"Me llamo Nieves y nunca he pisado la nieve".
"Me cago en mis estudios".
Pregunta al viento ¿Por qué una película como esta no ha llegado más lejos en premios y festivales? Tiene ingredientes suficientes como para agradar a diferentes tipos de público y edades, sobre todo del mundo rural.
Rodada en la vega de Granada, refleja extraordinariamente, para ser una ópera prima, una sociedad y un tipo de vida en decadencia y próximo a desaparecer: Las familias que han vivido del secado y cultivo de las hojas de tabaco.
La película se desarrolla cronológicamente durante unos días de verano (se desconoce de qué año, ya que no hay referencias en el film) en la vega granadina, que la directora conoce perfectamente, o sea que tiene tintes autobiográficos.
Desfilan de manera realista, con algunos ingredientes de realismo mágico (que gira alrededor de esa criatura que gime y deambula por los alrededores de los secaderos, a la que solo ven y oyen los niños, salida de alguna película de Hayao Miyazaki), muchos personajes de diferentes edades, representados por Nieves y Vera.
Hay momentos en que la película refleja momentos costumbristas: el crucigrama y las cerezas, la recogida de las hojas secas del tabaco, el baño y los juegos infantiles, los 5 abueletes divirtiéndose con el joven tirador de flechas, las comidas familiares, los diálogos de las chonis, los abuelos...
Algunas escenas están filmadas con nervio, mientras que otras adolecen de interés y se dejan llevar por cierta inercia narrativa.
Rocío Mesa posee talento en el guion, aunque le falta quizás más mala uva crítica social, administrativa, laboral, familiar, política; solo realiza bocetos de algunos de los conflictos: las relaciones entre Nieves y su novio, el diálogo de Miguel y el padre de Nieves (filmado desde el interior del secadero hacia el camino exterior en un único plano), el padre de Nieves criticando las urbanizaciones que se van acercando inexorablemente a los secaderos...
Es una película rural que destaca sobre todo en el cariño de las relaciones familiares y de amistad, que, curiosamente, se parece en su temática a "Alcarrás", además, de haber sido rodadas en el mismo año.

"Capaz o incapaz?" es una comedia romántica rodada íntegramente en exteriores de Villajoyosa (Alicante), en la que su director, guionista y protagonista, Oliver Reaza, se monta un Juan Palomo cinematográfico.

Tras sus escarceos como actor en algunas populares series españolas y sus primeras incursiones tras las cámaras: videoclips, una webserie con dos temporadas ("Los Oliver's"), visible en Youtube, como un documental ("Soldado callejero"), y una previa película, todavía pendiente de estreno ("El caso 154"), Oliver Reaza debuta en los cines con esta película, seleccionada para concursar en el 20 Festival de Cine de Alicante en junio.

Es un largometraje que contiene un largo flashback, que se inicia con risas en sus primeros compases y alguna carcajada y que sigue un crescendo familiar que nos lleva a la emoción contenida de sus últimos fotogramas. Está dirigida a todo tipo de público adulto, sin distinción de género, desde los 18 hasta los 70 años.

Trata temas muy heterogéneos: el amor interesado, el amor verdadero, las relaciones familiares, algunos afanes (el de ser padre, el de ser buen hijo), la amistad, las crisis existenciales...

Os la aconsejo por la frescura de sus diálogos, por el colorido de sus imágenes (se nota que fue grabada en verano) y la vitalidad de sus personajes.

Modernilla película con la que debuta Álex Lora, hasta ahora director de documentales y cortos. Rodada en catalán (con muy buena dicción por parte de los actores, aunque a veces la música, como pasa en tantas películas, no deja oír adecuadamente algunos diálogos, menos mal que venía con los subtítulos en castellano) durante la inauguración del 7º Skyline de Benidorm, tras la presentación realizada por uno de los productores, Miguel Molina, y uno de sus actores Alejandro Pau.
Es una película contemporánea que se desarrolla en la capital catalana y en interiores: Las casas de algunos personajes (sobre todos las camas) y algún pub o semivista discoteca y algunos exteriores en el campo (ese extraño cumpleaños inicial de los abuelos de Guillem, el chico con el que convive inicialmente Isa, la protagonista que poco aporta al desarrollo argumental, a no ser para ver las dotes de la protagonista fotografiando con su cámara del móvil trozos de un parral a corta distancia). Destacaría la gran dificultad de empatizar con ninguno de los personajes que pululan por su metraje, sobre todo con ese ausente padre, al que solo escuchamos en varios momentos de manera negativa. Isa ( Greta Fernández ¡qué gran dificultad de papel!) deambula por espacios y cámaras de móvil, y a la cual seguimos a través de los fotogramas como gran protagonista del film, saltando de cuerpo en cuerpo, todos fragmentados, buscando un improbable asidero no emocional ni amoroso ni amistoso ni físico ni maternofilial...
Algunos personajes no acaban de perfilarse adecuadamente. Echamos en falta algún exterior de ubicación, quizás no había ningún dron a mano. Hay muchos planos cortos, muy pocos generales, que encajonan a una atribulada Isa. El montaje de transiciones a veces es demasiado abrupto
Eso sí, al salir de la película, algunos espectadores debatimos sobre la película, sobre que aporta muchos conflictos problemáticos y pocas soluciones, quizás la soledad a la que van abocados todos los personajes, tanto masculinos como femeninos y en la que parecen sentirse cómodos, como esa madre, tan bien interpretada por Nora Navas.
Destacaría la escena en la que el personaje que interpreta Pablo Molinero, movido por el alcohol y suponemos que por las drogas, se desnuda en cuerpo y alma ante sus trabajadores, que forman un corro a su alrededor, para moverlos a que sientan vergüenza ajena. Es una película incómoda para visionar, supongo que debido a la incapacidad del espectador para empatizar con los personajes y su temática, lo cual me hace dudar que tenga mucha salida comercial.

En los años 50 el director George Sherman realizó más de una decena de películas del oeste, cuya temática generalmente se caracterizaba por la defensa del pueblo indio o el conflicto dialéctico entre nativos y ocupantes del territorio del oeste norteamericano.

Este film posiblemente sea su mejor película de esa época. Tiene una narrativa muy fluida (81 minutos) y con tres escenas que sobresalen: 1-La inicial con la entrada del protagonista (Un sobrio Guy Hamilton, con el que Sherman volvería a colaborar un año después con "Un hombre duro") en Kendall, ese pueblo aparentemente fantasmal, de hecho en los primeros 3 minutos solo oímos el ladrido de un perro y los cascos de su caballo. 2- El inesperado giro de cámara frontal en una escena de primeros planos entre Guy y Felicia Farr (Katherine en el film) en su segundo encuentro, tras salir de la casa de su padre. 3- Un maravilloso plano picado en zoom del protagonista quitándose la cuerda del cuello mientras se alejan los personajes que ante lo rodeaban.

El argumento, con ligeras variaciones (temporales, sociales y de género), se parece mucho a "Furia" (1936), una de las tantas obras maestras de Fritz Lang. Es un film a descubrir y lleno de detalles en su desarrollo, como el personaje del abuelo indio, el sheriff o el de la india. Los diálogos van al grano en beneficio de la acción y no se detiene mucho en profundizar en los personajes ni en el conflicto entre indios y colonos. El arco cronológico de la  acción dura escasamente dos o tres días, los suficientes para desarrollar el conflicto.

Aconsejable para los amantes de las buenas películas del oeste. Os llevaréis una muy grata sorpresa.

Segunda película como directora de la actriz francesa Isild Le Besco, que dirige y guioniza este exceso de primeros planos de los actores que aparecen en escena, sobre todo de Kolia, que interpreta a un adolescente de 14 años perdido en el extraño mundo que le ha tocado vivir, primero en una casa de campo con sus tediosos abuelos y luego, tras un periplo en autostop siguiendo el nombre que aparece en una postal que ha encontrado dentro del libro que ha dejado olvidado su profesor de lengua, llega a un pueblo, donde tropezará con Charly (quedatítulo al film), una joven prostituta, que lo llevará a vivir con ella durante unos días a una roulette en medio de un bancal. Allí tendrán una extraña convivencia, casi como dos animales extraviados y semianalfabetos.
Extraño film que se regodea en largos planos de las caminatas de sus dos protagonistas y en simples diálogos, sobre todo en la lectura de un fragmento del libro abandonado por el profesor, la única posesión de su protagonista.
El film resulta aburrido, quizás por la simpleza de sus protagonistas y sus diálogos, a los que ayuda poco esos largos planos de los movimientos de sus protagonistas en escena, solo la curiosidad por el qué pasará ahora me mantuvo hasta su conservador final.

El director Spike Lee es el director de este musical, que consiste en la grabación de la obra de teatro musical que David Byrne y un grupo de originales músicos (todos llevan sus instrumentos en las manos y en el cuerpo) hicieron en el Hudson Theatre de Broadway, en Nueva York, a finales de 2019 y principios de 2020. Spike y su equipo filma a veces de frente, como si las cámaras fueran un espectador más entre el patio de butacas, pero sobre todo desde el propio escenario, con travellings, picados, contrapicados, primeros planos de caras, instrumentos musicales, pies descalzos en movimiento, envolviendo al espectador en imágenes, música. Escenográficamente el color que prevalece es el gris (de hecho, todos los personajes-músicos que aparecen en escena, incluido el propio Byrne, van vestidos también con trajes grises) y un azul metalizado. Teatralmente hay poco mobiliario en escena, solo una mesa en el primer número musical (ese "Here" que inicia la obra y también el último disco de Byrne). Los músicos y la pareja coral también hacen coreografías de baile durante los diferentes números, con lo cual se consigue aunar música, teatro, danza y cine en un todo plástico y mágico.
Cada número-canción crea sensaciones envolventes en el espectador, sobre todo en algunos temas. Durante el musical, entre algunos números el propio maestro de ceremonias o jefe de pista circense es el mismo Byrne quien, de manera irónica pero persuasiva, llama a la gente para que voten, dando estadísticas sobre el bajo porcentaje de voto en Estados Unidos, un triste 20 %, y de paso criticar a Donald Trump.
Durante el concierto se oyen canciones del último disco de Byrne ("American utopia",) y versiones de canciones de su anterior y exitoso grupo, Talking Heads Emociona la versión del tema de Janelle Monáe "Hell You Talmbout", en el que se realiza un homenaje a las víctimas negras estadounidenses producida por la violencia policial, Byrne la presenta como "una canción sobre la posibilidad de cambio". Spike Lee consigue capturar la magia y la química de una actuación en directo.
No es "Stop making sense" (1984) de Jonathan Demme, que recogía un concierto de los Talking Heads de la época , pero es tan maravillosa y genial como aquella. La aconsejo sobre todo para los admiradores de Spike Lee, David Byrne y Talking Heads y de su música.

El prolífico director Roger Corman dirigió esta película en el año 1958 (junto con otras 6 más, claro que el año anterior, 1957, dirigió 9), basada en una novela de un escritor de novelas pulp y el guión de Steve Fisher, famoso por ser guionista de "La mujer del lago", dirigida por Robert Montgomery.
Es curioso que su inicio (y algunas de sus partes) sea muy parecido a "Bajos fondos", que Samuel Fuller dirigió 2 años después: Un adolescente que se mete muy pronto en la delincuencia y que, ya adulto, acaba con sus huesos en la cárcel, de donde sale con aspiraciones de ser un gran jefe mafioso. A partir de su primer asesinato, Joe Sante, su protagonista (un Steve Cochran que el año anterior había estado por Italia protagonizando quizás su mejor papel a las órdenes de M. Antonioni en "El grito") inicia una escalada de extorsión y amenazas a empresarios. Sus padres y una amiga del barrio, Teresa (una desconocida actriz, Lita Milan, que posteriormente haría "El zurdo" de Arthur Penn, y ahí finalizaría su carrera como, con sólo 11 films) , quieren que vuelva al redil familiar, tenga un empleo legal y busque una chica para casarse, pero él no acepta ese mundo, desea ser rico, independiente, vestir con trajes caros, ir a salones de baile, tener un despacho bien decorado y dinero para tabaco (en todas las escenas en que aparece, sale encendiendo un cigarro, fumándolo o apagándolo, mientras que el jefe mafioso, por contraste, fuma puros, un gran Robert Strauss, con un personaje lleno de ironía).
La película se sigue con meridiano interés con muchos diálogos yse nota que fue realizada con la rapidez y sencillez típica de los films de Corman: Muchos interiores (sobre todo el despacho del protagonista) y al fondo, dibujados, rascacielos; muy pocos exteriores, los justos para mostrarnos una típica persecución en coche a través de las calles.
Sorprenden dos aspectos de su casting: los padres de Joe Sante son demasiados mayores (parecen los abuelos del protagonista) y muy religiosos, al igual que Teresa, la amiga del barrio, que extrañamente evoluciona desde un ascetismo en vestuario y la religión como base de su filosofía de la vida (incluso aparece en el despacho de Cochran con una Biblia en la mano para rogarle que rece y vuelva a Dios y a la iglesia) hasta ser la "amiga" que convive con el protagonista, le enciende los cigarrillos y presume con vestidos suntuosos y escotados.
Una película de cine negro que cae en los tópicos del género, pero que aporta algunas dignas novedades.

"My gun is quick" ("Mi pistola es veloz") es una película de cine negro basada en una novela del escritor norteamericano Mickey Spillane (que vendió 225 millones de libros de sus novelas, ¡Ahí es nada!), que sigue la serie de novelas protagonizadas por el detective privado Mike Hammer, que tuvo su adaptación televisiva con 4 temporadas en los años 80, protagonizada por Stacy Keack, que se caracterizaba por salir siempre mujeres despampanantes en la época del wonderbra y que caían fácilmente en las redes eróticas del detective Hammer.
La novela en la que se basa se publicó en 1950 en Norteamérica (en España se publicó en la editorial RBA en el año 2012), hasta llegar a esta adaptación de 1957 dirigida por dos directores desconocidos (sólo George White hizo dos films en los años treinta) y con actores semidesconocidos.
La película mezcla interiores con exteriores. Destacaría las escenas rodadas en interiores, donde se sigue a los personajes en un largo plano medio único, casi en plano secuencia, lo que demuestra la gran dirección de actores del film. Como siempre en las novelas de Spillane y en las adaptaciones realizadas para televisión y cine, el protagonista va de mujer en mujer, recorriendo las clases sociales de los 50.
El film comienza con la muerte de una pobre pelirroja, a la que Hammer conoce en un bar y ayuda para que vuelva a su pueblo y se olvide de sus sueños de Hollywood (por cierto, Hammer aparece en esta primera secuencia con unl cansancio acumulado en varios días sin dormir, casi se duerme en la barra del bar, como si hubiera un antes, que nunca se eplica).
Lo mejor son sus diálogos y las interpretaciones, aunque a veces se cae en los tópicos literarios y cinematográficos del cine negro: El coche descapotable del protagonista, la larga persecución entre coches, la lancha para el ocio de los ricos, la pueblerina tras sus sueños, la bailarina casquivana y con corazón, la secretaria voluble de Hammer, la femme fatale de turno, el malo malencarado, el deletante... y como late motiv la ambición por conseguir unas joyas.
Entretiene y sorprende a partes iguales. Una gran y fiel adaptación de la novela de Spillane, aunque su mejor adaptación es "El beso mortal" del gran Robert Aldrich. Aconsejable, sobre todo para los amantes del cine negro desconocido.

Me gustaría empezar esta crítica destacando que Lost es de lo mejor que he visto a nivel de series -siempre por detrás de Breaking Bad- por varios motivos: empatizas con los personajes a un nivel increíble gracias a los flashbacks, todo el misterio que rodea a la isla tiene un atractivo incuestionable, plantean debates filosóficos interesantes -fe o ciencia-, mantienen la tensión capítulo a capítulo, es una serie que soprende, que emociona... Lost es una delicia de serie, pero que no es ni la mitad de lo que pudo llegar a ser.

Pensando detenidamente en la serie, mi impresión es que la idea inicial era que todos habían muerto tras el accidente de avión y que todo era una ilusión. Sin embargo, con el paso del tiempo Lost ganó fans de una manera inesperada que "obligó" a que se hicieran más capítulos de los que estaban previstos. De esta manera, acudimos a un relleno inecesario: se van de la isla, luego vuelven; la rivalidad entre Jacob y el humo negro; los viajes en el tiempo; el purgatorio... Además de todos los enigmas sin descifrar, como son los números o por qué no nacen niños en esta isla.

Aun con todo ello, pienso que se salva la serie dignamente y que merece la pena verla sin lugar a dudas por encima de otras como -en mi opinión- Los Soprano o The Wire.

Los soprano es una serie con muchos nombres propios, cómo olvidar a personajes de la talla de Paulie o de Christopher, pero el que suena con más fuerza es el de Tony Soprano. Un personaje que vive en una bicefalia permanente: padre de familia que quiere que sus hijos lleguen a ser personas de provecho, en tanto que -por otro lado- mantiene con mano de hierro un grupo mafioso en el que es el mandamás. Es uno de esos personajes cuyo carisma es tan grande que, si ves al actor del mismo en cualquier otra película/serie, siempre vas a llamarlo por el nombre de dicho protagonista. Además, Tony Soprano tiene innumerables matices: valora a su mujer notablemente y le es infiel constantemente, quiere a su familia y no se corta en matar a un miembro de la misma si entiende que es lo mejor, es de origen extranjero y tiene prejuicios contra ciertas procedencias... Es el típico personaje que se denomina que es un malo que no es tan malo (o un bueno que no es tan bueno), algo muy difícil de conseguir de un protagonista que comete tantas atrocidades.

Sin embargo, todo lo bueno que guarda este tipo de personaje tiene una contrapartida que en Los Soprano -para mí- no está rentabilizado: es muy difícil que muera a no ser que sea al final. ¿Por qué? Fácil: sin él ya no hay serie, ningún personaje es capaz de sostener todo el carisma que acarreaba sobre sus hombros Tony Soprano, no hay que ver demasiadas series para darse cuenta que esto se cumple en el 99% de los casos. En este sentido, hay series que consiguen que este punto negativo se compense con otros abiertamente positivos y otras que no, siendo el caso de esta serie -bajo mi punto de vista-. Para mí -a diferencia de Breaking Bad- Los soprano es una serie sin chispa, con pocas sorpresas, con un ritmo lento, con bastante relleno (muchas escenas de personajes comiendo sin más o duchándose), con demasiados personajes (llega un punto que si no ves la serie con google a mano se hace imposible seguir la serie, ya que salen muchos nombres que su relevancia no se corresponde con las pocas veces que han salido)...

En definitiva, a mí me ha parecido que es una muy buena serie porque consigue acercarnos a la mafia más humana y tiene tramas muy entrañables, pero con puntos positivos que yo no valoro tanto y con puntos negativos que para mí son cruciales para que un producto televisivo me mantenga vivo.

The Wire es una serie que vi porque estoy repasando los clásicos de la televisión y tengo entendido que está considerada la segunda mejor serie de la historia, poniendo esto un listón muy alto y que -inevitablemente- aumenta mis expectativas. A esto tengo que añadir que antes de disfrutar esta serie me vi Breaking Bad -mi Scarface con mi Toni Montana hecho serie- y Juego de Tronos -la cual tiene bastante relleno y se hace difícil de asimilar al principio, pero que depara unas sorpresas inigualables-. Para mí las películas y las series se sitúan en mi top particular en función de la sensación que me han dejado, hecho que probablemente desmerezca otros aspectos, por lo que pensaba que era necesario elaborar una contextualización previa para que entendáis por qué The Wire no está en mi top de series.

Una vez definido esto, tengo que decir que me he encontrado con una serie perfecta desde el punto de vista técnico: ni los policías son tan morales ni los traficantes son tan malos, se presenta de forma muy nítida la realidad del poder detrás de las cámaras -tanto de los políticos como de los oficiales de policía-, se suceden los acontecimientos en Baltimore -donde se encuentra la criminalidad real y se reproduce sin idealismos-, las herramientas de la policía son deficientes y éstos cometen errores con frecuencia... Podría seguir así pero, en definitiva, es un contenido realista hasta el punto de que en mi mente estoy convencido de haber visto un documental.

Sin embargo, me acabé esta serie sin estar enganchado. Quizás sea porque el realismo es llevado hasta tal extremo que le faltan intangibles para mantenerme al pie del cañón: siento que le falta sorpresa, chispa, menos rutina... Sé que el objetivo de los guionistas era presentar la realidad tal cual es, pero sacrificando aspectos que para mí son necesarios para que al acabar un capítulo, una temporada o una serie me quede en estado de shock.

Como he dicho previamente, no valoro tanto estos aspectos técnicos -que son incuestionables en esta serie-, a la par que vengo de ver un tipo de series que me han producido una serie de sensaciones que en The Wire no he sentido.

Pd: vean cine/series en inglés.

En su segunda película de Jon Watts, con guion de su guionista habitual, Christopher Ford, rodada con poco presupuesto y con coproducción de su actor protagonista, un excelente Kevin Bacon convertido en el malo-malo de la película. El film es un aparente policiaco más, pero tiene su originalidad en el excelente trabajo de sus planos: cómo son presentados los dos chavales en un largo, y brillante, travelling inicial mientras cruzan un vallado y van repitiendo palabras trasgresoras, uno de ellos comenta que «la palabra joder es lo máximo»; los dos chicos generalmente aparecen en medio de grandes paisajes, entrando y saliendo del encuadre de la cámara, son libres en medio del espacio (hasta ese plano final en el que la cámara abandona a sus protagonistas subiendo el encuadre hacia el oscuro cielo), en contraste con los planos en los que aparece Bacon, ese sheriff del que desconocemos su pasado ni en qué historia ha estado metido, como espectadores debemos llenar esas elipsis narrativas. Un sheriff que aparece muchas veces encuadrado entre ventanas, puertas, como si el plano, y el director, no le dejara respirar en libertad dentro del plano y de su vida.
Film ajustado en tiempo de duración, en planos, en guion y en actuación de los pocos actores que intervienen. Un grato descubrimiento esta especial road movie (casi no hay planos con interiores). Un director a seguir.

"Nightcrawler" es una de las grandes sorpresas cinematográficas de este año. A pesar de ser la primera película de su director, aunque sabemos que tras la producción se encuentra su hermano Tony (un avezado guionista de Hollywood y director de algunos buenos films de los últimos años, como "Michael Clayton" y algunas de la saga de Bourne) está muy bien rodada, sobre todo las impresionantes escenas de persecuciones automovilísticas y el gran trabajo de los diálogos (Un botón: "...También quiero acabar con estos regateos. Nos ahorrará tiempo. Y cuando digo que tal número es mi precio mínimo, ese número será mi precio mínimo. Y tú puedes estar segura de que cálculo este número con cuidado. Ahora, cuando digo... que quiero estas cosas... me refiero a que las quiero. Y no quiero tener que pedirlas de nuevo. Y la última cosa que quiero, Nina, es que hagas lo que te pida, cuando estemos solos en tu apartamento..." le espeta Lou a su jefa Nina).
El film retrata un Los Ángeles actual, desagradable, nocturno, en el que impera la ley de "el pez grande se come al chico", representada en esa cadena televisiva con índices de audiencia muy bajos y cuya directora quiere subirlos, aunque sea a costa de enseñar imágenes gore a las 7 de la mañana. El protagonista, Lou, es un joven fruto, y representante, de una sociedad amoral, corrompida y neoliberal, que da rienda suelta a su voyeurismo psicópata, grabando y cambiando incluso la puesta en escena de accidentes y asesinatos solo por conseguir imágenes que pueda vender al mejor postor, sin importarle cómo conseguir esas imágenes.
En resumen, un gran debut cinematográfico el de Dan Gilroy que no hay que perderse y que nos plantea hasta dónde es capaz de degradarse moralmente el periodismo, sobre todo en su vertiente amarilla, para conseguir elevar los índices de audiencia televisiva, un tema a debate en Norteamérica y en nuestro país.
A este gran trabajo de orfebrería en el guión y en la dirección, hay que añadir la interpretación de su protagonista, un Jake Gyllenhaal inmenso que llena toda la pantalla y nos transmite su carácter psicótico, la soledad en su casa y esa mirada fija y obsesiva que clava en sus interlocutores.

El título de esta película es español es una extraña traducción de "Ain't Them Bodies Saints", que ha puesto en la órbita de los majors a este director que se ha movido por el cine indie, hasta ahora, la próxima es con Robert Redford, su mecenas en el festival de Sundance, de donde se llevó algunos premios.
Todas las críticas que he leído se referían a la influencia de Terence Mallick y sus "Malas tierras", pero creo que su origen, al menos en el argumento, es una novela de Horton Foote que llevó al cine el gran Arthur Penn, me refiereo a "La jauría humana", donde , qué casualidad, un joven Redford también había escapado y volvía a su pueblo, donde le esperaba Jane Fonda y un inmenso Marlon Brando como sheriif (es famosa la paliza que le pegan a Brando las fuerzas vivas del lugar).
La conjunción de movimientos de cámara, montaje, música, actuación y desarrollo del guion en esta cinta consigue emocionar al espectador con algunos momentos de gran intensidad lírica, sobre todo en esas cartas leídas lentamente (con algún fallo, como la última que Ruth manda a Bob a través de un contenido Keith Carradine: el espectador ve que es una corta misiva, pero su lectura se prolonga más de lo que allí hay escrito), con un gran dramatismo de tono.
Gran película realizada con pocos elementos, pero que consigue su propósito de emocionar, que es lo mínimo que se le puede pedir a una obra artística, y con una gran banda sonora (con un raro dramatismo que consigue con unas palmadas acompañando a una solitaria guitarra, y algunos momentos íntimos resueltos con un chelo), que nos sitúa en un Texas setentero, con claras influencias del western clásico (el pasado de Karradine, que prevemos como hombre duro reciclado, tal que Viggo Mortensen en "Una historia de violencia" de David Cronemberg; los tres sicarios...), que nos va acercando poco a poco a la tragedia final.

Esta película la había visto hace ya un tiempo, pero considero que esas películas que las tienes en tu mente merecen, al menos, una reflexión en forma de crítica. Hay personas que hacen que la frase "el tiempo pasado fue mejor" cobre sentido, y esa persona es Tim Burton, cuesta creer que sea el mismo director el que hizo "Ed Wood" que el que hizo "Alicia en el país de las maravillas". Como no, en esta película de Tim Burton también sale Johnny Depp que, en mi opinión, hace un favor inconmensurable a la película.

Algo que le da un plus impagable a la película es que, aunque sea una biografía, coge la historia y deja que la película crezca a partir de ella, tanto es así que no te das cuenta de que es una historia real hasta el final de la película. Una cosa del film que te hace pensar es Ed Wood, él es considerado el peor director de cine de la historia, sin embargo, ¿consideras tú que podrías hacer lo que hizo? ¿sin presupuesto? ¿rodajes de 7 días? ¿casi ni tiempo para escribir el guión? Pero aun así, Ed Wood hacía lo que amaba con pasión, considerando sus productos los mejores. Pero no los mejores porque lo dijese la gente, sino porque el amaba lo que hacia. Esto nos lleva a pensar una cosa, y es si es más importante lo que creas tú o lo que crea la gente. Al final, lo que importa es lo que creas tú, y si lo que digan los demás te afecta y cambia lo que pienses, sigue importando lo que pienses tú. Por el mero hecho de que los demás piensen contrario a ti no te va a afectar.

Por otro lado, algo que hace entrañable esta película es que trata de cine y te empapa de como funcionaba el séptimo arte antaño: la forma de firmarse los contratos, el guante que pasaban los productores sobre las películas, lo difícil que era hacer una película y los pocos medios que había, y cómo se rodaban éstas... Todo ésto ayudado por una película en blanco y negro que te ayuda a adentrarte, completamente, en la ambientación de la película.

En definitiva, gran película que crece si te gusta el cine y te parece entrañable ver a una persona soñadora cumplir sus sueños a su forma.

12 años de esclavitud es, sin lugar a dudas, una copia del laureado largometraje "El pianista" (2001) del irrepetible Polanski. La película trata de un protagonista, de raza cuestionable para el gobierno, que trabaja en el ámbito musical y al que la vida le va de lujo. Sin embargo, peripecias del guión harán que su vida se haga una tortura y con temple, y firmeza, deberá de salir de su pesadilla.

A mi parecer empatizo más con ésta que con El pianista. La primera razón es que me atrae más el ámbito en el que transcurre la historia, y la segunda es porque se hace menos tediosa. En el pianista un personaje carga con toda la historia, de forma magistral por cierto, y en 12 años de esclavitud un personaje se carga toda la historia ayudado de otros personajes que harán más cruda la historia.

Otro punto excepcionalmente magistral es el final. No hace falta que el personaje hable para que comprendamos lo que nos quiere transmitir, nada puede compensar al protagonista sus años de tortura. Todo ha cambiado y él no ha estado ahí para verlo, ¿y todo por qué? Todo porque dos gordos con traje ven beneficioso usar a las personas como propiedades. América primer mundo, decían.

Cronenberg es sencillamente el Polanski Canadiense. Películas profundas a un precio no muy elevado que si tienes un mínimo de inquietud por la vida no te van a dejar indiferentes, y esta obra maestra no es una excepción.

Al comenzar, nos encontramos una película en la que no pasa nada y todas son buenas noticias (imposible no acordarse de la maravillosa Terciopelo azul). No obstante, ocurre algo que cambia toda la película desencadenándola hacia un mundo retorcido y sin retorno. Aquí hay una clarísima alusión a la película "Atrapado en su pasado" (1993), del slow motion Brian de Palma. Es decir, un personaje que se arrepiente de sus actos concupiscibles y desea hacer un borrón y cuenta nueva. Sim embargo, una vez entrado en el mundo del pecado es harto difícil salir y las amistades (el pasado) tampoco nos ayudan. Y aquí viene la gran crítica social de la película, la cual es nuestra animalidad ya que también tenemos impulsos animales y uno de ellos es la violencia. Ésto se ve remarcado con el hijo, que odia a su padre por sus actos violentos pero él no duda en renegar de ellos.

Llegados a este punto se abre un amplio debate: ¿Hemos de huir de la violencia si es parte indisoluble de nosotros? Como cabe esperar aquí surgen tres vertientes: la primera es la Nietzscheana que promulga lo vital y desecha lo racional, lo Hegeliano que antepone el orden y lo racional, y lo Orteguiano que propone una mezcla de las dos vertientes. Dicen que no son buenos los excesos, quizás don Ortega tenía más razón que nadie.

A grandes líneas, un imprescindible que a ninguna persona que se deleite con películas se gángsters y oscuras le debe de faltar por ver.

Amenábar es el Tarantino español, un diamante que tiene 5 películas y las 5 son inconmensurables. Ésta en mi opinión es la más dura y reflexiva de todas, con un Javier Bardem que roza el diez sin lugar a dudas.

Pocos peros tiene este largometraje, pero tiene uno que no lo hace una obra maestra universal y es la empatía. La gente se preguntará: ¿y por qué no va a funcionar la empatía si la película trata de un drama? Pues sencillamente no funciona porque el protagonista siempre se nos muestra convaleciente y no nos podemos empapar del protagonista sano. Algo más inteligente está compuesta Million Dollar Baby, de la misma temática, en la que se nos muestra el desarrollo de un personaje de forma más amplia, es decir, su época sana y de vitalidad, giro argumental que no se espera ni cristo, y tragedia.

Otro problema que tiene la película es que parece un documental de una persona que ya se sabe el final de su camino. Da la impresión que el único trabajo de la película es mostrarnos como se sucede, perdiendo así un aliciente indispensable en el cine como es la sorpresa.

A grandes rasgos, gran película con grandes interpretaciones y un indispensable si te gusta la filosofía, o simplemente el cine, y que a mí me ha hecho reflexionar.

Cada vez que me digno a ver una película de dibujos animados me viene a la cabeza la leyenda urbana de que las películas de dibujos son para niños. Y a decir verdad, es cierto, son para niños. Pero para comprenderlas en toda su integridad debes de ser adulto, y ésta no es una excepción.

Por un lado, nos encontramos una película alegre, colorida estéticamente y que entra fácilmente por los ojos. Una virtud sin igual que tiene esta película, es que, pese a ser una película infantil, posee elementos de la madurez, como pueden ser el amor y el poder. Es cierto que los niños son niños y no conocen estos valores, sin embargo, es un acierto incluirlos de forma casi adulta, ya que aunque no los conozcan, los intuyen.

Por otra parte, un aspecto que cobra vital importancia es el hakuna matata. Nos encontramos una primera parte de la película en la que Simba está preocupado por ser legítimo rey y no disfruta de su presente. Le sigue un tramo en el que sólo hay deleite en la abundacia. Y termina con un protagonista que se hace cargo de sus obligaciones, encontrando en ellas el gozo, ¡nihilismo positivo!

En fin, una obra maestra que no envejece y que da una lección a Zack Snyder de cómo utilizar una cámara lenta. Puntualizar que todas las bandas son geniales, como todo en esta película.

Es una gran responsabilidad hacer una precuela, después de doce años, de una obra maestra como fue Montruos, S.A. Cabe recordar, que ya impresionó de ésta su originalidad y su buena plasmación del sentido de la amistad, acompañando a esto su entrañable mundo de monstruos aparentemente fieros, pero realmente indolentes.

Así pues, después del gran éxito de la primera, la alicaída Pixar se aventura a la estoica tarea de reencarnar a un mito de la forma más laudable. Cosa que, en mi humilde opinión, no consigue ya que, aunque entre mejor por los ojos debido a que es una película más tornasolada y cálida, es una película con mucho menos atrevimiento que la primera, que contenía unos cambios de guión que te mantenían ávido hasta el final.

Sin embargo, algo que le hace ganar en enteros es la originalidad, lo normal hubiese sido una secuela, pero los chicos de Pixar han apostado por hacer algo diferente, que personalmente, creo que rejuvenece al mito. El tema de los gritos se tecnifica, sentándole esto de diez, ya que te muestra que dar un susto no es realizable de una forma común para todos (lo que me da miedo a ti no me tiene por qué dar miedo a mí) y que pegar un susto no es ser una bestia feroz, sino que desde las sutilezas se puede potenciar el susto en sí.

A grandes líneas, una buena película que trata la amistad de una forma colorida y original, y que aunque no esté al nivel de la primera, se hace un imprescindible para todo aquél que le gustó la de hace más de una maravillosa década.