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Críticas de PizzaFilms
Críticas ordenadas por:
Superlópez
Superlópez (2018)
  • 4,7
    2.003
  • España Javier Ruiz Caldera
  • Dani Rovira, Alexandra Jiménez, Julián López, Maribel Verdú, ...
7
Nuestro superhéroe patrio
Superlopez, nuestro Superman patrio con bigote, nacido del lápiz de Jan allá por el año 1973, ya tiene su película.

Dirigida por Javier Ruiz Caldera, que se está especializando en llevar personajes del tebeo al celuloide, pues ya en 2015 hizo lo mismo con Anacleto: Agente Secreto.

Cuenta la historia de Juan López, alias Superlopez, nacido en el planeta Chitón, pero por diferentes circunstancias afincado en España desde pequeño, donde fue adoptado por una familia leridana.

Juan a pesar de ser un niño un poco diferente por tener mostacho desde la tierna infancia, una gran fuerza y otra serie de superpoderes, siempre ha intentado no destacar siguiendo los consejos de sus progenitores, “clavo que sobresale pide martillo” le inculca su padre.

Pasando los años su vida no se diferencia mucho de la de cualquier español medio, es mileurista, trabaja de oficinista… pero un día se ve en la obligación moral de hacer de hacer uso de sus poderes, y allí es donde comienza las aventuras de este personaje.

Como apenas hemos leído los tebeos de Superlopez, no vamos a entrar en valorar si es una fiel adaptación o el de la peli es un Superlopez diferente al universo de Jan.

Así que juzgaremos la película, por si misma por lo que se ve en pantalla.

Dani Rovira, está esplendido en un papel que se le da muy bien , el de chico apocado, anodino.

Los que mas jugo sacan al guión, son la pareja formada por Pedro Casablanc y Gracia Olayo, que encarnan a los padres del superhéroe.

Quizá el personaje mas plano de la película es el de Ágata, interpretado por Maribel Verdú, que hace de mala de la película, pero poca garra se le ve a ese personaje.

Pero la película no es solamente una comedia, sino que tiene una dosis de crítica de una costumbre, no creo que solo patria, de intentar hundir al que destaca.

Los efectos especiales están bien logrados, a pesar del tono general de la película, los efectos son creíbles, no de serie b, como pudiera parecer al ver el trailer.

En definitiva una comedia para pasar un rato divertido, con un buen guión y de la que esperemos que haya una segunda parte para seguir viendo las andanzas del mostachudo superhéroe.
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A la vuelta de la esquina
A la vuelta de la esquina (2018)
  • 6,4
    154
  • Alemania Thomas Stuber
  • Sandra Hüller, Franz Rogowski, Peter Kurth, Ramona Kunze-Libnow
2
Monotonía en los pasillos.
Si acudes al cine, para evadirte de tu monótono día en el trabajo, no vayas a ver A la vuelta de la esquina (In den Gängen).

Ya que durante sus dos horas de duración, solo acudimos al aburrido día a día de Christian un trabajador de un almacén de venta al por mayor, junto con Bruno un compañero de trabajo de la sección de bebidas y Marion de la que parece enamorarse.

Las pocas veces en las que se ve a los protagonistas fuera de su trabajo, tampoco parece que su vida se aleje mucho de esa vida tediosa.

Carretilla elevadora hacia arriba y hacia abajo, y conversaciones un tanto anodinas, componen esta cinta alemana dirigida por Thomas Stuber, y que ha sido premiada en la pasada Seminci (Semana Internacional de Cine de Valladolid), con la Espiga de Plata ex aequo, junto con The Miseducation of Cameron Post dirigida por Desiree Akhavan.

Como se puede observar por nuestros comentarios, no entendemos el porqué del jurado para otorgar este galardón, pero ya sabemos que los jurados siempre "fallan" los premios.

Está basada en un relato del alemán Clemens Meyer, que ha firmado el guión junto con Stuber.

Solo mencionar como positivo la banda sonora en la que se incluyen temas como El Danubio azul de Johann Strauss.

En definitiva, una película de la que sales pensando, ¡pues mi trabajo no está tan mal!.
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1 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Tu hijo
Tu hijo (2018)
  • 6,2
    3.125
  • España Miguel Ángel Vivas
  • José Coronado, Pol Monen, Asia Ortega Leiva, Ana Wagener, ...
6
Road movie emocional
Tu hijo, ha sido la película encargada de inaugurar la edición número 63 de la Seminci.

Solo con el título el realizador sevillano Miguel Ángel Vivas, ya está interpelando al espectador diciéndole que el protagonista puede ser el hijo de cualquiera de nosotros, con lo cual se podría ver envuelto en esta difícil tesitura cualquiera de los espectadores.

Por eso José Coronado, interpreta a un hombre con una vida normal, es cirujano, y su profesión le impide disfrutar tanto de la familia como le gustaría, en especial de su hijo Marcos (Pol Monen).

Pero su vida cambia de repente, cuando Marcos queda en estado vegetativo, después de haber recibido una paliza a las puertas de la discoteca.

En ese momento la película se vuelve un thriller, en el que Coronado intentará buscar el culpable de esa agresión, pero para ello el personaje de Jaime tendrá que moverse en terrenos que le son desconocidos como el mundo de la noche, y los ambientes de juventud.

Es una road movie emocional, el protagonista hará un viaje en el que transita de la rabia, a la ira y a la venganza.

Sin escuchar a los que le rodean, decide él solo, emprender esa búsqueda del culpable, cuando la respuesta igual está mas cerca de lo que espera.

En la película se tratan diferentes temas, como las diferencias de clases, las diferencias generacionales, al no querer escuchar a la hija, el uso de redes sociales…

José Coronado hace un gran papel en esta película, pero hay otros grandes actores en la película a cuyas personajes el director podía haber sacado mas rendimiento como el de la gran actriz Ana Wagener, a la que apenas se le ve.

Otro de los peros que le podemos poner a la película, es el uso de desenfoques, para centrarnos solo en el personaje de Jaime, sin dejar al espectador ver lo que rodea al cirujano.

Siguiendo con cosas que no nos convencen, es que en una película cuya acción se sitúa en Sevilla, ninguno de los personajes principales ni secundarios tienen ni un poco de acento andaluz.

En definitiva una película que te mantiene con la expectación hasta al final, con un gran trabajo por parte de Coronado, y a la que podemos darle un aprobado alto, pese a algunos peros, en este arranque de Semnci.
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4 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
Sin fin
Sin fin (2018)
  • 6,3
    656
  • España César Esteban Alenda, José Esteban Alenda
  • Javier Rey, María León, Juan Carlos Sánchez, Mari Paz Sayago
8
La teoría de cuerdas que salvará su amor.
El tánden de cineastas formado por los hermanos Alenda, tienen en su haber mas de doscientos premios internacionales con diversos cortometrajes como El orden de las cosas, Matar a un niño, Inertial Love.

A eso hay que sumarle que en 2009 fueron galardonados, con el premio Goya al Mejor Cortometraje de Animación por La increible historia del hombre sin sombra.

Y en 2011 fueron nominados al Premio Goya al mejor cortometraje de Ficción por El orden de las cosas.

Con este bagaje estábamos seguros que el salto al largometraje no nos iba a defraudar,y así ha sido.

Sin fin, su ópera prima basada en su cortometraje Not the end, es una película de amor y ciencia ficción.

Javier (Javier Rey) gracias a una máquina del tiempo creada por él, luchará por salvar su relación con María (María León).

Para ello revivirá el día en que se conocieron y realizaron un viaje en autobús, en el que partieron de Madrid durante el amanecer para llegar a la costa de Cádiz y ver el atardecer.

Para los que no les guste las películas de ciencia ficción, que no se asusten, la máquina del tiempo (simulador cuántico de cuerdas cerradas), solo es una excusa para sostener la trama de la película, pero es un drama de corte realista.

Se trata de una película muy arriesgada con un guión complejo de saltos constantes al presente, al pasado y al revés, a través de los que se ve el viaje que realizan los personajes no solo en autobús sino un viaje interior.

Los actores son pura química, con esas miradas que lo dicen todo.

Ambos tienen que interpretar a sus personajes en dos épocas diferentes en su juventud y ahora en la actualidad.

Personajes complejos, Javier, una persona metódica, introvertida, con problemas a la hora de mostrar los sentimientos y María un torbellino en su juventud y ahora una mujer deprimida sin ganas de seguir adelante.

Es una película sobre segundas oportunidades, sobre la capacidad de aprender de nuestros errores.

Estamos seguros que esta bonita historia de amor no dejará indiferentes a los académicos en la próxima gala de los Premios Goya.
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8 de 10 usuarios han encontrado esta crítica útil
Petra
Petra (2018)
  • 6,8
    1.600
  • España Jaime Rosales
  • Bárbara Lennie, Àlex Brendemühl, Joan Botey, Marisa Paredes, ...
5
Jaime Rosales, y sus juegos cinematográficos.
Jaime Rosales, siempre nos sorprende con un cine diferente, con un lenguaje cinematográfico que rompe los cánones a los que estamos acostumbrados.

Ya recibió grandes elogios con su primer largometraje Las horas del día en 2003, con la que ganó el Premio de la Crítica Internacional en la Quincena de los Realizadores de Cannes.

y en esta ocasión ha repetido esas buenas críticas también en la Quincena de los Realizadores de Cannes con su última película Petra.

Aunque para nuestro gusto es un tipo de cine demasiado artificioso, en el que la búsqueda de ese nuevo lenguaje, le hace perder verdad a la historia, y ser un cine apto para los festivales pero igual no para el gran público.

Petra, interpretada por Bárbara Lennie, es una joven pintora que tras la muerte de su madre, va en busca de su progenitor cuya identidad siempre le había sido ocultada.

Para ello acude a una residencia artística en una casa del Ampurdán junto al escultor Jaume (Interpretada por Joan Botey), y toda su familia.

La puesta en escena está inspirada en las grandes tragedias clásicas, pero con una narración no lineal, plagada de elipsis y giros argumentales.

La historia está compuesta por una serie de capítulos desordenados, a los que antecede un rótulo en los que al espectador se les da toda la información de lo que allí va a suceder.

Cada capítulo está plagado de suspense y sorpresa, aunque se torna algo folletinesco e incluso rozando lo cómico sin quererlo, como sucedió en el pase de prensa de San Sebastián.

Es una historia que habla, sobre la crueldad humana, el perdón, el arrepentimiento, la verdad, plagada de secretos y mentiras familiares.

El ritmo de la película nos parece bueno, todo el tiempo te mantiene con intriga, pero los diálogos, les encontramos poco naturales, no acabamos de encontrar la verdad en ninguno de los tres papeles principales los de Alex Brendemüh, Bárbara Lennie, y Marisa Paredes no así en el personaje de Jaume interpretado por el artista Joan Botey.
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12 de 16 usuarios han encontrado esta crítica útil
El reino
El reino (2018)
  • 7,4
    14.364
  • España Rodrigo Sorogoyen
  • Antonio de la Torre, Josep Maria Pou, Nacho Fresneda, Ana Wagener, ...
7
Sorogoyen sigue reinando en el cine español
Normalmente en las películas solemos ponernos de parte de algunos de los personajes, de los buenos o de los malos, pero cuando los protagonistas de esta historia son políticos corruptos, esto se torna mas dificila

Este es el reto que nos propone Rodrigo Sorogoyen en su último cinta, El reino.

Antonio de la Torre, el actor fetiche de Sorogoyen, da vida a un político que lo tiene todo a su favor para saltar a la política nacional, hasta que de pronto toda su vida se desmorona al verse envuelto en una trama de corrupción junto a Paco, uno de sus mejores amigos.

El reino no es una película sobre política, es un thriller político, en el que se trata temas como la corrupción del sistema y la corrupción humana.

Hay muchos guiños en la película, que nos pueden hacer poner nombre y apellidos a sus personajes, pues les conocemos de verles cada día en las noticias.

La cinta nos mantiene continuamente en tensión, gracias al rodaje cámara en mano, que ya es habitual de Sorogoyen, en algunas de sus otras películas.

La música electrónica compuesta por Olivier Orsen, también consiguen mantener continuamente la adrenalina en el espectador.

Personajes que están continuamente huyendo, y que apenas nos dejan respirar, con un Antonio de la Torre de sobresaliente y un Luis Zahera, que en la escena del balcón ha ganado galones suficientes para ser un firme candidato, al Goya al mejor actor de reparto de la próxima edición.
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2 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Jefe
Jefe (2018)
  • 4,8
    833
  • España Sergio Barrejón
  • Luis Callejo, Juana Acosta, Carlo D’Ursi, Josean Bengoetxea, ...
5
Jefe, el bueno y el malo
Natxo López como guionista y Sergio Barrejón como director se vuelven a unir para hacer la película Jefe.

Habían trabajado juntos en el cortometraje La media pena, que se le puede considerar el germen de esta película.

La Media Pena es un cortometraje que desde su estreno en 2011 acumula mas de 25 premios a sus espaldas.

A César (Luis Callejo), el protagonista de Jefe,  peor no le pueden ir las cosas, es un empresario de éxito al borde del precipicio.

Su empresa está en quiebra, es traicionado por sus socios, su mujer le acaba de echar de casa.

Menos mal que en su vida aparece Ariana (Juana Acosta), la chica de la limpieza del turno de noche, gracias a la cual intentará recuperar su empresa y su vida

Ariana aparece es su vida como una especie de  hada madrina, consiguiendo que César tenga una segunda oportunidad en la vida.

El personaje de César a pesar de tener todo para caernos mal, consigue que empaticemos con él y nos pongamos de su lado. Es a la vez el bueno y el malo de la película.

Es una comedia dramática cargada de tópicos y estereotipos, tanto en el jefe déspota y malhumorado como en la chica de la limpieza y el personal de seguridad.

Como puntos positivos de la película, destacar la nota de humor y frescura que aporta  Adam Jezierski, haciendo de chico de una peculiar empresa de mensajería.

Sin olvidarnos de lo bueno que es poder ver a un gran actor como Luis Callejo, por fin en un papel protagonista.
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7 de 9 usuarios han encontrado esta crítica útil
Formentera Lady
Formentera Lady (2018)
  • 5,4
    612
  • España Pau Durà
  • José Sacristán, Jordi Sánchez, Nora Navas, Ferran Rañé, ...
6
Road Movie interior
El descubrimiento del niño Sandro Ballesteros y la veteranía de Pepe Sacristán, hacen de Formentera Lady una película agradable de ver.

Se trata del debut en el largometraje del actor Pau Durá, que ya ha realizado cuatro cortometrajes como director y guionista, El cerdo (2015), El hombre (2013), El audífono (2012) y Praeludium (2009).

Cuenta la historia de Samuel. que sigue viviendo como un hippie desde que llegase a Formentera en los años 70.

Sobrevive tocando el banjo en un garito de la zona, y vive en una casa sin luz y sin agua caliente.

Pero esta forma de vida, se ve trastocada cuando regresa a su vida su hija Anna y su nieto Marc, del que se tendrá que hacer cargo, mientras su madre va a trabajar a Francia.

Samuel se ve incapaz de cuidar a nadie que no sea el mismo, y es allí donde comenzará un viaje interior, en el que no estará solo, le acompañarán diferentes amigos.

Con una primera media hora, de presentación de personajes, un tanto lenta y sin aportar nada nuevo en el panorama cinematográfico patrio, va cobrando mas ritmo al convertirse en una road movie tanto interior como física en el que el personaje de Samuel, inicia un viaje en busca de respuestas y soluciones.

Un buen comienzo en el largometraje para Durà, sobre todo gracias al buen hacer de su actor protagonista.

Un personaje que tiene miedo a salir de su zona de confort, zona a la que se ve forzosamente obligado a abandonar al tener que hacer de padre de su nieto.

El título de la película hace referencia a una canción de la banda de rock, King Crimson Islands (1971), y en la película esta banda aparece como un personaje mas en la sombra, y en los recuerdos que rodean al protagonista.
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6 de 9 usuarios han encontrado esta crítica útil
Mi querida cofradía
Mi querida cofradía (2018)
  • 5,3
    1.399
  • España Marta Díaz
  • Gloria Muñoz, Pepa Aniorte, Carmen Flores, Juan Gea, ...
8
Entre torrijas anda el juego
Con notable alto se puede calificar el debut de Marta Díaz de Lope en el mundo del largometraje con Mi querida cofradía.

Se trata de una comedia costumbrista, género que ya había acompañado a Marta desde sus cortometrajes Y otro años, perdices (2013) y Los pestiños de mamá.(2016).

La trama de Mi querida cofradía se sitúa en Ronda, localidad natal de la directora, cuenta la historia de Carmen cuyo máximo deseo es convertirse en la presidenta de su cofradía, pero este sueño se ve frustrado, pues la hermandad elige en las elecciones a Ignacio su máximo rival.

La protagonista tendrá que luchar por hacerse un hueco en un mundo de hombres.

Todo ello entre torrijas, mucho gracejo andaluz, y aderezado con los sonidos de la semana santa andaluza y la música de Conchita Bautista.

Es una película repleta de enredos, de malentendidos al mas puro estilo de grandes maestros cómicos como Alfonso Paso y su obra teatral Vamos a contar mentiras, y con unos diálogos que podrían estar firmados por Rafael Azcona.

Es una comedia de actores, en las que Gloria Muñoz que interpreta el papel de Carmen está francamente bien, en la sobriedad y templanza que da a su personaje, desde aquí decimos que puede ser claramente candidata a mejor actriz en los próximos Goya, si se premiase mas a menudo la comedia.

y no nos podemos olvidar a unos secundarios de lujo, como Pepa Aniorte, Rocío Molina, Manuel Morón, Rosario Pardo y Carmen Flores, que se ha llevado la Biznaga de Plata a mejor actriz de reparto en la pasada edición del Festival de Málaga.Cine en español, donde tuvo lugar su estreno.

En definitiva una comedia fresca, divertida, y con mensaje reivindicar el papel de la mujer en un mundo tan cerrado como las hermandades de Semana Santa.
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10 de 14 usuarios han encontrado esta crítica útil
El rey tuerto
El rey tuerto (2016)
  • 6,2
    3.065
  • España Marc Crehuet
  • Alain Hernández, Miki Esparbé, Betsy Túrnez, Ruth Llopis, ...
8
Atravesando la cuarta pared
Llevar el teatro al cine no es tarea fácil, pero Marc Crehuet, ha cubierto el expediente con creces en su debut, con la obra El Rey Tuerto.

La película es la adaptación de la obra de teatro homónima, estrenada en 2013 y que tan buenas críticas ha cosechado. Para su salto a la gran pantalla Crehuet ha querido mantener al mismo elenco formado por Alain Hernández, Miki Esparbé, Betsy Túrnez, Ruth Llópis y Xesc Cabot.

Una cena de reencuentro de viejas amigas, en la que casualmente se juntan el hombre que acaba de perder un ojo en una manifestación y el policía responsable de este incidente, desencadenan esta historia que tiene la crisis económica como trasfondo. Personajes muy alejados ideológicamente, que a lo largo de la película van sufriendo una evolución, debido a la fragilidad de sus convicciones.

Probablemente la excesiva fidelidad a la obra de teatro, su carácter poco fílmico, la ha penalizado de cara ha conseguir alguna de las Biznagas del Festival de Málaga en el que se estrenó, pues la fuerza del personaje de David, interpretado por Alain Hernández, seria merecedora de la Biznaga a mejor actor, por hacer creíble un personaje histriónico, así como el papel de su pareja en la película Betsy Túrnez, también sería de Biznaga.el rey tuerto

A pesar del tema tratado, es una comedia, comedia negra, que en ocasiones gira hacia lo dramático, con gran rapidez en los diálogos, y en los que cada palabra es un dardo que hará reflexionar a los espectadores, y hacerse muchas preguntas. Una película en la que no hay buenos y malos, no hay maniqueísmo, ni posicionamiento.

Después de dos años girando con la obra de teatro para Miki Esparbé, rodar esta película ha sido “como hacer la última función que tanto emociona y cerrar de alguna manera un círculo”.
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1 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Sergio & Sergei
Sergio & Sergei (2017)
  • 6,1
    222
  • Cuba Ernesto Daranas
  • Camila Arteche, A.J. Buckley, Ana Gloria Buduén, Tomás Cao, ...
7
Cuando Cuba miró al cielo
1991 fue el inicio de una época convulsa, se desmoronó la Unión Soviética y eso supuso el fin de una era y el comienzo del llamado Periodo especial en Cuba.

Cuba tenia una gran dependencia económica y de suministros hacia la Unión soviética, lo que provocó que la isla se tambalease con la caída de la URSS y que entrase en una gran crisis económica.

Este es el marco histórico en el que se desarrolla la película cubana Sergio & Serguéi, dirigida por Ernesto Daranas.

La cinta parte de dos hechos ocurridos realmente, la historia de Serguéi Krikalev, que fue enviado a la estación espacial Mir en 1991 tan solo unos meses antes de la desintegración de la URSS, y que por problemas económicos y burocráticos tuvo que permanecer mas tiempo del esperado en órbita pues su relevo no llegaba.

Por otro lado también se basa en las historias de radioaficionados cubanos, que contactaron con la estación espacial Mir en esa época.

Con estos mimbres Daranas nos cuenta la historia de Sergio, un profesor de filosofía marxista en Cuba, al que le está resultando muy dificil llevar la situación de cambios economicos y políticos que está atravesando su país.

Sergio, ve como el sistema comunista en el que cree, comienza a desaparecer.

Solo consigue desconectar de lo que le rodea hablando por su emisora, con su amigo estadounidense Peter.

Un día contacta con Serguéi un cosmonatua soviético abandonado en la estación orbital Mir.

Con la colaboración de Peter intentarán ayudar al cosmonauta, para conseguir que pueda regresar a tierra.

La película es una bonita fábula, que nos introduce en ese periodo de la historia de Cuba, pero desde un punto de vista amable con la candidez de un niño, pues la historia esta vista desde los ojos de Mariana la hija de Sergio.

Cada uno de los tres personajes se encuentra en su “isla” particular, pero el sentido de la solidaridad primará por encima de sus diferencias.

Todo esto aderezado con un personaje humorístico, el encargado de espiar las actividades de Sergio, que es un tanto caricaturesco, pero que no desentona en el tono amable de la película.

Nos ha gustado la película por varias razones, por el tono amable para narrarnos esa complicada época, por ser la primera vez en mucho tiempo que estadounidenses y cubanos colaboran en la realización de una película, y porque el actor Héctor Noas, nos hizo creer que realmente era ruso.
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2 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
La librería
La librería (2017)
  • 6,2
    7.320
  • España Isabel Coixet
  • Emily Mortimer, Patricia Clarkson, Bill Nighy, Honor Kneafsey, ...
6
El poder de los libros
Dirigida por Isabel Coixet, nos volvemos a encontrar con el universo femenino, que siempre rodea las películas de “la Coixet”, mujeres, luchadoras, con coraje, y siempre capaces de todo por cumplir sus sueños o luchar contra los elementos que les rodean.

En esta ocasión la protagonista es Florence Green, una mujer que en la década de los cincuenta, decide cumplir su sueño y el de su fallecido marido, abrir una librería.

El lugar elegido para tal propósito es un pueblo de la costa de Inglaterra, Hardborough, un tranquilo pueblo alejado de las revoluciones sociales y sexuales que tenían lugar en las grandes urbes en esa época.

Pero su deseo de abrir este negocio,topará con la oposición de las gentes del pueblo sobretodo con Violet Gamart, que hará todo lo posible para truncar el deseo de Florence.

Pero en su intento de cambiar la mentalidad de las gentes del pueblo, Florence no estará sola contará con el apoyo, del señor Brundish, su mejor cliente y de su ayudante la joven Christine.

La librería, está basada en la novela homónima de Penélope Fitzgerald, un relato que ya se ganó el entusiasmo de Coixet hace unos diez años.

Con esta cinta Coixet, nos intenta trasmitir dos mensajes.

Que debemos luchar por nuestros sueños, aunque todo se vuelva adverso y el amor hacia los libros y su lectura, como bálsamo para la soledad y la capacidad que estos tienen para hacernos libres.

Los actores están inconmensurables, desde Bill Nighy haciendo de Mr Brundish, como Emily Mortimer en el papel de Florence Green, con gran sobriedad y elegancia.

Sin olvidarnos de la joven Christine,su fiel ayudante, interpretada por Honor Kneafsey, que aporta cierto toque de humor a la película.

En definitiva una película agradable de ver, que gustará tanto a los fieles seguidores de Coixet, como al público en general.
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C'est la vie
C'est la vie (2017)
  • 5,8
    2.453
  • Francia Olivier Nakache, Eric Toledano
  • Jean-Pierre Bacri, Vincent Macaigne, Kévin Azaïs, Eye Haidara, ...
8
C'est la vie, en Francia y aquí.
El tamdem, formado por Olivier Nakache y Eric Toledano, firma nuevamente uno de los éxitos del cine francés, C'est la vie.

Después del éxito de taquilla que fue Intocable (2011) y Samba (2014), este dúo, aterriza nuevamente en la gran pantalla con una comedia de principio a fin.

Género en el que Nakache y Toledano,  mejor se desenvuelven, pero sin dejar de lado la crítica a temas como la inmigración y el racismo en la sociedad gala.

La historia se desarrolla durante una jornada laboral, en la celebración de una boda, en un marco ideal, un castillo del Siglo XVII.

Pero los protagonistas no son los contrayentes, sino los empleados  de un negocio encargado de organizar bodas, liderado por Max  que intentan llevar a cabo la celebración, con no pocos problemas.

La cinta lleva hasta sus úlitmas consecuencias la máxima de que si algo puede salir mal, saldrá mal

Es una película coral aunque con un plantel liderado por el  francés Jean Pierre Bacri, uno de los actores mas respetados del cine francés actual, que ejerce de maestro de ceremonias de este enredo.

Aún siendo un tema bastante trillado las situaciones, en ocasiones, no solo despiertan sonrisas, sino carcajadas en le público.

Los directores, utilizan sabiamente el humor para radiografiar los problemas laborales y sociales, que acechan Francia, pero que pueden ser inherentes a cualquier país, como los trabajos en negro,los problemas con hacienda.

En definitiva,C'est la vie ,nos hará pasar un rato muy divertido, a la vez que nos hará reflexionar sobre temas muy actuales.
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2 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
El autor
El autor (2017)
  • 6,4
    10.759
  • España Manuel Martín Cuenca
  • Javier Gutiérrez, Antonio de la Torre, Adelfa Calvo, María León, ...
8
Autor en busca de personajes.
El protagonista de Canibal, la anterior película de Manuel Martín Cuenca, se alimentaba de carne humana y en esta ocasión el personaje principal de El autor, se alimenta de las vidas de sus vecinos.

El autor, está basada en una novela corta de Javier Cercas, titulado El móvil, escrito en 1987.

La adaptación al cine ha sido realizada por Martín Cuenca y su co guionista habitual Alejandro Hernández.

Cuenta la vida de Álvaro, que desea ser escritor a toda costa, a pesar de que no parece poseer mucho talento para ello.

Escribir su primera novela, se convierte en una obsesión para él, sobretodo después que su mujer triunfase con un bestseller.

El profesor del taller literario al que Álvaro lleva años acudiendo, le dice que se inspire en el mundo que le rodea, y eso decide hacer y para ello Álvaro no duda en manipular a los quienes le rodean, ya que a veces la realidad no es muy emocionante.

La tenacidad del protagonista y su férrea decisión de estar dispuesto a todo por cumplir su sueño, hace que como espectadores nos debatamos entre empatizar con él, o por el contrario demonizarle, por el ser perverso que es, capaz de todo con tal de conseguir sus objetivos.

El primer tramo de la película igual resulta un poco lento, en la presentación de los personajes, pero en cambio los actores consiguen levantar la película y que mantengamos la atención en la cinta hasta el final.

Javier Gutiérrez, que prácticamente sale en todos los planos de la película, está sensacional, pero eso no es descubrir nada nuevo pues estamos hablando de una de los actores mas grandes del cine actual español.

Antonio de la Torre, nos vuelve a demostrar su talento, haciendo de profesor y mentor del protagonista con un punto de caradura.

y no nos podemos olvidar de Adelfa Calvo, que interpreta a la portera, que contribuirá en cierto modo a ayudar al escritor a alimentarse del alma de sus vecinos, y que es una firme candidata a llevarse el Goya a mejor actriz de reparto de la próxima edición.

Es una película en la que detrás de un argumento un tanto sencillo, como es la búsqueda de inspiración de un proyecto de literato, se encierra un buen trhiller y un relato de una España costumbrista.
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Me estás matando, Susana
Me estás matando, Susana (2016)
  • 5,3
    645
  • México Roberto Sneider
  • Gael García Bernal, Verónica Echegui, Ashley Hinshaw, Daniel Giménez Cacho, ...
4
Humor mexicano
La película mexicana Me estás matando Susana, ha sido una de las participantes en la Sección Oficial, del Festival de Málaga-Cine en español.

Me estás matando Susana, cuenta en clave de humor, o al menos en clave de humor mexicano, la historia de Eligio, un actor de 28 años, al que le gusta demasiado la fiesta. Un día llega a casa y descubre, que su esposa Susana, se ha marchado sin darle ninguna explicación.

Eligio la busca por todas partes y al hablar con la gente va cayendo en cuenta de que entre ellos las cosas no andaban tan bien como él pensaba.

Después de un par de meses, Eligio descubre que Susana ha ido a una universidad en una pequeña ciudad del centro de los Estados Unidos. Eligio malvende su coche y se lanza furioso a buscarla.

Está basado en la novela Ciudades desiertas de José Agustín, novela del año 1982, que supuso la novedad de ser la primera novela mexicana escrita por un hombre, en la que se habla de la libertad de la mujer.

Novela que fue un hito en la época, por su antimachismo, todo lo contrario que esta adaptación cinematográfica realizada por Roberto Sneider, en la que en todo momento se da protagonismo al personaje de Eligio, interpretado por Gael García Bernal, y el personaje femenino queda un muy segundo plano.

El papel de la mujer de Eligio, lo interpreta Verónica Echegui, que fue elegida para el papel, porque García Bernal, le había sugerido a Sneider, que había una gran química entre ellos como pareja actoral.

Sneider, no es la primera vez que adapta una novela para llevarla al cine, pues ya lo hizo con Dos Crímenes, película de 1995 y en 2008 con Arráncame la vida.

Esperábamos ver una película muy padre como se diría en México, pero la realidad es que o, igual por las diferencias culturales entre México y España, las escenas de supuesta hilaridad, aquí o nos han dejado indiferentes o han provocado algún malestar.
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
La gran enfermedad del amor
La gran enfermedad del amor (2017)
  • 6,5
    5.514
  • Estados Unidos Michael Showalter
  • Kumail Nanjiani, Zoe Kazan, Holly Hunter, Ray Romano, ...
6
Comedia fresca
En una conocida publicación mensual de cine, llaman a La gran enfermedad del amor, la rom-com cool del año, algo así como la comedia romántica molona de la temporada.

Está dirigida por Michael Showalter y producida por Judd Apatow, considerado uno de los abanderados de la comedia moderna en Estados Unidos, lo cual ya le da cierta garantía de éxito.

Está basada en la historia real de amor vivida por Kumail Nanjiani y Emily V. Gordon, que son los guionistas de la película y que protagonizada por el propio Nanjiani.

La historia es la siguientes, chica y chico se conocen, al principio, ambos intentan negar sus sentimientos, pues no quieren empezar una relación, pero al final el amor triunfa.

Pero surgen dos problemas, que intentan impedir que su historia de amor vaya hacia adelante.

Por un lado una misteriosa enfermedad de la chica, y por otro lado las férreas tradiciones de la familia de él, para el que tienen organizado un matrimonio concertado.

Igual es exagerado definirla como la comedia romántica de la temporada, pero si tiene muchos puntos fuertes.

Como la frescura de los actores protagonistas (Kumail Nanjiani y Zoe Kazan), hay mucha química entre ellos, y un reparto de secundarios maravilloso, como Holly Hunter y Ray Romano, en el papel de los “suegros” del chico y los padres de él, que no dan tregua al joven, debido a la rigidez de la cultura musulmana.

También los diálogos, que para tratarse de una historia romántica, no pecan de demasiado edulcoramiento.

E incluso hay algunas escenas en las que se atreven a hacer bromas sobre el 11 de septiembre y el ISIS, pero nunca de mal gusto.

La buena mezcla de estos ingredientes, han dado como resultado que La gran enfermedad del amor, sea una película agradable de ver, que trasmite frescura y verdad.

Prueba de esto han sido los premios cosechados en los Festivales de cine de Locarno, South by Soutwest y el Premio Seminci Joven, en el Festival vallisoletano.
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El secreto de Marrowbone
El secreto de Marrowbone (2017)
  • 6,3
    11.732
  • España Sergio G. Sánchez
  • George MacKay, Mia Goth, Charlie Heaton, Anya Taylor-Joy, ...
6
A dar sustos ya aprenderá
De la pluma de Sergio G. Sánchez, han salido algunos de los mejores guiones del cine español de los últimos años, Lo imposible, El Orfanato, por el que consiguió el Goya al Mejor guión original en 2008 y Palmeras en la nieve.

Con este amplio bagaje, Sánchez, ha querido probar suerte detrás de las cámaras y lo ha hecho con El Secreto de Marrowbone.

El secreto de Marrowbone, cuenta la historia de cuatro hermanos, que huyendo de un pasado tormentoso buscan refugio en una casa abandonada, allí tendrán que estar a salvo de su pasado e intentar mantenerse unidos después de la muerte de su madre.

Se nota que Sergio G. Sánchez, ha sido durante mucho tiempo el fiel escudero de Juan Antonio Bayona, pues la factura técnica de su película es impecable.

Los actores están muy bien en sus papeles sobre todo el pequeño Matthew Stagg.

Y otro de los puntos a su favor es la música compuesta por Fernando Velazquez, y los paisajes asturianos en los que ha sido rodada esta historia.

Pero Sánchez, quizás ha querido ser demasiado ambicioso en su primera película, intentando abarcar diversos géneros, que hacen que su película no se sepa bien, si es un drama familiar, una peli de suspense o una historia romántica.

Otro de los problemas de los que peca, es de abusar de los clichés por todos conocidos en las películas de terror, sábanas, espejos…. aunque eso no creemos que justifique las risas que provocó en el pase de prensa del Festival de Cine de San Sebastián.

Un final un tanto forzado, para poder justificar la trama de toda la película, tampoco ayuda para que pase a la historia del cine de terror español.

Pero sumando los puntos fuertes y los no tanto, damos un aprobado alto a, en su debut en un largometraje, y esperamos su próxima película pues a dar sustos también se aprende así que solo necesita un poco mas de tablas.
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Amar
Amar (2017)
  • 4,9
    1.808
  • España Esteban Crespo
  • María Pedraza, Pol Monen, Natalia Tena, Antonio Valero, ...
4
Un cortometraje hecho película
Amar, es la historia de amor y desamor de dos adolescentes Carlos (Pol Monen) y Laura (María Pedraza).

Una película en la que los protagonistas se declaran su amor con frases de este calibre, ‘Me encanta respirarte’ , ‘Estoy contenta de tener tu semen dentro de mi’, ‘tu eres yo, yo soy tu’.

Estas declaraciones de amor tan “profundas” de sus protagonistas, hace que caiga la película rápidamente, en los clichés de lo que se supone es el primer amor, pero la hace poco creíble.

Los protagonistas no solo deben hacer frente a sus propios miedos y a los celos, sino a la familia, que no ve con buenos ojos la relación entre ambos.

La historia funciona bien como cortometraje, pero no en un largo. De echo esta historia parte de dos cortometrajes rodados en 2004 por el propio Crespo, uno titulado Amar, al igual que la película y Siempre quise trabajar en una fábrica.

Esperábamos mas en su debut en el largometraje, ya que Crespo nos encandiló con su corto Aquel no era yo, con el que estuvo nominado a los Oscars, en la categoría de Mejor Cortometraje de Ficción, en 2012.

Según ha explicado Crespo en la Rueda de Prensa, posterior a la proyección, ‘Me interesaba la locura, la manera de vivir todo como si te fuera la vida en ello, el no saber gestionar’, ha declarado Crespo, que dice pretendía ‘crear sensaciones de recuerdo en el espectador, para que pueda sentir esos momentos aunque no los viviera exactamente así’.

Y como curiosidad de la película, queremos destacar que hay un momento de la cinta, en la que los protagonistas se plantean ir a buscar trabajo a Medina del Campo (Valladolid), probablemente este sea un pequeño homenaje del realizador madrileño, a la ciudad que tantos éxitos le ha brindado en el mundo del cortometraje.
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Las furias
Las furias (2016)
  • 5,9
    1.566
  • España Miguel del Arco
  • Mercedes Sampietro, José Sacristán, Carmen Machi, Bárbara Lennie, ...
7
Gran Debut de Miguel del Arco
Las Furias, ha supuesto el debut cinematográfico del dramaturgo madrileño Miguel del Arco, que se ha estrenado en esto del cine con muy buena nota y nos alegramos que este inicio haya sido en la Seminci.

Es una tragicomedia que gira en torno a La familia Ponte Alegre que son los protagonistas de esta tragedia griega, cuyo tema principal es la incomunicación y la falta de empatia entre sus miembros. En definitiva la familia y sus complejas relaciones.

Todo visto desde los ojos de María, la benjamina de la familia, cuya vida quedará condicionada cuando su abuelo, interpretado por el gran Pepe Sacristán, le explique con estas palabras que es lo que hacen las Furias,”Cuando alguien hace algo contra la familia se introducen en su mente como un veneno hasta obligarlo a expiar sus culpas o a enloquecerlo”.

Los problemas y trapos sucios de esta familia salen a la luz,cuando la matriarca de la familia(Mercedes Sampietro), anuncia que va a vender la casa

Los ingredientes para componer Las Furias son , una madre que quiera empezar a tomar las riendas de su vida, una boda que oculta un secreto, un abuelo con alzheimer o al que el amor por el teatro ha hecho enloquecer y una nieta con brotes psicóticos.

Probablemente del Arco haya intentado abarcar demasiados temas en una sola película, que haga que el final sea un tanto precipitado, pero se sale con un buen sabor de boca del cine, al haber asistido a un sinfín de prodigiosas interpretaciones, pues del Arco se ha sabido rodear para su estreno de los mejor de la escena y el cine actual.

El reparto lo conforman Pepe Sacristán, Carmen Machi, Barbara Lennie,Emma Suárez, Alberto San Juan, Gonzalo de Castro, Mercedes Sampietro, Pere Arquillué, Elisabet Gelabert y Macarena Sanz. Todos con brillantes actuaciones, pero queremos destacar a Macarena Sanz, por ser debutante en estas lides, y hacernos sentir la angustia en la que vive al ser la única que se da cuenta de los problemas familiares.
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La vida en una pecera
La vida en una pecera (2013)
  • España Rubén Alonso
  • Betty Olivares, Assumpta Serna, Raúl Smith
7
Cine español, con aires de Nouvelle Vague
Según Michael Hunter, profesor de la Universidad de Sheffield en Gran Bretaña, el tono de la voz femenina emite sonidos más complejos que la masculina, debido a diferencias en el tamaño y forma de sus cuerdas vocales y su laringe, por esta razón la voz femenina agota al cerebro masculino. Según Hunter “un esfuerzo en atender durante mucho tiempo la conversación femenina podría afectar la zona cerebral masculina”.
Es decir que según esta información La vida en una pecera, la última película de Rubén Alonso, sólo sería apta para el público femenino, ya que la mayor parte de sus ochenta minutos de duración, comprenden un monologo de la actriz Betty Olivares con el espectador.

Pero dejando estudios británicos a parte, esta película es para todos los públicos, bueno para todos no, solo para que aquellos que busquen algo diferente en una película, un nuevo lenguaje, no tan solo una historia con principio, nudo y desenlace.

Me gusta la forma en que está contada, con un personaje que nos introduce en su mundo particular del que somos testigos mudos, de sus amores y desamores, de sus problemas existenciales, y trascendentales, en definitiva de todo lo que acarrea la tan temida crisis de los veinticinco años.

Audacias fílmicas que estamos más acostumbrados a verlas en el mundo del cortometraje, pero que en un largo sorprenden mas, no son muy habituales en el cine patrio, no en vano Alonso, considera a su película en ciertos aspectos muy francesa no solo interpretativamente, sino estéticamente, con un cierto aire al cine de la Nouvelle Vague siempre en blanco y negro como su película, y con una banda sonora también francesa que se convierte en un personaje más de esta película, dando ritmo hasta el último minuto, merece la pena ver los títulos de crédito.

En definitiva, una apuesta arriesgada de Alonso, un director que intenta hacer de su cine una manera de expresarse, no solo de contar historias, experimentar con el cine, y además hacernos pasar un buen rato.
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