Glasgow, Escocia, años 70. La historia del filme se desarrolla desde la perspectiva de James (William Eadie), un chico que está entrando en la adolescencia, vive con sus padres y hermanos en un complejo de departamentos para personas de escasos recursos, donde existe un plan de re-urbanización para trasladarlos hacia otro sitio.

Al frente de este lugar pasa un canal cada vez más contaminado debido a la huelga que llevan los recolectores de basura, en este lugar fallece ahogado Ryan (Thomas McTaggart) mientras jugaba de forma brusca con James que se desentiende de la situación, a partir de este momento, James toma el papel protagonista de la obra.

Ratcatcher es el largometraje debut de la realizadora escocesa Lynne Ramsay, que también escribió el guion, fue estrenada en el Festival de Cannes donde en general fue bien recibido, con el pasar de los años Ramsay se ha ido colocando y consolidando como una de las directoras más importantes de su generación.

La película aborda ese particular momento de dejar de lado la infancia y adentrarse en la adolescencia, por tanto, con un contexto muy marcado el protagonista comenzará a experimentar para intentar calzar en la medida de lo posible con todo lo que observa, en un ejercicio que por momentos se volverá un tanto sinuoso.

James se verá marcado por sus amistades, por los chicos mayores con los que se relaciona, por el particular Kenny (John Miller), por la muerte de su amigo, por su primera experiencia amorosa, por el alcoholismo de su padre, por su viaje y anhelo a un nuevo hogar, va creciendo como es la vida, con errores y aprendiendo, pero con un futuro incierto, fiel reflejo de ese triste final.

Durante los siglos XVIII y XIX las naciones indígenas de lo que ahora son los Estados Unidos fueron paulatinamente movilizadas hacía una sectorización desplazándolas de las regiones donde originalmente vivían, en el caso de los Osage fueron arrinconados a Oklahoma a inicios del siglo XX, más específicamente en el naciente condado de Osage fundado en el año 1907.

Para bien -y luego para mal-, la situación de estos indígenas cambió radicalmente cuando se descubrió petroleo en estas tierras, pasando a convertirse en ese momento, según reza unos títulos al inicio del filme, en la población más rica del planeta per cápita, esto va a fomentar la llegada de personas blancas a sus tierras en busca de trabajar para ellos.

Uno de estos personajes va a ser Ernest Burkhart (Leonardo DiCaprio), que movido por la ambición e impulsado por su tío William Hale (Robert De Niro) llega a Osage, Hale es un referente dentro de la comunidad pero en realidad lo que busca es sacar provecho económico de los indígenas de la forma más despiadada.

El plan era que Ernest conquistara a Mollie (Lily Gladstone) una indígena pura, esto para poder meterse en una de las familias Osage para posteriormente ir obteniendo dinero de herencias familiares, el protagonista inicialmente comienza siendo su chofer pero logrará contraer matrimonio y establecer una familia, esa era la primera parte del plan.

Killers of the Flower Moon está basada en los hechos reales de los asesinatos de los Osage ocurridos principalmente durante la década de los años veinte donde se desarrolla el filme, este está basado en el libro Killers of the Flower Moon: The Osage Murders and the Birth of the FBI (2017) del periodista David Grann.

La película cuenta con guion del propio Martin Scorsese junto con Eric Roth, reconocido por los guiones de The Curious Case of Benjamin Button (2008) de David Fincher, Munich (2005) de Steven Spielberg, este escrito con Tony Kushner, o Forrest Gump (1994) de Robert Zemeckis, además de otras colaboraciones más recientes por ejemplo en Dune (2021) de Denis Villeneuve.

El largometraje, con sus tres horas veinte minutos de duración es la última ambiciosa propuesta del octogenario Martin Scorsese, que sigue habido de filmar y no parece pensar en el retiro, Killers of the Flower Moon es realmente una propuesta gigantesca y abrumadora, un drama, un estilo y una forma de hacer cine que simplemente no tiene igual en la actualidad.

En todos los aspectos visuales y de producción la película es un portento de primera clase, lo mismo que las actuaciones del elenco, y si se trata de la historia, es una representación extensa de un mal aquejado en su momento, muchas veces se pierde la perspectiva de lo que le ocurrió al personaje de Mollie, pero vale la pena pensar en ponerse en su lugar.

Aparte que la actuación de Gladstone no desentona, frente a la crudeza de su esposo y Hale, siendo el primero manipulable y torpe pero igual de despiadado que su tío, más frío y seguro de sus intenciones. Una obra formidable sobre los excesos de la ambición, la impunidad y la corrupción.

Hirayama (Koji Yakusho) es un hombre de mediana edad que trabaja limpiando servicios sanitarios públicos en Tokio, a pesar de ser un trabajo sencillo él lo hace con completa dedicación y detalle, en su día a día tiene algunas rutinas -casi- inquebrantables, además tiene afición por las plantas, es un amante de la música, tiene una enorme colección de casetes, es un asiduo lector y gusta de la fotografía analógica.

El filme se centra en mostrar la vida sencilla alejada de lo ostentoso y la cotidianidad del protagonista, en su trabajo y en sus espacios de tiempo libre alimentando sus pasatiempos, esta se ve interrumpida en algún momento por su compañero de trabajo el joven Takashi (Tokio Emoto), y principalmente por la aparición de su sobrina Niko (Arisa Nakano), que va a ofrecer algunas pistas sobre el pasado de este hombre.

Hasta la aparición de ella ha pasado hora y quince minutos de metraje, hasta ese momento, Hirayama apenas y ha hablado con las personas a su alrededor, pequeños saludos y gestos, pero nada más. Con Niko el espectador va a conocer algunos detalles, por ejemplo que tiene familia, una hermana, un padre y que su posición actual no es bien vista, aunque parece ser más fruto de una decisión personal.

Perfect Days es el nuevo largometraje de ficción del realizador alemán Wim Wenders, que como hiciera su coterráneo Werner Herzog en Family Romance, LLC (2018) se va a Japón a filmar, aunque son obras diametralmente opuestas, Wenders escribe el guion de este filme junto con Takuma Takasaki, un multifacético artista japonés enfocado en campañas publicitarias, escritura de novelas, libros ilustrados, entre otros.

Wenders filma con una aparente sencillez que hace ver la realización de películas como algo fácil de hacer, pero claro, nada más alejado de la realidad, y es que la propia historia, la trama del filme parece ser algo sencillo, pero nada más alejado de la realidad, todo lo que muestra Wenders y su director de fotografía Franz Lustig tienen un sentido, llenando de detalles la pantalla y el argumento de la película.

Una obra entrañable donde parece impensado no sentir empatía por su protagonista, con una actuación imprescindible de parte de Yakusho, un tipo noble, trabajador excelente, que vive de forma sencilla sin lujos, que maneja una dinámica de vida donde la simpleza y la tranquilidad está por delante de todo, pero con un gran ojo para esos detalles que por el ritmo de la vida en muchas ocasiones se dejan pasar por alto, inmejorable.

Película que se desarrolla en poco más de un día de verano en una isla donde llega a pasar los días David (Gunnar Björnstrand), un escritor que se encontraba en Suiza trabajando, llega a este lugar a visitar a sus hijos: Minus (Lars Passgård), un inquieto joven de 17 años y Karin (Harriet Andersson), ella tiene un grave trastorno de salud mental, les acompaña su abnegado esposo Martin (Max von Sydow).

Escrito y dirigido por Ingmar Bergman, con apenas un puñado de actores que están esplendorosos, filma uno de sus mejores dramas donde va construyendo los distintos entresijos entre los personajes. El inicio es idílico, una hermosa tarde de verano en familia que sirve también como un reencuentro entre padre e hijos, pero pronto el director va dejando algunas pistas del pasado reciente, respecto al distanciamiento de David con sus hijos o la enfermedad de Karin.

Este segundo punto es el principal en cuanto al conflicto que se desarrolla, Karin se convierte en el centro de las acciones debido a su actuar impulsado por los problemas psiquiátricos que le aquejan, donde el trío de hombres debe hacer frente a como puedan con algo que parece se va a ir complicando cada vez más, en este sentido, Martin se siente como un protector inseparable mientras David se muestra derrotado respecto a la situación por algo sucedido en el pasado, aunque en el cierre se muestra un tanto esperanzador.

Por su parte, Minus se encuentra en una situación compleja, personalmente respecto a su sexualidad, además tener que afrontar el distanciamiento de su padre, que es algo que reciente fuertemente, y peor aun lo que vive su hermana, sin comprender mucho y con temor es quizá al que le toca vivir el momento más complejo dentro de ese fatídico día con tormenta de por medio como un artífice premonitorio de lo que la protagonista va a sufrir.

Obra clave en la filmografía de Ingmar Bergman, bellamente filmada al lado del maestro Sven Nykvist como director de fotografía en la amada por Bergman isla de Faro, que abre su trilogía de la incomunicación y la existencia de Dios que complementará con las también extraordinarias Nattvardsgästerna (Los comulgantes, 1963) y Tystnaden (El silencio, 1963).

Vale la pena contextualizar históricamente un poco antes de hablar propiamente del filme, esto para comprender algunos aspectos que se desarrollan. Esta es una película del Líbano, país árabe de los menos restrictivos en temas religiosos, de hecho los porcentajes de musulmanes y cristianos están bastante parejos en algunos datos, los cristianos se puede decir que ronda el 40% de la población.

El Líbano limita al sur con Israel y como todo país árabe entró en conflicto con el Estado sionista, aunque por diferentes motivos, a finales de los setentas e inicios de los ochenta se acrecentaron los problemas, Israel invadiendo el sur del Líbano para expulsar inicialmente a un brazo de la Organización para la Liberación de Palestina (OLP) y posteriormente para luchar contra el Hezbolá.

La película se desarrolla exactamente en esa frontera sur, donde el ejército israelí a marcado una nueva frontera, invadiendo territorio libanés y separando familias que de la noche a la mañana se van dando cuenta que quedan “al otro lado de la frontera” y por tanto pasan a ser colonizados por los sionistas, esto lo hacen para marcar supuestas zonas de seguridad que son controlados por ellos mismos.

Del lado árabe vive Lamia (Flavia Bechara), una joven de 15 años que es obligada a contraer matrimonio con su primo Sami (Edmond Haddad) que vive al otro lado de la frontera en el nuevo territorio israelí, sin embargo, ella está más interesada en Youssef (Maher Bsaibes), un joven soldado del ejército israelí pero que es libanés ya que también su casa quedó del otro lado con la marca de la nueva frontera.

De esta forma se desarrolla Le cerf-volant, con una protagonista segura de lo que quiere y anhela, una obra que se desarrolla entre el drama y la comedia con un cierre poético que termina de embellecer el relato, es una obra que a pesar de lo compleja que es dentro del argumento, logra disfrutarse gracias a la forma en que su realizadora, que a su vez es guionista, expone las situaciones.

Una obra injustamente poco conocida, lamentablemente Randa Chahal Sabag fallecería cinco años después de su realización y aun más triste, en 2006 se acrecentaron los conflictos entre estos países y ahora en pleno 2024 se ha dado un ataque a la soberanía libanesa, sin duda, Le cerf-volant, ganadora del Premio Especial de Jurado en el Festival de Venecia del 2003 emerge como una propuesta humana en medio de un agreste conflicto.

Largometraje polaco centrado en Eo, un burrito que “trabaja” en un circo presentándose en su espectáculo al lado de su cuidadora Kasandra (Sandra Drzymalska), al llegar a una nueva ciudad las autoridades lo decomisan de acuerdo a las nuevas políticas de prohibir que haya animales en exhibiciones de este tipo.

A partir de ese momento comienza el periplo de Eo, que lo lleva por una variedad de escenarios topándose en el camino una gran variedad de situaciones y personajes variopintos, en toda su travesía encontrara personas que le ayudarán y otras no tanto, mientras va divagando ¿en la búsqueda de su cuidadora?

Luego de siete años de su último largometraje, el experimentado Jerzy Skolimowski presenta esta hermosa y triste película, donde comparte guion con Eva Piaskowska, presentando una obra de escasos diálogos, cosa que no es de extrañar cuando el protagonista es un burro, donde se tiene un enorme poderío visual.

Para Skolimowski la imagen es el medio para comunicar al espectador con Eo y hacer que se siente empatía por lo que este va viviendo, utilizando el ingenio, cambiando el enfoque de la imagen, en un gran trabajo del director de fotografía Michal Dymek, que además filman constantemente en la hora mágica (amaneceres o atardeceres), lo cual deja varias postales para el recuerdo.

Obra sencilla pero realizada de forma excelsa y que deja claro que cuando hay talento se sabe explotar los recursos para contar una historia, parte del legado que dejará Skolimowski, uno de los referentes de la generación de los sesentas denominada Tercer cine polaco, término que se les dio a los cineastas que crecieron en el contexto pos Segunda Guerra Mundial.

Haider (Ali Junejo) está casado con Mumtaz (Rasti Farooq), ha estado desempleado durante largo tiempo mientras su esposa trabaja, Aman (Salmaan Peerzada) su anciano padre vive un tanto desilusionado por esta situación y porque la pareja aun no ha concebido un hijo, mientras su hermano Saleem (Sohail Saber) ya va por cuatro hijas.

El protagonista logra encontrar trabajo como bailarín en un teatro erótico, a pesar de no serlo decide esforzarse por cumplir, en este lugar coincide con Biba (Alina Khan), una artista transexual que está preparando un espectáculo, ella será la persona que lo contrata y con quién comienza a tener una aventura.

Primer largometraje para el director pakistaní Saim Sadiq, que escribió el guion en conjunto con la estadounidense Maggie Briggs, una historia donde aunque parece que el protagonista es Haider, su pareja es igual de importante para la trama, su vida está sumida en una cultura con particularidades que le impiden desarrollarse como persona.

El peso de la pareja por tener hijos, y varones, es cada vez más grande, además de la situación laboral, donde Mumtaz hace lo posible por seguir trabajando para valerse por sí misma, mientras es presionada por una sociedad que dice que la mujer debe estar en casa luego de contraer matrimonio y cuidando a los hijos.

De esta forma, Sadiq desarrolla su filme, mientras desde la perspectiva de Haider se observa como se va involucrando con Biba, entendiendo también el contexto de la familia y del lugar donde se encuentran no es del todo abierto, el realizador logra manejar de forma acertada los hilos narrativos explorando incluso algún detalle más, por ejemplo con Aman y la vecina.

Joyland sirve para que el director explore esas particularidades represivas en la sociedad de su país, las expone y crítica pero sin caer tampoco en lo panfletario, además que la historia está muy bien contada y se sostiene bien, siendo el final bastante fuerte, para dejar finalmente una obra donde se anhela la libertad en sus múltiples formas.

El Diablo (Stig Järrel) tiene un ojo inflamado y todo parece indicar que es un orzuelo provocado por la castidad de la joven Britt-Marie (Bibi Andersson), ante esto e impulsado por sus dos mejores asesores, opta por enviar a la Tierra a Don Juan (Jarl Kulle), un galante joven de mirada seductora que se encuentra pagando penitencia en el infierno.

El plan es que este logre seducir a Britt-Marie y hacer que caiga en pecado, Don Juan pide lo acompañe su asistente Pablo (Sture Lagerwall), alivio cómico con el que emprende la misión, así mismo, Satanás desconfiado envía a la tierra a su mejor demonio (Allan Edwall) para que les de seguimiento y no se desvíen del trabajo.

Djävulens öga fue escrita por Ingmar Bergman, un filme de corte cómico que aun hoy en día tiene una comedia incisiva muy acertada, a pesar de que no fue una obra bien apreciada por su realizador, además ofrece al espectador algunas ideas respecto a la religión así como la concepción de Dios, el diablo, el cielo y el infierno siempre tan latentes en la filmografía del maestro sueco.

Además de lo divertida, la contextualización que se hace del infierno y sus personajes deslumbra en inventiva, es sencilla pero efectiva y nada terrorífica, presentando a sus personajes con una moda victoriana despampanante, así mismo, la naturalidad como se presenta la penitencia y por ende sufrimiento de don Juan, todo de forma muy fluida y orgánica.

Película sencilla y atractiva donde como es de esperarse, todo sale mal o al revés en la misión de este par en la Tierra.

Una de las tantas obras cumbre del expresionismo alemán que tuvo especial auge durante la década de los 20 del siglo pasado, para Murnau, Nosferatu es una de sus principales obras y por la cual es más reconocido, el filme cuenta con guion de Henrik Galeen y como es conocido es una adaptación no autorizada de Dracula (1897) de Bram Stoker.

La película se centra en Hutter (Gustav von Wangenheim), un joven que movido por la ambición y el impulso del misterioso agente de bienes raíces Knock (Alexander Granach), se dirige a los Cárpatos para venderle una casa al conde Orlok (Max Schreck), un misterioso personaje que vive en un castillo y que llevará la peste y la muerte a la ciudad de Wisborg.

Una obra con más de cien años que ha alcanzado un gran culto a su alrededor, donde Murnau explota al máximo los recursos disponibles, con una filmación sombría donde sin duda lo mejor es la caracterización del personaje de Orlok, o Nosferatu, con el cuerpo fino y delgado de Schreck, además del trabajo de maquillaje y prótesis.

Siempre al ver un largometraje de esta época, silente, en blanco y negro, hay que contextualizarse en el momento, pensar en las actuaciones y como se actuaba en ese entonces, no se puede pretender otra forma, además de lo expresivos que debían ser en los filmes mudos, ni que decir algunos momentos que en este momento pueden ser señalados como “inocentadas” dentro de la trama.

Aun con esos detalles, Murnau y su Nosferatu deja momentos desesperanzadores y algunas secuencias que claramente se quedan en la mente del espectador, no tanto por temor pero si por el poderío visual que estas dejan, prácticamente todas donde aparece Orlok. De visión obligatoria para cinéfilos.

Batman (Robert Pattinson) combate con el crimen durante la noche, cuenta con un único aliado, el teniente Gordon (Jeffrey Wright), cuando un despiadado y brutal criminal apodado The Riddler (Paul Dano) aparece asesinando a varias personalidades de la élite de Gotham, el héroe comenzará a sumergirse en el mundo criminal de una ciudad devastada por la corrupción.

El Acertijo trabaja igual que Batman, desde las sombras, va dejando un rompecabezas con cada víctima que el protagonista deberá ir armando para intentar dar con este personaje, que resulta ser un enigma metódico. En el proceso de investigación, Batman conoce a Selina Kyle (Zoë Kravitz), ella tiene sus propios intereses alrededor de los criminales que está investigando, buscando su propia venganza.

Nuevo reinicio para Batman, en este caso de la mano de Matt Reeves que además de dirigir con gran pulso e inspirado en la imagen dada por Christopher Nolan en sus filmes, es el encargado de la escritura del guion en conjunto con Peter Craig, conocido principalmente por ser parte de los guionistas de The Town (2010) de Ben Affleck o de la última parte de The Hunger Games (2014-2015) de Francis Lawrence.

La historia tiene mucho interés y el espectador deberá ir armando el puzzle que va proponiendo el antagonista de la película, Paul Dano tiene pocas escenas pero está maravilloso, lo mismo que John Turturro como Carmine Falcone, jefe de la mafia que es parte de toda la maraña que Batman busca dilucidar tras convertirse en el objetivo final del Acertijo.

Visualmente el largometraje es un portento, la ambientación oscura de una ciudad perdida con un héroe que es igual de oscuro está muy bien conseguida, un papel a la medida para Robert Pattinson, además la mezcla entre el drama alrededor de lo que se devela para el protagonista, frente a la acción es bastante efectiva, todo bien acompañado de una gran composición de Michael Giacchino.

Aleksei (Franz Rogowski) es un joven bielorruso que llega de forma ilegal a Francia, busca unirse a la Legión Extranjera, rama del ejercito francés que como su nombre lo indica es para personas extranjeros que quieren servir a Francia, este es un medio para alcanzar la residencia y posteriormente la nacionalidad de este país europeo.

Este filme es la ópera prima del realizador italiano Giacomo Abbruzzese, que es también el autor del guion y de su edición, quien previamente había realizado varios cortos y mediometrajes, algunos de ficción y otros documentales, en Disco Boy expone varios temáticas actuales y presenta una obra muy diversa en cuanto a estilo.

Inicialmente expone el tema de la migración, esta generalmente se toma desde el continente africano, acá lo hace a lo interno de Europa que también es algo que se da de forma constante, por otro lado, cuando aparece el personaje de Jomo (Morr N’Diaye), que es el cabecilla de un grupo armado que busca la emancipación del delta del Níger.

En ese momento se crítica la explotación de los recursos y el manejo de esta por parte de industria extranjera en África, para luego pasar a unas secuencias un tanto tribales, esto con la aparición de Udoka (Laetitia Ky), donde tiene importancia la danza, ahora, el tema de la música va a estar presente a lo largo del filme, basta con ver el título de la película.

La confrontación bélica que se da está filmada de noche y se utilizan cámaras infrarrojas lo que le da una perspectiva curiosa, para finalmente cerrar con un apartado un tanto metafísico que le ocurre al personaje de Aleksei, convertido ahora en Alex tras su paso por la Legión y haber adquirido la residencia.

Ahora, habrá quiénes encuentren esta diversidad temática desordenada o superficial, sin embargo, Abbruzzese logra salir adelante con su propuesta y su historia, ya que no se pierde el hilo del relato y de las aspiraciones y desilusiones que tuvo el protagonista a lo largo de la hora y media del metraje.

Bellamente filmada, la experimenta directora de fotografía Hélène Louvart se llevó el premio a la Contribución artística sobresaliente en el Festival de Berlín donde la película tuvo su estrenó, sugestiva e interesante.

Miniserie de seis capítulos distribuida por Netflix, creada y dirigida por Nicolas Winding Refn, realizador danés que ya había trabajado con este formato con la miniserie Too Old to Die Young (2019), Refn ha afianzado un estilo muy particular que no dejará a nadie impávido, desde el aspecto visual, pasando por las historias que cuenta y cómo las cuenta y las actuaciones de su elenco.

Copenhagen Cowboy cuenta con guion trabajado por Sara Jønsson, Johanne Algren y Mona Masri, el trío de mujeres laboran los episodios en ocasiones solas y en otras acompañadas, aunque la serie fue creada por el realizador y ahí es donde deja su marca, con personajes que aparecen uno cada vez más despreciable que el anterior, en un contexto criminal y moralmente caído.

La serie tiene como protagonista a Miu (Angela Bundalovic), una chica pequeña, con el cabello corto y delgada, que se muestra frágil ante la cámara, su rostro es limpio y su mirada penetrante, detrás de esa imagen se esconde una gran fuerza, Miu es una especie de heroína con poderes psíquicos, que también puede enfrentarse mano a mano con cualquiera tipo en una pelea aunque le doble la estatura o le triplique el peso.

Ella recorrerá un oscuro Copenhagen en la búsqueda de venganza, un espacio que la trama la llena de sucios traficantes y proxenetas, como se hizo mención anteriormente, cada personaje que aparece en escena parece más despreciable que el anterior, son seres ofensivos y detestables, por eso no es complicado ponerse del lado de la protagonista, ante un contexto tan agreste, y claro, ella tiene las armas con que hacerle frente.

La serie se desarrolla con un ritmo calmo, parte de la marca de este realizador, que no corre prisas, un ritmo que puede ser aburrido para una parte del espectador, acompaña esto con un poderío visual y con esa onda neón que sabe manejar también, a esto se le suma la música de colaboradores constantes tanto en etapas iniciales de su trabajo como más actuales: Cliff Martínez, Peter Kyed, Peter Peter y Julian Winding.

Una excelente selección musical, que se acompaña también de buena forma con algunos sonidos estridentes que se van utilizando, incluso con las propias peleas, alejándose de sonidos de golpes y demás cambiándolos por otros, como ocurre en la pelea de Miu contra Chiang (Jason Hendil-Forssell), formula que puede resultar algo anti-climática y sosa, como en general se ven las peleas.

Copenhagen Cowboy es una serie para personas que ya se hayan acercado a la obra de Winding Refn, o bien, aquellos con la mente bastante abierta para ver algo diferente, porque se está ante un thriller criminal pero realizado con aspectos muy alejados de los convencionalismos que estos géneros pueden traer consigo, eso sí, se construye una protagonista fuerte con un contexto amplio y con un final abierto, Refn confirma que ya tiene escrita la segunda temporada.

Ambientada en la Suecia del siglo XIV, el filme se centra en una familia, Töre (Max von Sydow) es el patriarca, un día envía a su inocente e inmaculada hija Karin (Birgitta Petterson) a llevar un encargo a la iglesia, para no ir sola, esta le dice que deje ir a Ingeri (Gunnel Lindblom), la criada de la familia que está embarazada y que no es muy bien vista por la familia.

Así, estas dos jóvenes emprenden el largo viaje para ver al capellán, ellas deberían estar de regreso al atardecer, sin embargo durante el trayecto se topan con tres hermanos pastores de cabras, estos se van a acercar amistosamente aunque con la simple imagen y construcción que se realiza de ellos son claras las intenciones que estos hombres van a tener.

Esta fue la segunda colaboración entre Ingmar Bergman y la escritora sueca Ulla Isaksson, aunque contrario a Nära livet (En el umbral de la vida, 1958) donde ambos escribieron el guion, acá Isaksson lo escribe en solitario y el resultado para Bergman en general fue deficiente, achacando la culpa en que no pudieron compenetrarse como si lo hicieron en 1958.

Jungfrukällan presenta una historia sencilla y lineal con un cierre donde hay una critica a Dios y su silencio, aunque la obra termina siendo conciliatoria. Esta parte confortativa ante Dios va a ser una constante en Ingmar Bergman en obras posteriores, quizá alcanzando su punto máximo en Nattvardsgästerna (Luz de invierno, 1963).

En cuanto a Jungfrukällan se debe mencionar que está muy bien ambientado, la utilización de maquetas para los escenarios es efectiva, una historia fuerte y dolorosa, con personajes muy definidos en su posición y que se antoja realista. Una buena película que no era de las más apreciadas por su realizador.

Largometraje de la República de Serbia y Montenegro, país de corta data que nació en 2003 tras la desintegración de lo que quedaba de Yugoslavia tras la cruenta guerra de los Balcanes, esta fase posterior a la desestructuración del Estado socialista yugoslavo que se fue consolidando a partir de 1992.

Jagoda u supermarketu es la ópera prima del realizador Susan Milic, que en tono de comedia muestra la llegada del capitalismo a su tierra, esto mediante la apertura de un supermercado influenciado totalmente por la cultura estadounidense, donde la dueña (Mirjana Karanovic) hace lo posible por ofrecer una experiencia “americana” en las compras.

En este lugar labora como cajera Jagoda (Branca Katic), una mujer que se deja entrever que anda en busca del amor y que tiene un desatino el día inaugural del supermercado, al día siguiente la cotidianeidad del trabajo se ve interrumpida cuando un hombre fuertemente armado asalta el lugar y se atrinchera ahí mismo.

Este hombre es Ratnik (Srdjan Todorovic), que tras una imagen agresiva tiene un motivo claro del porque llega a atracar este lugar, como es de esperarse las autoridades policiales buscan la mejor solución para este evento, así se va a ir desarrollando el conflicto a lo largo de los 83 minutos que dura el metraje.

Como se ha hecho mención el filme es una comedia desfachatada, de risa fácil y de gags donde funciona muy bien Todorovic, con sus gestos y movimientos, pero para Milic que es también guionista de la película, es la oportunidad para ofrecer algunas ideas livianas sobre el conflicto en los Balcanes.

El largometraje cumple con su cometido, tiene momentos divertidos y funciona también como romance en su momento, una propuesta ligera que recuerda en algunas secuencias a Dog Day Afternoon (1975) de Sidney Lumet, en un homenaje que incluso funciona bastante bien.

Hay películas y cineastas que logran trascender más allá del espacio físico del cine y de la simpleza de sentarse en una butaca, ver un filme como medio de entretenimiento o denuncia y luego dejarlo de lado. Tristemente Hu Bo y Da xiang xi di er zuo -su único largometraje-, lograron traspasar esa barrera, alcanzando este estatus debido a la grandeza de su obra y a su lamentable deceso incluso antes de estrenar el filme.

Hu Bo escribió y dirigió dos cortometrajes antes de dar el gran salto, Ye ben (Night Runner, 2014) y Jing li de ren (Man in the Well, 2016), además de escribir el guion de Distant Father (2014) de Chao Fan, que a su vez fue el director de fotografía de Da xiang xi di er zuo. La labor del realizador la complementó como novelista, habiendo publicado Da lie (Huge Crack, 2017), Niuwa (Bullfrog, 2017) y de forma póstuma Yuan cha de la mo (Farewell to the Faraway, 2018).

De hecho su ópera prima está basada en un cuento corto que aparece en Da lie, del cual evidentemente el realizador se encarga de la escritura del guion de su película, que va a abordar durante casi cuatro horas de metraje, siendo este punto el que le llevó problemas con los productores del filme, que le exigían un corte de dos horas de duración, ante esta lamentable situación Hu Bo decidió acabar con su vida.

Da xiang xi di er zuo se desarrolla a lo largo de un día, desde el amanecer hasta el anochecer, tiene a cuatro personajes protagonistas: Wei Bu (Yuchang Peng) un joven estudiante de secundaria, Huang Ling (Uvin Wang), amiga y compañera de clase, Yu Cheng (Yu Zhang) un criminal de la zona y Wang Jin (Zi Xi), un anciano que vive con su pequeño perro, estos personajes se irán interrelacionando de una u otra forma a lo largo del metraje.

Hu Bo va tejiendo la trama a paso lento y con paciencia, pasa mucho en el filme a pesar de que su ritmo pueda decir lo contrario, los personajes se mueven de un lado a otro, mientras cada uno va teniendo sus propios conflictos e incluso rencillas entre ellos, todos pasan siempre moviéndose mientras Wei Bu se interesa inicialmente por tomar un tren e ir a Manzhouli, donde se supone que hay un elefante que pasa todo el día sentado y quieto.

El interés de Wei Bu lo va a traspasar posteriormente a sus co-protagonistas, donde por algún motivo de sus respectivas particularidades, se van a ver impulsados a tomar ese tren para ir a este lugar cerca de la frontera con Mongolia y Rusia. El día avanza implacable para estos personajes, mientras sus conflictos alcanzan las cotas más altas, Wei Bu con su familia, Huang Ling con su madre, Wang Jin con su hijo y Yu Cheng en un lío amoroso.

Es claro que Hu Bo presenta una obra bastante apática y pesimista, no solo por lo que viven sus personajes en sus conflictos internos, sino en el contexto en el que lo viven, porque el realizador deja información sobre la sociedad china y -por qué no- mundial: cierre de instituciones educativas, matonismo, corrupción, impunidad, crimen, deslealtad, marginación de los ancianos, el abrasivo paso al capitalismo que no le da a todos por igual.

A destacar la labor de Chao Fan que logra un trabajo impecable, ciertamente el filme se observa muy bien coreografiado, la cámara siempre en buena posición desenvolviéndose alrededor de los personajes con sutiles movimientos y paneos, otro punto a destacar la música y su uso, a cargo de Hua Lun que logra una mezcla con sonidos muy contemporáneos y estridentes, además del gigantesco trabajo de montaje realizado por el propio director.

Hu Bo luchó por que su obra saliera íntegra como él la pensó, la filmó y la buscaba montar, esto probablemente le costó la vida, por tanto, hay que ver este largometraje como un verdadero testamento fílmico, con la desesperanza que el realizador observaba en un contexto y una sociedad que lo terminó por absorber.

Miguel Garay (Manolo Solo) fue un director de cine, durante la filmación de su segundo largometraje a inicios de los noventa desapareció Julio Arenas (José Coronado) afamado actor español que era el protagonista del filme y su amigo. Después de esto la película nunca se terminó, Garay se alejó del cine y Arenas nunca fue encontrado, la hipótesis fue que se suicido lanzándole de un acantilado.

Dos décadas después de este evento, un programa de televisión de misterios sin resolver dirigido por Marta Soriano (Helena Miquel), trae el caso a acotación, para esto invita a Miguel a presentarse a una entrevista, esto hará que él vuelva a este acontecimiento que sin duda marcó su vida, poco a poco comienza a acercarse a personas conocidas en aquellos tiempos, mientras intenta dilucidar que sucedió.

Obra que marca el regreso de Víctor Erice a los largometrajes de ficción, cuarenta años después de El Sur (1983), posterior a esta estuvo rodando documentales, cortos y filmes episódicos en conjunto con otros realizadores, entre otras propuestas audiovisuales. El guion de esta fue escrito en conjunto entre Erice y Michel Gaztambide, conocido principalmente por el guion de No habrá paz para los malvados (2011) escrito en conjunto con Enrique Urbizu director de dicho filme.

El regreso de Víctor Erice con Cerrar los ojos es uno de los eventos cinematográficos del año, estrenada en Cannes fuera de concurso es un trabajo sumamente pretencioso, casi tres horas de metraje donde el realizador desarrolla una historia que trata sobre el recuerdo y la memoria, con una dirección exquisita donde el realizador da muestras de su experiencia y excelencia, con su director de fotografía Valentín Álvarez filma un trabajo visualmente sencillo pero eficiente.

Además, Erice brinda un claro homenaje al cine, dejando múltiples referencias al arte que desarrolla, filmes y directores pero el más hermoso es el que habla de los milagros de Dreyer y el cine, presenta el subgénero de “Cine dentro del cine”, siempre atractivo, de hecho la primera secuencia del filme es precisamente del largometraje que estaban realizando cuando desapareció Arenas.

Cerrar los ojos termina siendo una obra cautivadora y misteriosa, aunque un poco extensa, puede palidecer un poco el último tercio ante la resolución que se le da al misterio alrededor de Arenas, la película cuenta con un elenco amplio donde Manolo Solo ofrece una enorme actuación sosteniendo casi todo el metraje, buen filme.

Película para televisión centrada en Herrn (Uno Henning), un señor mayor que vive junto con su criada Louise (Mona Malm), en un edificio de apartamentos, pasa sus días compartiendo con su hermano Brodern (Ingvar Kjellson). Justo en el piso de arriba del edificio donde vive se ha pasado a vivir Gerda (Gunnel Broström), su exesposa con su nueva pareja.

Ella lo había dejado algunos años atrás y se había ido junto con la pequeña hija de ambos, este regreso y el inevitable encuentro que van a tener es el sustento de este filme, mientras una poco metafórica tormenta se va acercando conforme el conflicto central va asomándose, de ahí también el título del largometraje.

Oväder es el primer trabajo de Ingmar Bergman relacionado con la obra del reconocido escritor y dramaturgo sueco August Strindberg, en este caso el filme está basado en la obra de teatro homónima (1907), parte de su etapa más tardía como escritor acercado a la corriente expresionista, aunque este texto en particular parece un tanto alejado a este movimiento.

La película bebe fuertemente de su génesis teatral, como pasó en los filmes para televisión realizados por Bergman en este año, los diálogos, incluso las actuaciones, la puesta en escena, los pocos escenarios y demás, remiten completamente a una obra de teatro, salvo algunas escenas todo se observa muy teatral.

En cuanto a la historia, parte de una premisa llamativa, maneja una construcción correcta y el encuentro entre los protagonistas va a ser su clímax, donde la amabilidad inicial va a dar paso pronto a viejas rencillas y reclamos que van a aparecer en pantalla, se queda con la sensación que es una obra correcta pero sin relevancia alguna.

II Guerra Mundial. Un grupo de soldados británicos encabezados por el comandante Smith (Richard Burton), acompañados por el teniente estadounidense Schaffer (Clint Eastwood) son asignados a una compleja misión en territorio alemán, rescatar al general Carnaby (Robert Beatty), quien fue capturado y se corre el riesgo de que en un interrogatorio de información relevante para la contraofensiva de los aliados.

La tarea es sumamente complicada, se trata de un paraje nevado, montañoso, para acceder a un castillo que es utilizado como fuerte por los alemanes, con varias decenas de soldados, las condiciones climáticas y geográficas ponen en vilo la misión. Sin embargo, la situación se va volviendo más compleja debido a la aparición de agentes secretos que podrían entorpecer la misión.

La película tiene como fuente la novela homónima (1967) del escritor Alistair MacLean, aunque ciertamente escribió el libro y el guion al mismo tiempo, una obra de aventuras épica de dos horas y media de duración, donde la mayor parte de este se enfoca en un espionaje bien manejado e incluso intriga, esto es lo más valioso de la propuesta, gracias a los pequeños detalles que se van soltando y que llegan incluso hasta la última escena del filme.

Pequeñas dosis de acción a lo largo del filme que se rematan en unos excesivos 40 o 50 minutos de acción trepidante sobre el final, si bien era difícil ingresar a este lugar, atropelladamente lo lograron hacer de la forma más sigilosa posible, pero la huida debía ser legendaria y no había espacio para la discreción, aunque es claro que se vuelve muy reiterativa y larga en esa parte.

Brian G. Hutton dirige con gran pulso, hay que destacar que Where Eagles Dare es una producción enorme, con grandes escenarios y extras, una ambientación formidable en el vestuario, una lástima que hay varias cosas realmente inverosímiles que dejan mucho que desear, aunque se pueden obviar y disfrutar del filme como el espectáculo que ofrece.

Suecia, 1846. Un grupo circense viaja en una pequeña caravana, el mago Albert Emanuel Vogler (Max von Sydow) es el regente, viaja acompañado de su esposa Manda (Ingrid Thulin), su supuesta abuela la anciana (Jaima Wifstrand), Tubal (Åke Fridell) y Simson (Lars Ekborg) el cochero, ellos van de pueblo en pueblo llevando su polémico espectáculo, que mezcla trucos, hipnotismo, magia, pócimas, encantos, clarividencias.

Al acercarse a una nueva ciudad son interceptados por un grupo de escépticos que encarnan un tipo de comité que les solicita realizar el espectáculo para burlarse de ellos, este grupo está conformado por aristócratas, el Dr. Vergerus (Gunnar Björnstrand), ministro de salud, Starbeck (Toivo Pawlo) el superintendente de la policía y el cónsul Egerman (Erland Josephson).

El filme se desarrolla principalmente en la mansión de Egerman, donde estas personas son hostigados, especialmente Volger como la cabeza del grupo, paralelamente a esta parte central se inducen pequeñas historias paralelas, en interacciones de Tubal y Simson con las criadas, o el mismo protagonista con la esposa de Egerman.

Bergman, guionista y director utiliza un elenco muy amplio y no deja cabos sueltos, acá muestra un guion maduro y una historia que navega entre el humor y el terror (claramente uno muy diferente al actual), el clímax que enfrenta a Vogler y a Vergerus es simplemente excepcional, la utilización de espejos va a ser vital en esta secuencia, en el gran acto que a logrado montar el protagonista.

A partir del año 1957 Bergman entró en una etapa muy curiosa, mezclando una parte muy exitosa con películas como Det sjunde inseglet (El séptimo sello, 1957), Nära livet (En el umbral de la vida, 1958), Smultronstället (Fresas salvajes, 1958) o Ansiktet (El rostro, 1959), filmes premiados en los festivales de Cannes, Berlín y Venecia, los únicos en su carrera en llevarse premios principales.

Conjuntó esto con obras por encargo para televisión de bajísimo perfil como el mediometraje Herr Sleeman kommer (Llega el señor Sleeman, 1957), Venetianskan (La veneciana, 1958), Rabies (Rabia, 1958), Oväder (La tormenta, 1960), o incluso Ett drömspel (Una obra de ensueño, 1963), un poco posterior que cierra esta etapa, años después volvería a realizar filmes para televisión pero con obras mucho más personales.

Volviendo a Ansiktet, conocida también como El mago, la película tiene un desarrollo que logra mantener al tanto al espectador, en la presentación de esta dualidad entre las personas de ciencias frente al grupo de ilusionistas que son objeto de burlas, finalmente la audiencia también puede ver al protagonista como una especie de redentor o bien como un burdo farsante, ese es el juego que el director quiere plantear.

Hay que destacar la música de Erik Nordgren, constante colaborador de Ingmar Bergman, si bien esta no está presente en todo momento, los instantes en los que suenan sus notas son vitales y logra transmitir las sensaciones acorde a lo buscado en la historia. Así como la fotografía en blanco y negro de Gunnar Fischer, otro de los recurrentes del director, que logra envolver tanto el misterio como el sentido burlón que tiene la obra.

Ansiktet no es de los filmes más reconocidos de la carrera de Bergman, pero bueno, tiene enormes películas por tanto no es de extrañar, pero al fan que ha visto todas sus obras maestras debe acceder a este otro tipo de trabajos, y para las personas que por uno u otro motivo están algo alejados de este cineasta, esta es una obra totalmente accesible y un buen inicio.

Ja Chunsam (Seung-ho Kim) es un humilde cochero que trabaja con un caballo alquilado halando una rústica carreta llevando paquetes, en un momento histórico donde esta labor se está quedando en el pasado frente a la aparición cada vez más constante de automóviles, por tanto, cada vez se gana menos dinero.

Chunsam es viudo y hace lo posible para sacar adelante a sus cuatro hijos, dos hombres y dos mujeres, una de ellas es muda y está casada, la otra se avergüenza de su padre y busca mejorar su condición económica, de los hombres el más grande está estudiando para pasar un examen de admisión, mientras el menor, comienza a meterse en algunos problemas de robos.

Mabu fue el primer filme surcoreano en alcanzar relevancia en alguno de los festivales más importantes del mundo, específicamente en la edición 11 del Festival de cine de Berlín donde se llevó el Premio especial del jurado, convirtiéndolo en el segundo mejor largometraje de dicho certamen.

La película presenta un áspero drama por todos lados, los hijos tienen sus dificultades pero el que carga el peso de todo es el padre, que debe velar por subsistir con los cuatro, en condiciones que cada vez se vuelven más complejas, una obra sencilla con buenas interpretaciones y con un cierre que brinda esperanza.