Gran conocedor y amante del gore más salvaje y brutal, Eli Roth (conocido gracias a su colaboración puntual en algunas películas de Quentin Tarantino) homenajea en ésta particular como mediocre e innecesaria versión, las cintas italianas de terror de subgénero caníbal y que tanto ruido, como exagerada controversia, provocaron, encabezadas en su día por su buque insignia más aclamado como fue el largometraje “Holocausto Caníbal” (Cannibal Holocaust, 1980) de Ruggero Deodato y las posteriores “Comidos Vivos” (Mangiati vivi, 1980) o “Cannibal Ferox” (1981) ambas dirigidas por Umberto Lenzi.

Esa boga de cine de caníbales clasificado “S” ha pasado a la Historia y solo forma parte del memorándum de internet (hay a decenas de blogs sobre el tema) pero tampoco han sido impedimento para que éste subgénero se recupere pero vaya a sus anchas y más si tipos como Eli Roth prefieren si el bistec sea hecho, demasiado hecho, o al punto, es decir, sangriento.

Un grupo de jóvenes activistas y universitarios encabezados por Alejandro (Ariel levy) al que la curiosa heroína de la futura odisea, Justine (Lorenza Izzo) les sigue con admiración, deciden aventurarse en plena selva amazónica para acabar con las introspecciones del hombre contra la naturaleza salvaje. Lo que no se esperan a su regreso, es que una horda de salvajes antropófagos a quienes se le hace la boca agua, les esperan con los brazos bien abiertos. Bon appetit.

La mejor adaptación hecha al cine, y como no rodada y producida en Francia, de la obra teatral de Edmond Rostand (1868-1918) acerca del famoso escritor libertino Hercule-Savinien de Cyrano de Bergerac (1619-1655), todo un provocador en su época y que su figura ayudó a mitificar en la posterior pieza de Rostand en que se le presenta no como un intelectual que es, sinó como un ágil espadachín, un romántico librepensador y amigo de sus enemigos que a golpe de “touché” enerva los versos más adecuados para un luchador de capa y espada de su clase.

Jean-Paul Rappeneau (La vie de chateau; le hussard sur le toit) contó con una magnífico despliegue de vestuario, amén de la magnífica fotografía (obra de Pierre L homme) y puesta en escena que brinda en ésta versión de Cyrano de Bergerac el clamor de la excelente interpretación que hace Gerard Depardieu del personaje y que le catapultaría definitivamente a la fama internacional, aunque ya era un actor reconocido en Francia y la mayoría de países europeos gracias a su principal papel protagonista en “Novecento” (1976) de Bernardo Bertolucci. Aunque también había trabajado con el Ferreri más transgresor de “La última mujer” (L, ultima donna, 1976), “Adiós al macho” (Chiao maschio, 1978)” y había hacho tándem con Patrick Dewaere y el director Bertrand Blier con las comedias “Los rompepelotas” (Les valsesuses, 1974) y “¿Quieres ser el amante de mi mujer” (Préparez vos mouchoirs, 1978). Con Cyrano de Bergerac no es para hacerle un feo a José Ferrer que ya lo había caracterizado en los años cincuenta, en un film dirigido por Michael Gordon, pero la actuación de Depardieu es soberbia e inolvidable.

Obra clave en el ocaso del cine mudo y que significó el desembarco del realizador alemán Friedrich Wilhem Murnau en territorio americano, lo que le permitió seguir experimentando sus puestas en escenas que tanta magia había aportado con las luces y sombras de su aclamada “Nosferatu” (Nosferatu, eine symphonie des grauens, 1922), dando más importancia al sonido, los recortados paisajes de fondo o la utilización del sonido como instrumento esencial e impensable para concordar con la historia.

El argumento que nos propone “Sunrise”, da fe al título, es decir, el renacimiento de una reconciliación propiciada por el abandono fortuito del campo a merced de las luces y el ruido de la gran ciudad. Estos escenarios diferentes determinarán la delicada situación en la que se encuentra la pareja protagonista (Janet Gaynor y George O´Brien) conforman un matrimonio de granjeros en crisis, después de que él haya sido seducido por una turista tras su estancia de vacaciones por la zona. Tras el intento del esposo de huir con la amante que le insta a que asesine a su esposa, decide seguir con ella tras arrepentirse en su intento de cometer tan vil acto y la sigue hasta la ciudad con la intención de que le perdone.

Una bella y hermosa película de visión imprescindible e irrepetible. Puede resultar simple pero la técnica de Murnau para sorprender (y que sorprendiera más a los espectadores de ésa época) se hace evidente en un film que hoy en día sigue siendo objeto de reposición y estudio.

Decimosexta entrega de la saga 007 y una de las más violentas en la que parece rehuir de los postulados de un James Bond condicionado en la etapa de Roger Moore y en que insistía en regresar a la etapa de Sean Connery. De hecho Timothy Dalton llevaba en la sangre su carisma de la que injustamente tanto público como crítica infravaloraron en su momento (probablemente debido al alud de películas de acción que se adueñaban competentemente de las salas). Dalton no fue un agente de peso dadas las circunstancias y el momento pero en “Licence to Kill” consigue recobrar las características añejas que ya aportó Connery, y ambientando en el Caribe cercano de “Agente 007 contra el Dr. No” (Dr. No, 1962) en el trópico del cáncer de las drogas y el narcotráfico. Mercado en que 007 se metido por venganza y no por asuntos profesionales. No hay misión sino ajuste de cuentas. Y con un narco (era la época de Pablo Escobar) interpretado por uno de los pocos villanos con cara de malas pulgas que ha aportado la pantalla; Robert Davi, para muchos familiarizado como uno de los “torpes” ladrones de “Los Goonies” (1986). Su personaje de Franz Sánchez es un claro reflejo de despiadado malo capaz de disparar a sus propios hombres ante al más mínimo error de cálculo y dueño de un imperio que se traduce en la compra de un país imaginario llamado Isthmus con un presidente vitalicio y casinos y hoteles de lujo. En el reparto se suman Talisa Soto y Carey Lowell como las chicas “Bond” en los papeles respectivos de novia del villano y agente de la CIA.

Estrenada solo un año después de “Alta Tensión” (The Living Daylgihts, 1988), supuso la segunda y última colaboración de Timothy Dalton como rol de agente 007 (y quinta última de John Glen como director, antes de emprenderse en el fracaso anunciado de una película sobre Cristobal Colón) en vistas de que una próxima y cercana aventura del espía británico quedaba ya muy lejos. No sería hasta 1995, siete años después que la saga Bond retomaría con la llegada de un candidato que llevaba años pretendiendo por el personaje, el irlandés Pierce Brosnan y la renaciente “Goldeneye” (1995), de Martin Campbell.

Planteada como una película de acción al más puro estilo “blockbuster”, la cinta de John McTiernan (antes de dar el golpe con la colosal “La Jungla de Cristal” (Die Hard, 1988) gracias al inseparable tándem de productores Joel Silver y Lawrence Gordon) parece rendirse como un producto hecho a la medida de su estrella más prepotente: Arnold Schwarzenegger y que ya provenía de haber interpretado alimentícias cintas de acción como “Comando” (1985) o “Ejecutor” (Raw Deal, 1986). También, con un solo título, seco y efectivo, “Depredador” se suma a toda una exhibición belicista de pólvora, sangre, sudor, músculos (atención a ese encaje de manos con Carl Weathers al más puro estilo “Yo, el Halcón”), y hombría de tipos duros con ganas de morir al servicio de una misión de riesgo encomendada. Pero la película no queda aquí, se pasa de la acción al fantástico sin más, con la presencia de un verdadero enemigo, más hostil que los que amenazan la hegemonía del poder estadounidense a ese lado del mundo.

Dispuestos a defenestrar un comando de guerrilleros, un grupo de mercenarios liderados por Dutch (Schwarzenegger), se adentra en pleno corazón de la jungla, en algún lugar de América Central. La selva les deparará sorpresas y el camuflaje no será suficiente para saber que se están convirtiendo en el principal objetivo de un alienígena (con un inicio de película que nos recuerda al de “La Cosa” (The Thing, 1982) de John Carpenter, con nave espacial surcando por el espacio y arrojando una cápsula con el maldito bicho dispuesto a hacerse suyo el planeta a base de ataques).

Sin ofrecer más argumento que una simple caza humana donde lo más importante es la lucha por la supervivencia, el atractivo del film radica en sus efectos especiales y el diseño a lo afro de la criatura depredadora en cuestión. La película tuvo una secuela con menos fortuna protagonizada por Danny Glover y ambientada en la ciudad de Los Ángeles.

El Neorealismo Italiano no significó mostrar en carne propia la realidad y la nula prosperidad de la realidad del dia a dia en la Italia de la posguerra, que tuvo que sufrir una lenta recuperación económica después de la devastación de la II Guerra Mundial y que cineastas encabezados como Roberto Rossellini mostrarían con toda su dureza, fieles a la realidad del momento. Vittorio de Sica, que también había seguido esas pautas con la imprescindible “Ladrón de bicicletas”, se enfrascó en su siguiente proyecto, “Miracolo à Milano” en elaborar una fábula fantástica sobre la injusticia y la pobreza ambientado en la célebre capital lombarda.

La película narra el nacimiento, entre unas lechugas, de Totò (interpretado por el actor Francesco Golisano que fallecería prematuramente a los veintinueve años de edad, en 1959), su adopción por una tierna anciana (Emma Gramatica) hasta su salida del orfelinato y su aventura en esa gran e invernal ciudad poblada por la niebla (la secuencia del funeral por las silenciosas calles te hace entrar de lleno en la situación) así como el pesimismo de unas gentes ensimismadas a contemplar como pocos privilegiados salen con todo su esplendor cada noche del célebre teatro de ópera de la Scala. Pero la verdadera magia de la historia se desarrolla prácticamente en las barracas, en las afueras, donde los pobres soñadores de una vida más afortunada sobreviven cooperando entre ellos, sonriendo, cantando, bailando, intentando alejarse de esa miseria que consiguen valorar como el oro. Y todo gracias a la alegría que exhuma el joven y desorientado Totò, reflejo de la juventud y la ambición que busca e intenta construir un futuro mejor.

Vittorio de Sica, junto con los escritores Cesare Zavattini i Suso Ceccho d´Amico que hicieron proezas en un guión sumamente entregado a la imaginación y a la metáfora, rodaría poco después “Umberto D.” (1952) más descarnada aunque también alejada de los dogmas establecidos por el movimiento neorrealista.

Anticipada en su argumento como una precuela de “En busca del arca perdida” (Raiders of the lost ark, 1981) pero que para el público posteriormente supondría un paréntesis entre ésta e “Indiana Jones y la Última Cruzada” (Indiana Jones and the last Crusade, 1988) y en que el sufrido héroe protagonista volvería a estar en el objetivo de los codiciosos nazis.

Lucas y Spielberg llevan al espectador al más recóndito de los parajes que el Rudyard Kipling de “El hombre que pudo reinar” o el James Hilton de “Horizontes perdidos” describirían tan bien en sus obras, no sin homenajear antes las coreografías a lo Busby Berkeley (espléndidos créditos iniciales con una majestuosa Kate Capshaw cantando “Anything Goes”) antes de dar paso a la acción y la aventura (ese Shangri-La oscuro que representa el palacio de Pankot con su peculiar “nouvelle cuisine” a base de cucarachas y cerebros de mono como antesala al Templo del título) dónde Indiana Jones (Harrison Ford) tendrá que hacer frente junto con sus compañeros de a pie (junto con la Capshaw se une el futuro Goonie Ke Huy Quan).

Es sin lugar a dudas la más rentable y popular de la saga, en pleno apogeo de los ochenta como un golpe de efecto al cine comercial que enriquecía las salas con éxitos, la mayoría manufacturados por Lucas Spielberg, como “El Retorno del Jedi” (The Return of the Jedi, 1983), de Richard Marquand o “Gremlins” (1984) de Joe Dante.

En la Francia rural de posguerra se sitúa ésta popularísima película que alcanzó un notable éxito en el país galo para extenderse en el resto de Europa y ´dando a conocer un reparto por entonces desconocido, encabezado por Gérard Jugnot, que interpreta al maestro de música Clément Mathieu, que encuentra trabajo de vigilante en un estricto reformatorio y acaba fomentando sus conocimientos musicales en el grupo de chicos internos con los que formará el coro del título.

La intención de la película es muy amable hasta incluso emocionante con tendencia a la lagrimita y evocando pequeños clásicos del cine francés como al Jean Vigo de “Cero en conducta” (Zéro de conduite: Jeunes diables au collège, 1933) o “La Guerra de los Botones” (La guerre des boutons, 1962) de Yves Robert, colándose también como remake directo de “La cage aux rossignols” (1945) de Jean Dréville y de la que se inspiró en uno hecho real acaecido en una escuela de chicos en los años treinta. Nada novedoso en una película que nos recuerda las buenas intenciones que dispone en su profundidad de campo: la reinserción con la música como guía irrefutable.

Ni que decir que tal éxito propició a que unos “auténticos” chicos del coro iniciaran una gira mundial con sus repertorio de canciones, tales como los niños cantores de Viena los escolanets de Montserrat.

El campo del largometraje ya ofrecía la posibilidad a Walt Disney de extender su imaginario, y futuro imperio, jamás visto hasta entonces y que desde el estreno de “Blancanieves y los Siete Enanitos” (Snow White and the Seven Dwarfs, 1937) sólo se había reducido al cortometraje, y ya no como previos ejercicios de experimentación de lo que serían sus películas, sino de la apertura incontrolada y majestuosa de centenares de películas que abarcarían la inmensa productora que es hoy.

En su segunda película, el imaginario de Disney necesitaba más. Para no caer en el exceso (impensable en el temprano campo de la animación) y ayudándose de la música clásica (con notable presentación de director y músicos con un pastiche de fondo que ya nos avisa de la magia que llena sus dos horas de duración), el retablo cronológico, y mítico, de secuencias va adquiriendo poderío.

Desde el uso de la animación como frecuencia de los movimientos y compases musicales, nos dejamos llevar por el génesis de la Vida, la llegada de los dinosaurios, un fantástico cuento en que Mickey Mouse como aprendiz de brujo, etc... Bach, Stravinsky o Mussorgsky (esa pesadillesca puesta en escena del Monte Pelado finalizado con el Ave María de Schubert es de gallina de piel), reinan en ésta fantástica joya que quedaría oculta bajo la consecuente llegada de otros éxitos como “Pinocho” (1940), “Dumbo” (1941), “Bambi” (1942) o “Peter Pan” (1943).

Andrei Tarkovsky se basó en la célebre novela del escritor polaco Stanislaw Lem (1921-2006), autor también de “Congreso de Futurología” (adaptada al cine de animación por Ari Folman), para exponernos una contemplativa reflexión alrededor de la Vida y la Muerte y que tiene como principal núcleo del relato, la estación espacial que da título a la obra, orbitando en lo que parece ser una extraña nebulosa con oleajes, cuál océano, y que parecen adquirir conciencia y vida propias hasta el punto de materializarse físicamente de los recuerdos de algunos de los tripulantes de la estación.

El viaje del psicólogo Kris Kelvin (Tarkovski contó con la extraordinaria interpretación del actor lituano Donatas Banionis) llega a una estación espacial con la intención de resolver el extraño comportamiento de algunos de sus habitantes supervivientes, los científicos Snaut (Jüri Järvet) y Sartorius (Anatoliy Solonitsyn) que le advierten de que va a ser testigo de la presencia de sus propios recuerdos, y de modo impredecible. Y se manifiestan con la presencia de Khari (Natalya Bondarchuk) su difunta esposa.

Ciencia-Ficción de primera, existencialista y parsimoniosa como la prosa fílmica que representa no solo ésta gran película sino toda la filmografía del director ruso. Hay que dejarse llevar y entender, comprender, en que universo nos lleva Tarkovsky para alcanzar ésta poderosa pieza fílmica. Imprescindible.

Hollywood como no se había visto antes. El del pasado, descarnado, enterrado en el olvido y en las ruinas de los grandes palacios de las mejores épocas en que los actores a través de la mirada expresiva en los ojos y sin voz actuaban cual manera sobrehumana y atenazadamente hipnótica. Esa macabra estampa de silencio alejada de la tumultuosa y hambrienta Industria de las superproducciones y nuevos talentos, yace como escenario sorpresa como en in cuento de hadas donde irrumpe un apuesto perdedor a guionista sin futuro. Un príncipe destronado que conocerá a una princesa en el ocaso, una dama a la que el tiempo ha mancillado no sin recordarle quién fue en otra época y rodeada de recuerdos así como acompañada de vivientes estatuas de cera en sus vacías fiestas y reuniones.

Un Billy Wilder aún no entregado plenamente a la comedia pero sí añadiendo momentos de humor muy negro, nos lleva a través de dos lugares distintos en el tiempo en ese pesebre del Séptimo Arte que representa Hollywood. La película se inicia con la odisea de su personaje principal, el aspirante a guionista Joe Gillis interpretado por William Holden, que por un incidente fortuito con su coche es atendido por la antigua estrella de cine mudo Norma Desmond, o Gloria Swanson que es igual, y su atento mayordomo, el misterioso pero eficaz Max, interpretado por otro veterano de la etapa muda, el gran Erich von Stroheim. ¿Quién no se acordará de su colosal obra magna “Avaricia” (Greed, 1924)? O de sus caracterizaciones en otros clasicos como “La Marcha Nupcial” (The Wedding March, 1928) o “La Gran Ilusión” (La grande illusion, 1937) de Jean Renoir? También están presentes en la ceremonia un Cecil B. De Mille interpretándose a sí mismo y demostrando el reflejo de ese lado hipócrita de la meca del Cine que sobrevivió al sonora después de pasar por unos gloriosos años mudos. No hay que olvidar que en los años veinte ya dirigió una versión bastante particular y moralista de la que sería su superproducción más importante: los Diez mandamientos. Buster Keaton y la periodista y actriz Hedda Hopper también aparecen en sendos papeles crepusculares.

Lo clásico y lo moderno (ahora clásico) se unen como una colisión en que claramente muestran sus diferencias. Norma Desmond no volverá a sentar cabeza aunque crea que se sienta capaz de regresar mostrando su capacidad para la actuación, quizá ya pasado de moda o por tratarse de una estrella en ciernes y en que un sometido e ingenuo Holden se convierte en una especie de títere y galán a sus ojos de esa desquiciada diva.

Buen título el que se estrenó en España que nos ofrece una idea clara de los derroteros a que nos lleva el magistral realizador de “Un, dos, tres...” (One, Two, Three, 1961), “Primera Plana” (The Front Page, 1974) o ese pequeño homenaje-remake a ésta presente obra como es “Fedora” (1978) y que significaría junto con “Aquí un Amigo” (Buddy, Buddy, 1981) el inicio de una larga retirada reducida a entrevistas y conferencias hasta su muerte en 2002 a la edad de 95 años.

Pequeño pero gran cortometraje que reivindica como la moraleja de un sueño, en la importancia de buscar y rebuscar con sigilo y curiosas lo que antaño fueron esos pasillos de estanterías que configuraban los videoclubs. Locales dedicados única y enteramente al cine y que solo quedaran algunas docenas repartidos por todo el país. Internet a lo largo de los años ha ido reemplazando ese pequeño placer que comportaba bajar de casa y andar unos metros para reencontrarte con el Cine, llevártelo a casa por unas horas y pasar una tarde o noche inolvidables.

A modo de sueño, el personaje de Nacho Vigalondo (que se interpreta a sí mismo) permanece suspendido en un gag surrealista propio de su cine y que encuentra novedades tan dispares como una secuela inesperada de un éxito taquillero o un film del que se creyó que se había perdido. Un argumento tan sutil como veraz por su guiño fantástico enfrentado a un triste presente en que negocios de ésta clase quedan pocos y que ahora son valorados como grandes santuarios para acérrimos al formato físico.

Parece que está de moda asustar con los instrumentos más básicos de la risa como es el de sorprenderse a uno mismo con los trucos y efectismos que puede deparar maquillarse y disfrazarse de payaso como apertura a las simpatías y ovaciones de los más pequeños. Pues parece que no, que no es así. La coulrofobia se apoderado endiabladamente de los temores infantiles a verse perpetuados por el susto ante salidas tan bienintencionadas como el de sorprender y amenizar las fiestas de cumpleaños y los circos cada vez más relegados al olvido.

Pero al payaso no se le olvida así como así. Siempre estaré presente como el personaje que hace divertir pero que en su interior yace la alma más mundana y triste que haya pisoteado la Tierra. De allí que se juega con el fabuloso y misterioso ente que puede representar a su vez como un sombra vengativa, asesina y nada misericordiosa con esa imagen que teníamos como el repartidos de risas y emociones. Todo esto se ha terminado.

Los artífices de “Clown”, apoyados firmemente por el actor y productor Eli Roth, se dieron cuenta las posibilidades de esa terminología relacionada con el horror al payaso como criatura inhumana podía satisfacer sus posibilidades de rodar una buena historia con su carga de terror psicológico (un padrazo de familia que se disfraza por razones de fuerza mayor de payaso para sorprender la fiesta de cumpleaños de su hijo con tal sorpresa que se verá superado a sí mismo cuando compruebe que no se podrá quitar lo que había sido un polvoriento disfraz emancillado por una maldición diabólica) que precipitadamente va derivando a un inevitable ejercicio de “grand guignol” con reguero de sangre incluido, condición sine qua non para que puedas contar con el apoyo de tipos como Eli Roth.

Polémico documental (debido a su restringida y censurada emisión por plataformas que por su contenido en sí y que desmenuza el proceso de destrucción por parte de las autoridades españolas, andorranas y norteamericanas de uno de los más importantes bancos privados, BPA, que posee el pequeño país transpirenaico; paraíso de los esquiadores que se lanzan en embudo a las pistas los puentes de fin de semana largos, los voraces consumidores que desde lejos vienen a comprar productos libres de impuestos como el alcohol o el tabaco, y de las fugas y bienes no declarados de portadores extranjeros (no olvidemos las fortunas no justificadas de la Familia Pujol, Montserrat Caballé, entre otros...) depositan o han ido haciéndolo en las últimas décadas de corrupción sistémica que permitía que nadie se fuera de la lengua habiendo mantenido la boca calladita durante mucho tiempo.

El reportaje, fluye en sus primera hora y cuarto sin discurrir en el aspecto político de la intención (luego se centra en la presión e las autoridades españolas forzando al banco a dar información sobre supuestas cuentas de políticos catalanes), y se centra básicamente en los estertores de esa pequeña pero poderosa entidad que fue BPA centro de atención de los norteamericanos al señalarlos como una posible fuente de blanqueo (ya fuese para financiar actividades ilegales arraigada a las mafias internacionales o al terrorismo) y en que el derrame de acusaciones y litigios empezó a correr como la tinta viéndose implicados clientes, empleados y los abogados de éstos viendo todos sus ahorros reducidas a cenizas.

Un reportaje testimonial en que todos los implicados aportan su visión de los hechos. Aunque me temo que algunas de las características poco esclarecedoras del documental de Eric Merola quedan en segundo plano siempre a favor de una narración en off (aportada por Jordi Boixaderas, actor que dobla a Russell Crowe) que le da un toque algo sospechoso y sensacionalista al enredo. En su conclusión, eso sí, es un reportaje de orfebrería intachable.

Abocado con caracterizarse con personajes poco escrupulosos, duros de mollea y algo crepusculares y moviéndose en un entorno policíaco (tomando a Harry Callahan como referente o incluso a justicieros de “western” como el Predicador de “El Jinete Pálido” (Pale Rider, 1985)) a Clint Eastwood todavía le faltaba entrar en un terreno no del todo virgen para él, pero adecuado para ampliar la base de actor y director.

Las andanzas de un veterano suboficial del Cuerpo de Marines de los EEUU, Thomas Highway, que regresa a su base de reclutamiento después de años de indisciplina, borracheras y dos guerras de las que ha sobrevivido bien como fueron las de Corea y Vietnam, le llevan a replantearse su futuro en la profesión no si antes preparar a un batallón de indisciplinados soldados rasos, incluyendo un cantante de rock más dado a la protesta y a la pereza, un colosal y musculoso sueco, o un teniente poco conocedor del ejercicio a barrigazos sobre tierra seca y marchas atléticas de decenas de quilómetros, así como su enfrentamiento contra un superior, sin que ello le ponga impedimento a su participación en una acción (real, y que ocurrió) en la toma de la Isla de Grenada con el fin de derrocar el gobierno influenciado por Cuba y la Unión Soviética.

Un film que se ha caracterizado por la imparable sarta de respuestas tronchantes y salidas de tono de voz de su principal protagonista entre fruncido y fruncido de ceño. Un personaje algo tragicómico que aun así supera obstáculos y baches sin pestañear, lo que le convierte un referente entre lo mejor y peor de Eastwood (del camorrista Philo Beddoe de “Duro de Pelar” (Every Wich way but Loose, 1978) al reflexivo y romántico Robert Kincaid de “Los Puentes de Madison” (The Bridges of Madison County, 1995).

En el mismo año en que se estrenaba la sucia, malsana y fascinante “La matanza de Texas” (The Texas Chainsaw Massacre, 1974) de Tobe Hooper, apareció ésta peculiar como grotesca reconstrucción, y de la que mejor se aproximaba, de la vida de Ed Gein. El film de Hooper así como el ya lejano “Psicosis” (Psycho, 1960) de Alfred Hitchcock se inspiraban en el perfil de uno de los asesinos en série más conocidos de la historia de norteamerica. Incluso en 2000, Chuck Parello hizo una aproximación interpretada por Steve Railsback.

“Deranged” es una producción de la American International Pictures de Roger Corman y dirigida por Jeff Gillen i Alan Ormsby. Una auténtica joya del cine de medianoche con momentos erdaderamente “trash” en que el horror, para el que lo contempla contrastado con el asombro, para el protagonista (notable Roberts Blossom) se fusionan en ésta macabra función con pocas concesiones a lo que podría dar la historia en sí (a momentos en narrada de forma semidocumental por un reportero).

Lo mejor de ésta oscura y olvidada cinta radica en la soberbia interpretación de Roberts Blossom, un actor secundario de mirada intensa e inquietante y que aparecería en películas tan conocidas como “Encuentros en la Tercera Fase” (Close Encounters of the Third Kind, 1977) de Steven Spielberg y “Fuga de Alcatraz” (Escape from Alcatraz, 1979) de Don Siegel.

La serie que tan bien podía perfilar la imagen de una familia de clase alta norteamericana y vinculada con la Mafia se hizo realidad con ésta extensa producción planeada por David Chase y que han colaborado varios directores, además del propio Chase, como Timothy van Patten (Boardwalk Empire), Lee Tamahori (Once were Warriors), o incluso Peter Bogdanovich (The Last Picture Show) y Steve Buscemi (Trees Lounge) donde estos dos últimos gozan de papeles secundarios.

Las confesiones del capo Tony Soprano (James Gandolfini) a su psiquiatra (Lorraine Bracco) son la espina dorsal del dia a dia, en su vida privada y familiar y el entorno donde puede desenvolverse y maniquear sus planes de tipo mafioso de tomo y lomo. En cumplimiento de su tradición católica debería de ser fiel a sus principios. Una esposa (Edie Falco) que le quiere pero de la que rehuye por interés de sus propios asuntos tanto “laborales” como extramatrimoniales, una madre terca y odiosa (interpretada por Nancy Marchand que solo participó en las dos primeras temporadas debido a su muerte por cáncer) pero que no deja de ser una proyección de su sombra y unos hijos (Jamie-Lynn Sigler y Robert Iler) con sus problemas propios de su edad. En resumen: el reflejo de una familia normal. Pero luego está la otra, la mafiosa. La que cumple con lealtad las órdenes de Tony desde un club de striptease por los que le apoyan (interpretados por uno de los componentes de E-Street Band, Steve van Zandt, Tony Sirico y Michael Imperioli (éstos dos últimos intervinieron brevemente en el clásico de Scorsese “Uno de los Nuestros” (Goodfellas, 1990)).

Una de las series más inolvidables de la historia de la televisión aunque, a pesar de todo, acusó sus largas seis temporadas y un final digno de ser discutido en la más copiosa de las cenas.

El periodista leridano Carles Porta (autor de ese excepcional docvumento radiofónico y novelado sobre un caso de crónica negra en el pirineo como es” Tor, tretze cases i tres morts” (publicada en Anagrama con el título de “Tor la montaña maldita”) renaudó un proyecto anhelado por Bigas Luna y que no pudo terminar tras su fallecimiento y que consistía en la adaptación de la novela de Manuel de Pedrolo “Mecanoscrit del Segon Origen”.

El sugestivo planteamiento de un “day after” que deja tras de si un panorama de devastación y desolación solo afrontada por dos únicos supervivientes, Alba y Dídac (Rachel Hurd-Wood e Ibrahim Mané) es la guinda del pastel que poco se ha aprovechado de ésta adaptación (Ricard Reguant produjo y dirigió una serie a mediados de los ochenta mucho más interesante) en que fluye más la falta de interés por la química que se establece entre los dos protagonistas y los problemas en que deberán enfrentarse (pies no están solos, lo que da larga vida al metraje). Si la novela gozaba de la enriquecedora retórica de un escritor tan estudiado y aclamado como Pedrolo, la película acusa de una falta de sensibilidad que solo se aprecia en la creciente relación entre Alba y Dídac. Y con cuatro chavos se podía haber realizado una buena película. Tampoco falta decir que su robinsoniano esquema, es decir la lucha por la supervivencia y eso supone de recorrer los 128 quilómetros que sepan Barcelona de Lérida en tractor, es inevitable y algunos tratamientos de la novela han sido retocados (una amenaza alienígena por el cambio climático) para aportarle un toque de actualidad presente en nuestros días.

Stephen Sommers aprovechó la fusión de géneros, sin olvidar una pizca de comedia, para elaborar un peliculón de los de abarrotar patios de butacas antes que valorar y con aroma a palomitas y cubículo de multisalas. Un producto consumible con un buen añadido de ingredientes que cundimentan un relato de aventuras a lo Indiana Jones en la época de Howard Carter y el terror de la Universal de los años 30, aunque ese detalle acaba escapándose ya que el film es un blockbuster de tomo y lomo con sus buenas dosis de acción y efectos especiales, horneado y listo para consumo de cine familiar.

Otra de las razones se encuentra en el argumento y sus protagonistas: desde el aventurero y maleducado Frasier, la torpe pero diplomática Weisz o el chistoso hermano de ésta interpretado por John Hannah. Después de desatar una maldición que provocará la resurrección de un villano-momia con el rostro regenerado de Arnold Vosloo (actor sudafricano especialista en papeles de malo), nuestros intrépidos héroes harán las mil y una peripecias para frenar un descontrol que cada vez irá a más "in crescendo."

Repleta de tópicos con el fin de entretener y algún chiste malo, la película tuvo una secuela inmediata: "El regreso de la momia" (The Mummy Returns, 2001) y otra dirigida unos años más tarde, y ambientada en China "La Momia: la tumba del Emperador Dragón" (The Mummy: tomb of the Dragon Emperor, 2008) pero esa vez con en la dirección de Rob Cohen y Maria Bello relevando a Rachel Weisz en su rol femenino.

Segunda incursión de Richard Lester y los Beatles en la pantalla grande después de "¡Qué noche la de aquel día!" (A hard day' s night, 1964) y donde nuevamente forjarían su estilo canalla de interpretarse y actuar a si mismos en una comedia acorde al estilismo del swinging London del momento.

Una extraña secta liderada por un fanático sacerdote hindú (Leo McCarey) necesita para uno de sus sacrificios humanos un anillo que, lejana y accidentalmente, está en posesión de Ringo Starr, el batería de los Beatles, justamente cuando el grupo está disfrutando de un momento muy dulce de su carrera. Junto con sus compañeros compañeros John, Paul y George comparte fama, hogar y canciones pero el imprevisto los llevará a ser perseguidos por distintos lugares del mundo.

La película no olvida sus momentos musicales desde el "Help!" que da título al film o a la canción "Ticket to Ride" en las secuencias de los Alpes. La cinta de Lester a la vez intenta parodiar las películas de espías a lo Janes Bond pero sin desmarcarse de un de un buen sentido del humor con unas actuaciones de sus principas protagonistas más o menos aceptables y propensos a la autoparodia. Todo sumado al conjunto de una película concebida como complemento más allá de los discos y las giras de los cuatro de Liverpool.