Es curioso, pero la mayor virtud de este film de acción es que no hay excesiva acción. Y sí, esto puede sonar estúpido pero los espectadores tenemos derecho a tener tiempos de pausa y empaparnos de la realidad real de los personajes y de la importancia temporal que por ejemplo tiene el adolescente John Connor o de lo afectada que ha quedado su madre al percatarse del futuro de la humanidad.

Por un lado, algo que le va de perlas a la película son los rutilantes efectos especiales. Si bien no son una maravilla comparándolos con la actualidad, pero, al igual que cuando vemos un museo y nos impresiona la pericia con la que los antiguos humanos creaban utensilios para ganar practicidad, ahora también nos impresionamos con la maestría con la que están realizados estos efectos especiales. Lo que está claro es que en frío el argumento es bastante normal, pero llevándolo a la práctica gana en enteros con esas genuinas conversaciones entre T-800, Schwarzeneger vamos, y el quinceañero John Connor, la decisión de Sarah Connor, que me recordó a la protagonista Kill Bill, y las vibrantes persecuciones que se suceden en la película.

También, se puede decir que el tema de la epicosidad esta película la sabe llevar de forma maestra, los personajes sobreviven de cosas no demasiado hercúleas y no te da la sensación de que las cosas van a salir como esperas exactamente, aunque se entrevé un éxito del lado del futuro rebelde. Los perfiles psicológicos me parecen bastante completos, sobre todo de Sarah Connor, aunque me parece infantil la fácil adaptación y aceptación de cosas, por parte de John Connor, de cosas poco normales. Colosal es también el "sayonara baby" con el que T-800 acaba con su mejorado T-1000, es la guinda a esta obra maestra.

Grosso modo, es un clásico que todo cinéfilo debe de ver, aunque no creo que sea mejor que la primera, está al nivel que ésta, que no es poco, y bastante superior al nivel de la tercera y cuarta, aunque esto no es nada difícil.

Hacía bastante que no iba al cine, no, mejor dicho, hacía mucho tiempo que no iba al cine a ver una película que valga realmente la pena, y es que las películas ganan enteros viéndolas en la gran pantalla. Algo que llama la atención es que siendo una película para críos acuda al cine a visionarla gente de varias edades, quizás sea por el éxito de la primera o bien porque no había nada mejor que ver.

A grandes líneas, se puede decir que es una película amable y que cumple con lo que promete, el problema es que quizás una película orientada a un público infantil tampoco es que tenga demasiado que prometer. Una gran virtud que tiene esta película es su gran variedad de registros, es decir, encontramos situaciones románticas, de acción, drama y situaciones amables. Esto es bueno ya que así funcionan mejor las situaciones en general de la película. Cabe destacar la gran belleza en la animación de lo que es los vuelos de los dragones que te hacen adentrarte magníficamente en la película, dándote ganas de tener un dragón como mascota, como los dragones de la película ya que los ¨reales¨ tienen poco que ver aunque esto no es malo.

Otra cosa que funciona muy bien en la película es su moraleja, tratada de un modo amistoso, que promulga lo deleznables que somos los seres humanos con lo que son los animales y la naturaleza, dejando claro que muchos de nosotros somos unos ególatras y unos narcisistas que tratamos como inferiores tanto a animales como a personas por el mero hecho de no ser igual que nosotros, o que no creamos que sean igual que nosotros

Sin embargo, hay algo que no me convence para nada de la película es la ligereza con la que se toman los protagonistas situaciones que requieren una mínima asimilación, pero parece que en esta película los personajes se lo toman todo de buena manera como es normal para el tipo de cine que es. Lo que también está claro es que la película no va a pasar a la historia por su banda sonora que es mas bien correcta y pasable, pero no da para mucho más.

En definitiva, una buena secuela que no baja el nivel de la primera siendo su gran aval la simpatía de los personajes y su variedad de registros. Empero, la inocencia y la simplicidad con la que es tratada la película hace la película descafeinada.

En esta película residen muchas virtudes, una de ellas es que puede ser vista tanto por un niño, como por el más exigente de los adultos, sin ello significar que es una película simple, sino una película sencilla pero apasionante. Dirigida por el erudito y genuino director Steven Spielberg, y protagonizada por el carismático Harrison Ford. Son pocas películas en las que el actor es más para la película que el director cuando éste es un grande, algo parecido ocurre en El precio del poder (1983), dirigida por Brian de Palma y protagonizada por Al Pacino.

Algo que funciona de diez en esta obra maestra es el contraste. Al igual que en una comedia si fuesen todo escenas jocosas no nos harían gracia, o en una película de drama todo fuesen dramas y no tuviésemos la posibilidad de reírnos y empatizar con los personajes, aquí ocurre igual. Indiana Jones es una trepidante saga de películas de aventuras, pero que intercala ta escenas de romance y de humor.

Otra cosa que le va muy bien a la película es la genuinidad, elementos que consigan una fácil empatización e identificación. Entre estos elementos encontramos al Doctor Jones, en este personaje encontramos varios elementos identificativos, tales como su petulancia, seguridad en sí mismo; su vestuario, como su látigo, sus ropas mugrientas, su sombrero... Por otro lado, otro elemento que hace a la película, y la saga, tan especial como a Star Wars o El Padrino, es su banda sonora, hay pocas bandas sonoras que conozcas antes de ver esa película y ésta es una de ellas, le da una esencia especial.

El único defecto que encuentro a esta película es la épica, se nota bastante que el protagonista no va a morir, en las mismas escenas se crean elementos que te indican que el protagonista no va a morir. Aunque esto realmente deja de ser un punto negativo si comentaba anteriormente que es una película que puede ver cualquier persona enganchándote, tanto una persona de 60 años como un niño de 6 años, cosa que pocas películas consiguen. Si bien es de comentar que en su última película de la saga la épica mata a la película, con situaciones imposibles que ya si que no se cree ni un niño de 6 años que alguien pueda salir con vida de esas situaciones.

En definitiva, una película que cualquier persona, cinéfilo o no cinéfilo, debe de ver por su apasionante ritmo, el carisma de Indy, el humor que reside en el interior de la película y la increíble banda sonora.

Tras el descafeinado thriller "Goodbye, lover", el director Roland Joffé dirige esta película con capital francés e inglés, guión del laureado Tom Stoppard ("Sakespeare in love"), música del siempre sublime Ennio Morricone y un más que brillante plantel de actores capitaneados por, una vez contenido, G. Depardieu, que carga sobre sus espaldas con un papel difícil y lleno de matices.
Al principio sale el cartelito de "A true story", pero hay demasiados personajes de ficción como creérselo, como, por ejemplo, esa historia de amor contada de manera vacilante por un a cámara que busca más la estridencia que los tonos sutiles, una cámara que avanza imparable en su movimiento y un gran efectismo visual, sobre todo en esas barrocas fiestas salvajes.
Cronológicamente la historia se sitúa en el reinado de Luis XVI, el Rey Sol, cerca ya de la Revolución Francesa de 1789, exactamente en el año 1761 y se ubica en un lujoso palacio con inmensos jardines como su pantagruélica cocina, en la que contemplamos, en un "arriba y abajo", sobre todo a la clase ociosa jugando al billar, al crícker, al teatro, mientras escuchan música, en directo por supuesto, y se deleitan comiendo mientras las miradas de los comensales buscan los escotes de las mujeres.
Lástima que la película no hurgue más en los entresijos, sociales, políticos y culturales, y solo busque la vistosidad del encuadre de la cámara, tanto del paisaje como de os ropajes. Los personajes pululan en la escena como marionetas, sin una verdadera humanización, quizás solo su personaje protagonista, el Vatel del título encarnado por Depardieu tenga una consistencia como personaje.
Destacar la escena de la muerte de un personaje escenificada a través del movimiento de sus piernas, al igual que la primera aparición de los reyes se realiza a través de sus zapatos bajando del carruaje.
El espectáculo visual es el verdadero protagonista de la función, con sus encuadres esteticistas y sus espectáculos teatrales y pirotécnicos. Se nota el esfuerzo llevado a cabo en la producción y el el mismo director moviendo a tantos personajes en escena (algo que ya había hecho en "La misión"). La forma del envoltorio prima sobre el argumento, con unos diálogos poco explicativos en una acción demasiado esquemática. Morricone se erige en lo mejor de la función.

Hay gente que dice que comprarse un iPhone es calidad asegurada, otros abogan que comprarse un Mercedes es apostar por fiabilidad sin límites, y hay un grupúsculo, en el que me incluyo, que divulgamos que un film de Billy Wilder es una amalgama de de diálogos y situaciones que conducen de forma inexorable al deleite. También hay que añadir que las limitadas mentes de la urbe se negarán a visionar tal obra maestra por el sencillo motivo de que esta en blanco y negro.

Para empezar a desglosarla hay que contextualizarse, es decir, no es lo mismo el humor de hoy que el humor de hace medio siglo, ni las interpretaciones tienen mucho que ver con las de ahora, sin significar ésto que las de hoy son mejores. Además, es de admitir que es una película muy complicada de realizar, ya que es muy fácil que sea un disparate incongruente que se adentre en un vilipendio de despropósitos. Entenderéis esto último si la historia va de dos tíos que se ven conminados a travestirse para huir de una mafia. A esto se le añade la inclusión del reparto a una brillante y hermosa Marilyn Monroe, para darle esa guinda extra de interés. La película es sencilla en su argumento, como sencillo es el espacio donde se realiza, como deberían de ser todas las comedias. Hay personajes estereotipados pero siendo una película de comedia es lo que hay, es como si me quejase de que salen disparos en una película de acción, si no me gusta no la veo pero nunca es un punto negativo. El vestuario me ha parecido el adecuado para una película del género, aunque es de reconocer que en una película en blanco y negro tampoco es ultra importante.

Y como toda buena película termina con una escena muy original decorada con un "nadie es perfecto" de fondo. Suelo recomendar una película del género siempre que hago "críticas", pero en este caso no puedo recomendarte una mejor.

Zack Snyder polémico director. Me gustaría pensar que en sus películas no le dejan el control total de ella porque la opción que me queda entonces es que su pasión es tomarle el pelo a espectador medio, olvidando éste que los planos son para ilustrar, no para que quede más espectacular.

Comenzaré diciendo que poner voces en off en una película de más de dos horas, es sacrificarla antes de empezar. Seguiré diciendo que las actuaciones son insultantes, es imposible pedir unas actuaciones más artificiales y que cuando las veas se note que son actores, lo que se traduce en que los papeles hacen más por ellos que los actores por los papeles, algo similar le ocurre a Jamie Foxx en Django Desencadenado, lo triste es que aquí les ocurre a todos los personajes.

El film se compone de muchos flashbacks, esto significa paja, mucha paja que sobra y hace un argumento de 5 o 6, en un argumento de 2 o 3. Acabas por dudar cual es la trama principal a decir verdad. Y alguna lúcida mente dirá: es que en el cómic sale. Creía que habíamos llegado ya a la conclusión de que estaba viendo una película no leyendo un cómic, de ahí que se llame adaptación y no copia. Me gustaría destacar que en Watchmen se sucede la escena de sexo más gratuita y fea de la historia, alucinante. Por otro lado si a Tarantino se le crítica por una abundancia de sangre, esto es demencial, parece que hacen de la sangre un arte, eso sí, todo a cámara lenta que les encanta. Como también ver a héroes que violan mujeres, de lo más normal.

En fin, no la veas. Te recomiendo cualquiera de Batman, que deja en ridículo los perfiles personales de los protagonistas de Watchmen, siendo estos más profundos y realistas.

300, la que para muchos es la mejor película de este... acojonante director. Quizá lo sea, también diré que eso no significa que sea una buena película, de hecho es muy mala.

Para empezar esta crítica, quiero reconocer que después de haberla visionado, le he dedicado una extendida reflexión a un aspecto de la película, y es por qué razón la película tiene tan poca iluminación, parecía que estaban en medio de la tormenta del siglo, y toda la... estruendosa película se sucede en un pedazo de sol bastante poco acorde con esa falta de luz. Para continuar, la película se asemeja a una Cabalgata del Orgullo Gay envuelta en cartón piedra. Y se me olvidaba, ¡qué no falte la alternación entre cámara rápida y lenta!, que eso les mola. Por no mencionar que el film se mueve en una epicosidad que está lejos de existir. Algo destacable... ¿el carisma de Leonidas?

Y algún ilustrado se preguntará... ¿pero pasa algo más en la película? Pues la verdad es que... no. A todo el que me pida recomendación sobre una película del género le recomendaré Gladiator, protagonizada por el titánico Crow.

Otra obra maestra de uno de los grandes directores, esta vez del género negro. Hawks tocó casi todos los géneros cinematográficos y en cada uno de ellos dejó su impronta: en la comedia con "La fiera de mi niña", en el western con los diversos Ríos, en la histórica con "Tierra de faraones", también con William Faulkner como guionista, al igual que en esta y "Tener y no tener", aunque en la histórica parece ser que se limitó a emborracharse a diario (tal como recoge el "Barton Fink" de los hermanos Coen).
Esta película está considerada como una de las mejores de su género (junto con "Sed de mal" de O. Welles, "Retorno al pasado" de J. Tourneur y "Chinatown" de R. Polanski). Por segunda vez Hawks cuenta con su pareja protagonista (Bogart y Bacall), tras "Tener y no tener". En el guion se eliminó una de las características de la novela negra: la voz del personaje protagonista, que ejerce a su vez como narrador-demiurgo de la historia, y los flash-backs. El espectador debe serguir la línea argumental a través de cada una de las secuencias y siempre tras los pasos de Bogart-Philip Marlowe y la cámara a la altura de los ojos, en contraste con otra adaptación de Chandler ("La dama del lago", dirigida y protagonizada por Robert Montgomery), realizada integramente con cámara subjetiva, incluido el único plano del protagonista mirándose en un espejo.
Cuenta la historia que Hawks, tras el rodaje, tuvo que añadir nuevos planos, sobre todo de Lauren Bacall, porque Bogart destacaba demasiado con su famoso tic en la oreja, mientras que en el original literario se limitaba a llevarse las manos a los bolsillos del pantalón. Bogart y Bacall acababan de casarse, él con 45 años años, ella con 20.
En apariencia es un drama, pero en algunos momentos se rompe esta estructura, ya que a Hawks le interesaban más los personajes que pululaban por la escena que la acción e intriga de su desarrollo, todo ello filmado con un ritmo endiablado, unos diálogos vibrantes y llenos de connotaciones sexuales, de hecho es una de las películas con más citas entresacadas de sus diálogos (Bogart: "General, tenga cuidado con su hija. Ha intentado sentarse sobre mis rodillas cuando yo estaba de pie", L. Bacall: "Así que eres un detective privado. No sabía que existieran, excepto en los libros. O bien que eran pequeños hombrecillos grasientos que husmeaban en los pasillos de los hoteles. Dios, es usted un desastre, ¿no cree?". L. Bacall: " “Hablando de caballos, antes de apostar me gusta ver cómo arrancan, cómo corren y cómo van en la carrera” y sigue “me parece que a usted le gusta arrancar fuerte”. Bogart contesta “Por mi parte creo que tiene usted cierta clase pero no sé dónde puede llegar, ni cuánto puede correr”, L. Bacall: “Eso depende bastante del jinete”.).
El calor que se desprende en la escena inicial del invernadero entre el General y Bogart serviría a L. Kasdan para situar a los personajes protagonistas de su "Fuego en el cuerpo", que se pasan todo el film sudando y limpiándoselo con pañuelos.
En 1981 Michael Winner realizaría un remake con un Robert Mitchum con 61 años, cuando en la novela de Chandler marca 38 años, y un general interpretado por James Stewart.
“…Recuerdo que hace varios años, cuando Howard Hawks estaba rodando El sueño eterno, él y Bogart tuvieron una discusión acerca de si uno de los personajes había muerto asesinado o se había suicidado. Me enviaron un telegrama preguntándomelo, y que me cuelguen si lo sabía…” Raymond Chandler.
Una obra maestra.

Dos años tardó la Coixet en regalarnos su nueva película con su actriz fetiche de aquellos momentos. la sublime Polley, y otra vez bajo la producción de los hermanos Almodóvar (El deseo). La historia avanza a base de mínimas y lacónicas palabras, pero suficientes para expresar unos sentimientos escondidos en los más profundo del alma de sus personajes principales. La película fue rodada sobre todo en Irlanda con actores ingleses y norteamericanos, como esa sorprendente Julie Christie, y dos españoles (Javier Cámara, con el que volvería a colaborar posteriormente, y con Leonor Wartling).
La poesía que envuelve la historia en su desarrollo avanza lentamente, aunque contiene algunos momentos muy conseguidos, sobre todo con ese climax con la historia balcánica. La vuelta de tuerca final, con el epílogo que une la voz con el final, aporta poco al tema del film.
Una excelente fotografía, un fantástico casting y una banda sonora con, entre otros, David Byrne, hace que tenga una brillante factura, capaz de competir en el mercado internacional. Algunos momentos sorprenden (las miradas de Polley, el diálogo en el autobús entre viejecitas sobre el si es mejor actor Van Damme o Vin Diesel, el personaje del oceanógrafo... Como pega a este film: los diálogos entre los protagonistas pecan de exagerada trascendencia; no obstante, una gran película de una de nuestras mejores directoras, a la que le encanta el teatro (de la que recuerdo haber visto como directora teatral en "84 Charing Cross Road" con una inmensa Carmen Elías como protagonista) y se nota en la dirección de actores.

Poco conocida película de cine negro con director y actores de serie B. Una pequeña perla cinematográfica, que, a pesar de estar llena de los tópicos del cine negro (mucho tabaco y consecuente humo, personajes desubicados y turbios, marcados por el afán de dinero como motor de la acción y tendencia hacia el lado oscuro, como la obsesión de la protagonista, una extraña femme fatale, por los abrigos de visón), se sigue con gran interés, al que ayuda su condensada acción en 70 minutos. Lo mejor son sus diálogos, directos, irónicos y cortantes. El protagonista, Charles McGraw, hizo este film entre 2 grandes películas, también de cine negro, del director Richard Fleischer ("Testigo accidental" y "Atraco al furgón blindado"). Mientras que la protagonista, Joan Dixon, sólo intervino en 6 films. El argumento es simple: John (Charles McGraw) es un agente de seguros que, por el amor de una mujer, a la que conoce accidentalmente, arriesga su vida y situación. A destacar el prólogo inicial y la persecución final en el canal de San Francisco. Existe una gran elipsis en el atraco al tren, que se resuelve con llamadas telefónicas entre los personajes. Debería haber apuntado algún diálogo (algunos de antología, os lo aseguro) para poner en esta crítica.

El actor y director, tildado como comunista, Irving Pichel (fue perseguido por McCarthy en su famosa casa de brujas) consigue dirigir este melodrama del género de juicios, y en un tono melodramático, con un largo flash-back y la voz en off del narrador-protagonista-acusado (Robert Young) para que el público y jurado (12 casualmente, pero con algunas mujeres) dictamine su culpabilidad o inocencia sobre la muerte de su mujer legal.
El film narra la historia de los devaneos amorosos con tres mujeres diferentes de su protagonista (un Young que aparece contunuamente, siempre trajeado y fumando sin parar), entre las que destaca una femme fatale interpretada por una espléndida Susan Hayward en sus inicios. La historia se sigue con interés con algunos buenos diálogos entre sus pocos personajes y algunos tópicos previsibles en sus cambios de guión, hasta que llega ese abrupto final sorprendente, que no hay que perderse, con una banda sonora que remarca cada uno de sus elementos.
Aconsejable para una tarde de domingo.

Un año antes de su aclamada "Escándalo en las aulas", Peter Glenville, un director de cine inglés proveniente del teatro (fue director del Old Vic Theatre londinense), dirigió esta adaptación de la obra teatral homónima de Tennessee Williams.
No es ésta una obra muy conocida de Williams, en la que se repiten los tópicos de este autor norteamericano: la imposibilidad amorosa en la zona del Misisipi (lugar donde se desarrollan la mayor parte de sus obras), una familia que esclaviza e impide el amor y la libertad de sus miembros, la decadencia de la clase social acomodada...
Glenville, al igual que Williams, era también homosexual, sin embargo este film no desarrolla el amor entre el mismo sexo, sino la imposibilidad del amor entre dos hijos en una pequeña población al borde de las marismas del Mississippi: Un alcohólico aspirante a doctor como su padre, interpretado brillantemente por el siempre repeinado y bien vestido Harvey (que al año siguiente interpretaría La gata negra, también basada en Williams) y la hija de un predicador sin más ambición vital que estar enamorada de John-Harvey, interpretada por la excelente Geraldine Page, aunque tiene más años que el personaje que interpreta, que al año siguiente sería candidata al óscar por otra adaptación de Williams, Dulce pájaro de juventud, acompañando a un inmenso Newman, y que fue lanzada al estrellato en Broadway intrepretando este mismo papel en 1952. Interponiéndose entre esta pareja se encuentra una exótica Rita Moreno (Rosa en el film), que borda su excitante papel como femme fatale y conduce a la tragedia de los personajes, sobre todo en el baile latino bajo los acordes de Elmer Berstein.
A destacar dos momentos: 1-El diálogo entre Harvey y la Page (Alma es el nombre de su personaje) delante de un dibujo del cuerpo humano, mientras él le explica para qué sirve la razón-cabeza, el estómago y los órganos genitales; 2- El prólogo con los niños bajo la estatua.

Douglas Sirk entre 1955 y 1957 realizó 9 películas, entre ellas algunas obras maestras (Sólo el cielo lo sabe, Escrito sobre el viento o Ángeles sin brillo), figura como correalizador junto con Jerry Hopper, un director que ese mismo año también hizo 4 films, demasiadas películas: El protagonista es el actor fetiche de Sirk, un Rock Hudson en sus mejores momentos, junto con George Sanders, otro de los actores favoritos de Sirk, sin embargo Cornell Borchers es una actriz desconocida con un gran parecido a Ingrid Bergman. La mayor parte del film es una flash-back sobre los primeros años de la relación de la pareja en una Viena de 1945, pero la historia inicia un giro en los últimos minutos cayendo en una ñoñería con la hija, que prolonga el final de la historia más allá de lo que debería. No hay suspense, la acción y el final son predecibles, algunos diálogos son demasiado cursis. Alguna escena melodramática, pero sin emoción (algo raro en Sirk), la acción avanza lentamente y los dos directores parecen que no pongan mucho interés en su trabajo. El tema de la película podría ser el de los celos, pero se balancea con el amor materno-filial. Los personajes secundarios que aparecen (tanto en California, como en Chicago y Viena) son todos buenos-buenos, incluso una educadora se autodespide (¡Qué tiempos aquellos!). En fin, para pasar un rato en compañía y comentar algún giro del argumento.

Hace mucho tiempo que Wim perdió el norte cinematográfico y en este film lo confirma en grado sumo. Lo mejor de la película: su banda sonora (Bonnie Prince Billy, Nick Cave, Portishead, Calexico y Beirut, U2...), que oímos constantemente, de hecho cuando se los quita el protagonista para decir alguna vanalidad deseas que se vuelva a poner los pinganillos, que regrese la música. Lo mejor: los fantasmales cameos que realizan sobre todo músicos, aunque sea para decir una tontería más (¡Vaya guión!). El protagonista de este film es Campino, líder del conjunto alemán Toten Hosen, al que seguimos tanto en su periplo automovilístico haciendo fotos de 360 grados con su cámara, como en sus vacíos encuentros con objetos, paisajes, estatuas, caras, y cómo el nombre de un carguero le lleva a Palermo como una intuición sobre la muerte (como "Te querré siempre" de Antonioni, al que dedica su película, al igual que a Bergman ¿Que a ver qué tienen que ver estos dos brillantes directores con el último Wenders?)
En fin, una película aburrida y epatante que deja en muy mal lugar a un Wenders que hizo grandes películas a finales del milenio pasado, pero que está perdido en delirios alegóricos, incapaz de realizar una escena brillante que llevarse a la mirada. Me costará volver a ver otro film de este director alemán.

Entre dos buenas películas (Dallas y La estrella), Heisler realizó la que quizás sea su mejor película, con un maravilloso guión coescrito por dos grandes guionistas de Hollywood: Richard Brooks, se nota su mano en el peso del periodismo en la escena previa a la encuesta y el personaje asesinado, y Daniel Fuchs (tras dos grandes películas de cine negro: Criss Cross de Siodmark y Pánico en las calles de Elia Kazan). Con estos mimbres-guionistas era dífícil hacer una mala película. Un guión muy trabajado con algunos diálogos deslumbrantes y escenas muy teatrales (como el primer encuentro entre los dos cuñados, con un plano casi único y el movimiento de los actores como en un ballet, y la música de Anfitheatrof subrayando la escena) elaboran una gran película. Sobre los 4 actores protagonistas, destacar el papel casi protagonista del Reagan, muchos años antes de ser presidente de USA, aquí como fiscal de Rockpoint y con unos primeros minutos de su aparición en el lugar del crimen con las manos en los bolsillos y mirando al infinito, un Steve Cochran sobreactuado y dos hermosas hermanas (la Day y la Rogers, muy alejadas de los papeles que les hicieron famosas). Tiene una primera mitad fantásticamente estructurada con la presentación del tema y de los protagonistas y una segunda parte cayendo casi en lo previsible con un final de gran gignol. Una gran película de cine negro de los años cincuenta, poco conocida, pero imprescindible para entender este tipo de cine norteamericano con crítica social de fondo, desarrollado en dos días (más bien, en dos noches), como una unidad de tiempo teatral y cierto parecido temático con Conspiración de silencio de John Sturges. Casi una obra maestra a reivindicar.

El director inglés John Guillermin filma un extraño film, casi una road movie, en el que se mezclan los elementos de misterio con el macgufin de la desaparición de un niño que dispara a todo lo que se mueva, que nos lleva desde un boxeador en horas bajas y aventurero (un héroe seguro, cínico y burlón: George Peppar) que hace auto-stop en pleno Champs Elisées de París hasta un Coliseo romano (no en vano Guillermin filmó la mayoría de sus interiores en los estudios Cinecittá de Roma), donde finaliza la acción. El film bascula entre las tres apariciones que realiza un inquietante Orson Welles con un papel de rico y bebedor malo, parece ser que pasaba por allí buscando financiación para sus films (como ya había hecho en 1956 con el papel de predicador en "Moby Dick" de John Huston, entre otros), ya que estaba rodando por esa época "Una historia inmortal". Peppar es un hiperactivo que no tiene tiempo ni para comer (sólo en un momento del film comprará naranjas, pero no se las come, simplemente desaparecen de escena, eso sí no para de fumar un inacabable paquete de cigarrillos) se mezclan con una intriga de desapariciones, viajes en tren, coches, barquitas mientras la acción nos traslada desde París a Roma pasando por algunos castillos de la geografía italiana y casitas con una mamá y una hija en bikini que se entrega a nuestro guapo Peppar, que se juega la vida a lo largo del film no se sabe bien porqué y además sin despeinarse. Emociones tiene pocas, a no ser la Inger en braguitas y sostén mientras es contemplada con delectación por el revisor de los billetes del tren. Mientras tanto la música de Francis Lai, quizás lo mejor del film, nos recuerda ciertos momentos de tensión o de romanticismo. Brillante color, muchas escenas exteriores y un final feliz metido con calzador.

Nada más impuro que comparar una obra cinematográfica con la literaria en la que se basa, en este caso una obra maestra del realismo francés. ¿Es una traición a la novela de Flaubert el introducir al propio autor como acusado-narrador en un extraño juicio que abre y cierra el film? Ese demiurgo omnipresente (bajo los rasgos de James Mason) se convierte en la voz que off que acompaña a la cámara tras los pasos, emociones y sentimientos de Emma Bovary-Jennifer Jones, que cuando la interpretó ya contaba con un oscar conseguido en 1943 por la canción de Bernadette de King Vidor.
Minnelli con este drama romántico abandona los musicales que lo habían encumbrado en Hollywood, tras El pirata de 1948, para realizar este film y las dos entregas de El padre de la novia y El padre es abuelo.
Diferencias con la novela hay muchísimas, empezando por hacer aparecer a Charles como soltero, cuando en la novela es un viudo que se casó con una viuda adinerada en un casamiento montado por la madre de Charles, seguida por el retraso con que aparece la fiesta en casa del marqués en la versión cinematográfica. El casting de actores está muy cuidado y se nota la mano del productor David O. Selznick, que ese mismo año se casó con su protagonista; Van Heflin borda su papel (que también había conseguido el oscar en 1942 por Senda prohibida de Mervyn LeRoy), quizás desentone la sobreactuación de Jourdan, pero sigue siendo una gran película con un blanco y negro impecable y una sutil banda sonora de Miklós Rósza. La protagonista inicialmente prevista fue Lana Turner, pero su embarazo hizo que recayera el protagonismo en Jones. Una de las grandes películas de Minnelli, que fue rodada íntegramente en los estudios de Estados Unidos. Destacaría como secundario el personaje de prestamista en Yonville, que se va haciendo cada vez más odioso mientras se desarrolla la acción. Al final, no resulta extraño que alguna lágrima caiga por la mejilla de los espectadores.

Una auténtica obra maestra del cine. Tras su presentación cinematográfica con "Enrique V", y su continuación con "Mucho ruido y pocas nueces" y con un gran despliegue de medios técnicos y artísticos apabullante, Branagh se mete en el papel del príncipe Hamlet y además asumiendo su papel como director, nos ofrece una maravilla del cine, ninguneada por los premios y por algunos críticos que no supieron apreciar la obra de arte que esta joya del séptimo arte-vicio encierra entre sus fotogramas (¿Cómo disculpar que no obtuviera ningún óscar?). Puntillosamente fiel al texto de Shakespeare en sus diálogos, aunque no en su situación cronológica, nos encontramos ahora en el siglo XIX en una Elsinore rodeada de un frío invernal, con una magistral dirección de actores, con algunos monólogos para ponerlos como ejemplo en escuelas de interpretación, sobre en Branagh, tanto en su "ser o no ser" como con la calavera de Yago y otro momentos antológicos, al igual ocurre con Jacobi, Heston, y un largo etcétera, que va desde los grandes actores shakesperianos ingleses, hasta su contrapunto con algunos franceses (un casi cameo de Depardieu) y algunos norteamericanos más instruidos en otras lides cómicas (Crystal, Williams...). Quizás de las mejores adaptaciones al cine del mejor guionista de Hollywood, Shakespeare, en su gran obra maestra, quizás a la misma altura de "Julio César" de Mankiewicz. Son 4 maravillosas horas que son preferibles oír en su versión original subtitulada con la perfecta dicción de algunos actores, envueltos en unos movimientos de cámara como si de un ballet se tratase por los pasillos y salones de una Elsinore blanquecina y una brillante partitura musical. Algunos planos secuencia magistrales elevan a este film a la categoría de clásico. Imperdonable perdérsela. Branagh se permite ciertos homenajes, como la de los espejos a "La dama de Shanghay" de O. Welles o un extraño zoom hacia atrás para finalizar la primera parte. Lo dicho: Magistral y ejemplificante.