En un momento dado de la película la protagonista Julie cumple 30 años y recuerda de una forma muy ilustrativa como era la vida de sus antecesoras cuando tenían esa misma edad. Es evidente el paralismo que supone con el intento de análisis de una generación que cada vez retrasa más en el tiempo su transición a la vida adulta, con el coste emocional que conlleva renunciar a unos ideales tan perseguidos como complicados de alcanzar. Curiosamente, la pareja de Julie tiene 40 años y debe afrontar a su vez otra transición no menos compleja pero que se complementa perfectamente con la de Julie.

La película se disfruta durante su visionado, el buen hacer de su protagonista Renate Reinsve consigue atrapar al espectador y alguna líneas del guión son realmente memorables consiguiendo interpelarnos ante las diferentes situaciones que afronta la protagonista. Pero la película no termina de funcionar bien en su conjunto, la decisión de dividir la película en once capítulos (más prólogo y epílogo) lastra en cierta forma la continuidad argumental de tal manera que la vida de Julie termina siendo un poco más inconexa todavía.

Lo mejor: La actuación de Renate Reinsve en el papel de Julie, una actriz de las que enamora a la cámara en apenas unos instantes y sobre la que recae todo el peso de la película.

Lo peor: El tramo final de la película cuando se produce un determinado giro argumental que no termina de aportar mayor interés al desenlace y resolución de la película.

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En ocasiones surgen personajes tan carismáticos que logran transcender a sus películas (como John McClane o Bryan Mills) y este podría ser el caso de Hutch Mansell en la película que nos ocupa. Un título que paso por alto en la cartelera por culpa de la maldita pandemia y que ahora están descubriendo muchos espectadores tras empezar a rodar en las plataformas digitales.

Estamos ante una de esas películas de acción que utiliza un argumento mil veces empleado como la venganza como punto de partida, lo que hace presagiar que estamos ante otro título de relleno para nutrir los menús de las plataformas digitales. Pero llega Hutch Mansell y la cosa cambia radicalmente, es cierto que hay un delgado hilo que lo conecta con John Wick (mismo guionista), pero ese toque ácido de comedia corrosiva le otorga al protagonista una personalidad propia, en su particular crisis de los 50.

Por otro lado, este género tiene unas necesidades muy bien delimitadas, y en este caso aparece un director como Ilya Naishuller que no necesita rizar el rizo, y será capaz de generar el espectáculo visual necesario de la forma más sencilla y directa que se pueda imaginar, sin que ello reste un ápice de interés al espectacular resultado. Sorpresa por partida doble y una de las candidatas a convertirse en una de las cult-movies del 2021.

Lo mejor: Bob Odenkirk y Hutch Mansell, reivindicando entre ambos la necesidad de nuevos personajes carismáticos en el competido género de las películas de acción.

Lo peor: Que, al fin y al cabo, no nos cuenta nada nuevo.

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Llegué a esta película por pura curiosidad tras ser mencionada en el programa "Cuarto milenio" como uno de los títulos más representativos del "cine de morgues". La verdad es que se aprecian ganas de hacer bien las cosas en detalles como ese hospital que tiene el aspecto exterior de una gigantesca tumba, o en el juego de intrigas que se mantiene alo largo de toda la película con esas luces que se activan de forma automática con la presencia de alguien (... o algo). Pero tras una impecable y prometedora primera mitas, la película empieza a naufragar cuando comienza el corre-pasillos y la cos deriva más hacia un slasher del montón que hacia ese terror más sugerido que mostrado. Un pena porque la película tenía muchos elementos para conseguir un sitio en su género

Lo mejor: El interés y la forma de perturbar al espectador con elementos ciertamente originales, a los que se recurre en el primer tramo de la película.

Lo peor: No haber sabido resolver una trama sin tener que recurrir a lo que tantas y tantas veces ya hemos visto en este género

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Interesante película que sirve de referencia del cine que hace Claude Chabrol, una película se cocina a fuego lento para que el resultado final sea lo más apetitoso posible. En este caso el cocinado es la gracia de la película ya que las actuaciones son excelentes (sobre todo el trío femenino) y la puesta en escena es muy minuciosa y está repleta de pequeñas señales de alerta que van activando al espectador para llegar a un final mas "temido" que "esperado". Desde la primera escena de la entrevista en la que ya salta la primera alarma con una pregunta tan inocente como "¿Qué día es hoy?", la "ceremonia" (entendida en Francia como el preámbulo a la ejecución en la guillotina) se va cerrando sobre la familia de Catherine Lelievre, casi como si fuera un espejo que Chabrol nos pone ante los ojos.

La película tiene un extraño efecto que perdura en la cabeza del espectador, se empiezan a conectar pequeños detalles que parecían superfluos pero hay una sensación de vacío general ante el desenlace, se intenta buscar un porqué más elaborado que no nos cuenta la película pero que nuestra curiosidad innata pretende resolver, y es ahí donde empieza a surgir la magia del cine social de Chabrol.

Lo mejor: Construir toda la trama de su protagonista en torno al hecho de ser analfabeta y adornar la película con interminables referencias a la lectura (desde la biblioteca de la familia hasta la afición por el correo ajeno de su amiga Jeanne. El colofón será el disparo los libros de la biblioteca.

Lo peor: Puede ser que todos los personajes sean algo ambiguos, pero esa falta de información que se ofrece de forma sutil y dispersa pienso que es intencionada para aumentar el desasosiego que se va creando a medida que pasa la película, así como esa sensación de vacío final que nos deja volver a oir las grabaciones finales.

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Cuando una película es capaz de arrojar luz sobre un tema tan espinoso como el del terrorismo, ya se convierte en algo relevante y a tener en cuenta. Maixabel no sólo nos ofrece una perspectiva nueva sobre una historia muchas veces contada, sino que lo hace con una honestidad y transparencia que llega a sorprender en ciertos momentos, la mayoría de las veces gracias al impresionante trabajo de los personajes protagonistas femeninos que hacen una de las mejores interpretaciones de los últimos tiempos del cine español.

Lo mejor: Dos actrices en diferentes momentos de su carrera profesional, pero en estado de gracia, consiguen crear una de las relaciones madre-hija mas interesantes y complejas que recuerdo en los últimos años.

Lo peor: Soy fan de Luis Tosar pero creo que su personaje le ha podido, me ha gustado mucho más el planteamiento de Urko Olazabal, probablemente porque tenía referencias directas más cercanas, y eso de ser determinante.

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Se nota que hay mucho cariño puesto en esta película, y no me importa mucho que se le vean las costuras ya que hacen más falta películas de este tono en la cartelera, que ataquen sentimentalmente al espectador y le seduzcan con el resultado de un trabajo bien hecho, a pesar de que algunos proclamen que todo está demasiado limpio y reluciente.

Kenneth Branagh consigue aislar una historia personal de un entorno brutal como es el de Belfasty en los años 70, El IRA, el Ulster o Sinn Féin ni siquiera se mencionan en la película, sólo percibimos como afectan al día a día de las familias irlandesas, y se agradece que el foco esté en la familia porque es muy fácil establecer paralelismos directos, con padres, abuelos, vecinos o antiguos compañeros de colegio. Y es en la honestidad de esas relaciones, y de esos personajes, donde reside la magia de esta película. Una magia que se potencia de forma increible con el efecto nostálgico del un blanco y negro muy preciosista y con la música de un genio llamado Van Morrison cuyas canciones son capaces de activar ciertos resortes que hacía mucha tiempo que creíamos inactivos.

Lo mejor: Tres elementos: un guión (tan sencillo como cuidado), una imagen (B&N espolvoreado con coloridos momentos cinematográficos) y una BSO (basada en clásicos de un clásico) que están pensandos para envolver emocinalmente al espectador, de principio a fin.

Lo peor: El camino del bien y del mal (cómo se plantea Buddy en diferentes momentos) no suele estar tan bien definido como nos propone la película, con unos personajes que son demasiado buenos o demasiado malos.

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Todavía al escribir estas líneas sigo sin tener claro si esta película es una genialidad en el subgénero de los viajes temporales, o se trata de una absoluta locura. Lo que no se puede negar es que el punto de partida es fascinante, sobre todo como de una idea tan básica se puede ir construyendo pieza sobre pieza (o minuto sobre minuto, en nuestro caso) hasta conseguir montar una trama mínimamente razonable.

Conviene avisar de que la producción se acerca mucho más a un trabajo de fin de curso de alguna escuela de cine, que a una producción elegante y estilizada, aunque esa mezcla de inocencia y amateurismo sirve de envoltorio perfecto para lo que estamos viendo ya que cualquier plantemiento serio daría al traste con la película, Resumiendo, si eres fan de las paradojas temporales no te puedes perder esta propuesta tan disparatada y refrescante al mismo tiempo, o con dos minutos de diferencia...

Lo mejor: La idea tan básica y sencilla que sirve de soporte a toda la película.

Lo peor: Es cierto que cinematográficamente tiene muchos defectos y carencias, pero la verdad es que pasa a un segundo plano cuando te dejas llevar la historia

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Una de esas películas corales que vamos descubriendo gracias al punto de vista que tiene cada uno de los personajes de un mismo acontecimiento, en este caso, la desaparición de una mujer en una tormenta de nieve; los relatos son cinco y se irán mostrando de forma consecutiva. La película coge ritmo muy rápido y los primeros capítulos son entretenidos, una pena que al llegar el momento en el que se cambia de continente se produce un parón importante y el argumento amaga con descarrilar en más de una ocasión. El cierre final es bastante satisfactorio, aunqie los más avezados en este tipo de historias ya lo habrán anticipado previamente. Un thriller entretenido, con detalles interesantes y que sirve perfectamente solventar una de esas noches de cine en las que no tenemos ganas de ñiarnos la manta a la cabeza.

Lo mejor: Una estructura narrativa bastante bien gestionada y una puesta en escena de los primeros relatos que más de uno asociará con la mítica "Fargo"

Lo peor: Cierta previsibilidad en el desenlace de lagunas tramas y algún que otro "Deus Ex Machina" para conseguir encajar todo el puzzle.

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En algún sitio he leído sobre esa extraña conexión entre el cine nórdico y el cine coreano, su capacidad para sorprender y descolocar al espectador gracias a una identidad propia que es bastante reconocible. Y esta película puede servir de ejemplo a esta teoría nada descabellada porque, a la primera de cambio, el espectador percibe que no está ante una película convencional, y esto ya nos pone en alerta ante lo que estamos viendo. Siempre existe el riesgo de que esa búsqueda de la sorpresa llegue a sacarnos de la película, pero en este caso es paácticamente seguro que ya habremos aceptado esta propuesta tan entretenida como extravagante.

Mención especial a esa obsesión sobre el caos, las casualidades y el juego continuo de causa-consecuencia que nos plantea en todo momento y en cada detalle de la película. La estadística, la probabilidad o la lógica son elementos que no sólo aparecen directamente en las actividades de sus protagonistas, sino que también se utilizan para interconectar las tramas y géneros, logrando transportar al espectador a través de un absoluto caos de la forma más metódica y satisfactoria.

Lo mejor: La película se salva gracias al enfoque de sus personajes no convencionales, que además están interpretados con gracia y soltura. Mads Mikkelsen el primero, por supuesto.

Lo peor: Hay un cierto tufillo de incredibilidad alrededor de toda la historia y desde el primer monento. Deberemos asumirlo para poder disfrutar de la película.

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Una de esas películas que deja una huella emocional en el espectador construida sobre uno de los pilares más polémicos de la sociedad como es el aborto, en este caso amplificado en la complicada década de los sesenta. Si el cine francés siempre consigue poner en el punto de mira los conflictos sociales más polémicos, esta vez lo consigue y de forma devastadora. Sorprende que partiendo de una narración sencilla y transparente consiga crear un tensión insana digna de las mejores películas de terror. Y es que, lo que estamos viendo en la pantalla da miedo, mucho miedo.

Lo mejor: El peso de la película necesitaba de una actuación de primer nivel, y Anamaria Vartolomei está a la altura. Un mombre a tener en cuenta...

Lo peor: La Francia de los 60 era muy diferente a la España de los 60, y para los espectadores españoles puede llegar a producirse una especie de paradoja temporal en ese entorno social-cultural-familiar en el que se desarrolla la película.

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Ryûsuke Hamaguchi es uno de los nombres propios del cine de 2021 y este título está acaparando premios en todos los festivales donde se presenta. Muestra de su poderío son las casi tres horas de metraje que ha empleado para desarrollar una historia sobre la confianza y la redención, en un guión que utiliza el teatro como amplificador de los sentimientos personales y un Saab rojo que se convierte en una máquina del tiempo muy particular.

Todo parace fluir de forma elegante y sedosa en esta película, desde una onírica escena inicial que ya nos presenta de forma fantasmal a la esposa de Yusuke, cuya presencia sobrevolará de forma muy sutil entre prácticamente todos los fotogramas de la película, Nada parece fuera de lugar, cada plano encaja con cada mirada y con cada silencio, cada movimiento se hace a la medida y escala del espacio disponible: un gran escenario o el interior de un vehículo. Es fácil rendirse ante una forma tan singular de hacer cine, de forma similar a la que Yusuke cede y se deja llevar por las habilidades de Misaki, la extraña conductora que le han asignado. Y se vuelven a trastocar los roles entre un director de actores que deja en otras manos la dirección de lo que terminará siendo su propia representación.

No es casualidad que el teatro sea omnipresente a lo largo de toda la película, una disciplina artística donde se valora la capacidad de interpretar a otra persona, de ocultarse a uno mismo para convertirse en el personaje que el director elige para cada uno. Casi de la misma forma que el pasado pretende hacer con cada uno de los protagonistas. Ni tampoco es casualidad el protagonismo del pulcro Saab rojo en cuyo interior parece alterarse el espacio-tiempo, el espacio que separa la vida real de la que nos toca interpretar, y el tiempo que no parece transcurrir gracias a unas cintas de cassete, evocaciones fantasmales de un pasado que parece tener atrapados a sus ocupantes.

Mención final para unos diálogos tan sugerentes y llenos de silencios como dilatados hasta el infinito, que en determinados momentos llegan a poner a prueba la capacidad de atención del espectador, pudiendo llegar a provocar algún que otro bostezo entre los menos avezados a este particular planteamiento de hacer cine y que, hoy por hoy, parece un patrimonio casi exclusivo del cine oriental.

Lo mejor: El acabado de la película donde todo está en su sitio perfectamente equilibrado, tanto el fondo como la forma, el continente y el contenido.

Lo peor: Tres horas pueden llegar a ser excesivas con un ritmo tan pausado. Sirva como referencia que los títulos de crédito llegan a los 45 minutos del comienzo de la película.

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Interesante punto de partida el que nos propone esta directora francesa que se va revalorizando con cada una de sus películas, siempre con referencias autobiográficas que ya son marca de la casa. En este caso con el punto de mira en una historia sobre el proceso creativo y esa suave línea difuminada que no conseguirá separar la realidad de la proyección artística, todo en un entorno sagrado para cualquier cinéfilo: Fårö, la isla de Bergman.

Aunque en ciertos momentos la película llega a convertirse en un spot turístico de la isla de Bergman (incluida alguna que otra masterclass sobre el director sueco) que nadie piense que la película es un homenaje a Ingmar Bergman, todo lo contrario, de hecho la película se hace bastante ligera y llevadera. Lo que no tengo claro si es un efecto deseado es que algunas de las relaciones entre el matrimonio protagonista y otros personajes secundarios son tan fantasiosas, que uno llega a pensar si son reales o imaginarias.

Lo mejor: Buenas interpretaciones de la pareja protagonista que ayudan a salvar algún que otro socavón argumental. Sin olvidar ese momentazo capaz de conectar a Bergman con ... ¡Abba!

Lo peor: La meta historia dentro de la historia que narra Chris rompe bastante el ritmo de la película sin aportar demasiado a cambio.

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Un película de la que es difícil tener alguna referencia y que representa a un país cuya filmografía se puede contar con los dedos de la mano, aún así ha conseguido pasar el duro filtro de la preselección a las 15 candidatas al Óscar a la mejor película internacional. Está claro que la dura historia que relata, basada en hechos reales, no es fácil que deje indiferente.

Todo el peso de la película recae sobre la fuerza de un guión basado en hechos originales, que consigue atrapar al espectador desde una poderosa secuencia inicial que sirve para conectar inmediatamente con Fahrije, la protagonista de la película, y acompañarla en esta potente historia de superación. La colmena sirve de paralelismo con este pequeño grupo de mujeres que, poco a poco, y gracias al liderazgo de Fahrije consiguen superar un doloroso pasado en un presente completamente enquistado por unos prejuicios y valores que se dejan entrever como la causa de todos los males acontecidos.

Sorprende la puesta en escena y el poderío actoral y visual para presentar y desarrollar una historia tan potente, sobre todo teniendo en cuenta que se trata de la ópera prima de su directora Blerta Basholli y que estamos hablando de un país con una filmografía casi inexistente, lo que la hace todavía más exótica y atractiva.

Lo mejor: Excelente interpretación de su protagonista y de la ventana que nos abre para asomarnos a una terrible realidad que está mucho más cerca geográficamente y en el tiempo de lo que muchos puedan pensar.

Lo peor: Cierta previsibilidad de casi todos los recovecos que nos presenta el guión, pero siempre bien presentados y resueltos.

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Laurent Cantet siempre consigue hacer con su cine una radiografía muy precisa de la sociedad moderna. En este caso la identidad virtual, y el virus digital de la posverdad se someten a la cámara y disección del director francés, muy atento en el planteamiento y desarrollo de los hechos pero sin llegar a ofrecer ningún tipo de juicios o conclusiones. Será cada espectador el encargado de decidir como debe continuar la película, y si el ganador será Karim o Arthur Rambo.

Lo mejor: El equilibrio conseguido en el planteamiento de un tema tan controvertido, bien presentado y puesto en escena con las dosis de ritmo justas en cada momento para ir revelando cada nuevo dato en el momento oportuno.

Lo peor: El cierre tan abierto de la película, aunque este detalle muchos lo valorarán de forma positiva, pero se echa en falta el desarrollo de uno o dos días adicionales en ese particular viacrucis de Karim.

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Valhalla Rising es la película de Nicolas Winding Refn que precede al pelotazo de "Drive" en 2011. Y ambas tiene algunos elementos en común aunque el resultado sea bastante diferente, ambos protagonistas enigmáticos y de pocas palabras, tan duros como capaz de sacrificarse hasta el extremo. Pero hasta aquí llegan las similitudes, porque Valhalla Rising termina naufragando entre nieblas espesas y referencias mitológicas que no consiguen articular una historia que nunca termina de desplegarse ni en la pantalla, ni en la cabeza del espectador; y con el lastre añadido de un ritmo que va decreciendo a medida que todo va dejando de tener sentido. Todo ello a pesar del buen hacer de su protagonista Mads Mikkelsen, y de la interesante puesta en escena, marca de la casa, tan salvaje como hiperrealista y que se convierten en los dos únicos reclamos de este experimento fallido de Nicolas Winding Refn.

Lo mejor: La experiencia sensorial que promete el comienzo de la película y que se termina perdiendo en alguna de las enigmáticas elipsis de la película.

Lo peor: No conseguir haber encontrado esa delgada línea roja que sirve de hilo conductor a esa historia de metamorfosis y redención que podía haber sido y no fue.


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James Wan mantiene su status en el terror mainstrean de los últimos tiempos, y nos ofrece una de las mejores películas del género del 2021. A pesar de ser bastante reiterativa en la primera mitad de la película, consigue remontar a partir de un buen giro del guión, lo que pone de manifiesto que la diferencia entre una buena película de terror y otra del montón está en el desenlace y cierre de la misma; en este caso no diremos que es redondo pero por lo menos es de los que deja satisfecho. La producción y dirección están a la altura de un Wan que necesita de un buen proyecto para demostrar que nos puede dar muchas satisfacciones más allá del género que le ha dado a conocer.

Lo mejor: Un guión bastante sensato y bien elaborado que, además, se pone en escena con ciertos aires del mejor terror giallo y una calidad bastante superior a lo que nos tiene acostumbrado este género.

Lo peor: Menos mal que el equipo médico era de sólo 3 personas porque de haber sido más, la primera parte (casi mitad) de la película hubiera sido bastante tediosa.


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No digo que la película tenga un mal guión (que no lo tiene), pero visto desde la perspectiva de un país en el que la corrupción y los chanchullos están a la orden del día, la película no termina de seducir con su propuesta, y llega a ser incluso anodina en su desarrollo. En realidad es un problema del salto cultural entre Norteamérica y Europa, porque estoy seguro de que en manos de un director francés la historia hubiera podido dar mucho más de sí. Hay que agradecer que la historia no se circunscriba al drama que suele envolcer a este tipo de películas basadas en hechos reales, se incluyendo bastantes toques de comedia y humor negro que logran dar más cuerpo y esquivar el suspenso en la nota final de la película.

Lo mejor: La interpretación de Hugh Jackman, fuera de su zona de confort, gracias a un personaje que se transforma de forma magnífica a lo largo de la película.

Lo peor: Falta de gancho, el salto cultural se hace muy evidente e impide la conexión del espectador con el eje central de la película.

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Aunque se nota la mano de Guy Ritchie no estamos ante una de sus mejores películas como puede ser el caso de "The Gentlemen: los señores de la mafia" por mencionar un título reciente y con bastantes similitudes. Jason Statham se limita a dotar a su personaje de esa capa impenetrable y adusta que tantas veces nos ha mostrado. No obstante la película entretiene pero se evaporará en nuestros recuerdos tan rápido como el botín de la película.

Lo mejor: Guy Ritchie domina el ritmo y la puesta en escena para conseguir que la película no decaiga y enganche al espectador.

Lo peor: Hay un par de fragmentos de acción (como el climax final) que son bastante cuestionables dentro de un guión que estaba bastante bien dosificado en este sentido.

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En los últimos años, reverendos y sacerdotes están protagonizando una serie de películas, que plantean interasantes dilemas ético-morales perfectamente envueltos en guiones atractivos, capaces de atrapar también a espectadores que no puedan (o no quieran) descender a estos subniveles más tortuosos que este tipo de películas ofrecen. Sirvan de referencia títulos como Calvary (2014), El Club (2015) o El reverendo (2017). Más o menos cada año, aparece una película que merece la pena ser vista y es dificíl que te deje indiferente; y este es el caso de Corpus Christi.

Lo mejor: Un guión atrevido y atractivo, que siempre está al filo de lo imposible. Sin olvidar al actor protagonista que sabe estar a la altura del personaje.

Lo peor: No haber exprimido mejor el pasado del protagonista ya que algunas decisiones parecen ser tomadas conforme a hechos que no se muestran en la película.

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Trueba consigue confeccionar una historia, de factura tan correcta como clásica, entorno la vida de una persona que supo comprometerse con su entorno familiar y social, siendo fiel a sus ideales en un lugar y momento histórico lleno de desafíos y peligros. Se intenta profundizar en un interesante laberinto de emociones y sentimientos intrafamiliares, poniendo el valor la novela en la que se basa la película y que está escrita por el hijo del protagonista. La subtrama social cojea un poco más ya que se produce esa incómoda polarización de personajes secundarios que sólo pueden ser "buenos o malos". Pero el resultado es agradable y la historia está bien contada (demasiado academicista, quizás) y mejor interpretada.

Lo mejor: La intimidad que se llega a conseguir en algunas escenas familares del protagonista con sus hijos.

Lo peor: Haber sido demasiado "academicista" y no haber arriesgado en determinados aspectos formales.

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