No estamos ni en Sevilla, ni en Semana Santa, pero me ha salido con la misma devoción que un costalero a su virgen. En la búsqueda de productos televisivos que sean capaces de captar la atención de mi madre y sus 94 años de ya muy escasos recuerdos, me encontré con esta serie que en su momento me gustó mucho y me dije, vamos a hacer la prueba. Pues ya nos hemos pulido las tres temporadas y con que fervor ha seguido cada capítulo y que en ocasiones me ha hecho poner el siguiente.

Es una magnífica serie plagada de intrigas y con actuaciones en estado de gracia.

Era justo lo que necesitaba después de pasar vicisitudes varias ante películas “extrañas”. Un drama de época solvente que tiene todos los elementos para seguirla con interés de principio a fin y con un imperial Mads Mikkelsen sobre el que pivota toda la película.

Cine sobre las penurias que vivieron los colonos en tierras ignotas. No creo que se pueda encuadrar en el género de Wéstern, pero sin duda bebe de sus mismas fuentes y aunque en este caso estamos en Dinamarca me vienen a la cabeza las historias de “María Chapdeleine” o “El Renacido”.

A pesar de su factura austera , la película se mueve a veces un poco peligrosamente en la cuerda del melodrama, pero no se preocupen, dura poco y la historia es lo suficientemente áspera para olvidarlo enseguida.

Denle una oportunidad, es una película histórica escandinava para todos lo públicos aunque aquí le hayamos cambiado el título por otro que dice más bien poco.

Si dijese que me han parecido casi dos horas insoportables no estaría faltando a la verdad y que solo me ha llegado a conmover en sus veinte minutos finales, tampoco. Lo que ocurre en estos casos es que pierdes el sentido crítico de las cosas porque las dos horas se me han hecho tan cuesta arriba que cualquier pequeño descanso al sufrimiento sabe a gloria.

No me pregunten porqué no me ha atrapado la historia de “Bella” y su troupe random, porque supuestamente lo tiene todo para conquistar al público y eso que iba predispuesto a ello. He sido un encendido defensor de “La Favorita” o la del ciervo sagrado pero es que a mí el barroquismo sin emoción me deja más tieso que la mojama. Tampoco crean que es algo extraordinario, ya me pasó también con “La forma del agua”, “Babylon” o “La, la, land” entre otros éxitos incuestionables.

En el apartado audiovisual despunta, eso es indudable, pero el mensaje feminista y la crítica social que subyacen quedan lastrados por el tratamiento lujoso y ampuloso que se hace de ella. Dudo mucho que tras su visionado a la gente le de por salir a la calle y luchar contra la prostitución y el capitalismo, yo creo que más bien todo lo contrario. Para crítica social me quedo con Ken Loach, ese si que no se anda con gilipolleces.

No he conseguido conectar como en las anteriores, me parece que Calparsoro se enreda y quiere abarcar demasiado. Hay bastantes arbitrariedades y en ocasiones no sabemos muy bien donde estamos y a donde nos dirigimos.

En “Hasta el Cielo” o en “Todos los nombres de Dios”, en mi opinión mejores que esta, no recibimos ningún mensaje final más allá de las reflexiones que procuren a cada cual, sin embargo aquí se nos intentan colar todos los escándalos del pelotazo urbanístico de la Costa del Sol y sus repercusiones políticas y sociales.

El director repite con Tosar y Nourdin Batan de “Todos los Nombres...” aunque no brillan como en sus anteriores trabajos. Arón Piper está impecable y hace lo que puede con la vorágine en que se convierte su vida.

No cabe duda de que Calparsoro ha conseguido un estilo formidable dentro del género y su ritmo vertiginoso hace que uno se deje llevar por la velocidad de los acontecimientos.

Con todo, ha sido satisfactoria aunque por debajo de los esperado

Intensa y visualmente poderosa. Sandra Hüller repite protagonismo tras "Anatomía de una caída" y no ha podido tener mejor elección a tenor de como han recibido el público y la crítica ambos trabajos.

La música experimental de Mica Levi es el contrapunto oscuro e inquietante que complementa la espléndida luz de su fotografía. Todo tiene un tono hiperrelalista que en ocasiones me ha recordado a Kubrick. El director Jonathan Glazer parece que ha colocado cámaras en la residencia de la familia Hoss y como si de un “reality” se tratase nos muestra la vida plácida de sus integrantes ajenos a lo que ocurre al otro lado de lo muros de su residencia.

El terror aquí no se ve, solo se intuye, se huele y se oye. Una mirada diferente sobre el Holocausto. Me ha gustado mucho.

Que bien trabaja el cine Matteo Garrone y como logra adaptarse a cada historia para sacar lo mejor de tan dramáticas situaciones pero sin renunciar a poner de manifiesto la paradoja humana entre el bien y el mal. Aquí deslumbra con una luz que lo invade todo, hasta los más inmundos lugares por los que tienen que pasar estos dos jóvenes primos senegaleses; “Seydou” y “Mossa”en su viaje desde Dakkar hasta Europa.

No puede estar mejor contada la chispa que da lugar a que estos dos chavales comiencen a ahorrar el dinero para su viaje hasta Europa, algo que perciben ingenuamente como una aventura maravillosa, muy lejos de la pesadilla en que se convierte después y en la que muchos y muchas pierden la vida, pero nunca la dignidad.

La dignidad la pierden aquellos que trafican con ellos, quienes los maltratan y se enriquecen con sus esperanzas en el desierto o aquellos que ante la tragedia de su travesía por el desierto los ignora o quienes hacen oídos sordos a sus gritos de auxilio en la mar.

Si puedes verla, mejor en VOS.

Que a Bayona le van los desastres no es ninguna novedad y que se suele servir de estos para colocar sus trampas emocionales aquí y allá tampoco. Personalmente, de sus películas solo he disfrutado con “El Orfanato”, el resto me han dejado mas tieso que la mojama o directamente me han producido rechazo como “ Un monstruo viene a verme”.

Con estos precedentes tenía pocas expectativas que se iban enfriando todavía más al leer las ya habituales odas y parabienes por parte de un sector de la crítica y el público a todo lo que el director barcelonés toca, pero en este caso tengo que admitir que “La Sociedad de la Nieve” me ha resultado una película satisfactoria, aunque demasiado larga.

Las habituales artimañas psicológicas siguen apareciendo, pero aquí están algo más contenidas o se mimetizan mejor en una historia de supervivencia que es abrumadora. Los subrayados melodramáticos musicales siguen ahí y cierta tendencia a lo escabroso también, pero aquí se lo toleramos mejor.

En lo positivo todo lo que tiene que ver con la recreación del accidente, el inmenso paisaje blanco y el enfoque posterior sobre la supervivencia, el grupo y los conflictos de sus integrantes ante al canibalismo. No está al nivel vusal de “El Renacido”, ni tiene la brutalidad helada de “Ártico”, pero es una película disfrutable y que hay que ver, sí o sí, en pantalla gigante.

La directora Justine Triet no ha inventado la pólvora ni ha hecho una película original, más bien al contrario esta película francesa retoma el género de suspense judicial más clásico en torno a la muerte de Samuel, marido de Sandra, escritora alemana y a su vez padres de un preadolescente con discapacidad visual llamado Daniel.

La diferencia con otras cintas del género radica en que “Anatomía de una caída” no apuesta por el suspense o el misterio, sino que invita al espectador a tomar partido por cualquiera de las posibles explicaciones que han dado lugar a la tragedia y a su vez lo hace partícipe del recelo, desconfianza e impotencia que la situación causa en el núcleo familiar y en el entorno local.

Las interpretaciones al siniestro que se barajan parecen sesgadas por consideraciones personales que la complicada situación familiar parece abocar a una impotente Sandra que ve como el mundo se desmorona bajo su pies merced al inexorable devenir de los acontecimientos.

Es cierto que se hace un poco larga pero yo al menos he pasado un buen rato pensando si Sandra es culpable o inocente.

Pese a mis reservas iniciales con este último trabajo de Ridley Scott , tengo que confesar que he salido encantado del cine y he disfrutado con las andanzas de su Napoleón y es que “La casa Gucci” me dejó mal sabor de boca después de que sus anteriores trabajos; “El reino de Los cielos”, “1492” o “Robin Hood” tampoco lograsen mi aprobado.

Estamos ante un peliculón en el sentido literal de la palabra, que aúna dramón de amor imposible y la épica guerrera de las mejores películas del género, como “Barry Lyndon” “Lawrence de Arabia” o “Espartaco”. Un cine realista hecho con miles de extras y decorados digitales que no llegan a empañar la sensación de realismo que transpira toda la película y especialmente sus batallas.

Es cierto también que la aproximación a tan ilustre personaje de la France es muy anglosajona y eso resta algo de credibilidad al emperador y su entorno, además la he visto en versión original y claro, todos hablan un inglés muy fluido . Si hasta la catedral de la boda de Napoleón con Josefina es la de Lincoln, un poco de por favor, señor Scott, que si bien no se podría grabar en Notre-Dame, cualquiera de las otras grandes catedrales francesas hubiera sido igual de relevante.

Por lo demás, las discusiones sobre la verdad y la historia del personaje se las dejo a los más eruditos y puristas, yo he venido a disfrutar y para ser honesto, me lo he pasado de miedo y con pena de no haber podido ver todo el metraje que se anuncia en Apple.

Entré al cine sin muchas ganas y elegí esta película un poco por conveniencia horaria, ya que no era demasiada la información que tenía sobre ella y confieso que desconfío de las críticas profesionales cuando se trata de un producto nacional.

Pues lo cierto es que no podía estar más equivocado y tengo la sensación de que esta película dirigida por Antonio Méndez Esparza es, ni más ni menos , la revelación del año y promete muchas alegrías en los festivales en los que participe. De momento ya tiene tres nominaciones en los premios feroz. Una descomunal Malena Alterio (Lucía) como mejor actriz principal, Aitana Sánchez Gijón secundaria y Zelia Montes por la inquietante banda sonora que acompaña a las idas y venidas de “Lucía”con su taxi por las calles de Madrid.

Un thriller atípico que discurre ágil entre el drama, la comedia y el suspense dando lugar a todo tipo de situaciones descabelladas y que gracias al impresionante trabajo de Malena Alterio, llega muy lejos.

Delicada, agradable y sencilla. Cualquier realizador europeo habría optado por la neurosis o la psicopatía de sus protagonistas ante el conflicto emocional, pero afortunadamente la directora Celine Song construye un relato intimista de afectos y deseos que se ven aparcados por la rutina y los avatares de su propia existencia.

Recuerda algo al cine de Woody Allen, quizás en ese hermoso retrato de Manhattan y el aire algo snob de sus personajes principales pero bajo una mirada mas actual y menos ampulosa. Una historia de reencuentros con la impronta en nuestra memoria del primer amor.

Si podéis mejor en VOS porque la versión doblada no diferencia entre el coreano y el inglés siendo aquí, en mi opinión, muy relevante para asomarnos al mundo oriental de la pareja principal.

La primera sorpresa ayer fue ver a mucha gente ,ya entrada en años, asistiendo a la sesión de las cinco de la tarde y dividiéndose entre la película que nos ocupa y “Sound of Freedom”. En el caso de “ O corno”, está claro que siendo una directora vasca y habiendo ganado la Concha de Oro del Zinemaldia, produce un arrastre claro entre el público local, pero en el caso del otro título me produjo bastante asombro.

La realizadora Jaione Camborda dirige de manera sutil y elegante esta historia fechada en los años setenta y localizada en la isla de Arosa, un lugar de una belleza fascinante pero en el también tienen lugar la vida y la muerte como un guion inevitable de su gente que se esfuerza por salir adelante mariscando y trabajando la mar que rodea tan particular mundo.

Después de un comienzo espectacular la película va perdiendo algo de fuelle y algunas escenas se llegan a hacer demasiado largas para no aportar tampoco demasiado a la trama. A pesar de esto y de la deriva algo confusa de personajes, lugares y subtramas, la película llega a la orilla buscada aunque nos sigan merodeando todavía preguntas si respuestas.

No es una película fácil de ver para quien esté acostumbrado a estruendos y mucha acción. Es un drama intimista con la mujer como elemento fundamental y sobre la que gira no solo esta historia, sino la de toda la humanidad.

Asistimos a grandilocuentes debates sobre lo costoso y caro que es hacer una buena película y parecemos mas interesados en presupuestos colosales y taquillas descomunales como si eso fuese algún tipo de garantía a la hora de hacer buen cine.

El maestro Woody Allen nos enseña exactamente lo contrario, eso sí, prestando especial atención a los inteligentes diálogos, interpretaciones por encima de la media , un ágil montaje y espléndida fotografía, música y vestuario, vamos, lo que toda la vida ha sido cuidar al máximo todos los detalles para conseguir un buen resultado final.

“Golpe se Suerte” es un entretenido pasatiempo a modo de sutil comedia negra, muy en la línea de otros trabajos del director neoyorquino a la hora de recrear obsesiones y costumbres de las élites intelectuales y económicas de nuestra sociedad. Marchantes de arte, anticuarios, escritores y demás intelectuales del “bon vivant” encuentran su microcosmos natural en el chismorreo, la frivolidad , las apariencias y el crimen dentro de esta deliciosa fábula .

Sinceramente, de Gareth Edwars solo salvaría "Godzilla", porque “Rogued One” y ahora la que nos ocupa me han parecido un auténtico despropósito. Esta especie de remix entre "Yo Robot", "Matrix" y "Blade Runner", cabalga entre sus referencias para acabar estrellándose en esta nueva Vietnam sede de la I.A que nos ocupa.

A la media hora ya he empezado a poner cara de póquer ante la retahíla de arbitrariedades que aparecían en pantalla y ya a la hora, viendo que la cosa no mejoraba, más bien al contrario, me he dejado llevar por la nave a la espera de que se estrellase lo antes posible y la cosa terminase para mí de la manera mas indolora.

También tiene momentos de jolgorio y algarabía, como cuando el prota “Joshua”, pasa inadvertido por todo ese Vietnam que tienen montado los yankis, algo que no sería extraño si no fuese más negro que el betún. Pues así todo, entran y salen como Pedro por su casa desafiando a cualquier tipo de inteligencia que no sea artificial.

Mal plantel de actores y actrices con la misma emotividad que tenía “Rogue One”, osea, ninguna. Toda la imaginería audiovisual es lo mejor de la función, aunque la BSO me ha parecido de lo peorcito de Hans Zimmer y si tuviese que salvar algo, sería el momento “Aliens el Regreso” y los alaridos de Ian Gillan en “Child in Time”, no digo más.

Calparsoro ha sabido conseguir un sello a la hora de hacer cine que lo identifica perfectamente y aunque sus películas nos dejen con una sensación de que algo falta por aquí y algo sobra por allá, funciona como un reloj. Ha pasado ya mucho tiempo desde “Salto al vacío”, “Asfalto” o “Pasajes”, pero el director donostiarra sigue empeñado en mostrar las miserias y grandezas que tienen lugar dentro de los espacios urbanos aunque con una mayor capacidad técnica.

“Todos los nombres de Dios”, sigue la estela de su anterior trabajo “ Hasta el cielo” en forma de thriller, donde lo policial, lo político y lo humano se dan la mano, y aunque en mi opinión queda algo por debajo de este, sigue siendo una propuesta potente que engancha desde el primer minuto hasta el final.

¿Algo disparatado y con tendencia al melodrama? Seguro que sí, todo eso cabe aquí también, no obstante, a mi me ha procurado 105 minutos de entretenimiento y evasión, como hace tiempo no me había ocurrido en una sala de cine y como ya es algo habitual en él, LUIS TOSAR es lo mejorito de la función.

Ayer era el último pase de esta película austríaca que andaba rondando hace tiempo por mi cabeza, así que a pesar del temporal que azota el Cantábrico cogí la moto y allí me presenté contra viento y marea. Parece que no fui el único, ya que la sala, aunque pequeña, presentaba un lleno casi total.

“Der fuchs” o “El zorro” traducido al castellano, es una película bonita con momentos muy hermosos aunque con cierta tendencia al sentimentalismo, algo innecesario en mi opinión, porque ya reúne las suficientes cualidades para ser tomada en serio sin aditivos ni colorantes.

La historia entre el introvertido soldado alemán Franz Streitberger , marcado por la crueldad de su infancia y el cachorro de zorro que encuentra en el bosque en una idéntica situación de vulnerabilidad, establece un vínculo entre ambos que si no fuese porque es una historia real contada por el bisabuelo del director Adrian Goiginger, parecería que estamos ante una fábula.

Hubiese preferido verla en versión original, aunque no tengo nada en contra de como está doblada. Mi nota es un 6,5

La jardinería te enseña a ser una persona paciente que intenta hacer todo lo posible para que las plantas crezcan en condiciones óptimas. Según refiere nuestro experto jardinero, hay tres tipos de jardines; los ordenados estilo francés, los que respetan el límite de las plantas, estilo inglés y los jardines salvajes que intentan emular el “caos” natural.

Desde luego no puede haber entorno mas sugerente para contar una historia de amor, odio y redención que se va haciendo intensa a medida que vamos descubriendo una sombra aterradora y que amenaza con hace saltar toda esa armonía por los aires. Es magnífica la fusión entre el devenir del jardín y la historia que ocurre dentro de él. Un arte que domina con mucho oficio el director Paul Schrader y ejecuta admirablemente el maestro jardinero Joel Edgerton. El resto de secundarios ayudan, pero no son definitivos en la trama, aunque Sigourney Weaver destaca construyendo un personaje arisco como dueña de la casa.

Hay sombras y algunas decisiones arbitrarias que en mi opinión no logran malograr el brillo de este maravilloso jardín. Muy recomendable.

P.D. Me parece fatal que en algunas críticas se desvele el misterio del pasado del protagonista sin incluirlo como Spoiler porque es primordial en el desarrollo de la trama.

Ya entré un poco a regañadientes porque me temía lo peor, pero el horario se ajustaba a mis posibilidades y al menos tenía más de dos horas de entretenimiento, a priori claro está. A los diez minutos de película, una tormenta veraniega dejó el cine a oscuras y después de la consabida espera, vuelta a empezar con sus anuncios y todo, vamos, el remate perfecto, no me salí porque llovía a mares.

Hacía tiempo que no me aburría tanto en el cine y las enloquecidas idas y venidas de Ezra Miller, me importaban un cuerno. Ni su traje , que me parece lo mejorcito de la peli, da para soportar las dos horas y veinte, en mi caso tres, que dura el desaguisado. Parece una película de Nolan para preadolescentes con sus interminables letanías sobre el tiempo y el espacio. Un “Regreso al Futuro” pero en malo.

Ni la chispa de Ezra o las apariciones acartonadas de Michael Keaton y Jeremy Irons o una esforzada Maribel Verdú son suficientes para levantar la función. Todo es incomprensible, torpe y aburrido.

Una pena de traje desaprovechado.

Alejandro Dumas y sus tres mosqueteros, es una de las obras literarias que mas adaptaciones han tenido en el cine , bien como personajes principales o como secundarios de alguna intriga palaciega de la época, una época muy convulsa en Francia por cierto.

El director Martin Bourbolon, responsable de “Eiffel”, otro icónico título francés, presenta una producción muy cuidada en todo los apartados técnicos; exquisitos vestuarios, espléndida ambientación, localizaciones, música; etc., pero a pesar de tamaño despliegue, no está a misma la altura por un guion que se toma demasiadas libertades a la hora de presentar a los personajes y que a veces roza lo rocambolesco.

Con todo sigue siendo un producto entretenido gracias a sus constantes intrigas políticas y religiosas y a una extraordinaria Eva Green como pérfida “Milady de Winter” que eleva el tono de la película en cada aparición. Bien también Vincent Cassell y François Civil como Athos y D´Artagnan respectivamente.

Ha sido rodada en dos partes, así que quedamos a la espera de más aventuras.

Esa es la elección cuando realmente aprieta el apetito y los sofisticados platos de la alta cocina a uno le deja con más hambre que Carracuca y además con la abultada diferencia de precio que supone decantarse por una hamburguesa, si puede ser XXL y con todo ese queso americano chorreante que a uno le deja con el corazón paralizado y la cabeza pensando en los kilómetros que hay que hacer para que aquello no se adhiera al cuerpo en forma de nombre de neumático.

Finalizamos un año muy suculento en manjares culinarios de todo tipo, desde la bellísima fábula del chef especializado en trufas “Pig”, pasando por los apetitos caníbales de “Hasta los huesos” y acabando con esta ingeniosa comedia negra que deja al mundo de la alta cocina y sus comensales snobs a la altura del betún. Obviamente es una sátira y bastante contundente del universo de los platos con nombres imposibles y los “gourmets” expertos en esferificaciones y espumas diversas que no deja títere con cabeza.

Después de una primera parte brillante de presentación de los personajes y llegada a la isla donde se va a desarrollar el exclusivo dispendio, la película, en mi opinión, decae un poco al dejar de lado las historias de los invitados para centrarse en el semblante terrorífico que va tomando el menú y que nos va a dejar en un duelo de alto voltaje entre el chef, siempre inquietante Ralph Fiennes y la invitada sorpresa Anya Taylor Joy.

Estamos ante una ocurrente película de misterio muy en línea con “Puñales por la espalda” o un “Asesinato en el Orient Express” que hubiese escrito una Agatha Christie nacida en los años ochenta. Un menú canalla para paladares exigentes con un postre que sabe estar a la altura.