Ha resultado un momento de gran felicidad encontrar en la competencia internacional esta película americana del cine independiente que rescata a Hilary Brougher, una directora neoyorquina independiente que ya participó tiempo atrás del festival de Mar del Plata.
South Mountain es una película muy bien escrita por la propia directora, y más tarde llevada al cine acompañada de un elenco brillante que da lugar a que una obra de características teatrales (básicamente transcurre en una casa de verano en las afueras de Nueva York) en la que se describe una crisis matrimonial originada en la infidelidad de una de las partes.
El film no solo trata de ese momento de crisis sino también de una generación que ha formado parte de una liberación sexual en la que los componentes de la pareja muchas veces no comparten los mismos limites que se imponen después del casamiento y como consecuencia de ello, cometen transgresiones a los acuerdos matrimoniales que terminan por arruinar el mismo matrimonio.
La directora del film maneja con habilidad las diferentes instancias del relato con escenas bien planteadas, con una cámara ágil que trabaja con medios planos muy interesantes que permiten permear la piel de los personajes, y un montaje preciso que da lugar a una narración sin baches que obstaculicen el entendimiento de la trama.
Estamos ante una película del cine independiente americano pero realizado con recursos de primera línea y una gran honestidad narrativa donde brilla la comedia costumbrista rozando los bordes del drama. Es un exponente notable del cine neoyorkino moderno, que comparte la inteligencia, la lucidez y el concepto de entretenimiento que impera tanto en el cine de Woody Allen como de directores más modernos tales como Noah Baumbach e incluso Keneth Lonergan.

“El Negoción” de Simón Feldman es un film de características costumbristas, que pareciera tener alguna influencia de la comedia a la italiana que en lo actoral popularizaron Sordi, Gassman y Mastroianni desde principios de los 50.
Hoy, cuando la vemos a 60 años de su filmación, se impone como una comedia realmente anticipatoria de una sociedad que pareciera basarse en aquel dicho popular que dice que el vivo vive del sonso, y el sonso de su trabajo. Pero sobre todo El Negoción apunta al desarrollo de esa posición monopólica donde por ley se obliga al uso de un bien o servicio que está dado por una sola parte, la cual prácticamente goza de todos los beneficios sin estar obligado a sus responsabilidades.
Indirectamente, Feldman también avizora y apunta las situaciones de privilegio que darán lugar más tarde a actos de corrupción, impidiendo el normal desarrollo de los negocios y sobretodo del bienestar general.
Ha sido un gran acierto que el Festival de Mar del Plata recuperara estas dos películas totalmente anticipatorias que de diferente manera han obrado sobre el pueblo argentino y su forma de ser.

Una película argentina, prácticamente tucumana, dado que se filmó en aquella provincia con un elenco local, que ahonda, tirando por elevación, en el ser argentino.
Se trata de una tragicomedia de tipo costumbrista que describe los perjuicios típicos que producen los cambios de gobierno al alterar la continuidad de las políticas y sobre todo de las personas que trabajan para el Estado, sea municipal, provincial o nacional.
Pero no solamente ello, sino hace incapie en los problemas laborales que genera la falta de continuidad laboral, dando lugar al armado de pequeños negocios como gestorías o pequeños servicios relacionados con los controles propios del Estado, que generan curros de diferente índole.
El film, que esta notablemente actuado, describe una serie de situaciones comunes que terminarán perjudicando a aquellos que obraron honestamente aun cuando operaron por su cuenta y sin considerar límite alguno del Estado, solo confiando en la buena fe de las personas.
Bien actuada, con un ritmo de dirección sostenido, el film tucumano entretiene pero deja sabor a poco, a cierta inocencia que parece decirnos esto es solo una pequeña muestra de lo que es la realidad,

Dueño de un preciosismo formal extraordinario, Vitalina Varela, su nueva obra vuelve a dar fe de su cine comprometido con una realidad preocupante donde los países que aún permanecen en situación de subdesarrollo expulsan literalmente mano de obra desocupada hacia países como Portugal, en plena comunidad europea, que tampoco tienen capacidad de absorberlos.
El destino inexorable de esos migrantes no es otra que ir a parar a una miserable villa de emergencia en la que ni siquiera pueden ser atendidos en sus necesidades mínimas como es comer y tener atención médica.
El título del film honra a la propia Vitalina Varela, una mujer del sur africano, más precisamente de Cabo Verde, que se interpreta a sí misma en este extraordinario trabajo del director portugués. Podría decirse de este film que se trata de una subtrama que aparece en su film anterior Cavallo Dinero.
En Vitalina Varela, Costa se concentra en el drama de Vitalina contando primero la llegada de su marido, y poco después la suya. Un drama existencial que provoca y desafía al espectador en una confrontación en la que el imperio de la injusticia no solo cuestiona la labor de los sacerdotes villeros sino también la propia existencia del ser divino.
Manejando el color con una materia inusual, la película se llena de rojo sangre y negros profundos con una puesta absolutamente despojada, casi al punto de lo teatral, no obstante ello, dando una clase magistral de cine.
El film conduce al espectador hacia un abismo cuya profundidad se desconoce dejando un mensaje, mejor dicho un alerta de una situación que se va profundizando y que no encuentra solución, y que ya ha hecho carne en los países de la periferia europea.

Es una película que te atrapa por su sinceridad narrativa. Es difícil de escapar a la atracción que propone ese posible encuentro de una hija con su padre, al que ha perdido por desavenencias con su madre.
Película del camino, una road movie al mejor estilo americano pero con una fuerte impronta localista, la película de Ríos, se concentra en los sentimientos, en la necesidad del encuentro y del perdón. Pero el film pierde su equilibrio narrativo al desarrollar dos líneas diferentes con una misma temática. Es la historia de dos adolescentes ya casi mujeres cuyos padres son camioneros, hombres del camino que alguna vez han tenido un amorío con sus madres. Ríos trabaja la primera línea, con un cierto sentido del humor, que prevalece en la primera mitad de la película, y otra, la principal, plantea un caso de abandono que desarrolla con sentido dramático.
Consecuencia, de ello, la narración principal va y viene de una línea a otra, lo cual hace ágil el relato, pero pierde equilibrio en la intensidad de lo que narra, que solo recupera hacia el final no sin darnos algún golpe bajo.
El desbalance de las historias narradas son el principal problema del film que sale a flote por las notables actuaciones de un elenco homogéneo y un director de fotografía que aprovecha el paisaje montañoso y nevado que llena todo de blancos y grises dando a la historia una adecuada ambientación y sobretodo, una profundidad dramática muy interesante. No obstante ello, el film se rescata en virtud de su honestidad.

Se trata de 6 entrevistas realizadas por encargo cuyo trabajo de edición finalizó la propia directora, que de acuerdo a su dialogo con el público reconoció que no consideraba un film de su total autoría, dado que lo había hecho por encargo, y que las entrevistas realizadas no le resultaban muy creíbles dada la personalidad de los entrevistados, todos ellos participantes de la guerra civil en el Líbano durante la noches del 16 al 18 de setiembre de 1982, en la que se masacraron cerca de 3000 civiles palestinos, entre ellos mujeres y niños.
El film resulta reiterativo y un muestrario de las atrocidades de la guerra, nunca mostradas pero si contadas por sus protagonistas.
Un film que nada agrega a la filmografía de la destacada documentalista.

Un film honesto, bien escrito y bien realizado por Mariano Gonzalez y convincentemente actuado por Sofía Gala Castiglione.
El tema de la responsabilidad individual y el sentido de la culpa son desarrollados a través de un argumento creíble, con una pintura exacta de los personajes y en particular del marco social en que se desenvuelven.
El mérito mayor de Gonzalez en no caer en los lugares comunes. Su film es un derroche de sentido común, con una exposición clara de los problemas y un desarrollo creíble de los acontecimientos.
El personaje central asume su responsabilidad sobre lo ocurrido. No obstante, sabe que cometió un error y el sentido de la culpa la persigue.
Muy sutilmente el argumento facilita un delineamiento de los personajes y describe con claridad la pertenencia de clase social de cada uno. Ello deja lugar para que, sin falsas moralinas, cada uno de ellos sepa que la movilidad social está ligado con las posibilidades laborales, y que de su cuidado y mantenimiento depende en gran medida la inclusión social.

Ángela Schanelec es una directora perteneciente a la Escuela de Berlín. Amante del cine de Bresson, las escenas iniciales de su película no solo le brindan su homenaje sino también establecen el tipo de cine que vamos a ver.
La película de Schanelec resulta algo caótica pero sin lugar a dudas es un film sustancial. Requiere paciencia y análisis por parte del espectador. Después de un prólogo muy bressoniano, comienza el verdadero desarrollo del film en el cual una mujer, madre de dos hijos adolescentes, es abandonada por su marido y debe hacerse cargo de todo el ámbito familiar. Su crisis existencial es inocultable y comienza a cuestionarse todo lo que la rodea, lo que la coloca incluso al borde del ataque de nervios. Su carácter se vuelve inestable y explosivo.
Film irregular pero muy interesante, descuella Maren Eggert como Astrid, la madre de los niños que, con su despliegue de recursos actorales, vuelve muy convincente esa crisis familiar de la que se hace cargo su personaje. Las escenas iniciales y finales del film muestran también un estado de vida salvaje que se traslada a la vida misma de las personas transformando al film como una metáfora del círculo de la vida.

Inspirada en Crimen y Castigo de Fyodor Dostoievski, desarrolla la degradación moral de un individuo en un barrio árabe de Tel Aviv. Filmada en blanco y negro, donde luce el uso criterioso de la steadycam, Nina Menkes narra una historia donde subraya el estado de violencia que se vive en Israel, donde la vida comienza a perder valor, y la convivencia se vuelve imposible porque la desconfianza reina en la vecindad. El film de Menkes es austero, preciso, y muestra un devenir que parece no tener fin. Luce el trabajo de Didi Fire, un actor no profesional, que interpreta el rol protagónico.
El personaje principal deambula deprimido. No tiene nombre, hundido en la soledad total siente un encierro sin rejas. Carece de relaciones, se siente deprimido. Es como un perro salvaje que roba para comer y pasa sus tardes en boliches de mala muerte.
Un trabaja impecable de Nina Menkes

Una adolescente lee un libro que recuerda el accidente mortal ocurrido en Paris en la década del 30 donde perdieron la vida los hijos de Isadora Duncan, la extraordinaria bailarina clásica.
La película provoca o inspira tres miradas diferentes. En la primera, la propia lectora, también bailarina, comienza a ensayar unos pasos con la intención de crear una coreografía alusiva a lo que ha leído. En la segunda, una maestra y una niña con síntomas de Down, ensayan la obra para llevarla a la escena. En la tercera, una mujer negra asiste a la función de esa coreografía y disfruta de su puesta en escena. Este notable film del francés Damien Manivel nos habla de cómo la realidad conduce a la ficción. Un hecho que provoca la inspiración que, a su vez, conduce a la creación y esa creación, ante su visión, sensibiliza al espectador convocando a su emoción, aquella del hecho artístico. Un film muy interesante.

Entre el documental (el incendio de bosques) y la ficción (un pobre piro maníaco que acaba de salir de la cárcel y que va en busca de su madre) ocurre este drama en la Galicia más profunda en las sierras cercanas del límite con Portugal. El film es una cruel parábola sobre la culpabilidad de un individuo que es acusado por su pueblo por la sola existencia de sus antecedentes policiales. El film es visualmente deslumbrante pero encuentra sus costados más débiles en su faz narrativa, descuidando la historia de su protagonista.

Desde el inicio mismo del film, Aynur, magníficamente interpretada por la joven actriz Almila Bagriacik, nacida en Ankara y criada en Berlín, nos relata su muerte como consecuencia de un asesinato cometido por uno de sus propios hermanos. La película no solo es un relato sobre la intolerancia religiosa y racial, sino también es un alegato a favor de la libertad del individuo.
La familia de Aynur se ha establecido en Alemania y ha vivido en aquel país desde hace aproximadamente una década, manteniendo sus creencias y hábitos de vida a pesar del cambio de país. Ellos no han querido adaptarse al cambio. Han preferido mantener su identidad musulmana. No aceptan la libertad que ofrece un país como Alemania. Mucho menos sus costumbres y menos aún, el ejercicio de la religión en libertad.
Su inadaptación, posiblemente sea producto de una emigración forzada por las guerras y la violencia imperante en Oriente Medio. Es comprensible, que en esas condiciones el individuo busque preservar sus más íntimas creencias, pero también es lógico pensar que la decisión tomada implica un cambio que incluye normas y costumbres diferentes y que la tolerancia es un vehículo imprescindible para producir una adaptación no traumática al nuevo medio.
Aynur es una mujer que muere por amor. No por un amor romántico o idílico, sino por amor a su familia. Ella podría haberse mudado, escapar a otra ciudad, o llamar a la policía. Pero eligió tratar de hacer su vida. Tal vez porque amaba a su familia, o porque no se animó a romper vínculos familiares, o porque no quiso sentirse sola. Simplemente, prefirió adaptarse. Profesar la religión como una cuestión personal, individual. Enamorarse de un alemán. Eso la transformará en víctima de la violencia familiar y en particular, la intolerancia religiosa.
Sherry Hormann, la escritora y directora de este film es una mujer nacida en los Estados Unidos pero criada desde los 6 años en Alemania. Es conocida por películas hechas para televisión, en las que ha desarrollado una temática que mucho tiene que ver con la condición femenina.
Ahora tenemos la oportunidad de ver este excelente film suyo que se estrenó en Buenos Aires, breve, con una duración standard de 90 minutos, con un nivel de actuación excelente y una dirección precisa y clara de la Hormann. Un docudrama que se arriesga a mostrar el choque entre los valores humanistas occidentales y los valores de los musulmanes fundamentalistas inmigrantes. Un alegato impresionante a favor de la libertad religiosa y a la autodeterminación del individuo. Un film valiente y sincero. Muy actual y que explica en gran medida el porqué de mucha de la violencia que el mundo está viviendo.

Este nuevo film estrenado ayer en Argentina tiene ya más de un año de haber sido realizado en los Estados Unidos. Problemas de distribución derivadas de discrepancias en la interpretación sobre el acoso sexual, el clima de persecución estallado en Hollywood, y el involucramiento judicial de Woody Allen, determinó que la empresa productora Amazon haya postergado su estreno en la medida que el tema fue cobrando resonancia pública.
No obstante ello, ha llegado esta semana a los cines de Argentina. Si bien la temática del film versa sobre una pareja de jóvenes que pasa un fin de semana en Nueva York, por otro lado, parecería ser una reflexión sobre la sociedad que habita la Gran Manzana y sus criterios morales donde la más amplia libertad prevalece sobre cualquier tipo de prejuicios.
Vayamos al argumento. Ashleigh Enright (Elle Fanning), una apasionada estudiante de periodismo) y Gatsby Welles (Timothée Chalamet), un desapasionado estudiante de ciencias, mantienen un romance universitario cuando Ashleigh tiene la oportunidad de reemplazar a una compañera para realizar un reportaje a un director de cine famoso que está filmando en Nueva York. Ashleigh siente tocar el cielo con las manos. porque considera que se la dado una gran oportunidad. Gatsby, a quien le importa poco su estudio, y lo obsesionan los juegos de azar, la noche anterior ha ganado una pequeña fortuna jugando al póker. Nada mejor que acompañar a Ashleigh y pasar un fin de semana a lo grande en Nueva York.
El azar es uno de los grandes temas de Woody Allen. Match Point ya desplegaba todo un discurso al respecto. Y en “Un Día Lluvioso…” vuelve a tener la oportunidad de desarrollar este tema en una comedia lujosa, repleta de pequeñas vueltas donde la suerte decide y nadie es quien parece ser.
Desde el momento mismo que la pareja pisa Nueva York, todo parece volverse un sueño hecho realidad. Pero pronto comenzará a llover. Y con la lluvia, todo aquello que parecía perfecto comienza a mostrar sus flaquezas. El caos se apodera de cada uno de los personajes. Ya nada volverá a ser igual.
Ese día lluvioso en la ciudad limpiara y dejara al descubierto cada situación, cada rostro, como si cada persona desnudara a su otro yo y lo dejara salir en un acto colectivo de una catarsis mayúscula. Todos tienen algo que esconder. Desde lo más pequeño a lo más grande. Deseos insatisfechos, engaños, chicanas, mentiras, pasiones y hasta vidas ocultas.
Solo un gran cineasta como Woody Allen puede realizar un film tan pequeño como abarcativo. Son 90 minutos en los que su exactitud en la pintura de cada personaje, delineado con pequeñas pinceladas, desarrolla una trama que siempre mantiene la coherencia buscando no perder ese delicado equilibrio de fresco social que forma parte de un todo que llamamos gran ciudad, en un día de lluvia, cuando de repente, esa inmensidad parece empequeñecer como consecuencia que la lluvia y la bruma hacen volver todo más íntimo y personal, dando lugar a que secretos y mentiras salgan a la luz desnudado la verdad.
El cineasta neoyorquino trabajo esta vez con la colaboración inestimable del fotógrafo italiano Vittorio Storaro, aquel que dio luz a Appocalysis Now. Su trabajo es extraordinario dado que la atmosfera de encierro que consigue es un logro tan importante como la precisión misma del guión. Ambos elementos logran sacar a luz historias, secretos, mentiras y sobretodo, insatisfacciones que parecen difíciles de ocultar en una ciudad tan grande como Nueva York. Completan el cuadro la maravillosa elección de temas de Errol Garner, cuyas melodías consiguen dar el clásico toque de ambientación jazzística del autor y sobretodo, una atmosfera de intimidad, y finalmente un elenco, en el cual destaca ese inmenso actor que es Liev Schreiber, junto a Judd Law, Diego Luna, y Rebecca Hall.

Este film americano, dirigido por una mujer, actuado principalmente por mujeres, y con un tema que hace a la condición femenina es una comedia policial muy lograda que además nos cuenta una historia muy interesante.
Trata sobre las actividades que ejercen un grupo de mujeres que practican una de las profesiones más viejas del mundo. Transcurre en Nueva York a principios de este siglo XXI, durante el crack financiero de 2008, y está basada en hechos reales publicados en un artículo del New York Magazine.
Si bien la mirada sobre la prostitución es condescendiente y las mujeres que ejercen el oficio están acordes al medio lujoso y hasta glamoroso en que se movilizan, el film narra la historia del nacimiento, apogeo y caída de un grupo femenino que en tiempos de malaria económica, y ante la falta de trabajo sostenido, deciden estafar a sus clientes invitándolos a pasar una noche inolvidable donde reina el sexo, las drogas y la diversión a un costo de facturación variable acorde con el propio límite disponible de la tarjeta de crédito del usuario.
El film no impone una mirada moral pero claramente opera como un espejo de la realidad. Nos muestra como una sociedad puede ganar y gastar dinero con gran facilidad. La clave es la falta de controles.
Transcurre, no casualmente, durante el crack de 2008. Un problema de carácter eminentemente financiero estalló en la bolsa de Nueva York y se propagó rápidamente por todo el mundo ante la incapacidad de reacción de los protagonistas. Sus víctimas fueron producto de la falta de controles por parte de la Reserva Federal respecto de las operaciones de redescuento de los dos bancos hipotecarios privados más importantes de los Estados Unidos. Los resultados de la crisis desatada no fueron casuales. Sus consecuencias, de carácter mundial y de largo plazo.
La película confronta un paralelismo en el que se exalta el liberalismo en su estado más puro. Tanto de un lado (la prostitución) como del otro (la actividad financiera) muestran una liviandad tal donde ni las fuerzas policiales ni los controladores de la Reserva Federal muestran capacidad de reacción. Esto, que en su base es un hecho dramático, da lugar a que la película, básicamente una comedia clásica al estilo americano, se luzca a través de una serie de situaciones cómicas muy bien hilvanadas y actuadas, que incluso hasta provocan un cierto aire renovador en la comedia americana.
Estamos, por un lado, ante una tragicomedia que, en lo social, destapa las pobres vidas de un grupo de mujeres que intentan insertarse en la sociedad de consumo ejerciendo un trabajo ilegal. Por otro, una situación donde un sistema bancario queda fuera de control generando una crisis cuyas secuelas alcanzan el largo plazo y el plano mundial.
Narrada a toda velocidad, con un gran poder de síntesis, muy bien actuada en sus roles principales, estupendamente coreografiada y fotografiada, este trabajo es el tercer largometraje de Lorena Scafaria, que no solo dirige bien sino también escribe un guión muy interesante. Su habilidad como escritora y como directora de cine quedan evidenciadas en este obra compacta, sin fisuras, rítmicamente bien narrada, entretenida, con una mirada social que se centra en los sectores de aquellos que deben enfrentar la crisis con menores recursos económicos pero que no están dispuestos a ceder ante ella. En la coproducción de este film participa Jennifer Lopez, que además tiene el rol protagónico de la película.
La propuesta resulta interesante. Estamos ante una gran tragicomedia cuyo tono farsesco está plenamente logrado. Estructurada en base a un guión muy bien desarrollado muestra que ante la adversidad no se debe claudicar porque siempre puede encontrarse una puerta de salida. El film en ningún momento asume una postura de falsa moralina. Por el contrario, deja observar que el lujo y la concentración de riqueza de una ciudad como Nueva York no son un obstáculo sino todo lo contrario, una fuente permanente de oportunidades que incentiva la movilidad social y siempre hay lugar para aquel sujeto que esté dispuesto a atreverse y tomar riesgos. Aunque como en este caso, los riesgos conduzcan a la cárcel.

Un antes y un después. Dos momentos diferenciados por un golpe terrorista perpetuado en un Parque de París.
En el antes, Amanda, una pequeña niña de unos 7 años, mimosa e inteligente, magníficamente interpretada por Isaura Multrier, comienza a ir al colegio. Su madre, Sandrine y su Tio Vincent se turnan para esperarla a la salida del colegio coordinando los horarios disponibles en función de sus obligaciones laborales. El film describe la vida cotidiana de tres personas comunes, simples cuyas rutinas transcurren sin demasiadas emociones, donde el hecho más importante sobrevivir día a día y ver crecer a esa niña cuyos padres están separados.
Sandrine es traductora y maestra de inglés en una academia. Para ganar unos francos más, hace traducciones en su casa. Vincent trabaja para la Municipalidad de Paris podando árboles y arreglando canteros. En sus momentos libres, ayuda en una inmobiliaria. Su vida carece de mayores responsabilidades. Es un hombre joven en busca de aventuras.
De golpe, un fin de semana en un parque, la tragedia se cierne en torno a ellos. La madre de la niña muere, su padre no aparece, y su Tio Vincent se debe hacer cargo de su crianza no sin antes pensar en un internado.
En el después, la película se concentra en la recomposición de los sobrevivientes donde la asumir nuevas responsabilidades y recolocar los afectos estará en primer lugar. Es una descripción minuciosa de pequeños momentos que intentan volver a unir todo aquello que se ha roto, que se ha modificado en esas almas que han sobrevivido a la tragedia, pero que les ha cambiado brusca y definitivamente toda su vida.
Ya nadie puede ni vuelve a ser el mismo. Volver a encontrarse aparece como una prioridad. Habrá una serie de reencuentros. El primero, el de Vincent consigo mismo. Debe hacerse cargo de la pequeña Amanda. Esta solo y carece de medios pero toma conciencia que lo peor ya ha pasado. Ahora es un momento necesario de la reconstrucción de lo que ha quedado. Los sentimientos hechos añicos y vivir con la ausencia de los seres perdidos es lo que hay que aprender.
El film es minucioso y está construido de pequeños momentos. Es un film íntimo, donde lo que ocurre es una catarata de sentimientos encontrados donde no queda lugar para ir hacia atrás sino solo para adelante. Volver a ser y hacerse cargo. Muestra la necesidad de madurar aceleradamente, de asumir la realidad aunque lo cambios sean dolorosos. De buscar y reunir a la familia como apoyo de toda la estructura social.
No solo es admirable el trabajo de los autores del guion (el propio director y Maud Ameline), que han logado una estructura muy sólida que sostiene una avalancha de sentimientos encontrados narrados a partir de la necesidad de reconstruir la vida cotidiana. Pero lo más interesante, es que la película es capaz de transmitir el espectador esos sentimientos a través de pequeños gestos, una palabra, una sonrisa, una lagrima, una canción que suena, el reencuentro con alguien lejano que hace mucho que no se ve, un simple recuerdo que aparece. Es el otro lado de un drama contemporáneo.
La actuación de la niña Isaure Multrier es fundamental en la transmisión de esos sentimientos que a veces se esconden para ocultar la tristeza que sentimos. La película guarda en todo momento un gran equilibrio narrativo, pero ante todo descuella en mostrar sutilmente todo aquello que está oculto en el alma y no es visible a los ojos.

Esta nueva película del uruguayo Federico Veiroj, su quinto largometraje, es un film ambicioso e interesante, una especie de parábola moral que sin defraudar no llega a conformar toda la potencialidad que abarca.
Es conocida la pretensión de Uruguay de ser reconocido como la Suiza de América del Sur. Rodeado de mar y dos países territorial y económicamente más grandes (Brasil y Argentina), se convierte en una especie de isla que lo ha llevado a desarrollar un sistema financiero que garantiza la seguridad del ahorrista como así también la captación de capitales golondrinas, lo que vuelve un país importante en América del Sur en la venta de servicios financieros.
El film se desarrolla desde mediados de los años 50 hasta mediados de los 70, en los cuales prevalecieron políticamente dictaduras duras y corruptas en América del Sur. Ello es aprovechado por Veiroj para relatar una historia con mucho de fábula moral, donde un personaje escala económica y socialmente a costa de sacrificar sus principios y su salud.
La simplicidad de las operatorias de una casa de cambios en Montevideo se vuelven cada vez más compleja debido a las estas situaciones políticas. Los problemas de estos dos grandes países se transforman en una oportunidad de negocios para el afianzamiento del sistema financiero y cambiario del Uruguay.
Paradójicamente, en aquellos momentos donde la libertad económica y financiera se ve amenazada producto de ajustes económicos en sus vecinos, en Uruguay aparecen eventuales oportunidades de negocios en virtud de la fuga de capitales desde aquellos países. Esto representa una fuente de negocios muy importante para un país más pequeño que hace gala de la honestidad de sus servicios.
El Sr.Schweinsteiger representa el personaje del tradicional cambista uruguayo que ha ejercido la profesión durante años y se ha transformado en el hombre de confianza de gente adinerada que busca seguridad financiera colocando su dinero fuera de las fronteras del país, operando siempre dentro de los márgenes permitidos por la ley. Su casa de cambios es reconocida por su seriedad.
Umberto es un joven que comienza a trabajar en dicha casa de cambios en Montevideo, se gana la confianza del patrón, se casa con su hija, y cuando aparece una operación que al cambista le despierta desconfianza y no le interesa por su buena reputación, el joven Umberto decide cortarse y operar por cuenta propia.
Es allí donde el film comienza a fallar. La película parece convertirse en un discurso sobre la moralidad en las finanzas. Mientras describe el tradicional negocio de cambio de monedas, basado en gran medida en la honestidad del tradicional cambista, por otro lado muestra el ascenso en la confianza y en la toma de riesgos de parte del discípulo.
Veiroj desarrolla una línea narrativa donde destaca la vida personal del joven cambista. Por otro lado, aparece un intrigante personaje que desea depositar una suma de dinero más que importante que prácticamente sobrepasa su capacidad operativa. Aquí la película pierde el rumbo porque comete el pecado de querer abarcar todo, en consecuencia, deja aspectos algo confusos de la historia provocando una caída en el interés del relato.
No obstante ello, el film es entretenido y por momentos muy interesante. Pero la diversidad de situaciones que presenta y pretende abarcar el director y guionista termina por diluirse en las diferentes líneas narrativas que desarrolla y en consecuencia el discurso que realiza se pierde en esa madeja de intereses contrapuestos, dilemas morales que se diluyen en la narración, perdiendo la película su coherencia, su claridad expositiva e incluso, su interés.
Con la intervención del uruguayo Daniel Hendler como Umberto y del brasileño German da Silva como Moacyr, el resto del elenco es argentino, destacando en sus respectivos papeles Dolores Fonzi como Gudrum, la esposa de Umberto, y Luis Machin como el Sr.Schweinsteiger, el cambista uruguayo.

No conocía el cine de Bart Freundlich, un director de Nueva York que ya tiene varios largometrajes en su haber como así también varias series para la televisión. En Argentina se ha visto Amante Accidental (The Rebound, 2009), Parejas (Trust the Man, 2005), y alguna otra en video. La película que se estrenó esta semana es su séptima obra cinematográfica y cuenta en su elenco con el respaldo de tres grandes actores: Julianne Moore (Siempre Alice, 2014; Lejos del Cielo, 2003), que por otra parte es también su esposa en la vida real, Michelle Williams (Blue Valentine, 2010; Manchester Frente al Mar, 2016) y Billy Crudup (Lazos de Sangre, 2013; Jackie, 2016).
Este es un film sobre los sentimientos y los lazos sanguíneos que explora las relaciones familiares a través de las emociones y las vueltas de la vida. Freundlich, también autor del guión, se basa en una obra original de Susanne Bier (guionista y directora holandesa de aquella película que aquí se denominó Después de la Boda, 2006). El trabajo de Freundlich es básicamente americanizar la obra, darle una estructura más dramática y un ritmo típicamente de cine americano.
Esta obra teje una compleja y delicada trama de relaciones familiares que fundamentalmente tienden a destacar la importancia de la unión familiar. La cuestión que plantea radica en dar a luz lo que oculta el pasado, entenderlo, aceptarlo y tratar de comenzar a convivir con ello. Aunque a veces se torna predecible, el director Freundlich acude a numerosos giros que logran mantener la atención en la narración despertando un genuino interés por su desarrollo.
La historia comienza en la India y nos lleva a Nueva York no sin antes mostrarnos la labor que realiza Isabel (Michelle Williams) en aquel lugar donde hace trabajo humanitario atendiendo y dirigiendo un orfanato que es financiado por una empresa americana. Allí Isabel muestra predilección por Simón, un niño hindú al cual prácticamente ha adoptado. Como consecuencia de ello, Simón se transforma en un personaje emblemático de la necesidad de ayuda que necesita un país como India.
Este planteo parece conducir a un film de los 70 donde las luchas sociales forman parte existencial de los problemas del hombre. Pero no es así. Isabel, una vez llegada a Nueva York, asume un papel de mujer enigmática que da lugar a una de esas famosas casualidades literarias que todo lo facilitan.
Ello conducirá a crear un extraño triángulo, uno de cuyos vértices será Isabel, la mujer necesitada de ayuda, y por el otro, la base, el matrimonio de Theresa, (Julianne Moore) y Oscar (Billy Crudup). A partir de aquí, la acción transcurrirá en medio de una familia de clase media alta donde Theresa, la madre, es una empresaria exitosa. Su marido, Oscar, es un artista plástico de cierto éxito, y Michelle se transforma en la enigmática mujer que busca ayuda.
A partir de allí, la narración se olvida de la India y se concentra en Nueva York, donde se desarrolla una historia donde el encuentro y la aceptación se convierten en baluartes de la vida, una narración circular con idas y vueltas hacia un pasado que siempre condiciona al presente y que terminará determinando al futuro. El film es un exponente de las vueltas que da la vida…
El film tiene como mayor mérito estar construido a través de tres actores que con un poder histriónico notable son capaces de transmitir diferentes estados de ánimo y situaciones que reflejan que la felicidad esta constituida en esas pequeñas cosas de la vida. Pero el problema del film es que transcurre en una familia de clase adinerada donde lo material no es problema. La intención inicial de Isabel de buscar ayuda financiera para un orfanato en la India se pierde en el relato dado que los problemas del matrimonio de Theresa y Oscar se superponen e incluso terminan siendo más graves que la propia situación de los niños en la India.
La película comienza con las correrías de un niño feliz en un orfanato de la India para terminar sombríamente en una lujosa casa en las afueras de Nueva York donde los personajes terminan planteándose cuestiones existenciales más allá de la comodidad en que viven. Este desbalance desubica al espectador aunque haya en los personajes cuestionamientos que los humaniza y que los coloca fuera de toda materialidad. La propuesta está avalada, además, por las exactas composiciones de los tres intérpretes principales.

En los años 60, leía sus aventuras en las revistas mexicanas. Más tarde, vería la serie de televisión de Batman y Robín donde Guasón era un villano simpático. En 1966, los héroes pasan al cine. Joker fue personificado por George Romero. En 1989, Warner decide revivir a Batman, Tim Burton en la dirección y Jack Nicholson como Guasón. Se genera una saga que dura toda una década. A mediados de los 2000, reaparece Batman y en 2008 el Joker en El Caballero de la Noche, personificado por Heath Ledger. Su actuación extraordinaria le vale un Oscar. Ahora, la Warner asociada con DC, deciden dar vida propia al Joker. Todo un acierto.
Hace tiempo que el cine americano no produce una joya cinematográfica como ésta. Más allá de las diferentes versiones mencionadas y de sus formas (revistas, televisión y cine), en esta nueva versión con Joaquín Phoenix el personaje se transforma en un ser desclasado, con importantes problemas mentales que representa el desconformismo y el resentimiento de toda una clase social que no ve otra salida que la violencia.
En Joker, tanto el texto de Todd Philips como su dirección, enfatizan en la indiferencia de esa sociedad en estado de cambio donde el trabajo no abunda y mucho menos para aquellos que sufren algún tipo de marginalidad o carecen de los estudios adecuados.
El personaje no es una persona normal. Sufre las consecuencias de una alteración mental que es tratada a través del suministro de unas pastillas que le dan los servicios sociales de la ciudad después de una visita periódica a una asistente social.
Vive en Nueva York con su madre, una anciana que padece de problemas cardiacos severos. Trabaja para una empresa de publicidad en la que encara el papel del hombre sándwich. Es victima permanente de todos los vándalos que habitan el barrio.
Joker es Arthur Fleck, y Joaquín Phoenix lo interpreta realizando la actuación de su vida. Es por definición un looser, un perdedor clásico de esta época violenta, que sueña con ser actor. La madre, durante su juventud, ha sido mucama en una mansión y dado que nunca conoció a su padre, intuye que puede serlo el multimillonario Wayne (el padre de Batman). Son acaso hermanos de padre?
El guion de Philips juega con todos estos elementos dirigiéndolos hacia la tragedia haciendo siempre incapie en las cuestiones sociales. Fleck vive en un departamento en mal estado en un suburbio violento. Se maneja en trenes siempre abarrotados rodeado de gente prepotente y violenta. Su trabajo no es una excepción. Lo consigue solo de vez en cuando y la paga es miserable.
No es descabellado pensar que este sujeto desee poder cambiar algo de su vida. Pretende ser actor. Asiste regularmente buscando una oportunidad a los programas de Murray Franklin, un presentador de televisión interpretado por Robert de Niro (con su solvencia de siempre).
Phillips maneja su guión con una destreza e inteligencia única. Su film adquiere la forma de una farsa que inevitablemente conduce a la violencia. Cada escena es una pieza de un rompecabezas que no solo conforma una personalidad única sino también una serie de situaciones que más allá del crimen y la tragedia, convergerán en el caos social.
Encuentro en Joker influencias del cine neoyorkino de Martin Scorsese. Concretamente de Taxi Driver, donde el personaje que interpreta Robert de Niro (Travis Bickle) arrastra secuelas parecidas aunque con orígenes diferentes. Aquello tenía que ver con la intervención de una guerra sucia y la actualidad con cambios profundos en los paradigmas laborales.
Joker es una de las mejores películas americanas que he visto en los últimos años. Partiendo de un personaje conocido por todos, Philips pone en escena toda una tragedia de nuestra época. La falta de trabajo, las relaciones amorosas inestables, la falta de sensibilidad social de los poderosos, la violencia callejera, la marginalidad de los seres diferentes, la soledad que se sufre en las grandes ciudades, la falta de respeto hacia el otro.
Pinta a Joker como una víctima social que, aunque bajo los efectos de barbitúricos y disturbios mentales, tiene la dualidad de habitar entre el bien y el mal, siendo capaz de generar un caos que no es otra cosa que una llamada de atención a una sociedad que está perdiendo sus valores básicos y sobretodo, éticos.

Rodrigo Sorogoyen del Amo es un ascendente joven director de cine y guionista español, que acaba de ganar los premios Goya 2019 a mejor director y al mejor guion original -compartido con Isabel Peña - por la película El Reino que ganó siete Premios Goya y cinco premios Feroz.
De su filmografía, en Argentina solo se estrenó Estocolmo (2013). Madre (2017) sigue esperando su estreno. Pero esta semana tuvimos la fortuna que se estrene su película más premiada que aparece en nuestras pantallas con el nombre más explícito de El Reino de la Corrupción, un thriller político que toca un tema muy candente.
El Reino… es un film sólido, muy bien escrito, mejor dirigido y con un acompañamiento musical basado en la percusión que es fundamental en el ritmo de desenfrenado que toma la película.
Si bien el asunto del film no es más que un caso de corrupción en una villa de la costa cercana a Madrid, el film se eleva por su notable factura cinematográfica dado que por sobre todas las cosas que dice sobresale la forma en que lo dice.
El caso que presenta es un caso más entre los tantos casos de corrupción que se dan en el mundo. Pero lo interesante de este film es que el protagonista principal (un notable trabajo de Antonio de la Torre) en medio de la corrupción reinante no es más que un chivo expiatorio, un típico político cuya vida holgada se sustenta en negocios ilegales agravado por el hecho que comparte el fruto de la corrupción con una gran mayoría de dirigentes más influyentes de su partido, los cuales, obviamente, lo dejan solo frente a la denuncia que recibe.
El film, contado con una velocidad que no para nunca, puede llegar a confundir al espectador que busca una historia convencional. Pero lo interesante del film no está en el proceso de corrupción que relata sino en la concentración de responsabilidad que acarrea el funcionario corrupto, especialmente cuando lo dejan solo ante lo cual aparece social y legalmente como único responsable de un proceso de corrupción que obviamente abarca a un grupo de funcionarios públicos más importantes.
El ritmo de la película es súper rápido, subrayado por la columna musical basada en una percusión electrónica que remarca la aceleración de los acontecimientos que está narrando, y por la banda de sonido concentrada en un acompañamiento musical que hace parecer la aceleración de un corazón a punto de estallar ante el descubrimiento del hecho doloso y la responsabilidad que le cabe al protagonista, el cual queda solo y desamparado frente a al proceso que se le vuelve encima.
También es un acierto concentrar el film en las espaldas de Antonio de la Torre, que logra cargar sobre sus espaldas el hecho ocurrido y transmitir todo el clima de locura que instala en torno al mismo, la forma en que se borran todos y la soledad que aparece en torno suyo, no obstante saber que la corrupción del poder lo abarca todo.
La última media hora de la película no tiene desperdicio. En ella se instala toda la locura del protagonista que se concentra en cuatro escenas notables, una en un balcón, otra en una casa de un funcionario que esconde una prueba judicial importante, la siguiente, un escape en auto en medio de la noche oscura y la amenaza de una persecución invisible, y la última, un reportaje por televisión que define los tiempos actuales que estamos viviendo.
En síntesis, un film español para tener muy en cuenta. Entretenido, bien actuado, extraordinariamente musicalizado, y con una pintura muy acorde del tipo de sociedad y política de estos tiempos. Cualquier parecido con la realidad es pura coincidencia.

Es conocida la preferencia de Valeria Bruni Tedeschi por aquellos personajes marginales que oscilan levemente entre la razón y la locura. En Nuestros Veranos vuelve a componer un personaje con dichas características.
Anna, tal es el nombre de su nuevo personaje, acaba de ser abandonada por su marido, también actor, que ha preferido quedarse en Paris con un nuevo amorío con una mujer mucho más joven que ella, justo en el momento que están por iniciar unas vacaciones en Italia. Su colapso es total.
La llegada a la casa de verano de sus padres, la encuentra sola y desorientada en medio de una situación incómoda que además encierra la necesidad de repasar el guión de su nueva película, y organizar el elenco necesario para su filmación.
“Nuestros Veranos” es una comedia intimista en la que Bruni Tedeschi, además de actuar, ha escrito y dirigido. Es un film de situaciones. La casa de verano está llena de gente. Además de sus padres, comparten la casa de descanso, su hija, su hermana, su marido, su co guionista, un actor, y personal de servicio de la casa de verano.
Esta nueva comedia de la actriz, directora y guionista italiana es, sin duda, un paso hacia adelante en su filmografía, y marca una superación respecto a sus trabajos anteriores, tanto como guionista como en la dirección de la película.
Bajo la forma de un vodevil, la casa de descanso se transforma en una especie de hotel donde la situación angustiosa que vive Anna se ve superada por la falta de tranquilidad, las opiniones dividas, los secretos compartidos y los dimes y diretes de todos los personajes que la habita, más allá de los intereses particulares que alientan cada uno de ellos.
Lo interesante del film es el énfasis que pone Bruni Tedeschi en el tema de la ignorancia que desarrollamos hacia los problemas de los demás. La vida moderna nos lleva a ensimismarnos en nuestros propios problemas. Eso origina que cada uno viva una vida concentrada en sí mismo donde no importa lo que le está pasando al otro. Eso conduce a un gran egoísmo social donde poco o nada importa la vida de los demás. Estando en la propia casa de su familia, Anna se siente como una extraña, aunque esté rodeado de su hijo, sus padres y amigos.
Bruni Tedeschi desarrolla un tono muy interesante en este relato de características costumbristas que nunca llega ni a los extremos ni a las grandes explosiones personales de un personaje. La directora utiliza un tono medido desarrollando una típica tragicomedia que más allá de las desavenencias conyugales y los problemas familiares, lo que plantea a través de sus personajes, es básicamente la incomunicación, la incapacidad de transmitir y compartir problemas.
Asumiendo además el papel de Anna, y muy bien acompañada por un amplio elenco que aporta su calidad actoral, destacan Pierre Arditi, Valeria Golino, Riccardo Scarmacio y Vicent Perez.
Nuestros Veranos es una comedia interesante que plantea los problemas de comunicación que conlleva la vida moderna, en la que poco a poco vamos tomando distancia de nuestra propia familia hasta volvernos extraños, evitando incluso a nuestros seres queridos, dejando la franqueza de lado, y hasta ocultando nuestros sentimientos, volviéndonos fríos, incomunicados y distantes.