Miguel Garay (Manolo Solo) fue un director de cine, durante la filmación de su segundo largometraje a inicios de los noventa desapareció Julio Arenas (José Coronado) afamado actor español que era el protagonista del filme y su amigo. Después de esto la película nunca se terminó, Garay se alejó del cine y Arenas nunca fue encontrado, la hipótesis fue que se suicido lanzándole de un acantilado.

Dos décadas después de este evento, un programa de televisión de misterios sin resolver dirigido por Marta Soriano (Helena Miquel), trae el caso a acotación, para esto invita a Miguel a presentarse a una entrevista, esto hará que él vuelva a este acontecimiento que sin duda marcó su vida, poco a poco comienza a acercarse a personas conocidas en aquellos tiempos, mientras intenta dilucidar que sucedió.

Obra que marca el regreso de Víctor Erice a los largometrajes de ficción, cuarenta años después de El Sur (1983), posterior a esta estuvo rodando documentales, cortos y filmes episódicos en conjunto con otros realizadores, entre otras propuestas audiovisuales. El guion de esta fue escrito en conjunto entre Erice y Michel Gaztambide, conocido principalmente por el guion de No habrá paz para los malvados (2011) escrito en conjunto con Enrique Urbizu director de dicho filme.

El regreso de Víctor Erice con Cerrar los ojos es uno de los eventos cinematográficos del año, estrenada en Cannes fuera de concurso es un trabajo sumamente pretencioso, casi tres horas de metraje donde el realizador desarrolla una historia que trata sobre el recuerdo y la memoria, con una dirección exquisita donde el realizador da muestras de su experiencia y excelencia, con su director de fotografía Valentín Álvarez filma un trabajo visualmente sencillo pero eficiente.

Además, Erice brinda un claro homenaje al cine, dejando múltiples referencias al arte que desarrolla, filmes y directores pero el más hermoso es el que habla de los milagros de Dreyer y el cine, presenta el subgénero de “Cine dentro del cine”, siempre atractivo, de hecho la primera secuencia del filme es precisamente del largometraje que estaban realizando cuando desapareció Arenas.

Cerrar los ojos termina siendo una obra cautivadora y misteriosa, aunque un poco extensa, puede palidecer un poco el último tercio ante la resolución que se le da al misterio alrededor de Arenas, la película cuenta con un elenco amplio donde Manolo Solo ofrece una enorme actuación sosteniendo casi todo el metraje, buen filme.

Película para televisión centrada en Herrn (Uno Henning), un señor mayor que vive junto con su criada Louise (Mona Malm), en un edificio de apartamentos, pasa sus días compartiendo con su hermano Brodern (Ingvar Kjellson). Justo en el piso de arriba del edificio donde vive se ha pasado a vivir Gerda (Gunnel Broström), su exesposa con su nueva pareja.

Ella lo había dejado algunos años atrás y se había ido junto con la pequeña hija de ambos, este regreso y el inevitable encuentro que van a tener es el sustento de este filme, mientras una poco metafórica tormenta se va acercando conforme el conflicto central va asomándose, de ahí también el título del largometraje.

Oväder es el primer trabajo de Ingmar Bergman relacionado con la obra del reconocido escritor y dramaturgo sueco August Strindberg, en este caso el filme está basado en la obra de teatro homónima (1907), parte de su etapa más tardía como escritor acercado a la corriente expresionista, aunque este texto en particular parece un tanto alejado a este movimiento.

La película bebe fuertemente de su génesis teatral, como pasó en los filmes para televisión realizados por Bergman en este año, los diálogos, incluso las actuaciones, la puesta en escena, los pocos escenarios y demás, remiten completamente a una obra de teatro, salvo algunas escenas todo se observa muy teatral.

En cuanto a la historia, parte de una premisa llamativa, maneja una construcción correcta y el encuentro entre los protagonistas va a ser su clímax, donde la amabilidad inicial va a dar paso pronto a viejas rencillas y reclamos que van a aparecer en pantalla, se queda con la sensación que es una obra correcta pero sin relevancia alguna.

II Guerra Mundial. Un grupo de soldados británicos encabezados por el comandante Smith (Richard Burton), acompañados por el teniente estadounidense Schaffer (Clint Eastwood) son asignados a una compleja misión en territorio alemán, rescatar al general Carnaby (Robert Beatty), quien fue capturado y se corre el riesgo de que en un interrogatorio de información relevante para la contraofensiva de los aliados.

La tarea es sumamente complicada, se trata de un paraje nevado, montañoso, para acceder a un castillo que es utilizado como fuerte por los alemanes, con varias decenas de soldados, las condiciones climáticas y geográficas ponen en vilo la misión. Sin embargo, la situación se va volviendo más compleja debido a la aparición de agentes secretos que podrían entorpecer la misión.

La película tiene como fuente la novela homónima (1967) del escritor Alistair MacLean, aunque ciertamente escribió el libro y el guion al mismo tiempo, una obra de aventuras épica de dos horas y media de duración, donde la mayor parte de este se enfoca en un espionaje bien manejado e incluso intriga, esto es lo más valioso de la propuesta, gracias a los pequeños detalles que se van soltando y que llegan incluso hasta la última escena del filme.

Pequeñas dosis de acción a lo largo del filme que se rematan en unos excesivos 40 o 50 minutos de acción trepidante sobre el final, si bien era difícil ingresar a este lugar, atropelladamente lo lograron hacer de la forma más sigilosa posible, pero la huida debía ser legendaria y no había espacio para la discreción, aunque es claro que se vuelve muy reiterativa y larga en esa parte.

Brian G. Hutton dirige con gran pulso, hay que destacar que Where Eagles Dare es una producción enorme, con grandes escenarios y extras, una ambientación formidable en el vestuario, una lástima que hay varias cosas realmente inverosímiles que dejan mucho que desear, aunque se pueden obviar y disfrutar del filme como el espectáculo que ofrece.

Suecia, 1846. Un grupo circense viaja en una pequeña caravana, el mago Albert Emanuel Vogler (Max von Sydow) es el regente, viaja acompañado de su esposa Manda (Ingrid Thulin), su supuesta abuela la anciana (Jaima Wifstrand), Tubal (Åke Fridell) y Simson (Lars Ekborg) el cochero, ellos van de pueblo en pueblo llevando su polémico espectáculo, que mezcla trucos, hipnotismo, magia, pócimas, encantos, clarividencias.

Al acercarse a una nueva ciudad son interceptados por un grupo de escépticos que encarnan un tipo de comité que les solicita realizar el espectáculo para burlarse de ellos, este grupo está conformado por aristócratas, el Dr. Vergerus (Gunnar Björnstrand), ministro de salud, Starbeck (Toivo Pawlo) el superintendente de la policía y el cónsul Egerman (Erland Josephson).

El filme se desarrolla principalmente en la mansión de Egerman, donde estas personas son hostigados, especialmente Volger como la cabeza del grupo, paralelamente a esta parte central se inducen pequeñas historias paralelas, en interacciones de Tubal y Simson con las criadas, o el mismo protagonista con la esposa de Egerman.

Bergman, guionista y director utiliza un elenco muy amplio y no deja cabos sueltos, acá muestra un guion maduro y una historia que navega entre el humor y el terror (claramente uno muy diferente al actual), el clímax que enfrenta a Vogler y a Vergerus es simplemente excepcional, la utilización de espejos va a ser vital en esta secuencia, en el gran acto que a logrado montar el protagonista.

A partir del año 1957 Bergman entró en una etapa muy curiosa, mezclando una parte muy exitosa con películas como Det sjunde inseglet (El séptimo sello, 1957), Nära livet (En el umbral de la vida, 1958), Smultronstället (Fresas salvajes, 1958) o Ansiktet (El rostro, 1959), filmes premiados en los festivales de Cannes, Berlín y Venecia, los únicos en su carrera en llevarse premios principales.

Conjuntó esto con obras por encargo para televisión de bajísimo perfil como el mediometraje Herr Sleeman kommer (Llega el señor Sleeman, 1957), Venetianskan (La veneciana, 1958), Rabies (Rabia, 1958), Oväder (La tormenta, 1960), o incluso Ett drömspel (Una obra de ensueño, 1963), un poco posterior que cierra esta etapa, años después volvería a realizar filmes para televisión pero con obras mucho más personales.

Volviendo a Ansiktet, conocida también como El mago, la película tiene un desarrollo que logra mantener al tanto al espectador, en la presentación de esta dualidad entre las personas de ciencias frente al grupo de ilusionistas que son objeto de burlas, finalmente la audiencia también puede ver al protagonista como una especie de redentor o bien como un burdo farsante, ese es el juego que el director quiere plantear.

Hay que destacar la música de Erik Nordgren, constante colaborador de Ingmar Bergman, si bien esta no está presente en todo momento, los instantes en los que suenan sus notas son vitales y logra transmitir las sensaciones acorde a lo buscado en la historia. Así como la fotografía en blanco y negro de Gunnar Fischer, otro de los recurrentes del director, que logra envolver tanto el misterio como el sentido burlón que tiene la obra.

Ansiktet no es de los filmes más reconocidos de la carrera de Bergman, pero bueno, tiene enormes películas por tanto no es de extrañar, pero al fan que ha visto todas sus obras maestras debe acceder a este otro tipo de trabajos, y para las personas que por uno u otro motivo están algo alejados de este cineasta, esta es una obra totalmente accesible y un buen inicio.

Ja Chunsam (Seung-ho Kim) es un humilde cochero que trabaja con un caballo alquilado halando una rústica carreta llevando paquetes, en un momento histórico donde esta labor se está quedando en el pasado frente a la aparición cada vez más constante de automóviles, por tanto, cada vez se gana menos dinero.

Chunsam es viudo y hace lo posible para sacar adelante a sus cuatro hijos, dos hombres y dos mujeres, una de ellas es muda y está casada, la otra se avergüenza de su padre y busca mejorar su condición económica, de los hombres el más grande está estudiando para pasar un examen de admisión, mientras el menor, comienza a meterse en algunos problemas de robos.

Mabu fue el primer filme surcoreano en alcanzar relevancia en alguno de los festivales más importantes del mundo, específicamente en la edición 11 del Festival de cine de Berlín donde se llevó el Premio especial del jurado, convirtiéndolo en el segundo mejor largometraje de dicho certamen.

La película presenta un áspero drama por todos lados, los hijos tienen sus dificultades pero el que carga el peso de todo es el padre, que debe velar por subsistir con los cuatro, en condiciones que cada vez se vuelven más complejas, una obra sencilla con buenas interpretaciones y con un cierre que brinda esperanza.

Detroit, 1954. Curt Goynes (Don Cheadle) y Ronald Russo (Benicio Del Toro) son dos criminales que fueron contactados por Doug Jones (Brendan Fraser) para realizar un trabajo en apariencia sencillo: ir a la casa de Matt Wertz (David Harbour) contador de una empresa automovilística y llevarlo a su trabajo para que robe un sobre que tenía su jefe en una caja de seguridad.

Como es de esperar, el plan sale mal, es entonces cuando los protagonistas comienzan a desenvolverse en la búsqueda de este sobre, su contenido y la importancia que este tiene, mientras van sorteando los peligros propios de la actividad, básicamente le ponen un precio bastante sustancioso a sus cabezas, en un filme donde por cierto, nadie confía en nadie.

Pero Goynes y Russo, movidos por la avaricia, sin entender mucho lo que este documento significa, saben que es relevante, por lo que a pesar de estos peligros van escalando en las personas que los contactaron para llegar a quien es el verdadero cabecilla, porque esto les podría deparar más dinero por la entrega del sobre.

Escrita por Ed Solomon, No Sudden Move fue estrenada en el año 2021 mediante la plataforma HBO Max, siendo el segundo de tres filmes de Steven Soderbergh estrenados por ese medio, Soderbergh muestra una historia criminal y una cacería con un ritmo pasivo donde no deja de sorprender en ningún momento.

Se trata de una película donde el director pone como muestra su lado más formal en la realización, trayendo consigo una dirección elegante con múltiples tipos de planos y movimientos de cámara, también el guion presenta varios chistes sutiles pero atractivos, especialmente sobre la condición racial de dicha época.

No se trata de un largometraje trepidante en acción o de emociones al límite, por el contrario, es completamente pasivo y requiere prestar mucha atención a detalles, diálogos y personaje que son recurrentes, por este motivo, puede resultar ser una obra pesada para el espectador más pendiente de acción frenética, pero gusta por su ingenio, por sus gotas de humor y por el mensaje que deja sin buscar ser aleccionador.

Parte de los filmes menores para televisión que realizó Ingmar Bergman a finales de los años cincuenta e inicios de los sesenta, que no deben de confundirse con obras posteriores de los setentas y ochentas también para televisión que son ampliamente superiores a estos trabajos en una época donde Bergman aceptaba todo con tal de trabajar y poder pagar sus cuentas.

La película cuenta con guion de Olle Hedberg, que antes de guionista fue un importante escritor sueco de mediados del siglo pasado, es probable que este trabajo se base en la dramaturgia Rabies eller Lindras livets kval av likars jämmer? (¿Rabia o la agonía de la vida de Lindra por los lamentos de personas similares?, 1946).

Rabies cuenta con una pequeña introducción donde aparece Bo Stensson (Max von Sydow) rompiendo la cuarta pared y hablando de frente al espectador, como hará también en el epilogo, en medio de estos dos segmentos del filme hay seis “escenas de la vida humana”, tituladas de esa manera por los títulos que se presentan antes del inicio de cada una con una breve descripción.

Cada uno de estos capítulos tendrá algún personaje en común que funcione como nexo entre uno y otro, donde su papel principal será generar algún conflicto en el nuevo escenario presentado con los personajes que recién aparecen, formando una especie de cadena o efecto caótico desencadenado por un conflicto inicial.

Por ejemplo, a modo de desquite, el personaje de Jenny (Gunnel Lindblom) genera un conflicto en Eivor (Bibi Andersson) y su futuro esposo Erik (Folke Sundquist) en el segundo capitulo, luego de que ella en el primero haya sufrido un ataque de Sixten (Åke Fridell) su detestable pareja, posteriormente, Eivor va a generar un desequilibrio otros personajes y así sucesivamente.

A pesar de que se parte de una premisa interesante, donde en el epilogo hay una especie de juicio donde aparecen nueve de los personajes involucrados y Stensson aparece dando un sermón sobre el final que es lo mejor del filme, la verdad es que el desarrollo deja mucho que desear, es una obra muy difícil de ver.

Las escenas están rodadas con planos fijos, todo muy teatral, pocos cambios de cámara en algunos de los episodios lo que hace monótono su progreso, y extensos diálogos que llega el punto donde se divaga entre todo lo que dicen, por tanto, se convierte en una obra tediosa y cansina.

Tras las aventuras anteriores -cada quien por su cuenta- de Godzilla y de Kong y darnos cuenta que se trata de un mismo universo fílmico, donde por cierto, la figura de Godzilla como alfa de estos seres quedó ya consolidada en King of the Monsters (2019), no queda más que enfrentarlos como de forma sugerente reza el título de esta película.

En cuanto a los humanos de la historia, nada distinguible como de costumbre, cada uno es olvidable y sigue los tópicos comunes, militares, unos buenos otros malos (que por cierto, a este punto no entiendo para que los aviones caza bombardean a los monstruos si es más que evidente que no les hacen daño), científicos que algunos desaparecen gran parte del filme y el alivio cómico que no da gracia.

Acá además de la afamada Monarch aparece una nueva compañía, en este caso es Apex, liderada por Walter Simmons (Demián Bichir), que tiene un interesante motivo para llegar a la Tierra hueca donde estas criaturas se asentaban en el pasado, esa tendencia es lo que trae consigo el giro argumental del filme aunque este se percibe que no fue tan explotado como se esperaba.

Más allá de esto no mucho que decir, claramente la cara de la película son las peleas de los monstruos y como andan destrozando por doquier ciudades y en esto cumplen, son satisfactorias y hasta logran generar un grado de empatía con el espectador, cosa que hasta el momento no logran los personajes humanos.

Sarah Morton (Charlotte Rampling) es una afamada escritora inglesa especializada en novelas de misterio y policiacas, un poco harta de como va su carrera y a falta de inspiración acude donde John Bosload (Charles Dance), su editor, este la invita a que vaya a pasar unos días a una casa que tiene en el sur de Francia, en busca del estro para la escritura de su nuevo libro.

Lo que pensaba iban a ser días de relajación y descanso para encontrar la iluminación, se va a convertir en caos y exceso gracias a la aparición de Julie (Ludivine Sagnier), la atractiva y joven hija de John, que también va a resguardarse unos días en este lugar, ella carga sus problemas internos mientras seduce hombres que lleva a esta casa.

El filme va a centrarse en la lucha de Sarah frente a Julie, la interrelación que se va generando en ambas, visto desde el punto de vista de la protagonista, se muestran como mujeres disímiles, mientras la joven disfruta de las fiestas, el sexo y sabe de su belleza, le carga el peso de los años a Sarah y su comportamiento en general.

Película de la primera etapa de François Ozon, -sin contar el largo listado de cortometrajes y algún mediometraje que realizó en sus inicios-, el guion fue escrito en conjunto con Emmanuèle Bernheim, enfocado en el misterio que va generándose gracias al encuentro de los personajes femeninos y la escritura de la novela, sumado al erotismo que está presente a lo largo del relato.

Ozon logra manejar de buena forma los hilos narrativos y lleva su propuesta a un punto impensado de acuerdo a lo que se iba viendo, donde se dejan entrever algunas ideas alrededor de las mujeres y lo que significan dentro del argumento, finalmente lo que se debe mencionar es que para Sarah, conocer a su contraparte resulta relevante para un despertar en su vida.

Version visualizada: Director’s cut.

Largometraje que transcurre entre finales de 1951 y 1952, en un pequeño y desolado poblado ficticio llamado Anarene ubicado en el Estado de Texas. El filme se centra en la amistad entre Sonny (Timothy Bottoms) y Duane (Jeff Bridges), dos jóvenes que están terminando la secundaria y entrando en el proceso de qué hacer posterior a dicha etapa.

La película se enfoca en como pasan el tiempo, entre el billar, las salidas de amigos, la idas al cine y sus intereses femeninos, a esta dupla se le une como protagonista Jacy (Cybill Shepherd), una atractiva joven que es novia de Duane pero donde Sonny se siente atraído por su belleza, ella pasa con constantes problemas con su madre debido a sus relaciones.

Un personaje trascendental en la historia es el de Sam “el León” (Ben Johnson), dueño del billar, el cine y un pequeño restaurante donde los protagonistas pasan mucho tiempo, siendo un espacio donde se relacionan con otros personajes a lo largo del filme, él es un protagonista “disfrazado” de secundario y eso se deja ver con lo que sucede tras la resolución de su personaje.

The Last Picture Show es la primera gran película del realizador Peter Bogdanovich, basada en la novela semi-autobiográfica homónima (1966) del escritor Larry McMurtry, el guion es realizado por ambos, en un año donde Bogdanovich también presentó el documental Directed by John Ford, película que presenta un homenaje a la figura de este reconocido cineasta de la época clásica.

Homenaje -al cine clásico- que también se ve reflejado en The Last Picture Show, de la mano del cine al que asisten los personajes, donde se ven referencias a Red River (1948) de Howard Hawks y Arthur Rosson, Sands of Iwo Jima (1949) de Allan Dwan con John Wayne como protagonista, Wagon Master (1950) de John Ford o Father of the Bride (1950) de Vincente Minnelli.

Esto no es de extrañar ya que Bogdanovich antes de director era crítico e historiador del cine, por tanto tampoco es raro el estilo clásico que le da a su película, filmando en blanco y negro en un pueblo parecido a los del viejo oeste, perfecto para mostrar la desolación y el vacío que quiere mostrar en sus personajes protagonistas.

Es una gran representación de una época y de la sociedad estadounidense: el fútbol americano, los conflictos bélicos, el petroleo y el dinero, la vida dividida en tres matices muy identificados, -ir a la universidad, casarse o reclutarse en el ejército-, la exploración de la juventud, el amor, las mentiras y sobre todo la amistad.

Chad (Aaron Eckhart) y Howard (Matt Malloy) son dos compañeros de trabajo con un gran resentimiento en contra de las mujeres, los ejecutivos son asignados durante seis semanas a trabajar de forma temporal en otra oficina en un lugar alejado de la ciudad. En ese momento planean un juego para tomar venganza, ambos van a seducir a la misma chica, enamorarla y simplemente dejarla.

La víctima de estos tipos es Christine (Stacy Edwards), una joven sorda que trabaja en la oficina, ella se comunica con ellos leyendo sus labios, mientras ambos comienzan su juego llamando su atención cada quién a su forma, invitándola a salir y conociéndola, mientras ella cae de forma cruel ante estos despiadados hombres.

Ópera prima del director Neil LaBute, del cual también es el guionista, este ofrece un odioso retrato de dos machistas inescrupulosos que por diversión y sin importar el sentir de las personas alrededor de ellos se comportan como verdaderos patanes, por esto el filme puede resultar difícil de ver, por los chistes y en general por la trama que llevan.

Como es de esperarse, el juego de los tipos no resulta para nada bien, se puede intuir la resolución del “juego” observando a ambos los caracteres de los protagonistas hombres, posterior a eso, el cierre que se tiene con Chad si puede resultar sorpresivo pero también va de la mano con lo que fue su personaje a lo largo de la película.

Cruel y despiadada, aunque llega un punto en que es un tanto reiterativa a pesar de su corto metraje, pero que es ayudada por interpretaciones acertadas, tanto así que llegan realmente a molestar.

Laura (Laura Morante) es una mujer italiana de mediana edad que está de vacaciones en el sur de Portugal junto con sus dos hijos, ella es viuda y se queda en una casa familiar donde compartió con su marido y viven sus ex-cuñadas Sara (Manuela de Freitas), una mujer unos años mayor que ella y, la joven Rosa (Teresa Villaverde).

La relativa pasividad del encuentro familiar de estas mujeres se ve interrumpido un día en el que, mientras las cuñadas y los hijos de la protagonista estaban en una embarcación, Laura estaba en la playa cuando vio aparecer una barca inflable con un hombre malherido, sin dudarlo comienza a atenderlo para auxiliarle.

Este hombre resulta ser Robert Jordan (Philip J. Spinelli), un americano del que poco a poco se comienza a dilucidar su situación, mientras se escuchan noticias de un atentado contra un palestino y sobre un barco que fue encontrado que parece ser de unos traficantes de armas, a pesar del peligro latente que puede suponer esto, Laura sigue ayudándole.

João César Monteiro es el director y guionista de este largometraje portugués, uno de los realizadores más importantes del siglo pasado en este país ibérico, pero poco conocido en general, acá teje un drama romántico alejado de cualquier convencionalismo, pero por mucho, que aunque es predecible no deja de tener notas altamente significativas.

El romance entre Laura y Robert se ve desde el primer momento en que cruzan miradas, aunque la protagonista al ser viuda es un tanto recelosa, claro que este romance está construido de forma muy diferente a lo común, Jordan comienza a involucrarse en la familia y a conocerlos a todos, ganarse su confianza mientras se va dilucidando su situación real.

Acácio de Almeida es el director de fotografía de la película, en uno de los varios filmes que realizaron el conjunto, similar al estilo del cineasta Manoel de Oliveira, la cámara se encuentra por lo general estática, encuadrando a los personajes mientras tienen extensos diálogos en las distintas escenas.

Que por cierto, varias frases son realmente memorables, como inolvidable es la sutil dirección de Monteiro, que deja secuencias entrañables y que le da a su drama una inventiva totalmente diferente, alejado de las confrontaciones directas o el escándalo en general, por más que u protagonista se ahoga por dentro.

1948. El juez Dan Haywood (Spencer Tracy) llega a la ciudad de Nuremberg para presidir el juicio que se va a dar en contra de cuatro abogados alemanes que, durante el régimen Nazi fueron participes de la aprobación y cumplimiento de polémicas leyes como por ejemplo la esterilización forzosa o la pena de muerte en casos que atentaran contra la pureza aria.

Se está ante una apoteósica obra de tres horas de metraje enfocado casi en su totalidad en lo que concierne a las idas y venidas dentro del juicio, las distintas posiciones que se toman, algunos testigos, las demandas de la fiscalía o la defensa de los imputados que estaba a cargo de Hans Rolfe (Maximilian Schell).

A toda la contienda se le suman algunas secuencias fuera de la corte, siguiendo a Haywood en su ambientación y conociendo la sociedad a la que está llegando tras el atroz conflicto, a destacar la secuencia que tiene con la ama de llaves, Halbestadt (Virginia Christine) y su compañero, o las intervenciones de la señora Bertholt (Marlene Dietrich) una aristócrata viuda de un militar.

Se está ante la obra más reconocida del director Stanley Kramer, el filme cuenta con guion de Abby Mann, que es también su trabajo más importante, es curioso porque hay varios diálogos punzantes respecto por ejemplo a la eugenesia en Estados Unidos o algunas frases célebres entorno a la figura de Hitler, antes claro de todo lo que sobrevino durante el conflicto armado.

Hasta cierto punto se le ofrece al espectador la posibilidad de convertirse en juez y parte de lo que observa, escuchando a la defensa y a los fiscales, es imposible ser neutral ante un evento de tal magnitud, y que según se cuenta en la obra es claro que estos hombres merecían castigo, pero no deja de instigar la duda de hasta que punto la sociedad alemana sabía de lo ocurrido en los campos de concentración, por ejemplo.

Vale la pena mencionar que el largometraje toma solo una pequeña parte de lo que fueron los juicios de Nuremberg, que fue algo en una escala mucho más amplia, la película solo muestra uno de los juicios y claramente, Mann realiza un trabajo para pulir, adaptar y darle un formato atractivo para el espectador.

Esto además de las licencias tomadas con los nombres de los involucrados o el mismo año en que se ambienta, si bien los juicios fueron realizados entre 1945 y 1948, en particular el llamado juicio de los jueces fue en 1947, pero hay un sentido para contextualizarlo en 1948 y es el Golpe de Estado comunista en Checoslovaquia, que marca uno de los puntos iniciales de la Guerra Fría, que para 1961 -año en que se estrenó la película- estaba en un punto álgido e iba a estar peor en 1962.

No se puede dejar de lado el tema del elenco, un trabajo actoral sobresaliente con grandes nombres en pantalla, a destacar a Maximilian Schell, que en su momento ganó el Oscar a Mejor actor, Marlene Dietrich que siempre era un espectáculo y Montgomery Clift, que por su papel tiene pocos minutos en pantalla pero es realmente deslumbrante.

Gran filme con un detalle muy particular y es que salvo al inicio, durante el juicio siempre hablan en inglés pero utilizan auriculares como si les estuvieran haciendo la traducción, un recurso extraño e innecesario si al final la película se iba a rodar en inglés.

Los inicios de la carrera fílmica de René Clément van completamente ligados a la Segunda Guerra Mundial, sus primeras obras se ambientaban en dicha época y no en vano, su primer largometraje La bataille du rail data de apenas un año después terminado el conflicto bélico, además, por época es contemporáneo del Neorrealismo italiano, y algunas de sus formas lo acercan a la manera de hacer cine de sus vecinos.

Clément se fue consolidando como uno de los realizadores más importantes de la posguerra en Francia y el mundo, en su época más exitosa previo a la irrupción de la Nouvelle Vague a finales de los cincuentas. Juez interdits es su filme más reconocido y exitoso, premio Oscar a Mejor película de habla no inglesa y León de Oro a Mejor película en el Festival de Venecia.

Esta obra se ambienta en 1940 y apenas en su primera secuencia ofrece una tragedia que va a marcar a su pequeña protagonista, un enorme grupo de personas están huyendo hacia el sur de Francia mientras los Nazis sobrevuelan y los bombardean, Paulette (Brigitte Fossey) de unos seis años huye con sus padres y su perrito, sin embargo, estos mueren y queda completamente sola.

Vaga un rato hasta que se topa con Michel (Georges Poujouly), un niño un poco mayor de ella que la lleva con su familia que viven de forma modesta atendiendo una granja y rivalizando con sus vecinos los Gouard. Paulette es muy bien acogida por esta familia con todo y las rencillas que tienen, como es de esperarse establece su lazo más fuerte con Michel.

El filme está basado en una novela homónima (1947) del escritor francés François Boyer, la historia tiene como objetivo mostrar los horrores de la guerra pero desde un punto de vista de sus pequeños protagonistas y como estos afrontan la muerte, ya que esta anda rondando a lo largo del metraje: el fallecimiento de los padres de Paulette, de algún otro personaje que aparece, o del de su mascota, que va a hacer un elemento trascendental.

Dentro de todo este panorama también se aborda la parte religiosa y la importancia del concepto divino en un contexto complicado, también enfocando desde el punto de vista de los niños protagonistas. El filme tiene un muy buen desarrollo y aunque hay una atmósfera complicada por todo el ambiente y lo vivido, nada prepara al espectador para el desolador desenlace que parece no puede dejar a nadie impávido.

Una obra trascendental.

Johnny (Joaquin Phoenix) es un reportero radiofónico de mediana edad que está realizando un trabajo entrevistando adolescentes en distintas regiones de los Estados Unidos, un día recibe una llamada de su hermana Viv (Gaby Hoffmann), con la que se ha distanciado, él la visita y todo concluye con que el protagonista debe cuidar por varios días a su pequeño, desconocido y particular sobrino Jesse (Woody Norman).

Este encuentro que propone el realizador Mike Mills, que también es el guionista del filme, funciona para que Johnny vaya reflexionando alrededor de su vida, su papel como adulto frente a un niño, además de ciertos elementos de su pasado, como el quiebre que tuvo en cierto momento con su hermana, o incluso en sus relaciones amorosas, él es un hombre ya de mediana edad, soltero y sin hijos que debido a estas circunstancias reflexiona sobre su diario vivir y su futuro.

De hecho, una de las preguntas que se repiten constantemente en sus entrevistas es sobre el futuro que perciben los jóvenes, como se hizo mención estas entrevistas las realiza a adolescentes, sin embargo, finalmente la interacción durante varios días con su sobrino lo hace caer a él en estas reflexiones respecto a su condición.

Pero esto es la parte del protagonista, porque por otro lado, está la compleja situación de Viv, lo que afronta con Paul (Scout McNairy, un papel pequeño pero buenísimo) su ex pareja y papá de Jesse, ella vive su propia película, pero también está todo lo relacionado a su condición de madre y hermana, que también se aborda. Ni que decir las particularidades del niño, su soledad, su personalidad y demás.

C’mon C’mon es un pequeño drama de Mike Mills filmado en blanco y negro, que cuenta con un elenco muy reducido donde realiza un pequeño tour por varias ciudades estadounidenses, realizado con una enorme naturalidad, las actuaciones son realmente buenas, Hoffmann lleva muy bien el contrapeso de Phoenix, Norman muy cómodo con su personaje, siendo un niño inquieto con sus singularidades.

Una obra correcta.

Godzilla se junta y lucha con sus ancestrales amiguetes para despedazar el planeta y restaurar un supuesto equilibrio natural, en medio del caos una familia busca la forma de reencontrarse y sanar heridas del pasado, mientras la agencia Monarch hace todo lo posible por guiar la propuesta y explicarle al espectador lo que está sucediendo y cada nuevo monstruo que aparece en escena.

Un espectáculo visual donde reina el caos y la desolación, la humanidad es reducida a lo que realmente es -o debería ser-, es decir, a una mísera posición de insignificancia, con algunas secuencias bien logradas, otras partes predecibles y algunos chistes forzados que no tienen cabida, sumado a un plano realmente legendario, donde King Ghidorah se encuentra en la cima del volcán donde despertó Rodan en la ficticia Isla de Maras en México.

King of the Monsters ofrece intensas luchas, mientras unos cuantos humanos buscan de alguna forma darle el impulso al héroe Godzilla para conseguir el mencionado equilibrio, satisfactoria por ese lado pero inoperante en cuanto al drama de las personas, sus intenciones y papel en todo ese desequilibrio.

Reinicio de la saga de King Kong que se unifica con el filme Godzilla (2014) de Gareth Edwards para la creación del conocido MonsterVerse, que acaba de estrenar por Apple TV la serie Monarch: Legacy of Monsters (2023) y que su nuevo filme Godzilla x Kong: The New Empire de Adam Wingard está listo para su estreno en 2024.

Kong se ambienta en los años setenta y se centra en un grupo de científicos y militares que son enviados a una misión en la misteriosa y afamada Isla Calavera, donde rápidamente surgirá la figura de este simio gigante que se convertirá en el menor de sus males debido a las fantásticas criaturas que viven en este remoto lugar.

El filme cuenta con un elenco de lujo con nombres como Brie Larson, Tom Hiddleston, Samuel L. Jackson, John Goodman o John C. Reilly, pero que todos sucumben, o que mejor dicho sus personajes sucumben a lo imponente que resulta Kong como el verdadero protagonista del largometraje.

Quizá por este motivo es que los personajes resultan ser tan genéricos: el mercenario galán, la hermosa periodista documentalista o el militar despiadado que busca arrasar con todo, todos resultan poco o nada entrañables y no parece haber interés por cambiar esto en esta clase de películas.

Al final el largometraje cumple con su cometido, entretiene, emociona y es divertida en algunos tramos.

Desconocido largometraje argentino dirigido por un cineasta importante para el cine argentino de la primera mitad del siglo XX, pero que su nombre a quedado rezagado debido al peso de los años y a la poca exposición de su obra.

El filme inicia con la fuga de Leonardo Selvi (Ricardo Trigo), un presidiario que lleva años en la cárcel y que era utilizado por el director del penal como un anhelo para demostrar que la rehabilitación de los presos era posible y así cambiar el arcaico sistema penitenciario que envuelve a los prisioneros en un circulo sinfín.

Sin embargo, la huida del protagonista es un claro golpe bajo a sus intenciones, a partir de ese momento, comienza a leer el expediente de Selvi, situación que es aprovechada por el realizador para mediante diversos flashback conocer su historia y los motivos que lo llevaron a estar en dicha condición.

El guion de la película fue escrita por el propio Torres Ríos en conjunto con Noel Barona, donde el realizador da claras muestras de su talento, el filme ha envejecido bien y tiene como punto alto que se muestra sumamente moderno a pesar de haber pasado ya setenta años de su realización.

La encrucijada se inspira en los policiacos, por momento se acerca al cine clásico hollywodense de la época dorada de inicios de siglo XX, pero es a la vez una obra intimista que busca y cree en la redención, incluso cercana a la religión entendiendo el contexto y claramente sin caer en el moralismo.

María (Ara Medal) es una niña de 11 años que vive junto con su madre Lilibeth (Virginia Sevilla) en las cercanías de un enorme vertedero en Nicaragua, su hogar queda en una zona costera donde tienen un sencillo rancho donde pasan sus días intentando subsistir ante la falta de oportunidades para ambas.

La relación madre e hija no es la mejor, Lilibeth es en general tosca ante su hija que tiene una particular e inquietante personalidad que servirá como detonante, pero ella es fiel en buscar los medios para conseguir dinero y poder mantener el humilde hogar que tienen.

Luego de un puñado de cortometrajes la realizadora nicaragüense Laura Baumeister presenta su primer largometraje, una película que se referencia de algunas conquistas propias del cine de la región latinoamericana (alguna más alabada que otra), navegando entre la porno-miseria y el realismo mágico.

Baumeister que también es guionista propone un filme visualmente atractivo e impactante, mostrando la vivencia de cierta parte de la población, por otro lado la parte onírica contrasta con dicha realidad y tiene un peso relevante para la pequeña protagonista y el mundo que ella crea ante su situación.

Chris Gillhaney (Andrew Scott) es un hombre que trabaja como conductor de una plataforma de viajes privados, sin embargo, siempre se encuentra cerca del edificio corporativo de Smithereens, una gigante red social, Gillhaney realmente urde un plan para secuestrar a un ejecutivo de la empresa y buscar hablar con Billy Bauer (Topher Grace), el creador de esta empresa.

Como es de esperarse, el inexperto secuestrador comete una serie de desaciertos que lo llevan a quedar varado con Jades (Damson Idris) un pasante de la compañía, y con la policía al tanto de su plan, por lo tanto, buena parte del episodio se desenvuelve intentando dilucidar el secuestro y el deseo del protagonista para hablar con Bauer.

Segundo capitulo de la quinta temporada de Black Mirror, escrito como de costumbre por Charlie Brooker el creador de la serie, dirigido en este caso de forma correcta por James Hawes, que había colaborado en la tercera temporada dirigiendo Hated in the Nation (2016).

El anhelo del episodio es generar una critica a las redes sociales y su función en la cotidianeidad de las personas, así como la adicción que estas pueden generar, sin embargo, esto es solo señalado sobre los últimos minutos, el peso más bien recae en la angustia propia por el secuestro y como mediante conexiones tecnológicas se busca contactar a los distintos involucrados.