En el imaginario pueblo de Tellería, como si de Villar del Río, se tratase, se enmarca esta nueva historia de identidades culturales, a las que últimamente nos tiene acostumbrados la comedía patria.

En esta ocasión se trata de un pueblo burgalés, que ansía ser vasco, y cuando este intento se ve frustrado, se encuentra con la sorpresa de que se puede convertir en un cantón Suizo.

Todo gracias al hallazgo fortuito de una cripta secreta en el santuario del pueblo, donde se halla la tumba de Walter Tell, hijo del heróe helvético Guillermo Tell.

Si a esta rocambolesca historia, le añadimos un trío amoroso, un cura con un arsenal de armas y un espia del CNI, y nos sale La pequeña suiza, el segundo largometraje de Kepa Sojo.

Con un reparto repleto de caras conocidas Jon Plazaola, Maggie Civantos, Ingrid García- Jonsson, Secun de la Rosa, Ramón Barea, Karra Elejalde, Maribel Salas.

La película bebe bastante del cine berlanguiano, sin ningún disimulo como en la escena en que Ramón Barea, homenajea a Pepe Isbert en el balcón del ayuntamiento.

Al igual que toma como referente argumental, la película británica Pasaporte para Pimlico dirigida por Henry Cornelius, en 1949, que cuenta la historia de los habitantes de un barrio londinense que desean ser franceses después de hallar.

La pequeña Suiza, sin hacernos reír a carcajadas, cumple su función de entretenimiento, al basar sus gags, en esa manera de ser de los vascos, tan echados para adelante, que tantas risas a aportado en los últimos años con la archiconocida Ocho apellidos vascos y la serie de televisión Allí abajo.

Humor costumbrista, surrealismo en algunas situaciones, en el que estos personajes, harán lo que sea con tal de encontrar su identidad ya sea entre ikurriñas y txacoli o entre sauvignon y cantos tiroleses.

Una road movie con saudade, es lo que nos presenta Paco R. Baños en su segundo largometraje, que lleva el curioso título de 522. Un gato, un chino y mi padre.

522 son los pasos máximos que George, la protagonista, es capaz de alejarse de su casa, pues padece una especie de agorafobia.

Le es muy difícil salir de su zona de confort, pero la muerte de su gato Fernando, le obligará a emprender un viaje, junto a su amigo de la tienda de chinos, en busca de sus raíces.

Para ello, ambos y las cenizas de su gato, emprenderán un viaje desde Sevilla hasta el Cabo de San Vicente, siguiendo la ruta que marca un libro de viajes escrito por el padre de George.

Este intento de George por recuperar su pasado servirá de elemento liberador, y hará que la joven comience a tomar las riendas de su mundo.

A su vez su amigo Chino-japonés, también emprende un viaje para recuperar un viejo amor y cerrar heridas del pasado.

Una historia que nos habla sobre la necesidad de no renunciar a nuestro pasado, a nuestras raíces y sobre como poder afrontar nuestros miedos.

Natalia de Molina, lleva todo el peso de esta historia que aunque en ocasiones el planteamiento narrativo es un tanto caótico, la actriz consigue con su interpretación que nos sintamos atrapados también en ese mundo del que solo podemos alejarnos 522 pasos.

Jon Mikel Caballero, debuta en la dirección de largometrajes con El increíble finde menguante.

Una película de corte indie, rodada con poco presupuesto, y de género fantástico.

Sigue la estela de películas de bucles temporales como Atrapado en el tiempo o Una Cuestión de tiempo.

La protagonista es Alba, una joven de 30 años que se va a pasar un fin de semana, junto a su novio y un grupo de amigos a una casa rural, en el pueblo que veraneaba de pequeña.

El finde se le empieza a torcer ligeramente cuando ve que no opina igual que sus amigos sobre el trabajo, la toma de responsabilidades, el ir madurando y a esto se le sumará que su novio Pablo decide que se deben tomar un tiempo en su relación.

A partir de aquí, no se sabe porqué, el finde de Alba se repetirá una y otra vez, aunque con una particularidad, en cada repetición durará una hora menos.

Alba se encuentra atrapada en su fin de semana, pero esto le permitirá tener una segunda oportunidad para resolver los problemas con su pareja y sus amigos.

A diferencia de otras películas clásicas de bucles temporales, aquí la protagonista va arrastrando las consecuencias de todo lo que la pasa ese fin de semana, heridas, resacas, etc….

La protagonista sufre un estancamiento vital, del que intentará salir cada vez que se repite el finde.

Hay otro elemento visual curioso, que consigue hacernos sentir igual de atrapada que la protagonista, pero que no vamos a desvelar, para que vayáis a ver la película.

En una segunda lectura que podemos hacer de esta cinta, subyace la cuestión del estancamiento vital que sufre la la joven, como retrato generacional de la gente que está entorno a los 30 años.

Destacar la capacidad interpretativa de Iria del Río, por la dificultad que debe suponer rodar una película de bucles temporales como esta y mantener el raccord emocional en todo momento.

Con todos estos ingredientes podemos decir que el debut Jon Mikel Caballero, es notable en cuanto a la propuesta rompiendo en cierta manera los esquemas de este tipo de películas, la forma de rodar que recuerda a películas de los años 80, un buen montaje que no te hace perder la conexión en ningún momento, pero se le podía pedir un poco mas a nivel narrativo, ahondar mas en la crisis generacional.

El premio especial del jurado en el festival Animation is Film de Los Ángeles (EE.UU.) y el premio Feroz Puerta Oscura al mejor largometraje de la sección oficial el el vigésimo segundo Festival de Málaga.Cine en español, confirman que con Buñuel en el laberinto de las tortugas, estamos ante una de las joyas del cine de animación español.

Animación para un público adulto, con unos trazos que imprimen mucha fuerza a los personajes, con un estilo tradicional.

Todo ello para acercarse a la figura de un joven Buñuel a sus obsesiones y miedos , al Buñuel que intentaba averiguar cual era su lugar en el mundo del cine.

Dirigida por Salvador Simó, está basada en la novela gráfica homónima de Fermín Solís.

La historia gira en torno a la amistad entre el cineasta Luis Buñuel y el pintor y escultor Ramón Acín y el rodaje de la película documental Las Hurdes, Tierra sin pan.

Buñuel después del impacto que supuso su segunda película La Edad de Oro, empezó a ser reconocido en algunos círculos, pero odiado en otros por lo escandaloso de la película, lo que provocó que le cerrasen muchas puertas.


Fotograma de Buñuel en el laberinto de las tortugas.
Deseaba hacer otra película, y encontró inspiración el trabajo de campo de Maurice Legender titulado Las Jurdes : étude de géographie humaine. En este texto se narraba la desoladora situación de miseria que asolaba a los habitantes de Las Hurdes (Caceres).

Su amigo Ramón Acín una noche, en plena “exaltación de la amistad” le prometió que si le tocaba el Gordo de la lotería de navidad, le financiaba la película, la diosa fortuna les tocó con su varita y Acín cumplió su promesa.

Así que emprendieron rumbo a tierras hurdanas para rodar su documental.

En la película nos muestra como Buñuel, provocó o manipulo algunas escenas para conseguir los fines dramáticos que buscaba.

Nos muestra a un Buñuel buscando su propio camino, intentado alejárse de su anterior compañero de fatigas, Salvador Dalí, pero del que le cuesta mucho desprenderse pues las obsesiones de Dalí se repiten en los sueños de Buñuel.

La película nos enseña a un Buñuel humano, irónico, amigo de sus amigos, aunque sea a sus rudas maneras.

En ocasiones hay situaciones cómicas, que hacen la película mas cercana para todos los públicos no solo para los entusiastas de la obra de Buñuel.

Además de lo bien resuelta que está la historia, cabe destacar la intercalación de fragmentos del documental original, lo que nos indica que para nada es exagerada la historia que aquí se nos cuenta.

Siete razones para huir, es el título de la película de humor negro dirigida por Esteve Soler, Gerard Quinto y David Torras, y escrita por Esteve Soler.

El germen de la película está en el cortometraje Interior. Familia , dirigido por Soler y Quinto, que a su vez se basó en el texto teatral de Soler, conocido como la trilogía de los Contras: Contral el progreso, Contra el amor y Contra la democracía.

La película está estructurada en siete episodios, a modo de cortometrajes independientes, titulados como cada uno de los valores que representa la llamada sociedad judeocristiana: Familia, Propiedad, Compromiso, Trabajo, Solidaridad, Orden y Progreso.

Historias que van desde un matrimonio que desea “abortar” a su vástago ya adulto, una pareja con 700 esclavos en su sótano, una pareja de ancianos con un televisor demasiado real, unos jóvenes a punto de casarse hasta que la muerte les separe, una vivienda con sorpresa en su interior para su nueva inquilina, un atropellado por un tranvía, y la duda sobre que hay después del 6.

Con un humor surrealista, entre absurdo y rozando lo macabro en alguna ocasión, los autores nos sitúan ante un espejo, en el que nos sabemos si reír o avergonzarnos al vernos reflejados en las historias que plantean.

Nos hace reflexionar sobre la falta de empatía con los dramas ajenos y el egoísmo de la sociedad actual.

No se queda en la mera queja de los males que acechan a nuestra sociedad, sino que quieren sacudir conciencias.

Cuenta con un reparto de grandes nombres como Sergi López, Manolo Solo, Emma Suárez, Nuria Gago, David Verdaguer, Àlex Brendemuhl, Lola Dueñas, Jordi Sánchez, Alaín Hernández, Francesc Orella, Aina Clotet.

Bebe de películas como la hispano- argentina Relatos Salvajes, aunque sin la potencia visual de esta, aunque también se dejan ver reminiscencias de Buñuel en el surrealismo e incluso Berlanguianas, en lo absurdo de algunas situaciones, salvando las distancias con el maestro.

Pero a pesar de del gran elenco de actores, y que algunos episodios nos resultan interesantes como el de Familia, y Orden, les faltaría perder el estilo teatral, para convertirla en una película mas redonda.

“y sino recoge tus cosas y te vas” , repite infinidad de veces el personaje de Amaia Salmanca en esta película, y no queremos que Inés de León se marche del mundo del cine, pues en su debut en el largometraje nos ha sorprendido con un estilo muy personal.

La película cuenta la historia de Daniela y Roberto, los hermanos Allende-Salazar, dueños de una naviera, ambos con mucho éxito profesional, pero muy diferentes entre si.

Daniela es adicta al trabajo, en cambio Roberto es un visionario que aspira a dar un giro al negocio familiar.

Pero ante las reticencias de su hermana, para transformar la empresa, Roberto cree que la única manera de hacer cambiar de idea a Daniela es conseguir que se enamore en menos de un mes, y allí es donde entra en acción el personaje de Isabel una monologista, bastante alejada de la vida de lujo que llevan los dos hermanos protagonistas.

Aquí es donde se empiezan a desatar las situaciones cómicas, cuando Roberto (Javier Rey), tendrá que hacer de pigmalión con la monologuista (Leticia Dolera), para que esta enamore a Daniela (Amaia Salamanca).

Creada a partir de una idea original de Astrid Gil Casares y con guión de Astrid junto a Rafa Russo, Breixo Corral y Pablo Alén.

Inés de León se ha sabido rodear de buenos actores, con los que ya había trabajado en sus webseries y cortometrajes y a los que sabe sacar su vis mas cómica.

A los que hay que unir un ramillete de secundarios de lujo como Brays Efe, Mariam Hernández, Walter Orellana, Daniel Perez Prada y cameos como los de Santiago Segura y Nacho Vigalondo.

Personajes que van a parar por circunstancias a mundos que no les pertenecen, el mundo del lujo y el underground acabarán entremezclados.

Es una comedía de amor y lujo, con diálogos vibrantes y a gran velocidad que apenas nos dejan reposar entre chiste y chiste, lo que hace que el espectador se quede enganchado a la butaca.

Con un estilo fresco, en el que sin ser una comedia de las que te ríes a carcajadas, hace que tengas por lo menos la sonrisa en la boca durante toda la cinta, viendo las disparatadas situaciones en las que Inés de León a puesto a sus personajes.

Superlopez, nuestro Superman patrio con bigote, nacido del lápiz de Jan allá por el año 1973, ya tiene su película.

Dirigida por Javier Ruiz Caldera, que se está especializando en llevar personajes del tebeo al celuloide, pues ya en 2015 hizo lo mismo con Anacleto: Agente Secreto.

Cuenta la historia de Juan López, alias Superlopez, nacido en el planeta Chitón, pero por diferentes circunstancias afincado en España desde pequeño, donde fue adoptado por una familia leridana.

Juan a pesar de ser un niño un poco diferente por tener mostacho desde la tierna infancia, una gran fuerza y otra serie de superpoderes, siempre ha intentado no destacar siguiendo los consejos de sus progenitores, “clavo que sobresale pide martillo” le inculca su padre.

Pasando los años su vida no se diferencia mucho de la de cualquier español medio, es mileurista, trabaja de oficinista… pero un día se ve en la obligación moral de hacer de hacer uso de sus poderes, y allí es donde comienza las aventuras de este personaje.

Como apenas hemos leído los tebeos de Superlopez, no vamos a entrar en valorar si es una fiel adaptación o el de la peli es un Superlopez diferente al universo de Jan.

Así que juzgaremos la película, por si misma por lo que se ve en pantalla.

Dani Rovira, está esplendido en un papel que se le da muy bien , el de chico apocado, anodino.

Los que mas jugo sacan al guión, son la pareja formada por Pedro Casablanc y Gracia Olayo, que encarnan a los padres del superhéroe.

Quizá el personaje mas plano de la película es el de Ágata, interpretado por Maribel Verdú, que hace de mala de la película, pero poca garra se le ve a ese personaje.

Pero la película no es solamente una comedia, sino que tiene una dosis de crítica de una costumbre, no creo que solo patria, de intentar hundir al que destaca.

Los efectos especiales están bien logrados, a pesar del tono general de la película, los efectos son creíbles, no de serie b, como pudiera parecer al ver el trailer.

En definitiva una comedia para pasar un rato divertido, con un buen guión y de la que esperemos que haya una segunda parte para seguir viendo las andanzas del mostachudo superhéroe.

Si acudes al cine, para evadirte de tu monótono día en el trabajo, no vayas a ver A la vuelta de la esquina (In den Gängen).

Ya que durante sus dos horas de duración, solo acudimos al aburrido día a día de Christian un trabajador de un almacén de venta al por mayor, junto con Bruno un compañero de trabajo de la sección de bebidas y Marion de la que parece enamorarse.

Las pocas veces en las que se ve a los protagonistas fuera de su trabajo, tampoco parece que su vida se aleje mucho de esa vida tediosa.

Carretilla elevadora hacia arriba y hacia abajo, y conversaciones un tanto anodinas, componen esta cinta alemana dirigida por Thomas Stuber, y que ha sido premiada en la pasada Seminci (Semana Internacional de Cine de Valladolid), con la Espiga de Plata ex aequo, junto con The Miseducation of Cameron Post dirigida por Desiree Akhavan.

Como se puede observar por nuestros comentarios, no entendemos el porqué del jurado para otorgar este galardón, pero ya sabemos que los jurados siempre "fallan" los premios.

Está basada en un relato del alemán Clemens Meyer, que ha firmado el guión junto con Stuber.

Solo mencionar como positivo la banda sonora en la que se incluyen temas como El Danubio azul de Johann Strauss.

En definitiva, una película de la que sales pensando, ¡pues mi trabajo no está tan mal!.

Tu hijo, ha sido la película encargada de inaugurar la edición número 63 de la Seminci.

Solo con el título el realizador sevillano Miguel Ángel Vivas, ya está interpelando al espectador diciéndole que el protagonista puede ser el hijo de cualquiera de nosotros, con lo cual se podría ver envuelto en esta difícil tesitura cualquiera de los espectadores.

Por eso José Coronado, interpreta a un hombre con una vida normal, es cirujano, y su profesión le impide disfrutar tanto de la familia como le gustaría, en especial de su hijo Marcos (Pol Monen).

Pero su vida cambia de repente, cuando Marcos queda en estado vegetativo, después de haber recibido una paliza a las puertas de la discoteca.

En ese momento la película se vuelve un thriller, en el que Coronado intentará buscar el culpable de esa agresión, pero para ello el personaje de Jaime tendrá que moverse en terrenos que le son desconocidos como el mundo de la noche, y los ambientes de juventud.

Es una road movie emocional, el protagonista hará un viaje en el que transita de la rabia, a la ira y a la venganza.

Sin escuchar a los que le rodean, decide él solo, emprender esa búsqueda del culpable, cuando la respuesta igual está mas cerca de lo que espera.

En la película se tratan diferentes temas, como las diferencias de clases, las diferencias generacionales, al no querer escuchar a la hija, el uso de redes sociales…

José Coronado hace un gran papel en esta película, pero hay otros grandes actores en la película a cuyas personajes el director podía haber sacado mas rendimiento como el de la gran actriz Ana Wagener, a la que apenas se le ve.

Otro de los peros que le podemos poner a la película, es el uso de desenfoques, para centrarnos solo en el personaje de Jaime, sin dejar al espectador ver lo que rodea al cirujano.

Siguiendo con cosas que no nos convencen, es que en una película cuya acción se sitúa en Sevilla, ninguno de los personajes principales ni secundarios tienen ni un poco de acento andaluz.

En definitiva una película que te mantiene con la expectación hasta al final, con un gran trabajo por parte de Coronado, y a la que podemos darle un aprobado alto, pese a algunos peros, en este arranque de Semnci.

El tánden de cineastas formado por los hermanos Alenda, tienen en su haber mas de doscientos premios internacionales con diversos cortometrajes como El orden de las cosas, Matar a un niño, Inertial Love.

A eso hay que sumarle que en 2009 fueron galardonados, con el premio Goya al Mejor Cortometraje de Animación por La increible historia del hombre sin sombra.

Y en 2011 fueron nominados al Premio Goya al mejor cortometraje de Ficción por El orden de las cosas.

Con este bagaje estábamos seguros que el salto al largometraje no nos iba a defraudar,y así ha sido.

Sin fin, su ópera prima basada en su cortometraje Not the end, es una película de amor y ciencia ficción.

Javier (Javier Rey) gracias a una máquina del tiempo creada por él, luchará por salvar su relación con María (María León).

Para ello revivirá el día en que se conocieron y realizaron un viaje en autobús, en el que partieron de Madrid durante el amanecer para llegar a la costa de Cádiz y ver el atardecer.

Para los que no les guste las películas de ciencia ficción, que no se asusten, la máquina del tiempo (simulador cuántico de cuerdas cerradas), solo es una excusa para sostener la trama de la película, pero es un drama de corte realista.

Se trata de una película muy arriesgada con un guión complejo de saltos constantes al presente, al pasado y al revés, a través de los que se ve el viaje que realizan los personajes no solo en autobús sino un viaje interior.

Los actores son pura química, con esas miradas que lo dicen todo.

Ambos tienen que interpretar a sus personajes en dos épocas diferentes en su juventud y ahora en la actualidad.

Personajes complejos, Javier, una persona metódica, introvertida, con problemas a la hora de mostrar los sentimientos y María un torbellino en su juventud y ahora una mujer deprimida sin ganas de seguir adelante.

Es una película sobre segundas oportunidades, sobre la capacidad de aprender de nuestros errores.

Estamos seguros que esta bonita historia de amor no dejará indiferentes a los académicos en la próxima gala de los Premios Goya.

Jaime Rosales, siempre nos sorprende con un cine diferente, con un lenguaje cinematográfico que rompe los cánones a los que estamos acostumbrados.

Ya recibió grandes elogios con su primer largometraje Las horas del día en 2003, con la que ganó el Premio de la Crítica Internacional en la Quincena de los Realizadores de Cannes.

y en esta ocasión ha repetido esas buenas críticas también en la Quincena de los Realizadores de Cannes con su última película Petra.

Aunque para nuestro gusto es un tipo de cine demasiado artificioso, en el que la búsqueda de ese nuevo lenguaje, le hace perder verdad a la historia, y ser un cine apto para los festivales pero igual no para el gran público.

Petra, interpretada por Bárbara Lennie, es una joven pintora que tras la muerte de su madre, va en busca de su progenitor cuya identidad siempre le había sido ocultada.

Para ello acude a una residencia artística en una casa del Ampurdán junto al escultor Jaume (Interpretada por Joan Botey), y toda su familia.

La puesta en escena está inspirada en las grandes tragedias clásicas, pero con una narración no lineal, plagada de elipsis y giros argumentales.

La historia está compuesta por una serie de capítulos desordenados, a los que antecede un rótulo en los que al espectador se les da toda la información de lo que allí va a suceder.

Cada capítulo está plagado de suspense y sorpresa, aunque se torna algo folletinesco e incluso rozando lo cómico sin quererlo, como sucedió en el pase de prensa de San Sebastián.

Es una historia que habla, sobre la crueldad humana, el perdón, el arrepentimiento, la verdad, plagada de secretos y mentiras familiares.

El ritmo de la película nos parece bueno, todo el tiempo te mantiene con intriga, pero los diálogos, les encontramos poco naturales, no acabamos de encontrar la verdad en ninguno de los tres papeles principales los de Alex Brendemüh, Bárbara Lennie, y Marisa Paredes no así en el personaje de Jaume interpretado por el artista Joan Botey.

Normalmente en las películas solemos ponernos de parte de algunos de los personajes, de los buenos o de los malos, pero cuando los protagonistas de esta historia son políticos corruptos, esto se torna mas dificila

Este es el reto que nos propone Rodrigo Sorogoyen en su último cinta, El reino.

Antonio de la Torre, el actor fetiche de Sorogoyen, da vida a un político que lo tiene todo a su favor para saltar a la política nacional, hasta que de pronto toda su vida se desmorona al verse envuelto en una trama de corrupción junto a Paco, uno de sus mejores amigos.

El reino no es una película sobre política, es un thriller político, en el que se trata temas como la corrupción del sistema y la corrupción humana.

Hay muchos guiños en la película, que nos pueden hacer poner nombre y apellidos a sus personajes, pues les conocemos de verles cada día en las noticias.

La cinta nos mantiene continuamente en tensión, gracias al rodaje cámara en mano, que ya es habitual de Sorogoyen, en algunas de sus otras películas.

La música electrónica compuesta por Olivier Orsen, también consiguen mantener continuamente la adrenalina en el espectador.

Personajes que están continuamente huyendo, y que apenas nos dejan respirar, con un Antonio de la Torre de sobresaliente y un Luis Zahera, que en la escena del balcón ha ganado galones suficientes para ser un firme candidato, al Goya al mejor actor de reparto de la próxima edición.

Natxo López como guionista y Sergio Barrejón como director se vuelven a unir para hacer la película Jefe.

Habían trabajado juntos en el cortometraje La media pena, que se le puede considerar el germen de esta película.

La Media Pena es un cortometraje que desde su estreno en 2011 acumula mas de 25 premios a sus espaldas.

A César (Luis Callejo), el protagonista de Jefe,  peor no le pueden ir las cosas, es un empresario de éxito al borde del precipicio.

Su empresa está en quiebra, es traicionado por sus socios, su mujer le acaba de echar de casa.

Menos mal que en su vida aparece Ariana (Juana Acosta), la chica de la limpieza del turno de noche, gracias a la cual intentará recuperar su empresa y su vida

Ariana aparece es su vida como una especie de  hada madrina, consiguiendo que César tenga una segunda oportunidad en la vida.

El personaje de César a pesar de tener todo para caernos mal, consigue que empaticemos con él y nos pongamos de su lado. Es a la vez el bueno y el malo de la película.

Es una comedia dramática cargada de tópicos y estereotipos, tanto en el jefe déspota y malhumorado como en la chica de la limpieza y el personal de seguridad.

Como puntos positivos de la película, destacar la nota de humor y frescura que aporta  Adam Jezierski, haciendo de chico de una peculiar empresa de mensajería.

Sin olvidarnos de lo bueno que es poder ver a un gran actor como Luis Callejo, por fin en un papel protagonista.

El descubrimiento del niño Sandro Ballesteros y la veteranía de Pepe Sacristán, hacen de Formentera Lady una película agradable de ver.

Se trata del debut en el largometraje del actor Pau Durá, que ya ha realizado cuatro cortometrajes como director y guionista, El cerdo (2015), El hombre (2013), El audífono (2012) y Praeludium (2009).

Cuenta la historia de Samuel. que sigue viviendo como un hippie desde que llegase a Formentera en los años 70.

Sobrevive tocando el banjo en un garito de la zona, y vive en una casa sin luz y sin agua caliente.

Pero esta forma de vida, se ve trastocada cuando regresa a su vida su hija Anna y su nieto Marc, del que se tendrá que hacer cargo, mientras su madre va a trabajar a Francia.

Samuel se ve incapaz de cuidar a nadie que no sea el mismo, y es allí donde comenzará un viaje interior, en el que no estará solo, le acompañarán diferentes amigos.

Con una primera media hora, de presentación de personajes, un tanto lenta y sin aportar nada nuevo en el panorama cinematográfico patrio, va cobrando mas ritmo al convertirse en una road movie tanto interior como física en el que el personaje de Samuel, inicia un viaje en busca de respuestas y soluciones.

Un buen comienzo en el largometraje para Durà, sobre todo gracias al buen hacer de su actor protagonista.

Un personaje que tiene miedo a salir de su zona de confort, zona a la que se ve forzosamente obligado a abandonar al tener que hacer de padre de su nieto.

El título de la película hace referencia a una canción de la banda de rock, King Crimson Islands (1971), y en la película esta banda aparece como un personaje mas en la sombra, y en los recuerdos que rodean al protagonista.

Con notable alto se puede calificar el debut de Marta Díaz de Lope en el mundo del largometraje con Mi querida cofradía.

Se trata de una comedia costumbrista, género que ya había acompañado a Marta desde sus cortometrajes Y otro años, perdices (2013) y Los pestiños de mamá.(2016).

La trama de Mi querida cofradía se sitúa en Ronda, localidad natal de la directora, cuenta la historia de Carmen cuyo máximo deseo es convertirse en la presidenta de su cofradía, pero este sueño se ve frustrado, pues la hermandad elige en las elecciones a Ignacio su máximo rival.

La protagonista tendrá que luchar por hacerse un hueco en un mundo de hombres.

Todo ello entre torrijas, mucho gracejo andaluz, y aderezado con los sonidos de la semana santa andaluza y la música de Conchita Bautista.

Es una película repleta de enredos, de malentendidos al mas puro estilo de grandes maestros cómicos como Alfonso Paso y su obra teatral Vamos a contar mentiras, y con unos diálogos que podrían estar firmados por Rafael Azcona.

Es una comedia de actores, en las que Gloria Muñoz que interpreta el papel de Carmen está francamente bien, en la sobriedad y templanza que da a su personaje, desde aquí decimos que puede ser claramente candidata a mejor actriz en los próximos Goya, si se premiase mas a menudo la comedia.

y no nos podemos olvidar a unos secundarios de lujo, como Pepa Aniorte, Rocío Molina, Manuel Morón, Rosario Pardo y Carmen Flores, que se ha llevado la Biznaga de Plata a mejor actriz de reparto en la pasada edición del Festival de Málaga.Cine en español, donde tuvo lugar su estreno.

En definitiva una comedia fresca, divertida, y con mensaje reivindicar el papel de la mujer en un mundo tan cerrado como las hermandades de Semana Santa.

Llevar el teatro al cine no es tarea fácil, pero Marc Crehuet, ha cubierto el expediente con creces en su debut, con la obra El Rey Tuerto.

La película es la adaptación de la obra de teatro homónima, estrenada en 2013 y que tan buenas críticas ha cosechado. Para su salto a la gran pantalla Crehuet ha querido mantener al mismo elenco formado por Alain Hernández, Miki Esparbé, Betsy Túrnez, Ruth Llópis y Xesc Cabot.

Una cena de reencuentro de viejas amigas, en la que casualmente se juntan el hombre que acaba de perder un ojo en una manifestación y el policía responsable de este incidente, desencadenan esta historia que tiene la crisis económica como trasfondo. Personajes muy alejados ideológicamente, que a lo largo de la película van sufriendo una evolución, debido a la fragilidad de sus convicciones.

Probablemente la excesiva fidelidad a la obra de teatro, su carácter poco fílmico, la ha penalizado de cara ha conseguir alguna de las Biznagas del Festival de Málaga en el que se estrenó, pues la fuerza del personaje de David, interpretado por Alain Hernández, seria merecedora de la Biznaga a mejor actor, por hacer creíble un personaje histriónico, así como el papel de su pareja en la película Betsy Túrnez, también sería de Biznaga.el rey tuerto

A pesar del tema tratado, es una comedia, comedia negra, que en ocasiones gira hacia lo dramático, con gran rapidez en los diálogos, y en los que cada palabra es un dardo que hará reflexionar a los espectadores, y hacerse muchas preguntas. Una película en la que no hay buenos y malos, no hay maniqueísmo, ni posicionamiento.

Después de dos años girando con la obra de teatro para Miki Esparbé, rodar esta película ha sido “como hacer la última función que tanto emociona y cerrar de alguna manera un círculo”.

1991 fue el inicio de una época convulsa, se desmoronó la Unión Soviética y eso supuso el fin de una era y el comienzo del llamado Periodo especial en Cuba.

Cuba tenia una gran dependencia económica y de suministros hacia la Unión soviética, lo que provocó que la isla se tambalease con la caída de la URSS y que entrase en una gran crisis económica.

Este es el marco histórico en el que se desarrolla la película cubana Sergio & Serguéi, dirigida por Ernesto Daranas.

La cinta parte de dos hechos ocurridos realmente, la historia de Serguéi Krikalev, que fue enviado a la estación espacial Mir en 1991 tan solo unos meses antes de la desintegración de la URSS, y que por problemas económicos y burocráticos tuvo que permanecer mas tiempo del esperado en órbita pues su relevo no llegaba.

Por otro lado también se basa en las historias de radioaficionados cubanos, que contactaron con la estación espacial Mir en esa época.

Con estos mimbres Daranas nos cuenta la historia de Sergio, un profesor de filosofía marxista en Cuba, al que le está resultando muy dificil llevar la situación de cambios economicos y políticos que está atravesando su país.

Sergio, ve como el sistema comunista en el que cree, comienza a desaparecer.

Solo consigue desconectar de lo que le rodea hablando por su emisora, con su amigo estadounidense Peter.

Un día contacta con Serguéi un cosmonatua soviético abandonado en la estación orbital Mir.

Con la colaboración de Peter intentarán ayudar al cosmonauta, para conseguir que pueda regresar a tierra.

La película es una bonita fábula, que nos introduce en ese periodo de la historia de Cuba, pero desde un punto de vista amable con la candidez de un niño, pues la historia esta vista desde los ojos de Mariana la hija de Sergio.

Cada uno de los tres personajes se encuentra en su “isla” particular, pero el sentido de la solidaridad primará por encima de sus diferencias.

Todo esto aderezado con un personaje humorístico, el encargado de espiar las actividades de Sergio, que es un tanto caricaturesco, pero que no desentona en el tono amable de la película.

Nos ha gustado la película por varias razones, por el tono amable para narrarnos esa complicada época, por ser la primera vez en mucho tiempo que estadounidenses y cubanos colaboran en la realización de una película, y porque el actor Héctor Noas, nos hizo creer que realmente era ruso.

Dirigida por Isabel Coixet, nos volvemos a encontrar con el universo femenino, que siempre rodea las películas de “la Coixet”, mujeres, luchadoras, con coraje, y siempre capaces de todo por cumplir sus sueños o luchar contra los elementos que les rodean.

En esta ocasión la protagonista es Florence Green, una mujer que en la década de los cincuenta, decide cumplir su sueño y el de su fallecido marido, abrir una librería.

El lugar elegido para tal propósito es un pueblo de la costa de Inglaterra, Hardborough, un tranquilo pueblo alejado de las revoluciones sociales y sexuales que tenían lugar en las grandes urbes en esa época.

Pero su deseo de abrir este negocio,topará con la oposición de las gentes del pueblo sobretodo con Violet Gamart, que hará todo lo posible para truncar el deseo de Florence.

Pero en su intento de cambiar la mentalidad de las gentes del pueblo, Florence no estará sola contará con el apoyo, del señor Brundish, su mejor cliente y de su ayudante la joven Christine.

La librería, está basada en la novela homónima de Penélope Fitzgerald, un relato que ya se ganó el entusiasmo de Coixet hace unos diez años.

Con esta cinta Coixet, nos intenta trasmitir dos mensajes.

Que debemos luchar por nuestros sueños, aunque todo se vuelva adverso y el amor hacia los libros y su lectura, como bálsamo para la soledad y la capacidad que estos tienen para hacernos libres.

Los actores están inconmensurables, desde Bill Nighy haciendo de Mr Brundish, como Emily Mortimer en el papel de Florence Green, con gran sobriedad y elegancia.

Sin olvidarnos de la joven Christine,su fiel ayudante, interpretada por Honor Kneafsey, que aporta cierto toque de humor a la película.

En definitiva una película agradable de ver, que gustará tanto a los fieles seguidores de Coixet, como al público en general.

El tamdem, formado por Olivier Nakache y Eric Toledano, firma nuevamente uno de los éxitos del cine francés, C'est la vie.

Después del éxito de taquilla que fue Intocable (2011) y Samba (2014), este dúo, aterriza nuevamente en la gran pantalla con una comedia de principio a fin.

Género en el que Nakache y Toledano,  mejor se desenvuelven, pero sin dejar de lado la crítica a temas como la inmigración y el racismo en la sociedad gala.

La historia se desarrolla durante una jornada laboral, en la celebración de una boda, en un marco ideal, un castillo del Siglo XVII.

Pero los protagonistas no son los contrayentes, sino los empleados  de un negocio encargado de organizar bodas, liderado por Max  que intentan llevar a cabo la celebración, con no pocos problemas.

La cinta lleva hasta sus úlitmas consecuencias la máxima de que si algo puede salir mal, saldrá mal

Es una película coral aunque con un plantel liderado por el  francés Jean Pierre Bacri, uno de los actores mas respetados del cine francés actual, que ejerce de maestro de ceremonias de este enredo.

Aún siendo un tema bastante trillado las situaciones, en ocasiones, no solo despiertan sonrisas, sino carcajadas en le público.

Los directores, utilizan sabiamente el humor para radiografiar los problemas laborales y sociales, que acechan Francia, pero que pueden ser inherentes a cualquier país, como los trabajos en negro,los problemas con hacienda.

En definitiva,C'est la vie ,nos hará pasar un rato muy divertido, a la vez que nos hará reflexionar sobre temas muy actuales.

El protagonista de Canibal, la anterior película de Manuel Martín Cuenca, se alimentaba de carne humana y en esta ocasión el personaje principal de El autor, se alimenta de las vidas de sus vecinos.

El autor, está basada en una novela corta de Javier Cercas, titulado El móvil, escrito en 1987.

La adaptación al cine ha sido realizada por Martín Cuenca y su co guionista habitual Alejandro Hernández.

Cuenta la vida de Álvaro, que desea ser escritor a toda costa, a pesar de que no parece poseer mucho talento para ello.

Escribir su primera novela, se convierte en una obsesión para él, sobretodo después que su mujer triunfase con un bestseller.

El profesor del taller literario al que Álvaro lleva años acudiendo, le dice que se inspire en el mundo que le rodea, y eso decide hacer y para ello Álvaro no duda en manipular a los quienes le rodean, ya que a veces la realidad no es muy emocionante.

La tenacidad del protagonista y su férrea decisión de estar dispuesto a todo por cumplir su sueño, hace que como espectadores nos debatamos entre empatizar con él, o por el contrario demonizarle, por el ser perverso que es, capaz de todo con tal de conseguir sus objetivos.

El primer tramo de la película igual resulta un poco lento, en la presentación de los personajes, pero en cambio los actores consiguen levantar la película y que mantengamos la atención en la cinta hasta el final.

Javier Gutiérrez, que prácticamente sale en todos los planos de la película, está sensacional, pero eso no es descubrir nada nuevo pues estamos hablando de una de los actores mas grandes del cine actual español.

Antonio de la Torre, nos vuelve a demostrar su talento, haciendo de profesor y mentor del protagonista con un punto de caradura.

y no nos podemos olvidar de Adelfa Calvo, que interpreta a la portera, que contribuirá en cierto modo a ayudar al escritor a alimentarse del alma de sus vecinos, y que es una firme candidata a llevarse el Goya a mejor actriz de reparto de la próxima edición.

Es una película en la que detrás de un argumento un tanto sencillo, como es la búsqueda de inspiración de un proyecto de literato, se encierra un buen trhiller y un relato de una España costumbrista.