En asuntos de cine, suelo quejarme bastante de la mala calidad de las películas que se estrenan en verano, así como del bajón que desde hace unos años viene experimentando el cine de terror. Tenía que ser Sam Raimi quien me diera una doble alegría en la que, hasta el momento, considero la mejor película de este verano: Arrástrame al infierno.

Raimi es ahora mundialmente conocido por las películas de Spiderman, pero lo que le catapultó a la fama fue su famosa trilogía de terror Evil dead, que comprende Posesión infernal, Terroríficamente muertos y El ejército de las tinieblas, tres filmes indispensables en el género del terror.

Parece que Raimi ha querido volver a sus orígenes con esta película, cuya mayor virtud es que consigue dar miedo, algo muy difícil en los subproductos de terror juvenil de hoy en día. Este realizador nacido en Michigan domina muy bien las diferentes facetas del género y así lo demuestra en este filme: desde la música in crescendo culminada en el clímax terrorífico de turno, hasta los sustos inesperados (y bien conseguidos), pasando por aquellos momentos en los que los protagonistas de la historia comienzan a ser conscientes del lío en que se han metido.

Por un lado, Arrástrame al infierno parece un homenaje a Evil dead, ya que existen ciertas similitudes: maldiciones, posesiones, espíritus atormentados y, sobre todo, un sinfín de momentos macabros plenos de imaginación. Pero, por otro, son muchos los minutos que debe avanzar el metraje para que observemos la introducción del humor negro en el relato, algo muy típico en el Raimi del terror (el Raimi de los comics es bien diferente, desde luego). Quizá ese hecho haya conseguido que la película gane muchos enteros, ya que nadie podrá confundirla con una parodia o con una producción de Serie B. Pero también es posible que el recorte humorístico decepcione algo a los puristas de este director.

En cuanto a los intérpretes, la bella Alison Lohman (La flor del mal, Big fish), está a la altura, de forma que el público sufre sus miedos y tensiones ante lo que se le viene encima. Lo mismo ocurre con Lorna Raver (Freeway), impecable y aterradora en su rol de bruja malvada. Quien desentona en la historia es Justin Long, que parece el mismo chico parlanchín y un tanto botarate al que Bruce Willis salvó una y otra vez en La jungla 4.0 (de hecho, mejor le habría ido a la protagonista contando con el héroe de La jungla de cristal en lugar de este chavalito).

Sea como fuere, Sam Raimi os hará disfrutar de lo lindo con una película en la que hay momentos para la tensión, momentos para los sustos y momentos para la diversión, con un tramo final bastante bueno, en el que el destino es el principal protagonista. Soy consciente de que el humor tarda en arrancar, pero lo hace y en su justa medida, de forma que podríamos decir que nos encontramos ante una autorrevisión de su propio género: cine que asusta y divierte a la vez. Espero que la disfrutéis.

Parece que el bajón de calidad cinematográfica del verano también afecta a los estudos Pixar. No me entendáis mal: no digo que su nuevo trabajo, Up, sea una mala película, pero sí afirmo que queda muy por debajo de producciones como Wall·E, Buscando a Nemo, Toy Story o la que sin duda es la mejor de todas, Los increíbles (por qué esta última no ha tenido continuaciones es un auténtico enigma).

Up es una película que trata, ante todo, de la vida. De hecho, podríamos dividirla en dos partes: la profunda y la de aventuritas para niños. Así las cosas, vemos una primera mitad con un guión brillante, capaz de mostrar en unos diez minutos de metraje las vidas de dos personas, desde niños hasta la vejez, con todo lo que implica una larga vida en pareja: alegrías, tristezas, desavenencias, perdón, dolor, enfermedad, emoción, amargura... Son diez minutos mágicos, narrados con gran brillantez y precisión, demostrando que la vida real supera cualquier ficción. Pero sólo son diez minutos.

Hemos de entender que una película de animación debe gustar, sobre todo, al público infantil y claro, conforme avanza el filme, el libreto va perdiendo calidad en favor de un estilo más propio de Disney, el cual quedó desfasado hace años precisamente por la originalidad de los estudios Pixar, lo que hace incomprensible este pequeño paso atrás.

En cuanto a los personajes, el protagonista, un anciano que parece haber olvidado lo que significa disfrutar de la vida, es un claro homenaje a Spencer Tracy. Este entrañable abuelo es lo mejor de la película, contrastando con un niño repelente que se une a sus peripecias por la selva, un grupo de perros parlanchines que terminan cansando, un villano bastante tópico que el filme utiliza como denuncia del excesivo amor a los ídolos en la actualidad y un extraño pájaro que parece una réplica del archifamoso Correcaminos.

Hemos llegado a un punto en el que parece que hablar mal de Pixar es una herejía, pero hasta un cineasta de la talla de Clint Eastwood ha cometido errores (como los dos del famoso western que él mismo protagonizó). Up es una película altamente sobrevalorada por la crítica, que no está mal, que posee grandes momentos, pero que nunca podrá considerarse como lo mejor de estos geniales estudios de animación.

Stephen Sommers ha tenido el dudoso honor de adaptar cinematográficamente G.I. Joe, aquellos famosos juguetes creados en su día por Hasbro, que tanta fama adquirieron entre los más peques de la casa.

Como sobre la película no hay mucho que decir, me vais a permitir que me detenga brevemente en su director. Tras Deep Rising, una entretenida aventura de monstruos con más acción que terror, Sommers dio el salto a la fama con La momia, tras la cual, uno pensaba que a dicho realizador se le podían exigir películas por encima de la media. Después llegaron Van Helsing y la tercera parte de La momia y descubrimos, por desgracia, que lo de Sommers fue flor de un día.

Pero Sommers ha tenido algo de fortuna: su película se ha estrenado casi al mismo tiempo que Transformers 2, de forma que resulta casi imposible hablar de una sin mencionar a la otra. Y claro, la producción de la factoría Spielberg fue tan nefasta, que cualquier cosa a su lado parece mínimamente decente.

¿Similitudes entre ambas? Muy sencillo: muchísimas explosiones, vertiginosas persecuciones con rocambolescos giros de cámara que terminan por dar dolor de cabeza, una cuenta con Megan Fox y la otra con Sienna Miller y Rachel Nichols, diálogos carentes de imaginación y un argumento destinado no ya a adolescentes, como pasa con la saga de Harry Potter, sino directamente a un público netamente infantil.

¿Diferencias? La principal es que el filme de Sommers dura media hora menos, lo cual es de agradecer. La segunda son los actores secundarios, que consiguen sacar algo de chispa a sus limitados personajes, destacando Arnold Vosloo (La momia, 24), Christopher Eccleston (Doctor Who) o el simpático cameo que Brendan Fraser efectúa en mitad de la película. Lamentablemente los principales, como el sobrevalorado Channing Tatum o el nada gracioso Marlon Wayans, no valen gran cosa.

Como digo, creo que he visto G.I. Joe con mejores ojos de los que debería por aquello de que en mi mente todavía estaba muy fresca la tortura a la que Spielberg y Michael Bay me sometieron con Transformers 2. De todos modos, pienso en James Cameron y en la cantidad de posibilidades que habría obtenido de cualquiera de ambos filmes y me dan ganas de echarme a llorar.

El realizador de películas como Muerte súbita, Timecop o El fin de los días (para que os hagáis una idea, son sus mejores realizaciones), Peter Hyams, ha decidido insultarnos a todos con este remake de la película que en 1956 dirigió Fritz Lang, con resultados absolutamente lamentables.

¿Por qué me siento insultado? Porque ya me estoy hartando de ir al cine a que me tomen el pelo. Para empezar, el formato es más de un telefilme que de una producción cinematográfica en toda regla: poco o nulo aprovechamiento del 16:9, argumento predecible del tipo sobremesa televisiva de domingo, drama sin pasión, importantes errores de guión que dejan aspectos de la historia sin resolver, paupérrima puesta en escena y, sobre todo, la sensación de déjà vu omnipresente en toda la película.

Después está Michael Douglas. No es que su interpretación sea mala, aunque tampoco buena, ya que no aporta ningún matiz distintivo a su personaje de fiscal implacable y digo yo que a un ganador de dos Oscar, es algo que se le podría exigir. De hecho, Douglas está cayendo en los mismos errores que otros actores de gran reputación como Al Pacino, Robert de Niro o Harrison Ford, cuyas intervenciones en productos de calidad muy baja están haciendo un flaco favor a sus actuales carreras, ya que ni ellos mismos se creen las idiosincrasias de sus personajes.

Como he dicho al principio, me parece insultante que un filme de íntriga policial (supuestamente va de eso) cuya calidad no daría ni para un episodio de Ley y orden, Bones o cualquiera de trama similar, haya llegado a la gran pantalla. ¡Qué desperdicio!

Ante la avalancha de películas mediocres, como viene siendo habitual en los últimos veranos, esperaba con gran interés lo último de Michael Mann, pensando que el realizador de filmes tan magníficos como El dilema o Heat nos sacaría de este hastío estival. Lo que menos podía imaginar es que la principal carencia de este relato estuviera precisamente ahí, en el poco interés que suscita, ya que Mann nos ofrece una historia muy plana, con personajes sin profundidad y un guión de lo más convencional.

Mann ha decidido obviar el argumento en detrimento de la creación de belleza formal. Así las cosas, la película puede presumir de ambientación, calidad visual, vestuarios, decorados y puesta en escena en general, demostrando que en ese sentido es un experto. Pero por mucha habilidad que Mann muestre en las facetas técnicas, la película, salgo algún que otro chispazo brillante, es soberanamente aburrida y eso no hay quien lo salve.

El elenco con el que Mann ha contado para esta producción es de altura, pero ni el gran Johnny Depp, ni el solvente Christian Bale ni la oscarizada Marion Cotillard pueden hacer gran cosa, por culpa del maltrato del guión hacia sus caracteres. La película podría haber sido de lo más entretenida si Michael Mann lo hubiera narrado como un western clásico, es decir, un famoso atracador de bancos buscado por un famoso sheriff como trama principal y no como mera excusa de fondo para llevar a cabo la filmación. Ahí sí habrían brillado Depp y Bale. Pero observar cómo en plena recesión de los años 30, un gángster que roba y mata para pegarse la gran vida es aclamado por el populacho, no me termina de convencer como argumento válido para semejante producción.

Mis peores temores se han hecho realidad con la sexta entrega de Harry Potter: lo que escribió J.K. Rowling en sus libros apenas si importa a los responsables de la Warner; lo realmente esencial es hacer la guerra a Crepúsculo, la cual, a pesar de contar una calidad ínfima, parece haber arrebatado a gran parte de los seguidores del universo Potter.

Siguiendo esa línea de actuación, el desordenado y caótico guión adaptado de Steve Kloves mezcla torpemente ligoteos, escarceos amorosos y besuqueos gratuitos con momentos dramáticos que van en la línea de la trama principal, cuyo resultado final es bastante lamentable, ya que parece que los protagonistas están hechizados para olvidar, cuando lo creen conveniente, el grave peligro que se cierne sobre Howarts y sus vidas. No entiendo lo de Kloves, ya que fue bastante hábil escribiendo el libreto de las tres primeras entregas. ¿Será que no tiene personalidad y ahora simplemente transcribe lo que ordenan los productores? Posiblemente pase lo mismo con el director, David Yates: ¿contrató la Warner a un realizador sin personalidad, para que fuese un títere que diera el visto bueno a un producto prefabricado de antemano y no pusiera pegas?

Sea como fuere el desastre es total. Por un lado, la taquilla ha bajado. Sí, resulta que la última película de Harry Potter sólo funcionó bien el primer fin de semana en lo que a ventas se refiere. Por otro, considero una grave falta de respeto hacia el cinéfilo, que sólo aquellas personas que hayan leído el libro puedan entender ciertos aspectos sobre Voldemort que quedan sin explicación (y eso que el metraje es superior a dos horas y media) u otras secuencias que uno difícilmente puede hilvanar sin conocer la novela en cuestión.

Ya comenté en las críticas de las partes anteriores, que las películas de Harry Potter ganaban cuando la trama se oscurecía, llegando a sus mejores cotas con El prisionero de Azkabán, de Alfonso Cuarón. Después la cosa cambió en favor de lo que la Warner entiende que va a gustar al público adolescente (al que, por lo visto, tienen en muy poca estima). Iluso de mí, ante la calidad del sexto libro de J.K. Rowling, que explora de forma magistral las interioridades de Voldemort desde su infancia, creí que la saga volvería por los derroteros de Cuarón, pero mi gozo en un pozo.

Y ahora, como se acaba el chollo Harry Potter (sólo hay siete novelas y ya van seis producciones) los amigos de la Warner han decidido hacer dos películas del último libro, a pesar de que no es excesivamente extenso. Pensar en el aburrimiento que vamos a padecer si la línea a seguir es la misma (y viendo que el responsable será nuevamente David Yates es lo que parece), resulta mucho más aterrador que mil Voldemorts juntos. Esperemos, por aquello de que la taquilla ha bajado, que se lo tomen más en serio el año que viene.

Tras el desastre que llevó a cabo Mike Newell en Harry Potter y el cáliz de fuego, los responsables de la saga decidieron colocar como nuevo director a un desconocido: David Yates. Supongo que pensaron que difícilmente lo haría peor que Newell y, al menos en eso, acertaron.

El principal problema de esta quinta parte es lo absurdo de la trama. Podría decirse que director y guionista han necesitado dos horas de metraje en lo que denominaremos como un anexo del filme anterior, resumido de la siguiente manera: el ministerio de magia cree que Harry Potter ha mentido al relatar lo sucedido en los últimos minutos de la cuarta película y esto no puede quedar así.

Entonces, ¿en qué emplea David Yates estas dos horas? Dejadme pensar: importantes fallos de guión (que no comentaré para no incurrir en spoiler), desaprovechamiento insultante de intérpretes de primer orden como Ralph Fiennes, Jason Isaacs, Emma Thompson, Helena Bonham Carter, Alan Rickman o Gary Oldman, un excesivo protagonismo del que podría ser el personaje más repelente de toda la saga, encarnado por una actriz de segunda como Imelda Staunton, que cae en el típico error de la sobreactuación, amoríos adolescentes mal contados y con muy poco sentido y, para terminar, la poca relevancia que en la historia tienen Emma Watson y Rupert Grint, apareciendo más como meras comparsas que como íntimos amigos del protagonista.

Para ser justos, no todo es culpa de Yates, ya que ha tenido que adaptar uno de los peores libros de J.K. Rowling a partir de un mediocre guión de Michael Goldenberg (responsable del libreto de la patética Contact, casi nada). Vamos, que habría necesitado toda la magia de Howarts y algo más para conseguir filmar una buena película. Al menos habrá que reconocerle su calidad visual, con muy buenos efectos especiales y el tramo final del filme, en el que por fin se aborda la trama principal. Aunque, sinceramente, me parece una soberana tomadura de pelo la poca relevancia que tiene, en el cómputo total de la película, la que iba a ser gran batalla entre los magos seguidores de Dumbledor y los acólitos de Voldemort.

La serie de Harry Potter va cuesta abajo y sin frenos y, a tenor de las informaciones que manejo (David Yates dirigirá un total de cuatro filmes) va a ser difícil que alguien frene la caída.

El realizador de la imponente Hijos de los hombres, Alfonso Cuarón, fue el designado para llevar a cabo la tercera parte de las aventuras de Harry Potter. Fue un gran acierto, ya que Harry Potter y el prisionero de Azkaban es, hasta la fecha, la mejor película con diferencia de toda la serie.

¿En qué me baso para emitir tal afirmación? Para empezar, el filme ya no tiene un marcado acento infantil, lo que posibilita una mayor introducción de elementos oscuros, los cuales han protagonizado los mejores momentos de calidad cinematográfica de toda la saga. Cuanto más se centra la historia en la lucha entre las fuerzas del bien y las del mal, en el temible Voldemort y, sobre todo, en la influencia de éste en el protagonista, mejor y más elaborado es el guión, lo que deviene indefectiblemente en un mayor calado de la historia, un aumento del suspense y, en definitiva, un mayor interés por parte del espectador.

Además tenemos el poderío visual del que Cuarón suele hacer gala en sus películas. Los efectos especiales son más impactantes, los escenarios destilan grandeza en la generosa cantidad de planos con la que el director nos deleita y los hechizos de magia cada vez están más conseguidos.

Al igual que en las partes anteriores, se vuelven a producir nuevos fichajes de altura para el elenco. Tras el triste fallecimiento de Richard Harris, el veterano Michael Gambon (Gosford Park, El dilema) fue su sustituto para el papel del carismático Albus Dumbledore y hay que reconocer que supo mantener la altura lograda por Harris. A él se suman actores de la talla de Gary Oldman, Emma Thompson o el siempre solvente como secundario David Thewlis (La profecía) cuyos personajes consiguen conferir una mayor profundidad a la trama, al ser claves para resolver parte del misterioso pasado de Harry Potter.

Es una pena que Alfonso Cuarón no fuese designado director oficial para continuar el resto de la saga, ya que las partes restantes irán disminuyendo su calidad de forma inexorable, en favor de una idea de éxito comercial cimentada en lo que los productores creen que gustará al público adolescente. Entiendo que el dinero es el que manda, pero ¿acaso este filme no fue un rotundo éxito de ventas? Si alguien entiende el cambio de rumbo que la saga adquiriría a partir de la cuarta parte, le invito a que me lo explique, porque a mí se me escapa.

En 2002, Chris Columbus logró superarse a sí mismo con Harry Potter y la cámara secreta, adaptación de la segunda novela de J.K. Rowling sobre las aventuras del famoso niño mago.

Como toda segunda parte que se precie, el guión puede dedicarse por amplio espacio de tiempo a la aventura y a la profundización de los caracteres más importantes, ya que la presentación de personajes, escenario e historia fue llevada a cabo en su momento en el filme original.

Potter experimenta cómo la magia va creciendo en él, pero empiezan a surgirle dudas, devenidas de la interacción entre el bien y el mal. Como si del mismísimo Luke Skywalker se tratara, el argumento juega de forma bastante aceptable con el miedo que tiene el protagonista a abandonar la luz para pasarse al bando de las tinieblas. Deberá confiar en sus amigos y aliados, pero ¿cómo saber quién lo es en un mundo lleno de hechizos? Este tipo de preguntas y, sobre todo, el temor a descubrir las verdades ocultas, harán que el relato funcione de maravilla, en una nueva aventura con pequeñas reminiscencias a Indiana Jones y, como he mencionado anteriormente, a Star Wars.

El elenco vuelve a ser de lujo. Al reparto de la producción original se unen intérpretes del carisma de Jason Isaacs (actor que siempre borda los papeles de malo) o Kenneth Branagh, en uno de los roles más alocados y estridentes de su ya de por sí peculiar carrera.

Sería la última contribución de Columbus a la saga y, además, la última aparición de Richard Harris en la gran pantalla, pues fallecería el veinticinco de octubre de ese mismo año.

En 2001, Chris Columbus fue el elegido para llevar al cine uno de los fenómenos del momento: la saga literaria de J.K. Rowling basada en las peripecias de un joven mago llamado Harry Potter.

De entrada no parecía que alguien como Columbus, conocido sobre todo por realizar comedias como Solo en casa, Señora Doubtfire o Nueve meses fuese el más adecuado para acometer semejante proyecto, pero he de reconocer que el resultado final fue bastante satisfactorio, ya que el filme es una adaptación bastante fiel de la primera novela de la saga.

Todo el universo Potter está reflejado al detalle: lugares típicos, tradiciones, juegos, historia, amigos, enemigos y, sobre todo, la eterna lucha de siempre del bien contra el mal.

Algunos de los actores designados son de primera línea: el difunto Richard Harris, que lleva a cabo una poderosa interpretación del carismático profesor Dumbledore, el imponente Alan Rickman, con posiblemente la mejor interpretación del elenco, en un rol en el que uno nunca sabe si es héroe o villano, el veterano John Hurt o el gran cómico John Cleese. A ellos se uniría un trío de jóvenes y desconocidos actores, Daniel Radcliffe, Rubert Grint y Emma Watson, que encarnarán con cierta solvencia, de aquí hasta el final de la serie, a los tres niños protagonistas del relato.

Quizá esta primera parte vaya demasiado encaminada al público infantil, pero ¿qué queréis? Ése era el espíritu del libro y, como tal, Columbus supo mantenerlo. Además, entre las trepidantes aventuras, el adecuado ritmo narrativo y los cuidados efectos especiales, el producto es lo suficientemente atractivo como para llamar la atención a toda la familia.

Su éxito en cine fue similar al literario, de ahí que todas las aventuras escritas por la ganadora del Príncipe de Asturias, J.K. Rowling, vayan a ver la luz en una sala de cine. Pero, ¿sabrán mantenerse los diferentes directores a la altura de Columbus? Lamentablemente, unos años después, puedo afirmar que no. Pero bueno, no desesperemos pues la serie todavía no ha dicho su última palabra.

En los últimos tres años, Steven Spielberg ha producido tres películas de ciencia ficción con tres cosas en común: el mismo protagonista (Shia LaBeouf), un guión lamentable y un uso absolutamente machista de las actrices, utilizadas como meras comparsas para la función de hacer más vistoso el filme. ¿Qué ha sido del derroche de imaginación que supuso Minority Report? ¿Qué hay de la gran calidad que atesoró Encuentros en la tercera fase, toda una referencia del género?

No puedo enfadarme con el genio que realizó Indiana Jones, Tiburón o E.T., pero precisamente eso es lo que más me molesta: que un cineasta de la altura de Spielberg permita que Michael Bay ponga las manos en uno de sus proyectos. A Bay se le acabó la chispa tras La Roca y Armageddon... Me refiero a la chispa que implica llevar a cabo una película medianamente buena, porque en lo que sí ha demostrado ser un auténtico filón es en culminar productos con beneficios megamillonarios. Así Spielberg puede volver a intentar que a Dreamworks le concedan varios Oscar por efectos especiales (estará resentido porque en la primera Transformers no se llevó nada) además de ganar dinerito contante y sonante, verdadero leit motiv del Hollywood actual.

¿Qué puedo contar de Transformers 2? Básicamente que los robots malos vuelven a la Tierra para intentar vapulear a los buenos mientras Megan Fox pasea por la gran pantalla su exhuberante físico, entrando en el "selecto" grupo que forman Jessica Alba y Kate Bosworth, a saber: no tenemos talento para la interpretación, pero estamos tan buenas que da igual.

Como en la primera parte el guión era muy flojito, en esta segunda han decidido prescindir de él. Así la factoría Dreamworks y Michael Bay pueden dedicarse por completo, los ¡¡¡15o minutos de metraje!!! en demostrarnos que son los mejores del mundo en el apartado técnico de una película. Los efectos son colosales, alucinantes, casi tan impresionantes como Megan Fox. Pero claro, dos horas y media de cine sin contar absolutamente nada pueden llegar a desesperar a cualquiera.

Así pues tenemos explosiones, giros rocambolescos de cámara, más explosiones, edificios arrasados, todavía más explosiones, vehículos volando, más explosiones aún y ninguna historia que contar. Teniendo en cuenta todo el dineral gastado en producir, realizar y montar toda esta cantidad de efectos, ¿no habría sido mejor reducir media hora en la duración final y, con ese dinero ahorrado, pagar a un buen guionista para que, al menos, el resultado final fuera el de una película entretenida?

Para mí Spielberg es un ídolo pero, sinceramente, cada día lo entiendo menos.

Michael Bay (La roca, Armageddon, Pearl Harbor) dirigió en 2007 la adaptación cinematográfica de la famosa serie de dibujos animados de los 80 Transformers, que todos conocemos por la cantidad de juguetes que logró sacar a la venta.

Si Bay está al frente de un proyecto, todos sabemos qué esperar: Millones de dólares invertidos en los efectos especiales, ritmo frenético para que el espectador no pueda ni llegar a pestañear, abuso del travelling con cámara lenta sobre los protagonistas para enfatizar la importancia de algún momento de la historia, poses chulescas de dichos protagonistas, montontes de explosiones, coches volando por los aires y, sobre todo, muy poca exigencia en el guión.

Transformers sigue los arquetipos citados en el párrafo anterior. Una trama de ciencia ficción (no sé si por los robots o por el hecho de que alguien del físico de Megan Fox se fije en un perdedor como el personaje interpretado por Shia LaBeouf), en la que un adolescente se ve en medio de una conspiración alienígena por dominar la Tierra. Dicho así no suena del todo mal, sobre todo tras ver una primera hora de metraje plena de ritmo, tras la cual tuve la impresión de que me iba a encontrar al mejor Bay (al de La Roca). Pero mi gozo terminó en un pozo ya que, a partir de ahí, la película va cuesta abajo y sin frenos.

Muchos son los rostros conocidos en este filme. Para los amantes de las series, tenemos a Josh Duhamel (Las Vegas), Amaury Nolasco (Prison Break), Michael O'Neill (The Unit) o Glenn Morshower (el inolvidable agente Aaron Pierce de 24). Pero quienes confieren un poquito de calidad interpretativamente hablando, son dos secundarios de lujo: Jon Voight y John Turturro, sin duda lo mejor del filme en este apartado.

Así pues tenemos una película producida por Steven Spielberg (son tantas las referencias a E.T. y Los Gremlins que creo que no se le escapa a nadie) que vive por y para sus impresionantes efectos visuales y de sonido, llegando incluso a estar nominada al Oscar hasta en tres apartados técnicos, que puede resultar entretenida en algunos momentos, pero que nunca aguantaría un segundo visionado. No voy a descubrir a Spielberg como director, pero ¿cómo es posible que quien haya producido Cartas desde Iwo Jima, llegue a poner dinero para un filme que parece tener como objetivo competir con su gran amigo, George Lucas, en ver quién desarrolla los efectos más estridentes y aparatosos del mercado?

Tras el fracaso de Inteligencia Artificial, Steven Spielberg resurgió de sus cenizas cual Ave Fénix y nos deleitó en 2002 con la espléndida Minority Report, basada en un relato corto de Philip K. Dick acerca de una sociedad en la que se detiene a los asesinos antes de que cometan su crimen.

La película es una obra de arte, se mire por donde se mire. Todos sabemos cómo cuida Spielberg el apartado técnico, destacando aquí el portentoso aspecto visual, muy fiel a lo que describía el escritor original. Además, Spielberg se luce con todo tipo de detalles futuros como coches que van pegados a las paredes, sofisticadas armas y un sinfín de avances tecnológicos.

Pero si los efectos son espectaculares, ante el guión hemos de quitarnos el sombrero. Scott Frank (Cómo conquistar Hollywood, La intérprete) y Jon Cohen logran salir airosos de una narración con muchos frentes abiertos: la duda moral que implica encerrar a alguien que no ha llegado a cometer un crimen, la pregunta sobre hasta qué punto se puede sacrificar a unos pocos inocentes por un fin mayor, las ansias de poder o el corazón roto de un padre que ha perdido a su hijo.

Es aquí donde hablamos de un magistral Tom Cruise, que sabe otorgar a la perfección la profundidad suficiente a un personaje tan complejo como el suyo. No sólo es el jefe de policía, sino que además debe lidiar con una situación personal insostenible y tratar de salir airoso de una terrible conspiración, urdida hasta el mínimo detalle. El rol le va como anillo al dedo al señor Cruise que, una vez más, se exhibe como uno de los mejores actores de acción del mundo.

El resto del elenco está formado por un impecable Colin Farrell (afortunadamente el torpe Javier Bardem dijo "no" a Spielberg cuando le ofreció este cometido), el veterano Max von Sydow, el divertido Peter Stormare, la solvente Samantha Morton o la famosa Kathryn Morris de Caso Abierto entre otros, representando fielmente una serie de personajes definidos a la perfección.

Como resumen final diré que Spielberg supo volver a sobrecoger al gran público con esta pesadilla futurista de estética perfecta y puesta en escena soberbia, de ritmo trepidante, trama adictiva e impecables secuencias de acción, cuyo hilo argumental es, principalmente, una apasionante y espeluznante lucha contra el destino. Sencillamente, una obra maestra.

En 1971, el gran cineasta Don Siegel dirigió Harry el Sucio, película que marcaría una época en el cine policíaco gracias a su puesta en escena, su guión y su elegante protagonista, un Clint Eastwood que parecía haber nacido para encarnar este papel.

El argumento está basado en la novela Dead Right de Harry Julian y Rita M. Fink, inspirada ésta en el terrible “asesino del Zodiaco”, un psicópata que asoló San Francisco durante aquellos años y que fue retratado tan magníficamente en el filme Zodiac de David Fincher.

Pero el guión es mucho más profundo. Hablamos de una sociedad, la norteamericana, que veía con preocupación el excesivo aumento de los crímenes en su país, mientras Nixon parecía tener ojos sólo para Vietnam. En ese contexto aparece Harry Callahan, un duro detective de homicidios que no entiende cómo un criminal puede librarse de su castigo por algún tecnicismo. Bajo esta premisa, donde termina la ley es donde empieza nuestro héroe, motivo que suscitó mucha polémica por parte de aquellos que no entendieron la película, tachándola de fascista. Todo lo contrario: el ideal de Callahan es que se cumpla la ley, sólo que para conseguirlo él mismo debe sobrepasarla una y otra vez (es el mismo dilema en el que se ve envuelto tantas veces Jack Bauer de 24, que para acabar con los terroristas debe jugar a su mismo juego y mantenerse al margen de la ley).

El carisma de Clint Eastwood contribuyó a que su personaje se convirtiera en un auténtico icono. Un tipo solitario (la gente que le rodea tiene la costumbre de terminar en el hospital o muerta) que aterroriza a los malos, alguien mal visto por los burócratas pero necesario para instaurar la paz, aunque sea a costa de la violencia, o lo que es lo mismo: todo un antihéroe.

(Sigo en Spoiler por falta de espacio)

Robert Luketic, director de películas tan tontas como “La madre del novio” o “Una rubia muy legal”, continúa en su línea de mediocridad con “21 Black Jack”, un filme menor basado en la novela de Ben Mezrich, supuestamente basada en hechos reales.

El guión es bastante malo. Puede que sus responsables (encima son dos) crean que la inteligencia del público cinéfilo está por debajo de la media, porque hacía tiempo que no me topaba con tal cantidad de frases manidas, situaciones cliché y tan poca originalidad en una misma cinta. De lo que no tengo ninguna duda es de que ninguno de los dos ha visto filmes de cartas tan insignes como “El rey del juego” o “Rounders”, porque jugar a las cartas no puede ser tan aburrido, porque añadir moralina cuando hablamos de un juego de azar resulta absurdo y porque tratar de dar un toque de gracia en los últimos minutos con un final sorpresa, que no sorprendente, resume el querer y no poder de este pobre libreto.

Luego está el descalabro cometido con el elenco. Kevin Spacey (destilando clase cada vez que aparece en pantalla) y Lawrence Fishburne ven minimizada su presencia en favor de una serie de actores jóvenes y sin talento, que aportan poco o nada a sus personajes con sus vacías interpretaciones. Así, uno piensa en lo que pudo haber sido y no fue si el guión se hubiera centrado en estos dos colosos, en lugar de centrarse únicamente en intentar que el público juvenil abarrote las salas.

Del apartado técnico mejor ni hablar. Indiscutiblemente Luketic no es un virtuoso de la cámara. Los repetitivos planos van en consonancia con la falta de ritmo en la narración, aspectos estos fundamentales para concluir si una película es buena y mala y “21” suspende categóricamente en ambos.

En definitiva, un filme olvidable del que sólo podemos rescatar la sonrisa de Kate Bosworth (tan guapa como mala actriz), la media hora inicial, algún que otro momento brillante del siempre genial Kevin Spacey y poquito más, por lo que la recomendación de un servidor es la siguiente: no la veáis.

Tras La pantera rosa y Noche en el museo 1 y 2, tengo bastante claro que Shawn Levy es un director que sabe hacer reír. He de confesar que antes de ir a ver las tres películas mencionadas, tenía mis temores y, sin embargo, resultaron ser infundados porque en las tres ocasiones me he reído a modo.

Una secuela de un filme de humor suele ser difícil, entre otras cosas porque los argumentos en este tipo de películas son bastante planos. Pero Levy sabía qué debía hacer: continuar en la línea de la primera parte, aumentando la sorpresa y los gags. Definitivamente lo ha conseguido: la factura visual continua siendo impecable, los personajes histriónicos (tanto los antiguos como los nuevos) y las situaciones absolutamente hilarantes.

Ben Stiller repite en el papel protagonista. También volveremos a disfrutar con las ocurrencias de Owen Wilson y la sobriedad del personaje interpretado por Robin Williams. Pero si hay que destacar a un actor por encima del resto, sería Hank Hazaria (famoso por poner voz a Los Simpson en la versión original). Su repertorio cómico es digno de mención, despertando auténticas carcajadas entre los asistentes, recordando en algún que otro momento al super-villano "Dr. Maligno" de Austin Powers.

Lo mejor de Noche en el museo 2 es que no engaña a nadie: sin ser una mala película (aunque ni mucho menos es una obra de arte) promete diversión a raudales y a fe que lo consigue.

James Cameron revolucionó el mundo de la ciencia ficción con el universo Terminator, de ahí que Terminator Salvation fuera uno de los estrenos más esperados del año. Iluso de mí, pensaba que iban a arreglar el desaguisado producido en la tercera parte de la saga... Todo lo contrario. En lugar de intentar hacer justicia al genial cineasta antes nombrado, los nuevos productores (desgraciadamente ya nada de esta serie tiene que ver con Cameron) se han limitado a exprimir al máximo la gallina de los huevos de oro, aprovechando la gran fama cosechada por Terminator 1 y 2.

Si Jonathan Mostow no tenía el suficiente caché como director para acometer un proyecto de la envergadura de Terminator 3 (como así quedó demostrado), ¿alguien puede decirme que méritos ha contraído McG para continuar la saga? Teniendo en cuenta que su mayor logro ha sido filmar la versión cinematográfica de Los Angeles de Charlie, a lo mejor lo han escogido para este proyecto por su rapero nombre. Con lo poco en serio que se lo han tomado, ¿por qué no?.

El guión daría para escribir un libro entero con la cantidad de incongruencias que aglutina, aunque resaltaré la más obvia: La historia está ambientada en un futuro alternativo en el que todavía no se han llevado a cabo los viajes en el tiempo (la edad del personaje que interpretó Michael Biehn en su día nos revela dicho dato) por lo tanto no tiene sentido que Skynet tenga tantos conocimientos acerca del protagonista y mucho menos que desperdicie tantas y tan claras oportunidades para acabar con él. Otro problema importante viene relacionado con el género. Todos sabemos que en la ciencia ficción las películas suelen tomarse sus licencias, pero en este caso se llega al absurdo de tal manera, que uno acaba indignado al pensar que Michael Ferris y John D. Brancato (escritores que ya destrozaron Terminator 3) nos toman por idiotas. Para terminar con este lastimoso libreto, no concibo cómo las mismas máquinas que en las ediciones anteriores eran auténticos exterminadores, aquí encuentran dificultad en el uno contra uno frente a humanos, por no hablar de un nuevo robot con alma, en un vano intento por imitar la profundidad que alcanzó el personaje de Schwarzenegger en Terminator 2.

Alguno preguntará: ¿en qué consiste entonces el argumento? Nada más y nada menos que en tardar 115 minutos en explicar el mundo apocalíptico que James Cameron nos relató de una manera sutil y genial en apenas cinco. Es la diferencia entre saber contar historias y no tener talento ni capacidad para ello.

(Continúo en spoiler por falta de espacio)

El realizador danés Niels Arden Oplev dirige la versión cinematográfica del best-seller homónimo de Stieg Larsson, libro que confieso no he leído, de ahí que mi opinión se cimente únicamente en el largometraje en cuestión.

Lo primero que debe dominar un buen cineasta para elaborar cine de calidad es la sabiduría a la hora de contar historias y, desgraciadamente, Niels Arden no posee dicho talento. Tenemos un relato en clave de thriller donde un periodista, ayudado por una excéntrica joven, debe resolver un misterio acaecido años atrás. Pero la narrativa es tan torpe y el metraje tan largo (dos horas y media) que llega un momento en que al espectador le da exactamente igual quién es el asesino y a quién ha podido matar.

Hay elementos que podrían convertir el relato en algo bastante adictivo: el carácter depravado y oscuro de la protagonista femenina (el guión sólo escarba ligeramente la superficie a este respecto) un oscuro pasado enturbiado por la presencia del nazismo, tipos peligrosos que harán lo posible por mantener los secretos de una inquietante familia... Pero no se puede pedir milagros a quien no sabe hacer atractiva la trama, ya que la investigación es repetitiva y nada original, las pistas que se siguen son tan evidentes que uno no comprende cómo algo así lleva oculto tantos años y el supuesto clímax final que todos esperamos con la resolución del caso, simplemente no existe.

Se podría llegar a pensar que la investigación es tan insulsa porque lo realmente importante es la crítica hacia la sociedad sueca, de forma que el guión se centra en los personajes y sus vidas. Entonces, ¿por qué no hay un estudio realmente profundo acerca de ninguno de ellos? ¿Por qué se desaprovecha de forma tan insultante el juego que podría dar la famosa Lisbeth Salander?

Por si fuera poco, técnicamente la cinta es un fracaso total, ya que la composición de la mayoría de las secuencias está llevada a cabo como si de un telefilme se tratara, sin saber aprovechar en ningún momento las posibilidades que ofrece el formato panorámico, de forma que la puesta en escena es pobre, tosca y mediocre.

Tengo entendido que la novela es de calidad, pero no por el hecho de estar basada en un superventas una película tiene que ser calificada de buena por decreto. Todos sabemos cómo funciona el cine de hoy en día: Hagamos una película sobre una serie de libros que cuentan con una verdadera legión de fans; da igual que no tengamos ni idea de hacer cine, porque todos verán la película y nos forraremos. Personalmente, no seré yo quien vuelva a permitir que Niels Arden Oplev vuelva a torturarme en una sala de cine.

M. Night Shyamalan dirigió en el año 2000 la mejor película que jamás se haya hecho basada en el mundo del cómic, El protegido, filme incomprendido donde los haya que con el paso del tiempo parece que va ganando adeptos, hasta el punto de llegar al reconocimiento de clásico.

De ritmo lento, el argumento es muy diferente a lo que hoy en día se intuye sobre las películas de superhéroes. Shyamalan, muy al contrario de los esquemas dictados por Marvel o DC, trata de acercar este mundo a la realidad, alejándose por completo de proyectos similares absolutamente contaminados por la cultura del video-clip. Para ello utiliza un lenguaje muy próximo a la vida cotidiana, como los conflictos familiares o los problemas de identidad del protagonista, un inconmensurable Bruce Willis que volvió a dejar atónitos a todos aquellos que no creían en su capacidad interpretativa. Y es que, si el protagonista de La jungla de cristal tiene una gracia sin igual a la hora despachar a terroristas a diestro y siniestro, mientras suelta la chulería de turno en sus películas de acción, aquí, cuando se pone el chubasquero, impresiona mucho más que cualquier personaje ataviado con traje de licra y capa, moviéndose en la línea de realidad ya comentada, pues nada impacta más que las cosas que sentimos cercanas y posibles.

Con respecto al resto del reparto, la calidez y humanidad de los personajes interpretados por la estupenda Robin Wright Penn y Spencer Treat Clark (esposa e hijo del protagonista) contrastan con la oscura y fría personalidad de Samuel L. Jackson, que encarna a la perfección a un solitario y enfermizo coleccionista de comics que encierra una terrible verdad.

Con su estilo particular, Shyamalan dosifica la información para que, poco a poco, vaya calando en el espectador. Destilando talento en cada toma, el director intercala precisos planos secuenciales con ángulos muy difíciles de conseguir, demostrando un dominio de la puesta en escena impagable. Perfectamente ambientada y plagada de simbología en continuo homenaje a los comics, la trama va en aumento, creando un inquietante clima que aumenta paulatinamente el interés por saber cómo terminará todo, culminado por una espectacular última media hora en la que todas las piezas encajan a la perfección.

Si por algo destaca esta producción es por su elegancia y sobriedad: un impecable despliegue visual y sonoro (la banda sonora de James Newton Howard está utilizada con suma inteligencia) con cierto aire de melancolía (a lo que contribuye la fotografía de Eduardo Serra) y aterradora atmósfera, que mantiene sabiamente el suspense hasta llegar al clímax final, con una de esas revelaciones que deja al espectador clavado en el asiento.

(Continúo en spoiler por falta de espacio)

Doce años después de la fantástica Jungla de Cristal 3, tras mil y un rumores, por fin se concretó la cuarta entrega de las aventuras del detective John McClane. El encargado de dirigir el proyecto fue Len Wisman (era su tercera película tras las dos primeras de Underworld) y lo cierto es que no decepcionó. Si bien este californiano no tiene la mano firme de McTiernan, hay que reconocer que supo dotar al filme con un importante brío narrativo, así como con una serie de efectos visuales sin parangón, ofreciendo vertiginosos y originales planos, así como imaginativas coreografías tanto en tiroteos como en persecuciones. La pega es que, quizás, abuse un poquito de la cámara lenta, aunque de ninguna manera llega al gran abuso que sobre este recurso suele cometer John Woo (Misión Imposible 2).

De entrada parece el guión de Mark Bomback (con las nada recomendables La lista y El enviado en su haber) pierde mucho en cuanto a la profundidad de los personajes. Sin embargo, haciendo una valoración global del espíritu con el que está hecha la película, es entendible ya que redunda en favor de la acción y de sus impresionantes efectos especiales, de forma que La jungla 4.0 es, sin ningún género de duda, la película más espectacular de los últimos años.

Si os habéis fijado he dicho "parece". Y es que, aunque los secundarios no están del todo definidos, sobre el protagonista hay un cuidado estudio, de tal manera que la película tiene un marcado carácter crepuscular al que ayuda el tono de "buddy movie" que aporta el joven Justin Long. Bruce Willis confiere maravillosamente a su personaje matices que ayudan a ello, como el de alguien que ya es de otra época enfrentado a un mundo casi futurista en el que no tiene cabida, odiado por todos sus seres queridos, solo, pero el único capaz de dejarse la vida por resolver una crisis mundial. Podríamos decir que el John McClane de Bruce Willis es una combinación letal entre Jack Bauer y Harry el Sucio, para poder entender lo que este personaje significa para el cine de acción.

El talento interpretativo de Bruce Willis está fuera de toda duda, pero después de ver a otros especialistas del género arrastrándose por ahí (casos de Stallone, Seagal o Van Damme) la pregunta estaba ahí: ¿todavía le daría el físico para interpretar convincentemente al duro McClane? Afortunadamente el actor pudo seguir siendo fiel a sus principios y pudimos disfrutar viendo cómo nuestro intrépido protagonista continuaba sin arrugarse ante el peligro, con esa chulería que tan famoso le ha hecho, haciendo temblar a los "malos" ante su presencia, pero mostrando su lado humano, pues a diferencia de otros "supuestos" héroes de acción, a él sí le duelen los golpes.

(Continúo en spoiler por falta de espacio)