Morán (Daniel Elías) trabaja como empleado de un banco, la monotonía de sus labores se irrumpe cuando ejecuta un planeado robo donde pronto involucrará a Román (Esteban Bigliardi), compañero de trabajo con el que realiza un trato con respecto al dinero, Morán decide entregarse a las autoridades mientras Román esconde el dinero.

Los delincuentes es una ambiciosa propuesta de Rodrigo Moreno, coproductor, director y guionista del filme, un largometraje de tres horas de duración con un atraco de por medio pero alejada del convencionalismo de este tipo de filmes, de hecho, esto ocurre apenas en los primeros minutos, centrándose en lo posterior e ingresando al territorio del drama y el romance.

Realmente es sorprendente (no para bien) el giro que plantea el realizador, alrededor de la figura de Norma (Margarita Molfino), que se interpone en el objetivo de los protagonistas y que va a ofrecer un panorama muy distante del objetivo inicial del argumento, que al final termina siendo una excusa para ahondar en esos otros detalles.

En Los delincuentes el robo queda de lado, pierde peso en el relato y además, alguna otra historia queda también a medio camino, por ejemplo la situación del líder de la cárcel, que lo que sirve es para la entrada del personaje femenino, o bien, la situación de Román y su pareja, que al final, hay muchas facilidades de guion que molestan.

Una obra a medio camino que termina dejando muchas dudas, bien filmada, con actuaciones -eso sí- apenas aceptables, tres horas de ritmo pausado que dentro de la propuesta es acorde con lo que se muestra pero que al final, parece que no llega a absolutamente nada especialmente con el cierre de la película.

Últimas semanas de 1970, secundaria Barton, un internado ubicado en Nueva Inglaterra. Paul Hunham (Paul Giamatti) es un tosco docente de Historia en esta institución, con una metodología propia de aquella época no tiene piedad ni buen trato con sus estudiantes, es un hombre curtido en su profesión y autoritario en su objetivo de formar.

Uno de sus estudiantes es Angus Tully (Dominic Sessa), mostrado como el típico joven rebelde con el que va a tener rencillas, especialmente cuando deben pasar las festividades de fin de año -dos semanas- en la institución juntos, solos al lado de un puñado de estudiantes y de Mary Lamb (Da’Vine Joy Randolph), una de las cocineras del colegio.

Con este panorama de personajes donde los hombres no pueden soportarse y con el personaje femenino sirviendo como mediador pero también con una procesión interna, ciertamente las poco más de dos horas de duración van a funcionar para conocer del pasado de los personajes para comprender actitudes del presente.

David Hemingson es el escritor de este gran guion, donde logra concretar una historia muy sentida que tiene un buen desarrollo de personajes, cada uno bien enmarcado. Payne logra a su vez una dirección perfecta, sacando lo mejor de su elenco, la contextualización de la obra es también idónea.

The Holdovers es una obra que pareciera sencilla pero que deja de fondo un enorme mensaje, y es que a pesar de las diferencias evidentes que pueden tener las personas, cada uno en su condición, siempre hay algo detrás de esa fachada inicial y el descubrimiento de puntos, tal vez no comunes, pero si de condicionantes particulares sobre la vida y sus dificultades.

Punto aparte la actuación de Paul Giamatti, de las mejores del año y que consigue darle vida a un personaje igual, de los mejores de la temporada, un tipo lleno de conocimientos pero que no tiene el tacto de comprender y conocer a sus estudiantes, propio a su vez de su contexto y origen, además que tiene las mejores frases peyorativas de la historia.

Gran filme.

Largometraje por episodios compuesto por ocho cortometrajes realizados por nueve realizadores suecos, Hans Alfredson y Tage Danielsson compartieron crédito en uno de los filmes, la película fue un proyecto del Instituto Fílmico de Suecia, que se encargó de contactar a los directores y venderles la idea de este, según cuenta Molander.

Habría que indagar el interés del Instituto Fílmico de Suecia por realizar una obra de estas características, lo más probable es que quisieran juntar a algunos de sus realizadores de mayor renombre en el siglo pasado, un mítico Molander que contaba con más de una década retirado o Ingmar Bergman, el presente de la cinematografía sueca en aquel entonces.

A ellos se les puede sumar Sjöman, que casualmente en esa década de los sesentas fue donde alcanzó sus mejores momentos, especialmente con su polémica Jag är nyfiken (Soy curiosa, 1967-1968). A ellos les acompañan otros directores de menor trascendencia fuera de tierras nórdicas, especialmente con trabajos para la televisión.

En un ejercicio curioso, todos los directores antes de que inicie su cortometraje realizan una breve exposición donde esclarecen un poco la génesis de su filme, esto que por cierto, según Sjöman, es parte de una ley de protección de autor que le da el derecho al artista para comentar y explicar sus obras.

Aunque bueno, también está la parte del título del filme, Stimulantia, estimulantes, que básicamente se refiere a cualquier medicamento o sustancia que sirve para estimular, así, dentro de lo que hablan sus realizadores antes de sus cortometrajes, muchos hacen énfasis en que los movió (estimuló) para filmar dichas obras.

A continuación, un breve esbozo de cada uno de los cortometrajes en orden de aparición:

Upptäckten (El descubrimiento) de Hans Abrahamson, es básicamente una especie de docuficción y homenaje alrededor de la figura de Charlie Chaplin y el anhelo del director por llegar a la casa donde nació.

Det var en gång två älskande… (Érase una vez dos amantes…) de Jörn Donner, con el interés de filmar pornografía sin serlo, es una ficción sobre una pareja que llega a un cuarto de hotel, un motivo interesante por lo menos.

Konfrontationer (Los enfrentamientos) de Lars Görling, otro corto con aire de documental, pero con tintes de experimentalismo, en este caso centrado en las carreras, el automovilismo y sus riesgos.

Daniel de Ingmar Bergman, el maestro sueco toma y muestra algunas grabaciones personales de uno de sus hijos desde que nació hasta su cumpleaños número dos años.

Birgit Nilsson de Arne Arnbom, otro trabajo documental y homenaje, en este caso Arnbom se enfoca en la reconocida soprano sueca que le da el título al corto, un ensayo y posterior concierto.

Dygdens belöning (La recompensa de la virtud) de Hans Alfredson y Tage Danielsson, la dupla de directores toma un cuento de Honoré de Balzac, aproximadamente ubicado a mediados del XIX se centra en la denuncia por una violación.

Smycket (El collar) de Gustav Molander, el trabajo más desarrollado, basado en un relato de Guy de Maupassant, tiene a una pareja como protagonista, con el anhelo de aparentar ser de una clase social más alta.

Negressen i skåpet (La negra en el armario) de Vilgot Sjöman, al comenzar el día un hombre despacha a su esposa, más interesado en interactuar con la mujer que vive en su armario.

En conjunto y a modo de conclusión la propuesta no es del todo efectiva, como siempre sucede en este tipo de trabajos la calidad de cada cortometraje es variable, sin embargo, a excepción de los últimos dos, todos los demás son bastante deficientes, aburridos y poco inspirados, incluido Bergman que lo más llamativo es la lectura de un texto de una película que nunca filmó.

Pero en el caso de la obra de Molander, este se toma su tiempo para contar la historia, que ciertamente es sencilla hasta un poco ingenua pero tiene un final devastador, por su parte, Sjöman si se muestra inspirado e incluso juguetón, incluso desde la introducción a su corto, ni que decir durante el desarrollo donde juega con los recursos disponibles.

¿Vale la pena todo en conjunto? No creo, lo vale para el espectador curioso y para llegar tanto a Smycket como a Negressen i skåpet que son excelentes propuestas.

Rudolf Höss (Christian Friedel) es el comandante del campo de concentración de Auschwitz, vive junto con su esposa Hedwig (Sandra Hüller) y sus hijos, viven justo al lado de este lugar donde un extenso muro es el que separa las dos realidades, la de la familia viviendo una vida de ensueño, frente a los atroces acontecimientos que suceden del otro lado.

Contrario a lo común de este tipo de filmes, la historia se centra precisamente en la familia, la pareja protagonista y sus hijos, sus paseos recreativos por la zona, el compartir constante en la rutina familiar y la búsqueda por mejorar del hogar, en una casa impoluta y aséptica que deja un sentir de inquietud a sabiendas de lo que ocurre detrás del muro.

Precisamente el objetivo de la película es no mostrar el agravio acontecido tras el muro aunque el espectador, con un poco de conciencia histórica, lo conoce, y sí no, hay algunas referencias de Höss y otros militares respecto a lo que ocurre y lo que buscan conseguir en ese lugar, mientras siguen en su apacible vida.

El filme está basado libremente en la novela homónima (2014) del escritor británico Martin Amis, cuenta con guion del propio Glazer que logra construir una historia del holocausto y de la II Guerra Mundial alejada de los tópicos comunes del género, dando una perspectiva diferente y fresca que por su forma, no deja espectador impávido.

Claro, no es un largometraje para las masas, no hay “acción” o grandes sobresaltos emocionales, los hay pero dentro de lo que viven sus protagonistas, por ejemplo cuando Höss es asignado a otro sitio, Glazer también deja su particular marca en alguna secuencia dentro de la cotidianeidad de estos y lo que ocurre alrededor, especialmente en una secuencia en particular.

La atmósfera que logra concretar Glazer depende mucho del cuidado trabajo de fotografía de Lukasz Zal, con la cámara estática encuadrando a los personajes y con los ya mencionados escenarios pulcros, generando una sensación de perfección incómoda mientras el mal que les bordea brota en algunos momentos.

Max McCandles (Ramy Youssef) es contratado por el doctor Godwin Baxter (Willem Dafoe) para que viva con él y lleve un registro de los avances de Bella (Emma Stone), la protagonista del filme, su última y más valiosa creación, una mujer con cuerpo de adulta pero con un pensamiento y desenvolvimiento de alguien menor.

La película se centra en el crecimiento y liberación de Bella, que pasa de estar encerrada en la mansión de Baxter a una época de aventurera donde viajará al lado de Duncan Wedderburn (Mark Ruffalo), explorando su sexualidad, de hecho, la obra es una clara representación de la emancipación sexual de la mujer.

Mientras tanto, paralelamente se va conociendo parte de su pasado y génesis, puesto que es claro desde el inicio que Bella no es una persona normal, y presenta algunas particularidades de sus años previos que no solo el espectador sino también ella van a ir descubriendo, lo cual moldeará el último tercio del filme.

Poor Things es el nuevo largometraje del particular realizador griego Yorgos Lanthimos, basado en la novela homónima (1992) del escritor Alasdair Gray, cuenta con guion de Tony McNamara, siendo la segunda colaboración de ambos luego de The Favourite (2018). Una obra de corte fantástico, comedia y erotismo.

Lanthimos se muestra virtuoso detrás de cámara y con una enorme inventiva, sin embargo, el recurso visual no lo es todo y llega un punto en que tanto adorno es molesto, en cuanto al argumento, la historia si bien tiene un inicio interesante, pronto se pierde y vuelve repetitiva, hay un exceso de metraje y se vuelve cansina.

De lo mejor del largometraje sin duda son las actuaciones, especialmente Stone y Ruffalo, la primera logra manejar el peso del filme sin ningún problema por las distintas capas de su personaje, el segundo se muestra irreconocible y sobre todo, ambos con interpretaciones arriesgadas que logran sacar adelante.

Como lo hicieran en Amores perros (2000) el dueto Iñárritu en dirección y Arriaga en guion, presentan la segunda parte de su Trilogía de la muerte, teniendo como nexo de esta presentar sus historias mediante el recurso de historias cruzadas, aunque ciertamente acá parece que se pierde un poco la sutileza y al filme le cuesta organizarse hasta avanzados los primeros cuarenta minutos de metraje.

Los protagonistas de esta simbiosis son tres personajes tan distantes como disimiles que se encuentran por la desgracia de un fortuito accidente, Paul Rivers (Sean Penn), que se encuentra en un estado deplorable de salud mientras espera un donante, Jack Jordan (Benicio Del Toro), un hombre reformado con un conflictivo pasado que se aferra a la religión para salir adelante, y Cristina Peck (Naomi Watts), que vive una idílica vida con su esposo y sus dos hijas.

21 Grams es una propuesta donde Iñárritu se muestra con una propuesta grandilocuente y complicada de ver, puesto que sus personajes sufren un interminable calvario, llenos de un dolor que parece no acabar, la relación que se va desarrollando en ellos no deja de notarse incómoda y deplorable, sucia y hasta en algún tramo, moralmente desafiante, que le tira por igual a la religión y al azar.

El drama no cesa a lo largo de sus dos horas de duración, mientras el trío Sean Penn, Del Toro y Naomi Watts presentan interpretaciones más que sobresalientes, mientras el espectador va armando el rompecabezas visual que propone el realizador, que es el único detalle que le encuentro, un tanto excesivo e innecesario pero fiel a la marca del momento del director y el guionista.

Thelonious ‘Monk’ Ellison (Jeffrey Wright) es un afamado escritor afroamericano y docente universitario, se niega a seguir la corriente de los autores con su mismo origen que sobreexplotan las condiciones de marginación que han vivido y viven en la sociedad, buscando apartarse de esto escribiendo libros alejados de dicha concepción.

Argumentalmente, su lado profesional se junta con el familiar cuando es enviado a Boston donde se va a encontrar con su familia, situación que no le hace nada de gracia, a partir de entonces se empiezan a dar ideas sobre el pasado conflictivo con algunos de ellos, que se juntan a su vez con los dramas que comienzan a desarrollarse en el presente.

Escrita y dirigida por Cord Jefferson, se trata de su debut en la pantalla grande luego de trabajar en guiones para algunas series, American Fiction está basada en el libro Erasure (2001) de Percival Everett. Jefferson cumple con una dirección elegante y logra concretar una historia divertida con un sentido crítico latente a lo largo del metraje.

Monk no es un protagonista perfecto y su personaje incluso puede llegar a molestar, la trama no es condescendiente con él ni con nadie, Wright cumple un muy buen protagónico sintiéndose natural y convencido de la propuesta. De lo mejor del filme, es el humor inteligente que maneja y en general, mantiene un ritmo parejo durante sus casi dos horas.

American Fiction cumple bien con lo que propone, resulta atractivo y está bien hecho, que hasta puede resultar un tanto atrevida en el mundo contemporáneo acá, al tocar algunas fibras sensibles en su propuesta, sale adelante con todo esto y sin ser tampoco un producto totalmente disruptivo.

Insufrible largometraje del maestro revolucionario Jean-Luc Godard, una de las caras de la Nouvelle Vague, movimiento cinematográfico que nace a finales de los cincuenta y que tiene su mayor auge en los sesenta, que irrumpió en los cimientos más profundos del cine tradicionalista francés para marcar, no solo la corriente del cine en este país europeo sino a nivel mundial.

En el caso de Passion, el realizador parisino que también es guionista del filme se centra en Jerzy (Jerzy Radziwilowicz), un director polaco que está filmando en Francia una película de igual forma llamada Passion, tras varias crisis que le absorben y le dificultan las labores en su realización fílmica, comienza a verse atraído por Isabelle (Isabelle Huppert), una joven obrera.

Más allá de esa pequeña historia, en realidad el filme tiene como objetivo mostrar la incapacidad del director por llevar a buen puerto su película, así, entre escenas, Jerzy va divagando con un accionar errático mientras intenta grabar, siendo esas secuencias de cine dentro del cine de lo poco rescatable aunque ni siquiera son interesantes.

Todo porque detrás del largometraje de Godard hay una intención de generar caos y desorden, de las secuencias hay que decir que son prácticamente imposibles de seguir un orden de la historia, se van armando como piezas de un rompecabezas inconexo, no cabe duda que eso es parte de la intención que tenía el realizador, pero es difícil lograr aceptar semejante despropósito.

Nadie le va a quitar a Godard la huella que dejó en la cinematografía mundial y su importancia como cineasta e incluso, hasta se puede decir desde la izquierda su interés por la lucha de clases y demás, pero un cineasta con tantas películas y con un estilo disruptivo muy marcado no cabe dudas que pudo haber hecho filmes tan difíciles como este.

Largometraje surcoreano centrado en Soo-jin (Jung Yu-mi), una joven que tiene un embarazo bastante avanzado, reside con su esposo Hyun-su (Lee Sun-kyun), que mantiene el hogar con su trabajo como actor, además del perrito que tienen como mascota. Ambos viven en un complejo departamental, un matrimonio común de clase media que pronto van a adquirir la responsabilidad de tener un hijo y por tanto, ampliar la familia.

La cotidianeidad de la pareja se ve interrumpida desde la primera secuencia, pronto caerán en cuenta que Hyun-su padece de sonambulismo, un estado que cada vez se va volviendo más intenso y frecuente, pero además, que lo llevará a cometer algunos comportamientos chocantes que dejarán intranquila a Soo-jin.

A pesar del tratamiento médico, la protagonista no está del todo satisfecha con la parte científica y la resolución que pueda tener, pensando entonces que hay algo más allá de estas nociones y entrando al terreno del espiritismo, que le va dando forma al accionar de su pareja y donde finalmente, el director que es también guionista crea un contexto acertado dentro del cuento de fantasmas que está desarrollando.

Este es el primer largometraje desarrollado por el cineasta Jason Yu, una historia de terror con los elementos propios del género, no se extiende de forma innecesaria lo cual es de agredecer, donde también juega con la psicología de sus personajes, la resolución queda a deber, peca de ser sencilla, pero finalmente la película termina siendo correcta y satisfactoria en términos generales.

Alma (Bibi Andersson) es una joven enfermera que es asignada para cuidar a Elisabet Volger (Liv Ullmann), una afamada actriz de teatro que un día dejó de hablar, sin ningún problema neurológico o en general de salud, la condición de Vogler resulta ser una decisión personal. Las mujeres pronto se van a trasladar del hospital a una casa de verano para seguir el tratamiento, en este lugar sus personalidades se conocerán más a fondo.

Largometraje sueco del director Ingmar Bergman, que cuenta con guion propio que tiene su génesis en el asombroso parecido entre las actrices protagonistas, ese será el punto de partida que comienza a explorar, sumado a las limitantes de salud que aquejó al realizador el año previo a la realización de este filme, que lo llevó a estar varios meses en el hospital.

Su condición de artista se va a ver afectada, incluso con un gran proyecto fílmico que tenía en mente, Bergman aprovecha esto y toma al personaje de Volger para reflexionar sobre el papel del artista, la exitosa actriz que simplemente un día opta por dejar de hablar, como un medio de denuncia sobre lo que representa ser un artista en la sociedad y la importancia o no que tienen.

Por otro lado, como lo hizo en algunos filmes anteriores -y posteriores-, el director explora la maternidad, lo que representa ser y no ser madre, en todo momento desnuda de forma metafórica a sus personajes que comienzan a soltar verdades ocultas que funcionan como un medio para que el espectador, cual voyerista, ahonde en la psique de las protagonistas.

Y finalmente está la condicionante de la máscara o las máscaras que van referidas al título, Persona, este es un concepto utilizado en el teatro que aparta la vida privada de la actriz o actor, frente a lo que representa sobre el escenario. En este largometraje, Bergman disecciona y expone tanto a sus protagonistas que la realidad de ambas se quiebra, se funde y se mezcla, dejando los momentos culmen del filme.

Bellamente filmada de la mano del director de fotografía Sven Nykvist, que junto con Bergman creó uno de los mejores duetos de la historia del cine, con otro gran dueto, el interpretativo entre Andersson y Ullmann, que llenan en muchos momentos la pantalla con sus primeros planos, una obra que también juega con lo onírico, con el blanco, con la imagen y la superposición de imágenes.

Un terrible accidente automovilístico va a ser el punto de unión de tres personajes y sus contextos, con una suerte azarosa estas personas tienen de una forma u otra como punto común a los perros, a partir de ese incidente se indagará alrededor de la vida de los tres, semanas antes, el mismo día y posterior al hecho.

Octavio (Gael García Bernal) es un joven de clase social baja que vive en casa de su madre junto con su hermano Ramiro (Marco Pérez), Susana (Vanessa Bauche) la esposa de este y el hijo de ambos, Octavio que vive perdidamente enamorado de ella se mete en el negocio de la peleas clandestinas de perros por medio de su mascota.

Por su parte Valeria (Goya Toledo), es una exitosa modelo española afincada en la Ciudad de México, es el rostro y el cuerpo de una marca de perfumes y cumple un exitoso contrato, justo se muda con su pequeño perro al apartamento que le compró Daniel (Álvaro Guerrero), que acaba de dejar a su esposa para vivir con su nuevo amor.

Por otro lado se encuentra el chivo (Emilio Echevarría), un indigente que anda merodeando por diversas partes de la ciudad, vive rodeado de sus perros callejeros a los que le tiene alta estima, su contexto, quién es y por qué de la condición en la que se encuentra se irá estudiando a lo largo del filme, es un personaje que no es lo que aparenta.

La vida de estos personajes se va a ver influenciada por el incidente con el que abre el filme, marcadas las dos horas y media de metraje por la violencia, la sangre, el machismo, la codicia y el amor enfermizo, mientras cada uno de estos individuos sobrelleva sus particularidades a como pueden, dejando como es de esperar un camino de dolor.

Ópera prima de Alejandro González Iñárritu que cuenta con guion de Guillermo Arriaga con quien creo un tándem muy atractivo al inicio de la carrera de ambos, con ritmo trepidante Amores perros y su realizador irrumpieron en la cinematografía mundial, con un argumento de historias cruzadas unas más atractivas y con más peso que otras.

Un filme que ha envejecido bien con casi un cuarto de siglo desde su estreno sigue vigente, tanto por su forma como por su contenido, es una propuesta que sigue deslumbrando gracias a lo bien hecha que está en aspectos visuales y de ambientación, así como en general en las actuaciones, no es perfecta pero es sin duda una propuesta que da muestras del talento de su director.

Grenoble, Francia. Sandra Voyter (Sandra Hüller) es una exitosa escritora que vive junto con su esposo Samuel Maleski (Samuel Theis) y su hijo Daniel (Milo Machado-Graner), que está ciego, la residencia actual de la familia es en un chalet en la montañas y un día, luego de una entrevista que le hacían a la mujer, su esposo apareció muerto bajo extrañas circunstancias.

La protagonista se convierte de esta forma en sospechosa del asesinato de su esposo, para salvar su inocencia contrata al abogado Vincent Renzi (Swann Arlaud), que deberá demostrar su inocencia mientras se enfrentan en el juicio a un terrible fiscal (Antoine Reinartz), mientras Daniel se verá envuelto en una situación sumamente apremiante.

Nuevo largometraje de la realizadora Justine Triet, sin duda este se convierte en su trabajo más conseguido hasta este momento, que le hizo acreedora de la Palme d’Or en el pasado Festival de Cannes, el filme cuenta con guion de la propia directora junto con Arthur Harari, la pareja ya había trabajado en el guion de Sibyl (2019), la anterior película de Triet.

Anatomie d'une chute es un espectacular thriller y drama judicial, mezclado con dosis de intriga, un drama muy bien conseguido y varios momentos que marcan al espectador, un juicio terrible que navega entre los hechos, las reconstrucciones y las suposiciones, buscando encontrar la verdad en la intimidad de la pareja y dando varios golpes bajos a su protagonista.

El manejo de la historia que hacen los guionistas es formidable, la primera secuencia donde Voyter es entrevistada por Zoé (Camille Rutherford) tomará más forma durante el juicio, además poco a poco Triet va descubriendo a su protagonista, la relación con su pareja y el hijo de ambos, la familia es desnudada en ese mediático juicio.

Sandra Hüller ofrece una de las mejores interpretaciones del año, con un personaje que la va a hacer divagar entre la fuerza que tiene como mujer exitosa y la fragilidad que se observa en los momentos más delicados de la trama, Reinartz por su parte es un gran contrapeso como el frío y seguro fiscal que lleva el caso, mientras Arlaud navega por aguas más calmas en su serena interpretación.

Realmente hay varias secuencias que son formidables, ese ecléctico inicio interrumpido por la música del Cover de P.I.M.P de 50 Cent realizado por Bacao Rhythm & Steel Band, la interminable escena de la escucha de la grabación en el juicio, o la declaración de Daniel que probablemente es la que va a marcar la sentencia del proceso.

Inmejorable.

Jeremia Juunas Kirotaja (Tõnu Oja) es un hombre que estuvo designado en Afganistan durante varios años, durante ese lapso decide convertirse al Islam y al regresar a su pueblo natal en Estonia, deberá enfrentarse al impacto cultural de su cambio de credo, pero también, a los traumas y vivencias acontecidas en Medio Oriente.

Así mismo, en su regreso está en busca de su esposa y su hija, decidido a encontrarlas luego de su ausencia de años, especialmente a la pequeña a la que únicamente conoce por su llanto en una llamada telefónica, mientras en un viejo cuaderno le va escribiendo cartas de forma recurrente y se va topando varios personajes femeninos en el camino que intentan guiarlo, aunque él será visto como un redentor de una sociedad apagada.

Largometraje del realizador estonio Sulev Keedus que cuento con guion propio escrito junto con Madis Kõiv, su constante colaborador en este apartado, película que se sitúa entre el drama existencial de un personaje ajeno al contexto en el que está, y la comedia con un tono báltico que bebe en algunos momentos de lo ridículo y extravagante.

Kirjad Inglile es un filme difícil de ver y de seguir, la historia se complica mucho más de lo necesario, cuesta seguirle el ritmo mientras Kirotaja divaga de un lado a otro y se presentan algunos flashback de su época en Afganistan, el momento cumbre es un recuerdo que tiene de este lugar referente a una niña, pero nada más.

Será la barrera del idioma, los subtítulos o será una obra muy para el público báltico, lo que es cierto es que no se disfruta en absoluto, no da gracia y hay algunos momentos extravagantes que poco aportan a la fluidez narrativa.

Seydou (Seydou Sarr) es un joven senegalés de 16 años, luego de ahorrar durante varios meses emprende junto con su primo Moussa (Moustapha Fall) el riesgoso trayecto hacia Europa, a pesar de la negativa de su madre (Ndeye Khady Sy), esto con tal de conseguir el sueño de miles de africanos por un futuro mejor.

Así, el protagonista deja su hogar, su familia y su país para viajar de forma ilegal, primero por África, hacía Malí, pasando por Níger para llegar hasta Libia donde se embarcaría en el mar Mediterráneo para llegar a la costa italiana, su objetivo final. Pero claro que todo este trayecto va a contar con un sinfín de trabas.

Cualquier persona puede imaginar que un flujo migratorio como este presenta complicaciones, y si no piensan así, Io capitano puede funcionar a la perfección para darse cuenta de la realidad que viven diariamente cientos de personas, no solo en la ruta África-Europa, sino también en Latinoamérica-Estados Unidos o las migraciones internas en el continente asiático.

Matteo Garrone ha tenido la habilidad de filmar obras con un claro tono realista, a pesar de incluso haber hecho dos películas de corte fantástico, pero es que ese tono ha estado presente también en su cine y lo está en esta obra, a pesar de que se cuenta una historia dolorosa y verdadera, hay un par de momentos donde lo onírico toma escena.

El guion del filme fue escrito por el propio Garrone junto con Massimo Ceccherini, Massimo Gaudioso y Andrea Tagliaferri, además, han contado con la colaboración de hasta siete personas africanas que migraron hacia Europa, para servir como un nexo entre la visión de los europeos y la realidad vivida por los africanos.

Garrone consigue una película muy correcta, este tiene una habilidad para narrar de forma sobria, con un desarrollo lineal bien manejado, algo ingenuo en ciertos momentos como sus personajes, Seydou termina convirtiéndose en un héroe en ese arduo intento por llegar a “tierra prometida”, por cierto, excelente interpretación del protagonista.

Ester (Ingrid Thulin) y Anna (Gunnel Lindblom) son dos hermanas que se dirigen en tren hacia Suecia donde se encuentra el hogar de ambas, no se contextualiza nada sobre ellas antes del viaje, pero pronto se da luz sobre la tormentosa y distante relación que tienen, este será el eje del relato y de los múltiples silencios presentes en el filme, aunque el título sea en singular.

Viajan con Johan (Jörgen Lindström), el hijo de diez años de Anna, propio de su edad es inquieto y explorador, eso se notará en buena parte del metraje, pero de sobremanera cuando el trío protagonista debe hacer una pausa en su trayecto e instalarse en un hotel ubicado en un país ficticio que se deja ver está al borde de un conflicto armado.

Es en este lugar donde las emociones comienzan a emerger y se empieza a aclarar el panorama respecto a estas hermanas, que se van soportando pero llega un momento en que no logran contener más, mientras a Ester le aqueja una crisis existencial y se percibe más sobria y discreta, Anna anda en busca de emociones sin importar el contexto en el que se encuentran.

Tystnaden es una obra donde Ingmar Bergman explora el silencio de la incomunicación, que va desde la parte más fuerte con las hermanas, hasta por ejemplo las complicaciones para comunicarse en un país extraño con un idioma ininteligible, donde también se presenta el silencio del niño, como testigo de primera mano pero que por su condición no comprende lo que vive su madre y tía.

El realizador, también guionista, se sirve de pocos diálogos para el desarrollo del filme, es lo mismo en el clímax del largometraje, de pocos minutos donde Anna explota contra su hermana aunque se muestra punzante, con un espectador de por medio que aporta un tono sexual como el que se ha manejado a lo largo de buena parte del filme.

Tystnaden ofrece un duelo interpretativo inmejorable por parte de Lindblom y Thulin, la primera ofrece sensualidad pero en el cierre de la secuencia previamente mencionada, ofrece una intensidad casi igual a la que da en solitario Thulin en su momento apoteosis dramática a solas, aunque ciertamente también con un espectador de por medio.

Desequilibrante, emocionalmente profunda, desesperante e inmejorable en su filmación.

Largometraje yugoslavo que realiza una mezcla de géneros entre el cine histórico y el fantástico, en el primero tenemos la historia de Johan Stefanov Balević, conocido popularmente como Šćepan el pequeño, un misterioso gobernante de Montenegro entre los años 1767 a 1773. En el segundo tenemos la supuesta historia detrás del origen desconocido de este personaje, que resulta ser nada menos que del infierno.

Resulta que tras la muerte del zar Pedro III (1728-1762) y la ascensión al trono de Catalina II, se crea un desequilibrio en el planeta que le daría cierta ventaja al cielo sobre el infierno, por este motivo, el diablo (Tanasije Uzunovic) decide enviar a Montenegro a Faria (Zvonimir Crnko), un demonio con un gran parecido a Pedro III, la idea es que se gane la confianza de los montenegrinos para posteriormente ir a Rusia y convertirse en Zar.

Así, este demonio convertido en hombre comienza su misión secreta en esta región, ganándose la confianza de los pobladores y realizando milagros, por curioso que parezca, su figura va asemejándose a la de un Cristo redentor, especialmente por su papel al enfrentarse a los turcos, todo eso hace que su figura comience a verse con recelo de los líderes cristianos que lo miran con resentimiento.

Ingenioso filme del realizador Veljko Bulajić, nacido en lo que hoy es Montenegro, aprovecha una historia propia de su pueblo para hacer este filme, cuenta con guion del propio Bulajić acompañado por su coterráneo Ratko Djuroviċ y el italiano Bruno Di Geronimo, una obra de gran inventiva con grandes referencias al tema religioso, curioso al tratarse de un Estado ateo como lo era el yugoslavo sumado a las restricciones propias presentadas por este país.

Un largometraje entretenido del que se destaca, además de esa buena mezcla entre lo histórico y lo fantástico, la representación del infierno, otra vez, con una gran imaginación demuestra que en ocasiones esto es más que suficiente para simbolizar algo, en este caso los castigos de los penitentes, la expresión de los gritos y sufrimientos, los demonios grandes y pequeños, todo muy bien retratado.

Bolonia, Italia, mediados del siglo XIX. La Iglesia Católica encabezada por el papa Pio IX (Paolo Pierobon) rapta hijos de judíos para convertirlos al cristianismo, uno de estos es Edgardo Mortara (Leonardo Maltese), que con seis años fue arrebatado de sus padres debido a que fue bautizado sin el consentimiento de ellos siendo apenas un bebé.

El filme se desarrolla hacia dos vertientes, por un lado el crecimiento de Edgardo en el seno de la Iglesia Católica donde es educado bajo las creencias cristianas para que vaya dejando poco a poco el judaísmo, y por otro, la lucha que hacen sus padres: Salomone (Fausto Russo Alesi) y Marianna (Barbara Ronchi) para recuperarlo.

Contextualizando históricamente el argumento, cabe destacar la importancia política del papa en dicha época, más allá del ámbito religioso, Bolonia por entonces era parte de los Estados pontificios que eran regidos por la máxima figura del catolicismo. Incluso, el contexto de la reunificación de la península itálica va a alcanzar la trama e incidir en su desarrollo.

Rapito está dirigida por el veterano realizador Marco Bellocchio, que realiza el guion acompañado de Susanna Nicchiarelli y la colaboración de Edoardo Albinati y Daniela Ceselli, inspirado en el libro Il caso Mortara: La vera Soria del bambino ebrio repito del papa (1996) del escritor romano Daniele Scalise.

La película es una clara crítica al poder desmedido alcanzado por la Iglesia Católica y a la utilización de esta con la excusa de ser la verdadera religión, con una gran contextualización y un realismo hiriente, la obra también se empapa de un par de escenas oníricas, más otro par donde busca enmarcarse una fuerza repulsiva y chocante.

Espléndidamente retratada, con un montaje idóneo, muy formal y perfectamente actuada, especialmente por Ronchi de pocas escenas pero gran fuerza interpretativa, Rapito presenta un cierre abrupto, triste y consecuente con la lamentable historia que cuenta.

Largometraje para televisión del realizador Ingmar Bergman, basado en una obra teatral homónima (1901) del autor August Strindberg, del cual el maestro sueco realizaría tres adaptaciones para televisión, siendo esta la segunda luego de Oväder (Tormenta, 1960), para cerrar mucho tiempo después con Spöksonaten (The Ghost Sonata, 2007).

La película inicia con un texto bastante extenso que toma toda la pantalla con la fotografía de Strindberg como fondo, por tanto se intuye que las palabras ahí expresadas son las suyas, en esta descripción el autor expone que la obra presentada sigue “la forma inconsecuente pero claramente lógica (¿?) de un sueño.”

Es decir, la estructura de la obra de teatro sigue la idea de un sueño, Bergman se apega completamente a estas sensaciones, con la entrada y salida de personajes y situaciones extrañas, en escenarios que van variando sin un orden racional, mientras las figuras van entrando y saliendo con extensos diálogos y poca claridad.

El filme gira alrededor de Agnes (Ingrid Thulin), la hija del dios Indra, que en la mitología hindú y la religión védica es su dios principal, en su andar por el planeta Tierra comienza a interrelacionarse con una serie de personas, mientras intenta comprender la forma en que viven los humanos observándolos e interviniendo.

En los trabajos para televisión de esta época se puede decir que de forma literal Bergman filma una obra de teatro, sin meter mano en el guion y con una puesta en escena totalmente teatral, acá funciona poco o nada, su forma y diálogos hacen poco comprensible y estructurada la obra que la vuelve totalmente cansina y difícil de ver.

Con 26 años Noah Baumbach presentaría su primer largometraje, un intento de comedia romántica con un motivo por lo menos interesante: un grupo de jóvenes recién salidos de la universidad se niegan a abandonar los pasillos del campus, divagando lo que puedan antes de dar el paso final para llegar a la vida adulta a la que claramente, no quieren llegar.

El guion fue escrito como de costumbre por el propio Baumbach, en dicha ocasión basado en una historia de Bo Berkman, el realizador va a comenzar a dejar marca de lo que será su estilo con sus característicos diálogos y situaciones que se van dando a lo largo de ese año posterior a la graduación de los protagonistas, que esta es la secuencia con que inicia el filme.

Kicking and Screaming es una clara muestra de un filme que envejece mal, su visualización a casi treinta años de su estreno no es nada agradable, puesto que sus chistes y referencias no dan gracia, aparte de algunos detalles intelectualoides que no ofrecen mayor relevancia para la trama que se desarrolla sin mayor sobresalto e interés.

Una propuesta que si de algo sirvió fue para cimentar las bases de la carrera de Baumbach, que va a despegar a lo largo de las próximas décadas, afianzándose como una de las principales caras del cine independiente estadounidense, dentro del género de las comedias dramáticas y ni que decir dentro del movimiento cinematográfico Mumblecore.

Largometraje que muestra la increíble historia de los afamados supervivientes de los Andes, en 1972 un vuelo privado en un avión de la Fuerza Aérea Uruguaya se estrelló en los Andes, en este viaje se encontraban principalmente los jóvenes miembros de un equipo de rugby, 29 pasajeros salieron vivos del accidente pero esto será la primera de las pruebas que tendrán en la búsqueda por sobrevivir.

La película es dirigida por Juan Antonio Bayona, que demostró en Lo imposible (2012) su capacidad para filmar obras sobre desastres, en La sociedad de la nieve los aspectos del desastre y el siniestro del avión están muy bien retratados, además de la filmación en general y la contextualización de los hechos que logra trasladar al espectador a la compleja situación de los protagonistas.

Es más que conocida la decisión de los sobrevivientes de comer carne humana de las personas fallecidas para poder resistir y no morir de inanición, inicialmente mientras esperaban que los rescataran, mientras buscaban la forma de comunicarse con el exterior y posteriormente, la decisión de que la única forma de salir de ahí es que fueran ellos mismos los que buscaran como movilizarse.

El filme dura casi dos horas y media y lamentablemente, tiene un cierre un tanto abrupto, desde el momento que parte la última expedición, pero sobre todo, cuando logran contacto con el exterior, además que la reflexiva voz en off del cierre es un tanto extensa y anti-climática, aun así, en términos generales es una obra entretenida que sabe vender bien la historia de redención y resistencia de sus personajes.