Pocas veces un rodaje tan caótico, tenso, improvisado y lleno de dudas ha cristalizado en una de las obras maestras más incontestables y reconocidas de la historia del cine.
Melodrama romántico por excelencia, es una de las cimas culminantes salidas de la fabrica de sueños del Hollywood dorado. Expresión máxima del “studio system”, se ha convertido en un icono de la mítica de nuestra cultura, y de la del cine en particular, y en una referencia de obligada visión para todos aquellos que son capaces de sentirse vivos y de emocionarse con las imágenes que surgen de una pantalla. Un guión milagrosamente bien construido, con diálogos, frases y replicas memorables, que son ya historia, y con un preciso y magistral dibujo de personajes se convierte -junto a una extraordinaria puesta en escena- en la sólida base en la que se sustenta esta obra cumbre del séptimo arte. El Rick endurecido y desencantado, pero profundamente idealista, de un H. Bogart memorable -en el papel más carismático de su carrera- y la Ilsa llena de sensibilidad de una maravillosa y bellísima I. Bergman protagonizan una de las más bellas, apasionantes y románticas historias de amor que guarda el celuloide en sus más de 100 años de historia. Una ilustre galería de actores irrepetibles, que dan lo mejor de si mismos, con especial mención para, el cínico Renault de un impagable C. Rains, el entrañable Sam de D. Wilson y el Ferrari del gran S. Greenstreet, y la magnifica e inmortal adaptación que hizo M. Steiner del tema compuesto para piano por H. Hupfeld, “As time goes by”, con la brillante dirección de un veterano “artesano” como M. Curtiz, convirtieron a “Casablanca” en un film intemporal y sublime, y en la más brillante sucesión de secuencias inolvidables que probablemente se haya visto jamás en una pantalla, culminada con la magistral -todo un master de planificación y montaje- secuencia final en el aeropuerto. Cine en estado puro elevado a la categoría de leyenda, sencillamente irrepetible.


Francesc Chico Jaimejuan

Barcelona a 29 de septiembre de 2005

Pocas veces un film consigue aunar de forma tan brillante calidad y comercialidad, gustar por igual a público y critica, y ver reconocidos sus méritos con la concesión de los premios más prestigiosos que el mundo del cine otorga a un film.
Basada en una premisa argumental sin ninguna pretensión de fidelidad historicista, el maravilloso guión de “Shakespeare in love”, uno de los puntales fundamentales en que se apoya la arquitectura del film de J. Madden, pleno de hallazgos que explora a fondo todas las posibilidades que permite la historia, transformándose en un estudio profundo sobre el amor y el proceso de creación de la obra de arte, bascula progresivamente, de forma inexorable, desde un registro de comedia romántica de época hacia otro hermosísimo, pero profundamente triste, y dolorosamente romántico. Un joven William Shakespeare inmerso en una profunda crisis de inspiración busca desesperadamente una musa que le permita recuperar su capacidad creativa. Su repentino enamoramiento de Lady Viola nos permitirá no solo ser espectadores, sino también implicarnos emocionalmente en los entresijos de una historia de amor maravillosa, y nos abrirá de par en par la puerta que nos va a permitir asistir al milagro de la génesis de la obra de arte. Jugando con increíble habilidad con el paralelismo entre realidad y ficción, nos veremos inmersos de lleno en la creación de una de las cumbres de la literatura universal de todos los tiempos, “Romeo y Julieta “. Asistiremos atónitos como lo real y lo ficticio con frecuencia están separados por una delgada línea que a menudo se confunde, y como la realidad a menudo condiciona la ficción. Con una dirección brillante de Madden y una puesta en escena impecable, la complicidad de una cámara nerviosa que utiliza con frecuencia el travelling circular como instrumento al servicio de la historia, y una excelente labor de montaje, en “Shakespeare in love” sobresalen aspectos tan cuidados como la dirección artística, el vestuario y una banda sonora de S. Warbeck que fueron galardonados justamente con el Oscar de la Academia. De las interpretaciones poco hay que decir, nunca G. Paltrow estará más bella y mejor como actriz como en este papel de Lady Viola que parece escrito expresamente para ella y recompensado con un Oscar merecidísimo. El Will Shakespeare pleno de registros y de expresividad de J. Fiennes merecía mejor suerte, por no hablar de la extensa galería de secundarios de lujo que brillan, todos ellos, a un altísimo nivel. En definitiva, una extraordinaria película que se erige en una conmovedora historia de amor y en un sentido homenaje al talento creativo del artista, y que quizás nos depara, sin pretenderlo, con la mejor versión fílmica de la inmortal obra de Shakespeare. Cine moderno de calidad, para ser vista con frecuencia.


Francesc Chico Jaimejuan

Barcelona 28 de septiembre de 2005

Poderoso melodrama que desafía impertérrito el paso del tiempo. Cumbre absoluta, y jamás igualada, de una forma de entender y de hacer cine, “Lo que el viento se llevó” sigue siendo el mayor monumento erigido a un concepto del espectáculo cinematográfico, que el viento se llevó junto con el Viejo Sur americano, y que desgraciadamente no volverá jamás. Mítica e irrepetible, se ha ido convirtiendo con el paso de los años en un referente absoluto del Hollywood de la época dorada y en icono incontestable, no solo, del séptimo arte sino de la cultura occidental del último siglo.
Película más vista de la historia, ejerce un poderoso influjo sobre los espectadores que generación tras generación se sienten fascinados por esta historia inmortal de pasiones desatadas, de amores y odios, con la Guerra Civil americana como telón de fondo.
Película de productor, con una gestación tan turbulenta y mítica como la propia película, “Lo que el viento se llevó” es el milagroso resultado del encaje perfecto del inspirado trabajo de los mejores talentos de la época, bajo el férreo control del productor David O. Selznick, el hombre que hizo realidad su sueño, y auténtico artífice de la película. Incontestable obra maestra intemporal “Lo que el viento se llevó” se convirtió en pura leyenda del cine desde el mismo día de su estreno. Para la historia nos queda además de algunas de las mejores secuencias de la historia del cine, el extraordinario diseño de producción de W. C. Menzies, responsable de la estética visual del film y pieza fundamental en la asombrosa unidad de estilo que mantiene la película a lo largo de todo el metraje, la absolutamente maravillosa Scarlata O’Hara de V. Leigh, con una interpretación sublime que ha pasado justamente al Olimpo de los dioses, el magistral Rhett Butler de un C. Gable que firma la interpretación de su vida, y el inolvidable tema de Tara compuesto por un inspirado M. Steiner que se erige en síntesis y resumen del espíritu del film, y que representa, no solo, a la roja tierra de Tara sino al CINE con mayúsculas. Una obra maestra total y absoluta que nos transporta a un tiempo pasado donde se podía soñar despierto con solo mirar una pantalla en medio de la oscuridad de una sala de cine. Absolutamente imprescindible.


Francesc Chico jaimejuan

Barcelona 27 de septiembre de 2005

Pocos directores tienen la capacidad de “crear arte” y Coppola es, sin duda, uno de ellos, quizás el último gran creador que ha dado el cine. Como toda obra de arte “Corazonada” ha sido y es un film discutido, “cult movie” para unos, película fallida para otros, apasiona o genera rechazo sin término medio, se entiende o no, pero jamás deja indiferente a nadie.
Como plasmación fílmica de un sueño largamente acariciado, un sincero y sentido homenaje de Coppola al sistema de estudios que hizo grande a Hollywood, “Corazonada” se nos presenta como un fascinante y arriesgadísimo ejercicio de estilo que solo la imaginación de un visionario como Coppola podía acometer. Nadie como el podía atreverse a realizar en un estudio esta extraordinaria recreación de la ciudad de Las Vegas, con esa catarata de luz y de color que inunda la pantalla de forma casi permanente. Historia de amor en apariencia convencional, un Coppola que destila pasión y romanticismo por todos sus poros va mucho más allá de lo que nadie jamás se había atrevido y nos ofrece una personal, lírica y melancólica visión de la relación de pareja. Un guión trasgresor e imaginativo, una fotografía fascinante, irreal y preciosista del gran V. Storaro, una cámara que se desliza de forma precisa en amplios y deslumbrantes movimientos de grúa, trufada de secuencias inolvidables, y con la maravillosa y envolvente banda sonora de Tom Waits como telón de fondo hacen de “Corazonada” una experiencia visual y anímica inolvidable para todos aquellos que aman la belleza.

En el panorama cinematográfico actual, con guiones-basura que no tienen detrás nada más que la “nada más absoluta” y sometido a la tiranía de los efectos especiales, encontrar un film honesto como “Los fabulosos Baker boys” con una dirección competente que utiliza una narrativa clásica, sustentada en un excelente guión, se transforma en todo un estimulante hallazgo que nos devuelve la ilusión por una forma de hacer cine que creíamos desaparecida para siempre.
Partiendo de una premisa atractiva, -dos hermanos que actúan en salas de fiesta como pianistas contratan a una cantante para que revitalice y relance su espectáculo-, que pudo acabar una vez más en un producto vació de contenido, el film se eleva con facilidad y nos ofrece un interesante estudio sobre la condición humana. La delgada línea que separa el éxito del fracaso, los sueños que perdemos a jirones a lo largo del camino, la dificultad para comunicarnos y la imposibilidad de alcanzar la felicidad son los ejes básicos de su discurso. Con unas interpretaciones memorables de los hermanos Jeff y Beau Bridges destaca, sin embargo, la deslumbrante “performance” de una Michelle Pfeiffer pletórica que firma su mejor interpretación hasta el momento. Dando un autentico recital como actriz, valiente a la hora de asumir el riesgo de cantar, aún le quedan agallas para ofrecernos un numero fascinante -su sensual actuación cantando con un precioso vestido rojo sobre el piano que toca J. Bridges- que ha pasado por derecho propio a la iconografía del cine. Sencillamente inolvidable.
Profundamente triste y romántico, cáustico y agridulce a partes iguales, sin hacer concesiones gratuitas a la galería es, sin duda, uno de los films más interesantes y bellos del cine americano de los últimos años, y deja en evidencia a aquellos que opinan que las buenas historias no interesan a nadie, olvidando que lo clásico es siempre lo más moderno. Imprescindible para cinéfilos nostálgicos.


Francesc Chico Jaimejuan

Barcelona 23 de septiembre de 2005

Pocas veces el rostro de una actriz ha transmitido tanto dolor, sufrimiento interior y patetismo como el de R. Schneider en ese plano magistral y sublime, en el que con las lagrimas deslizándose por sus mejillas le suplica a un Fabio Testi confuso que no le haga más fotografías. A partir de aquí nos sumergimos en un mundo donde la tragedia vital de tres seres humanos nos arrastra hacia un torbellino de sentimientos desatados y a menudo contradictorios, donde la relación amor-odio se entrecruza con frecuencia con un masoquismo asumido, y donde el amor, incapaz de manifestarse en toda su plenitud busca con desesperación la forma de romper el corsé que se lo impide.
Film barroco y desesperadamente romántico, de un romanticismo del de verdad, del que produce dolor en lo más profundo del alma, “Lo importante es amar” es un film donde sus protagonistas son seres derrotados, sin esperanza, sin futuro, y tal vez sin pasado, que tienen asumido su destino. A. Zulawski, con su cámara nerviosa nos adentra en el mundo sórdido de tres personajes al borde del abismo, y lo hace con infinito amor, haciéndonos participes de sus sentimientos, de sus angustias, de su dolor, de su desesperación, pero evitando pudorosamente la tentación de juzgarlos. Film de miradas y de silencios que reflejan el intenso sufrimiento de unos seres humanos con el corazón y el alma destrozados, pocas veces unos actores han sido tan poco ellos y tanto los personajes que interpretan. Que decir de R. Schneider que no se haya dicho ya, actriz que reflejaba en su rostro y en sus interpretaciones el drama en que se había convertido su vida personal, nunca estuvo mejor que en este film, donde el personaje de Nadine Chevalier le permitió desnudar públicamente y sin ningún asomo de falso pudor su alma de mujer atormentada. Un Jacques Dutronc soberbio como el esposo enamorado capaz de todo por la mujer de su vida, por la mujer a la que ama más allá del amor, y un Fabio Testi que no desentona en absoluto frente a dos interpretaciones tan sublimes completan el trío protagonista.
Film simétrico en su estructura, con uno de los finales más bellos y desgarrados de la historia del cine, que sin embargo deja la puerta abierta a un atisbo de esperanza, “Lo importante es amar” tiene el privilegio de contar además con una de las partituras más sublimes e intensas del malogrado G. Delerue, que potencia hasta el infinito el romanticismo desaforado de un film trasgresor, que te conmueve y te deja con un nudo en la garganta y en la boca del estomago como pocos en la historia del cine.
Imprescindible verla en V.O.S.


Francesc Chico Jaimejuan

Barcelona 20 de septiembre de 2005

La coherencia interna del cine de Sam Peckinpah es algo que esta fuera de toda duda, y en este sentido “Grupo salvaje” es un film que es a la vez compendio y resumen de una forma de entender la vida, regida por unos códigos no escritos pero con una fuerte carga ética y moral. Considerado como uno de los primeros westerns crepusculares de la historia, en “Grupo salvaje” los límites entre el bien y el mal se difuminan, aunque Peckinpah no deja lugar a dudas respecto a sus preferencias personales, decantándose con meridiana nitidez por los forajidos que encabeza Bishop (Holden), en contraposición al grupo de los facinerosos caza recompensas que dirige Thornton (Ryan), viejo amigo y compañero de fechorías de Bishop, que busca conseguir con su captura su indulto total después de salir de la cárcel. Film que nos habla de desarraigo, honor, dignidad y amistad traicionada, sus protagonistas son hombres cuyo tiempo se ha acabado, que no tienen ni lugar ni futuro en el nuevo mundo que viene. El viejo, el suyo, se desmorona a su alrededor y solo les queda como única salida valida unirse para ir puntualmente a la cita con su destino.
El impecable guión de W. Green y el propio Peckinpah, el soberbio montaje de L. Lombardo, la extraordinaria fotografía de L. Ballard, la hermosa partitura de J. Fielding y unas interpretaciones sensacionales de los protagonistas y de esta galería de secundarios de lujo que formaban parte del universo de Peckinpah, todo bajo el control de un director en plena madurez creativa, contribuyen a hacer de “Grupo salvaje” no solo uno de los mejores westerns de la historia, sino una obra maestra absoluta de imperecedera huella en la historia de lo que hemos venido en llamar el “Séptimo arte”.

Analizado con una cierta atención “El aventurero de medianoche”, film menor y personal de Eastwood, sin embargo ya deja entrever las líneas maestras del cine de un director que sabe muy bien que tipo de cine quiere y le interesa hacer. Decantado claramente, no solo por la historia que nos cuenta, sino por la narrativa utilizada para hacerlo hacia los modelos de los grandes clásicos, Eastwood consigue un film tal vez irregular, pero no por eso carente de interés, que ya nos anticipa al Eastwood de las futuras obras maestras.
Film amargo y profundamente triste, se inscribe en cierta manera en el esquema típico de las “road movies”. Nos cuenta la historia de un viaje y del recorrido vital y mediático de dos personas, de un adolescente que ira descubriendo a base de dolor y sufrimiento lo que es la vida, y que ira madurando poco a poco como ser humano, y de un perdedor que sabe que la vida se le escapa de entre los dedos a borbotones, y que intenta justificar su existencia a través del logro de una ilusión, que de sentido a su vida y la redima en parte de caer en el olvido.
Un guión irregular, pero con suficientes aciertos para no ser menospreciado, y unas interpretaciones dignas, hacen recomendable una revisión de este filme menor de un director que con el tiempo ha firmado algunas de las mejores obras maestras que el cine ha dado en los últimos años.

Francesc Chico Jaimejuan

Barcelona 12 de septiembre de 2005

Bajo la apariencia de un film supuestamente desmitificador, Wilder nos ofrece no solo una maravillosa película, sino también el mejor homenaje al personaje de Holmes que jamás nadie ha plasmado en una pantalla de cine. Wilder rodó “La vida privada de Sherlock Holmes” fascinado por el concierto de violín del gran M. Rozsa , y concibió el mismo basándose en los tres movimientos del concierto, el primero relacionado con la adicción de Holmes a la cocaína, el adagio como tema de amor de su relación con la espía Gabrielle, y el tercero ligado al monstruo del lago Ness. Toda la música del film esta basada en el concierto de violín y solo es original la fantasía musical que compuso Rozsa para los paseos en bicicleta de los protagonistas buscando torreones.
B. Wilder demuestra un profundo amor y respeto hacia el personaje, lo humaniza y al mismo tiempo lo torna vulnerable. Por primera vez el gran e infalible detective se siente atraído, tal vez enamorado, por una mujer. Quizás por primera y única vez Holmes es engañado y derrotado por alguien, una mujer, una espía que desea medir sus fuerzas con el, que lo admira y por quien en definitiva acabará sintiendo algo mucho más profundo que la simple admiración. El caso que investiga Holmes, anecdótico pero bien resuelto a todos los niveles, no es sino la excusa para profundizar en las “debilidades humanas” de los grandes personajes míticos de la historia, sean estos reales o de ficción.
Un guión perfecto del mismo Wilder y de su inseparable, en esa época, I.A.L Diamond, con un final bellísimo y doliente como pocos, casi “demode” en un film de 1970, y una dirección extraordinaria como solo un genio nos podía regalar, “La vida privada de Sherlock Holmes” se ha ido convirtiendo en un film de culto que como los buenos vinos mejora con el tiempo y a cada nuevo visionado.
De la interpretación poco hay que decir, están todos sencillamente maravillosos, desde el matizado y complejo Holmes que nos ofrece R. Stephens, pasando por el entrañable Watson de C. Blakely, la sensual y maravillosa espía Gabrielle de G. Page y el lujo de C. Lee para el personaje de Maycroff.
En definitiva una obra maestra total y absoluta del cine de todos los tiempos.


Francesc Chico Jaimejuan

Barcelona 6 de septiembre de 2005

Siempre han sido fuente de discusión las adaptaciones cinematográficas de los grandes clásicos, y Troya no ha sido una excepción....pero el film no engaña a nadie cuando nos informa, en los titulos de credito del final, que esta inspirada en “la Iliada“ de Homero. ¿Alguien puede imaginarse que film hubiera resultado de una fiel adaptación de la inmortal obra de Homero?. Personalmente creo que la aparición continua de tantos dioses hubiera hecho el film, como mínimo, farragoso. Cierto que sale la diosa Tetis, pero su aparición esta justificada para conocer el porque de la casi inmortalidad de Aquiles, cierto que se humaniza el personaje de Aquiles, tal vez por estar interpretado por Brad Pitt, pero también es cierto que esto da pie a los guionistas para poder crear un personaje distinto, ambiguo, pero siempre fascinante, e introducir una segunda y bellísima historia de amor entre Aquiles y Briseida, intimista pero al mismo tiempo de una intensidad y lirismo arrebatador.
Con una dirección correcta de W. Petersen, y licencias aparte, Troya responde de forma notable a lo mínimo exigible a un film de estas características, y es que la épica y la obligada cuota de espectacularidad no acaben haciendo desaparecer a los personajes de la historia del guión. Combina con razonable acierto los momentos espectaculares con los intimistas donde se nos muestra el lado humano de los protagonistas, y esto no es fácil de conseguir. En cuanto al reparto creo que en general cumple de forma discreta pero suficiente, lo mejor quizás el Hector de Eric Bana y el Priamo de un sensacional Peter O’Toole. En cuanto al tan criticado Aquiles de Brad Pitt, una atenta revisión de sus escenas más intimistas y emotivas nos desvelaría una interpretación mucho mejor y más matizada de lo que un primer visionado deja entrever.
La banda sonora de J. Horner cumple con dignidad estimable, tanto en los momentos intimistas como en los de acción frenética en los que por momentos soporta el ritmo del film, en franca complicidad con el responsable del montaje.
Troya es en definitiva un film, que sin dejar de estar pensado para el publico actual, no rehuye un guiño cinéfilo de complicidad con los grandes clásicos, y esto es de agradecer.


Francesc Chico Jaimejuan

Barcelona 6 de septiembre de 2005

El mito artúrico ha sido visitado por el cine, de forma regular, a lo largo de sus más de 100 años de historia, desde el clásico de R. Thorpe, pasando por el “Excalibur” de J. Boorman, hasta llegar al desafortunado “El primer caballero”, por solo mencionar algunos ejemplos. Pero curiosamente, quizás sea la versión cinematográfica del musical de Frederic Loewe y Alan Jay Lerner, “Camelot”, de duradero éxito en los escenarios de Broadway, el que haya sabido captar más fielmente lo que de magia, amor, pasión, fidelidades traicionadas y utopía hay en esta bella historia. Dirigida por un director solvente, a reivindicar, como lo fue Joshua Logan, es indiscutiblemente uno de los últimos grandes musicales del Hollywood clásico.
Sustentada en un sólido guión, el film se desliza de forma milimétrica desde una primera parte, donde la belleza, la utopía y la felicidad inundan la pantalla, hacia una segunda parte más sombría y pesimista donde la pasión culpable de los amantes, cercana al “amor fou”, deviene drama, sentimiento de culpa, dolor y sueños destruidos, manteniendo perfectamente la atención del espectador a lo largo de sus casi tres horas de metraje, que se siente identificado con los personajes y sus sentimientos.
Logan fotografía, de forma inusual para un musical, el rostro de los actores en grandes primerísimos planos, para acercarnos de forma intima a los sentimientos contradictorios que su corazón alberga, consiguiendo del trío protagonista unas interpretaciones soberbias, enfatizando de manera muy especial las miradas y todo lo que a través de ellas expresan. Nunca Richard Harris estuvo mejor en la pantalla, y tanto Vanessa Redgrave como Franco Nero componen unos excelentes y creíbles Jenny y Lance.
Nunca en ninguna versión fílmica el espectador se siente a la vez tan comprensivo con el delito de amor de los jóvenes amantes, como cercano al dolor del Rey Arturo, por su amor y amistad traicionados, por aquellos a quien tanto quiere, y por el fin del gran sueño utópico de Camelot.
Visto después de casi 40 años después de su estreno, “Camelot” no ha perdido ni un ápice de su fuerza visual. Desafía con elegancia todos los intentos vanos de resucitar un género, que como tantos otros da la impresión de que se ha perdido la fórmula para crearlos. Claro que hoy en día no tenemos a unos actores de la talla de Richard Harris, Vanessa Redgrave o Franco Nero, a un gran director como lo fue Joshua Logan, y sobretodo nos encontramos en un desierto donde encontrar un guionista que sepa escribir un film “comme il faut” parece una misión más que imposible.
De la partitura poco hay que añadir, probablemente sea uno de los mejores trabajos del mágico binomio Loewe&Lerner, y con esto esta todo dicho.

Francesc Chico Jaimejuan

Barcelona 29 de agosto de 2005

Una vez más, y ya van unas cuantas, Clint Eastwood nos ofrece otra obra maestra con mayúsculas. Único heredero del clasicismo cinematográfico de los grandes maestros, en el mejor sentido del termino, Eastwood consigue con Million Dollar Baby una obra redonda, que no rehuye adentrarse en todos los registros posibles, desde tiernos momentos de humor hasta el drama más intenso. Con el trasfondo de una película sobre el boxeo, Eastwood lleva el film al terreno y a los temas que a el le interesan.
Historia de perdedores, que luchan por recuperar la dignidad y la autoestima, en Million Dollar Baby se habla de personas, de seres humanos, de sentimientos, de amistad, de complicidades, de fidelidades, y de dolor del de verdad, del que golpea no solo el cuerpo sino también el alma.
Personajes a la búsqueda de la redención de unos pecados de los que quizás ni tan siquiera son culpables, Million Dollar Baby es un retrato desnudo del alma humana. Con un magnifico guión y unas interpretaciones maravillosas por parte de los tres protagonistas principales – que gran, madura y mesurada interpretación de Eastwood -, el film de manera súbita da un giro que te deja fuera de combate por KO y te deja clavado en la butaca conteniendo la respiración, incapaces de captar todo aquello que se nos muestra en la pantalla. Resuelto por Eastwood de forma magistral, tanto a nivel formal como conceptual, hasta llegar al bellísimo final, nos deja con la sensación en el corazón y en el alma de haber asistido a una historia, real como la vida misma, explicada por alguien que conoce muy bien las profundidades más oscuras del ser humano. En definitiva, y como alguien a dicho de Million Dollar Baby, y que yo suscribo totalmente.....”señoras y señores...esto es CINE”.


Francesc Chico Jaimejuan

Barcelona 28 de agosto de 2005

Concebida como un film de bajo presupuesto, aprovechando el gran éxito que supuso el estreno de “En busca del Arca perdida” y el “revival” del cine de aventuras que esto significó, sin embargo “La gran ruta hacia China” se aparta radicalmente de los planteamientos de su famosa predecesora, y en algún aspecto la supera con creces dentro de su falta de pretensiones y sencillo planteamiento.
Sus líneas maestras básicas están mucho más cerca del cine de aventuras de los grandes clásicos, que del espectáculo tramposo del film de S. Spielberg. Dentro de su modestia, el espíritu de la aventura esta mucho mejor captado y es más autentico. Hay acción y aventura, es cierto, pero también hay romance, humor y sobre todo amistad, con un concepto de una forma de convivir con el peligro mucho mejor dibujado a nivel de guión. Sus personajes se acercan bastante, salvando las distancias, a los del cine de un maestro de maestros como fue el gran Howard Hawks. Sus protagonistas conviven con el riesgo, lo tienen asumido, pero también son capaces de amar, reír, emocionarse, y de ser débiles y sensibles, en definitiva “son seres humanos”.
La relación del mecánico amigo del protagonista con el que ha compartido muchas vivencias, que muestra a menudo admiración por el, y que destila un tono entrañablemente paternalista, se acerca en mucho a la que tiene Thomas Mitchell hacia el personaje que interpreta Cary Grant en la maravillosa “Solo los ángeles tienen alas” de Hawks. También el personaje femenino tiene ciertos tintes hawksianos, con fuerza y personalidad suficiente para tratar de tu a tu a su oponente masculino.
En suma, “La gran ruta hacia China” es un film donde el concepto de la aventura y del peligro, como forma de vida, esta notablemente descrito, y que se deja ver con agrado en el marco de su propia ingenuidad y evidente falta de medios. Todo ello potenciado por la labor de unos actores que cumplen perfectamente con su cometido, y de la maravillosa partitura de John Barry que nos transporta al mejor cine “clásico” de aventuras en su concepto más purista. A revisar y disfrutar sin prejuicios previos.


Francesc Chico Jaimejuan

Barcelona 28 de agosto de 2005
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