimento de quienes verdaderamente son: el sombrerero loco y la reina roja, ambos bastante irreconocibles gracias a lo distorsionado de la historia de Burton. No se trata de que lo hagan mal, que no es el caso, sino que están casi todo el rato fuera de tono.

Que duda cabe además que en la construcción de su obra Burton parece haberse inspirado más en obras de fantasía como "Las crónicas de Narnia", que pese a superarla con creces en el plano imaginativo y en el ejercicio de la actuación, recoge igualmente esa idea de "misión" de la protagonista, tan ajena a los libros de Alicia.

Pero a pesar de todo, hay cosas positivas en esta pelicula. Algunos personajes, como el gato de Chesire, siguen siendo ellos mismos y muestran sus encantos, y Depp tiene algunos momentos inspirados. En algunos pasajes, además, la película se sigue con interés, pero el conjunto creo que se sostiene poco.

Esta película es un homenaje al aburrimiento. Previsible como pocas y sin ningún atractivo relevante, esta muy adrenalínica historia de Conan se convierte desde el primer minuto en un malbaratamiento de recursos y en un rollo monumental. Los personajes no tienen ninguna gracia y el nivel de violencia gratuita que incorpora es sencillamente repugnante. Sin más contenido que el ser una mera representación mala de peleas, el tal Nispel ha conseguido hacer que las predecesoras de Arny parezcan una pieza cinematográfica de primera. Desde luego, Milius, con todas su pretenciosidad, vaguedad y otras cosas desagradables, logró una puesta en escena adecuada y el misticismo necesario. Todo eso aquí brilla por su ausencia. Es mala y remala. No se puede pretender hacer una película oscura tan pobre, pero se encuentra en la peor tradición de ese cine mitológico posmoderno, tipo argonautas, que inunda las salas palomiteras.

¿Que si se salva algo? No, nada. Guión, coreografías, actuaciones, etc. son una misma cosa que empieza por m (y no es "maravilla").

Recomendación: no perder el tiempo ni por curiosidad.

"El topo" podría ser una obra maestra del género si no abusara de la fascinación por la imagen, el movimiento y los silencios. Dichos elementos son cruciales en la creación de una película con aspiraciones, pero en un metraje extenso, sobre el que se diluyen aspectos claves para comprender la trama en toda su complejidad, no deben ser prioritarios respecto al objetivo de contar y dar sentido a la historia. El movimiento, además, implica desplazamiento, recorrer algo, pero son muchas veces en la que tanto movimiento hacia ninguna parte puede distraernos en este trabajo y alejar nuestra mente de la película, así como los saltos hacia adelante y hacia atrás, que bien pueden descolocarnos.

Eso es todo, y no es poco, lo que recriminamos a Alfredson, pero no por ello hay que dejar de ir a ver este atractivo trabajo, en el que disfrutamos de un brillantísimo y genial Gary Oldman como actor principal. Un placer, éste, que se nos niega demasiadas veces porque raramente ocupa el papel central o porque cuando lo ocupa, forma parte de películas entre regulares o peor que regulares, como "Drácula" o "Bosque de sombras". Y no solamente él: todo el reparto actua con una sobriedad y elegancia digna del mejor cine europeo, desde Colin Firth hasta incluso el sobreactuado Mark Strong.

Además, si creo que hay abuso de recursos en la construcción del film, también creo que hay momentos absolutamente geniales, como su final. Y es que hay mucho cine en este trabajo, cine con muchos galones, que se acerca mucho a la genialidad pero al que creo que le falta un poco para acabar de brillar y le sobran un par desaciertos. Aun así, nadie es perfecto, no se lo tengamos en cuenta al director y disfrutemos del trabajo.

Con un tipo como el Capitán América se podía haber hecho una película vergonzosamente patriotera y en la que el sueño americano resonara por todas partes, siguiendo la estela de tantas historias en las que este abanderado ha sido protagonista. Sin embargo, el bueno de Joe Johnston optó por priorizar la aventura sencilla y sin estridencias ideológicas, incluyendo incluso un cierto tono paródico hacia los aspectos más pronacionales del personaje, al convertirlo durante buena parte del rodaje en una vedette y no en un aventurero.

Gran acierto, pues, éste, al que se suma el buen gusto en la elección del actor principal (adecuado Chris Evans), de los actores complementarios (perfectos Jones y Weaving para alcanzar un poco de nivel) y en la propuesta general de una película de aventuras, que no pretende ser más que eso. El buen criterio de optar por estos ingredientes y no por otros salva al primer vengador de la quema que calcinó a Thor y de la que también se salvó Iron Man por idénticos motivos.

A pesar de excepciones vergonzosas como el mencionado Thor, las películas de superheroes recientemente estrenadas acaban siendo un cine palomitero estándar, pero que no molesta y ayuda a pasar la tarde. No es un gran argumento para acudir al cine, pero menos da una piedra. Y se agradece enormemente que la haya llevado a cabo un tipo que ya ha demostrado ser capaz de hacer películas y que se las toma razonablemente en serio.

El final del siglo IV y el inicio del siglo V son periodos tumultosos para el poder imperial romano. Los ejércitos imperiales sufren para contener el avance de sasánidas y germánicos, mientras que la vida interior del Imperio se ve sacudida por profundos conflictos religiosos, que se saldarán con la hegemonía del Cristianismo, una vez que el poder imperial abrace inequívocamente dicha religión.

En ese contexto hay que situar la figura de Hipatia y el tratamiento que de ella hace Amenábar. Un tratamiento biográfico que tiene mucho más de cinematográfico que de histórico, lo que nos proporciona una aproximación bastante imaginaria a una figura histórica, que sin embargo se completa con una tentativa mucho más fidedigna de ilustrar de los conflictos interreligiosos de finales del siglo IV. Sin duda lo mejor de la película es el tratamiento que Amenábar da a los mismos. Lejos de la aproximación maniqueista que le atribuyen algunos, Amenábar sitúa a todas las religiones del momento como desencadenadoras de violencia, aunque lógicamente la que se vuelve hegemónica es la que se desencadena en mayor cantidad y se vuelve contra la protagonista.

Presentado ese mérito, entramos en los problemas. Alejandro realiza un importante esfuerzo escenográfico, pero ello no nos libera de una cierta sensación de tedio que abarca casi todo el metraje. Los personajes no están, en ningún caso, a la altura del relato y ni siquiera la figura de Hipatia parece tener el empaque suficiente que una película como ésta exige, en parte porque Weisz no es lo bastante actriz para brillar con un personaje tan poco trabajado. El resto del personajes se muestran también un tanto ligeros, producto de un guión de poca altura y de su escaso desarrollo. Esa sensación viene reforzada por el abuso de la gestualidad, un recurso que el director no deja de utilizar y que va en detrimento de un texto mejor trabajado. Tampoco el montaje de la película es precisamente para tirar cohetes.

Total, que a pesar de su cierta capacidad para relatar conflictos religiosos, Ágora acaba siendo un trabajo poco sugerente y bastante olvidable, con elementos de digestión fácil pero con poco sabor.

Recomendación: prescindible aunque puedes verla si te apetece.

Con Loach sucede que cierto sector de la crítica suele ser adverso a los planteamientos de sus películas, a veces con justicia por los sesgos que se aprecian en los mensajes de ciertos trabajos, pero sobre todo por su perfil netamente crítico y claramente próximo a un tipo de izquierda tan escasa como incómoda. De aquí que se trate de la película que se trate, surge siempre una tentativa de menoscabar sus logros, de ignorar su relevancia entre los estrenos semanales y de buscar cómo cuestionarla, ni que sea recurriendo a argumentos banales.

Bien, pues mi consejo es que el público ignore a los críticos profesionales y se acerque con interés a esta obra, pues se trata de un muy buen trabajo cinematográfico, aunque ciertamente desolador. De manera muy descarnada, el cine de Loach no transporta esta vez a los transfondos de la ocupación iraquí; no acerca a los ridículamente denominados "daños colaterales", y nos muestra a las claras la conducta criminal con que ciertos sectores de los países desarrollados se comportan en ese conflicto. Al mismo tiempo, Loach nos habla del precio que deben pagar aquellos que se ven inmersos en la violencia iraquí, que tanto se cobra en secuelas físicas, como psíquicas o vidas perdidas.

Con Loach prosigue el crudo relato de nuestro tiempo, un tiempo de oscuridad que poco tiene que envidiar al recientemente superado siglo XX y en el que a medida que avanzamos, no sólo desaparece el optimismo hacia lo que podemos llegar a ser, sino que comprendemos que las cosas van a ponerse peor. Sólo si sabemos donde estamos exactamente tendremos la oportunidad de romper esa tendencia. Y algunos como Loach nos ayudan mucho a conseguirlo.

"Alejandro el Grande" es una película excesiva en casi todos los sentidos: en lo que se propone evocar, en la grandilocuencia con que se expresa, evidentemente en su duración... "Alejandro el Grande" es además un gran puzzle, del que por mucho que juntes piezas no alcanzas a formarte una imagen global, sólo pequeñas imágenes dispersas sin piezas que las entrelacen.

No se nos escapan los elementos claves: que si los movimientos sociales, los procesos revolucionarios, las derivas autocráticas... Una vez más vemos los procesos históricos del siglo XIX-XX bajo la cámara del director, pero francamente con escasa profundidad y poco sentido. Mucho lenguaje gestual, mucha propuesta formal, pero escaso contenido, escasa capacidad y muy pocas ganas de conectar con el espectador. Éste sólo puede aplaudirle si es un seguidor acrítico de su director o alguien honestamente fascinado por una propuesta que fascinará a muy pocos. Angelopoulos sin duda atesora méritos suficientes para generar adhesiones inquebrantables y lo admiro por los logros de muchas de sus películas, pero precisamente por eso, en mi caso, creo que he de ser crítico e intentar separar el grano de la paja. Y aquí hay paja, mucha paja.

Recomendación: no justifica que le dediques más de tres horas de tu vida salvo si quieres saberlo todo de este director o te interesa especialmente por algún motivo.