Delos es un parque temático escenificado en tres épocas de la Historia: la Roma clásica, la Edad Media y el lejano Oeste. Los visitantes escogen su opción preferida para, así, montarse unas vacaciones a su medida y por 1.000 dólares al día. Todas las atenciones y servicios a los visitantes están monitorizadas mediante robots.

Con ésta premisa el novelista y también cineasta Michael Crichton (autor del visionario y estremecedor best-seller “La Amenaza de Andrómeda” también adaptado al cine) acabaría creando en su similitud esquemática “Jurassic Park” (con la inmediata y exitosa adaptación que realizó Steven Spielberg en 1992). La diferencia es que si se ponía en juego el estudio de la genética creando dinosauros a partir de mosquitos fosilizados en ámbar, la lejana “Westworld” ya ponía en cuestión el control del hombre sobre las máquinas concebidas a su imagen y semejanza. Un temprano augurio a lo que sería el “Terminator” de James Cameron. Pero aquí la pose de androide indestructible lo forja a la perfección un frío y calculador Yul Brynner en su rol de pistolero que persigue sin control a unos sorprendidos Richard Benjamin y James Brolin.

La película tuvo una inmediata como interesante secuela, “Mundo Futuro” (Futureworld, 1976) realizada por Richard T. Heffron e interpretada nuevamente por Yul Brynner y Peter Fonda así como el estreno de hace unos pocos años de una serie de televisión que lleva ya tres temporadas en su haber.

Ambiciosa y épica producción de la BBC en formato miniserie y que contó con la presencia del norteamericano Peter Strauss y el neozelandés de origen irlandés Sam Neill en una cronológica historia que se desarrolla desde principios del siglo XX hasta bien entrada la segunda mitad de éste. El título haría alusión bíblica a los dos hermanos de sangre al que uno acabaría asesinando al otro por celos, pero el planteamiento de ésta interesante propuesta, basada en un novela de Jeffrey Arche, se centra como principal tema de fondo, el sueño Americano como objetivo, sea de donde se provenga el rango social.

Ambos protagonistas tienen orígenes distintos. Kane (Sam Neill) proviene de una adinerada familia de banqueros y su principal obsesión es reforzar el imperio bancario de su padre, fallecido prematuramente. En cambio, Abel (Peter Strauss, un bastardo hijo de un conde es criado en una humilde granja en la campiña polonesa, y las consecuencias de la I Guerra Mundial lo llevan a exiliarse, tras varios años viéndose sometido al invasor. A su llegada a América empieza a apuntar muy alto hasta su encuentro con Kane.

Durante varias décadas se produce un duelo de intereses entre dos hombres acosados por la ambición, la fortuna y el éxito. Desde el crack del 29, la II Guerra Mundial y la recuperación de un mundo tras los estragos de ésta, varios personajes decisivos también discurrirán en las vidas de dos hombres visiblemente enfrentados entre si, pero no tan opuestos como pueda parecer.

Drama policíaco bastante realista y que ya entona la intencionalidad de su director que seguiría un patrón aún más complejo y en un sentido más político, en otras películas posteriores como “El Último Testigo” (The Parallax View, 1974) o la sobresaliente “Todos los Hombres del Presidente” (All the President´s Men, 1976).

Alan J. Pakula unió a gélido Donald Sutherland y una inspirada Jane Fonda en ésta historia que gira entorno a una entramada intriga sobre la desaparición de un hombre, y el amigo policía que decide investigar su pista siguiendo los pasos de una prostituta de la que era cliente. Así Klute, como se llama el agente, investiga y sigue las grabaciones y confesiones de la chica, por lo que la película adquiere un tono bastante voyeur pero tampoco se deja caer por los sentimentalismos y romances que se deberían producir en la pareja protagonista (podría considerarse un “pretty woman” policíaco pero algo más frívolo) y se deja llevar por la trama en la que lentamente se va desvelando hasta un inesperado final.

Un film diferente dentro de su género y algo intimista que remueve en los recovecos y las confesiones del personaje que interpreta Jane Fonda en uno de sus mejores papeles y que en esa época ésta inmersa en un encendido activismo derivado de su pacifismo y su lucha contra la intervención norteamericana en la guerra del Vietnam.

Emotiva y sugerente producción franco-vietnamita cargada de simbolismo, pocos diálogos y que sigue el proceso de crecimiento de una pequeña criada (Man San Lu) hasta su edad adulta cuando conoce el amor (Un Yên-Khê Tran). La película, segmentada en dos partes bien diferenciadas, nos lleva a la llegada des del campo, de la pequeña Mui (Man San Lu) a la gran ciudad donde empieza a trabajar como sirvienta en un hogar de comerciantes acomodados Aparentemente la tranquilidad reina en el hogar pero el pasado de la muerte de unos seres queridos y el abandono del progenitor, hunde un poco las finanzas de la casa y Mui tiene que valerse por si misma sirviendo en otra casa.

Anh Hung Tran (Cyclo, Tokio Blues) no se inmiscuye en la época de cambios en que está ambientada la película, desde los años cincuenta hasta los sesenta (donde se produjeron las inevitables insurrecciones que acabaron contra el gobierno colonial e irrumpió la guerra del Vietnam) y deja llevar el relato por esta intimista y sencilla historia donde el sonido ambiente tiene un papel importante.

Sorprendente debut de Ari Aster en su primer largometraje que podría considerarse una película de terror al uso pero que goza de diferentes elementos que la hacen algo diferente a la vez que algo innovadora, dependiendo del punto de vista en que se exponga. Personalmente tuve que visionarla varias veces porque me dejaba algo desconcertado su planteamiento muy “sui generis” (al anunciarla tan bien y ponerla a las alturas de lo mejor del género en años, me generó expectativas) pero la peculiaridad que le vi es esa falta de ritmo in crescendo, casi concebido adrede, propio de los films de terror y suspense a lo M. Night Shyamalan, pero que Aster no pretende estimular a golpe de efecto sino que lenta y pacientemente nos arrastra hacia lo más profundo de una pesadilla que a base de detalles (ese poste en la carretera, las reuniones a las que asiste esa madre atormentada que interpreta tan bien Toni Collette, lo mejor del film sin discusión alguna).

Flojea en un toque sobrenatural que no le conviene aunque lo disimule. Ya sin evidenciarlo la película habría quedado como un versión familiar de “La Semilla del Diablo” (Rosemary´s baby, 1968) de Roman Polanski, pero aquí el director de la posterior, inmediata y sobresaliente “Midsommar” (2018), no se anda por las ramas y deja fluir su película como cualquier otra con un desenlace de la que no deja miramientos a la hora de tomar una conclusión sobre lo que ha representado la película en todo su metraje, por lo que merece más de un visionado.

Ese es uno de los grandes méritos que se le atribuyen a la productora A24 del denominado “terror inteligente” que en los últimos años nos ha deparado o no (según como se vea en su conclusión final) con películas tan ejemplares cono “la Bruja” (The Witch, 2015) o “El Faro” (The Lighthouse, 2019) ambas de Robert Eggers.

Primer film sonoro de Lang que aprovechó todas sus ventajas para rodar la que él consideraría la mejor de sus películas. Después de una etapa muda caracterizada por una brutal innovación de los efectos especiales y una re visitación a las antiguas leyendas germanas (representado en el díptico de más de cuatro horas como es “Die Nibelungen” rodado en 1924), el realizador alemán junto con un guion de su esposa Thea von Harbou (que simpatizaría con el partido Nacionalsocialista en emergente inclusión) llevaron a cabo ésta oscura drama policíaco en que el argumento (la inesperada caza de una asesino por parte de las autoridades del hampa y de la ley les lleva a une reyerta por conseguir el motín: un escurridizo asesino de niñas interpretado por un veinteañero Peter Lorre).

Magníficamente ambientada en unos decorados sombríos que resaltan la oscuridad de una obra única y magna dentro del género policíaco y criminal, hecho con rigor y en que el principal protagonismo lo protagonizan los burócratas y a la vez el pueblo que, dejando atrás sus miedos, deciden dar justicia con el criminal. Lang, a lo largo de su carrera, retomaría, ya en los EEUU, ese esquema de thriller inteligente con luces y sombras en otras sensacionales joyas como “Los Verdugos también mueren” (Hangmen also die, 1943) o “Mientras Nueva York Duerme” (While the City Sleeps, 1957).

“M” quedará como una de sus mejores obras maestras. La intachable calidad de un clásico imperdurable que hace de Lang como uno de los mejores cineastas que ha aportado el Séptimo Arte.

Tenso y trepidante thriller de acción, basado en un relato de Jim Thompson y que parecía adecuado para que un director de la altura de Sam Peckinpah, amado y odiado por la Industria Hollywoodiense, lo llevara a la gran pantalla aplicando, sin más, un desbordante tono de violencia y misoginia, aunque con menos esmero de lo que serían premisas tan radicales como “Grupo Salvaje” (The Wild Bunch, 1969) o la posterior “¡Quiero la cabeza de Alfredo García!” (Bring me the head of Alfredo Garcia, 1974) y confiriendo más el reclamo y atractivo de su pareja protagonista, tanto en la vida real y en la ficción, como la que componían Ali MacGraw (vanagloriada en exceso en su papel de Jenny en “Love Story” (1970) de Arthur Hiller) y un Steve MacQueen entrado en los cuarenta pero ya consagrado como un actor especialista dentro y fuera de las escenas de riesgo (desde sus fugas en moto en “la Gran Evasión” (The Great Escape, 1963) de John Sturges o sus implacables persecuciones con un Ford Mustang por las calles de San Francisco con un en “Bullitt” (1968) de Peter Yates.

No es el Peckinpah que uno puede esperar pero se le respira un aliento propio de su obra sin añadirle demasiada autoría como es la atmosfera malsana de sus obras más características, algunas ya mencionadas más arriba. Un film que destila más glamour y concesiones al entretenimiento propio de una película de acción temprana de la época. MacQueen y Macgraw se convierten en un referente de la cinematográfica pareja de fugitivos que huyen con un botín tras una desolada oleada de tiroteos y persecuciones que ni ellos se habían planteado. Así pues “la Huida” destila “road movie” sin miramientos ni prejuicios y su evidencia como tal es notable. La pareja se hace suya la película mientras que Peckinpah rueda con límites aunque el resultado sigue quedando redondo como un pequeño clásico de su tiempo.

Uno de los más populares euro-westerns que se conocen es ésta coproducción italo-francesa encabezando el reparto el norteamericano Charles Bronson, el francés Alain Delon y el japonés Toshiro Mifune. El asalto y robo del botín de un tren lleva a un forajido (Charles Bronson) traicionado por sus compañeros y a un samurai (Toshiro Mifune) a rescatar una katana dorada, obsequio que tenía que serle entregado al presidente de los EEUU.

A través del árido los dos entablarán una peculiar amistad basada en la confrontación mútua, en una lucha a pulso para demostrar quién de los dos es capaz de cumplir con el dicho cometido. Las normas propias de un western en que el villano deja de ser el principal problema para aliarse con su contrario e ir a la búsqueda de un objetivo común.

Terence Young, ya alejado de su correrías fílmicas de 007, dirigió un correcto western que contó con las presencias femeninas de la suiza Ursula Andress, la francesa Capucine y, en una breve aparición, de la catalana Mónica Randall. La banda sonora la firmó el siempre convincente Maurice Jarre.

Antes de rodar con Harrison Ford el “remake” cinematográfico de la serie “El Fugitivo”, Andrew Davis, que ya había dirigido películas de acción con Steven Seagal tales como “Por encima de la Ley” (Above the Law, 1988), volvió a unir fuerzas con éste actor y especialista en artes marciales para crear un explosivo cóctel de pólvora y puñetazos al más puro estilo “La Jungla de Cristal”, pero sin llegar a la magnitud de la popular cinta de John McTiernan.

Stevern Seagal se convierte, por decirlo así, en el maestro de ceremonias de éste desaguisado de mamporros y tiroteos que se producen en el interior del acorazado USS Missouri, del que un ex-agente de la CIA con malas pulgas y muchas ansias de venganza (interpretado por Tommy Lee Jones). Su plan es hacerse con los misiles que posee el destructor con intenciones más que evidentes. Lo que ignora es que en la cocina un experto SEAL (Seagal) en horas bajas, y con la ayuda de una modelo de PlayBoy (Erika Eleniak) escondida en una tarta dispuesta a dar la sorpresa, están dispuestos a frenar sus planes de hacerse con el control de la situación.

La buena acogida de la película perpetró una secuela con el mismo Seagal, pero está vez viéndose en apuros en un tren a toda marcha.

Ingmar Bergman experimentó con el género de terror psicológico en una de sus películas más complejas y mal interpretadas que, debido a esa condición, ofrece múltiples lecturas y visionados, ya algo muy común en su cine y que ya demostró en las más famosas de sus obra maestras como “El Septimo Sello” (Det sjunde inseglet, 1957).

El director sueco nos traslada al periodo de aislamiento de un matrimonio, Johan (Max von Sydow) y Alma (Liv Ullman). Él es pintor de paisajes y no parece sacar un buen provecho en su nueva morada, ya que deberá enfrentarse a sus fantasmas y demonios interiores. ¿Y cómo lo expresa Bergman? A través del testimonio angustiado de Alma y esos fondos oscuros en donde se desempeña éste magnífico pero sórdido drama abstracto en que lo secundan los otros habitantes de la isla que no dejarían de ser más que los reflejos oscuros de Johan: un matrimonio de condes en decadencia absoluta, sus pocos cuerdos parientes y amigos que desempeñan unos roles la mar de extravagantes como grotescos y una bella mujer rubia (interpretada por otra de esas grandes musas de Bergman como lo fue Ingrid Thulin).

Una pequeña pieza a revisar en que el director vuelve a plantear temas como la obsesión humana, el miedo, la locura, haciendo alusión a una de sus grandes composiciones preferidas, la ópera “La Flauta Mágica” de W. Amadeus Mozart que adaptaría a la pequeña pantalla unos años más tarde, pero sin descuidar su gran calidad de cineasta adelantado a su tiempo.

l siempre interesante Robert Benton (Kramer contra Kramer; En un lugar del Corazón; Billy Bathgate) reunió a un trio de grandes actores como Paul Newman, Susan Sarandon y Gene Hackman (con la agradecida presencia secundaria de Stockard Channing , James Garner y una prometedora Reese Whiterspoon) en un artesano thriller que nos lleva a recordar a los clásicos del cine negro de los años cuarenta y cincuenta. Aunque aquí sus protagonistas están en la cima más alta de su crepúsculo personal e íntimo.

Sin desligarse de una atractiva trama con desaparición sin cadáver, amistades no correspondidas y algún que otro revolcón infiel dentro de ese mundo de detectives torpes y en ciernes, estrellas de capa caída que no disimulan encontrarse en los estertores de la fama,… En ese marco el ex policía y fracasado detective Harry Ross (Paul Newman), está empleado como protector en la mansión de la pareja formada por Catherine y Jack Ames (Suisan Sarandon y Gene Hackman) y la rebelde hija de ambos, Mel (Reese Whiterspoon) que, tras un enésimo favor concedido a Jack, Ross se ve envuelto en un turbio espiral de chantajes y asesinatos que, sin embargo, no le harán temblar la mano a la hora de tomar cartas en el asunto.

El siempre correctísimo y paciente Robert Benton, firmó un “noir” exquisito, convincente que por no ser una maravilla, goza del peculiar atractivo de las pequeñas joyas del cine policíaco de antaño.

Cuidada producción que recrea los primeros años del reinado de la última descendiente en el trono de la Dinastía de los Tudor, Elizabeth I (encarnada por Cate Blanchett) que tras suceder a su hermana María (Kathy Burke), se desencadena en su nuevo reinado un sinfín de conspiraciones contra ella. Desde el acoso a lo que representa, por el interés de otros reinos como el de Francia o España, y así desestabilizar su poder. Ayudada por consejeros como Sir William Cecil (Richard Attenborough) y el protestante exiliado Sir Francis Walsingham (Geoffrey Rush), estos la intentan mantener a salvo de las fauces de Thomas Norfolk (Christopher Eccleston) que se ha ganado el apoyo de la Iglesia Católica con el fin de destronarla.

La película también remarca los sentimientos de una reina que se antepone a los asuntos de Estado. Su amor hacia uno de sus más fieles servidores, Robert Dudley, conde de Leicester (Joseph Fiennes) se acrecienta a pesar de los acontecimientos que la mantienen como máxima autoridad de un país en guerra con Escocia, España y Francia.

Un gran trabajo del director de origen indio Shekhar Kapur que destaca por un despliegue de vestuario y diseño de producción impecables y que retomaría con una continuación ocho años más tarde, “Elizabeth: la Edad de Oro” (Elizabeth: the Golden Age, 2007).

Uno de los personajes más recordados para los fans de las películas de la Troma Studios (productora de serie B casposa, creada por el neoyorkino Lloyd Kaufman a finales de la década de los sesenta), es el Vengador Tóxico, un deforme pero musculoso superhéroe, a la vez salvajemente violento y muy a las antípodas del archiconocido catálogo que hoy en día se adueñan de cines y plataformas bajo los sellos incuestionables de DC Comics o Marvel.

Kaufman dirigió e hizo de su “The Toxic Avenger”, además de sus secuelas, una cinta residual, gamberra, bizarra, cómica y asquerosamente absurda. Como parte de su filmografía caracterizada títulos como “Sgt. Kabukiman” (1990) o “Tromeo and Juliet” (1996).

Resulta divertido que tal basura concebida se la considere a hoy en día objeto de culto o incluso obra pionera donde las haya. Tal vez por un guion infumable (torpe empleado de la limpieza de un gimnasio es objeto de las burlas de sus cachas clientes y una broma lo desencadena a un fatal accidente) en que no falta sexo, drogas, violencia, políticos corruptos, risas y sangre... Todo bordado con la sonrisa simpática y cachonda del sello Troma.

Paul Verhoeven regresó a su Holanda natal para rodar esta mezcla de drama e intriga ambientada en unos Países Bajos dominados por los nazis y que lleva a rememorar uno de los primeros largometrajes más aclamados de su director, “Eric, oficial de la reina” (Soldaat van oranje, 1977).la resistencia holandesa vuelve a ser el punto fuerte de una narración bélica y una tierra sumida en el caos y la violencia, no quedando impune ante la fuerza de un invasor sin escrúpulos. Pero si en la cinta que protagonizaron Rutger Hauer y Jeroen Krabbe, se evidenciaba como trabajaba y actuaba la resistencia como tal, en “El Libro Negro”, ya se intuye que la protagonista principal se verá implicada desde ambos lados con tal de proteger su vida.

La película sigue las andanzas de Ellis de Vries (Carice van Houten), una joven judía que intenta sobrevivir ocultando su identidad aunque para ello tenga que implicarse seduciendo a un militar alemán de alta graduación (interpretado por Sebastian Koch, conocido por “La vida de los otros” (Das Leben der Anderen, 2006). El sexo y la violencia vuelven a estar presentes como es habitual en la filmografía de Verhoeven y en toda su visceralidad y “Zwartboek” no es una excepción tal vez no éste entre sus mejores obras pero es una prueba clara que el director de “Instinto Básico” (Basic Instinct, 1992) no cede ante concesiones ni censuras.

John Singleton (Los chicos del barrio) reinició la serie de thrillers con aroma blaxpotation que se hicieron tremendamente populares con la presencia del poco escrupuloso detective de policía John Shaft. En su momento el personaje estuvo interpretado por Richard Roundtree con la intención de hacer frente al tópico de que el policía de rigor tenía que ser como siempre, un tipo duro de pelar, sin concesiones y blanco.

En plena entrada al siglo XXI relativamente algunas cosas habían cambiado pero el personaje no, aunque necesitaba una serie de retoques que Roundtree no podría reemplazar y se requirió con Samuel L. Jackson, entonces actor en boga gracias a sus intervenciones en películas como “Pulp Fiction” (1994), de Quentin Tarantino, “Jungla de Cristal: la Venganza” (Die Hard with a Vengeance, 1995) de John McTiernan o su excelente interpretación como Elijah Price en las sobresalientes “El Protegido” (Unbreakable, 2000) y “Cristal” (Glass, 2019) de M. Night Shyamalan. También había que modernizar la historia sin cambiar demasiado el bullicioso escenario de un Nueva York poblado por niños de papá (un Christian Bale preparándose para su personaje de Patrick Bateman en “American Pshyco”) capaces de matar e irse a esquiar a Suiza con libertad bajo fianza y narcotraficantes de barrio (Jeffrey Wright) capaces de dar el salto a la Gran Manzana con el mercado de la droga.

Shaft tiene su equipo de policías en un rifi-rafe que como pretendida cinta de acción cumple con las expectativas pero falla en volver a recuperar el espíritu del Shaft setentero. Singleton se deja llevar por un tópico thriller de acción y deja a su lado esa autoría tan característica que le había caracterizado en sus inicios como cineasta, “Los chicos del barrio” (Boyz N the Hood, 1991).

Ni un ápice de originalidad aparece en éste sobado y previsible film de terror que garabatea por enésima vez el esquema fácil propio de los “slashers” que tanto furor provocaron en los ochenta y los noventa. La película, rodada en 1998, bajo la influencia de otras películas que renovaron el subgénero como “Scream” (1996) o “Sé lo que hicisteis el último verano” (I know what you did last summer, 1997) bajo la tutela de Wes Craven y Kevin Williamson, es el lastre personificado de un intento imposible de hacerse hueco entre montones de películas similares.

En éste caso el asesino es un payaso extraído de la famosa ópera de Ruggero Leoncavallo, escondido entre las dependencias de un teatro a reformar (cual personaje maldito de Gaston Leroux) y que un grupo de estudiantes del departamento de arte se reúnen para volver a levantar el telón ignorando lo que van a encontrar. Solo las extrañas visiones de una de las estudiantes (Sarah Lassez) sobre el asesinato de su madre, cantante de ópera en ese mismo teatro, despertará supuestamente la extraña presencia que los acechará a todos.

Ni las interpretaciones de veteranos como Margot Kidder y Christopher Plummer salvan ésta ruinosa y desaprovechada acusada por la falta de medios y empeño.

El asedio y posterior asalto al denominado Mount Carmel, en donde residían más de un centenar de miembros de la secta de los Davidianos, escisión de la iglesia Adventista del Séptimo Dia, provocó un incómodo debate, no solo sobre el uso de las armas en los EEUU (que ni la tragedia del instituto Columbine remedió una solución) sino como actuó la administración del entonces presidente de los EEUU Bill Clinton, cuya fiscal general, Janet Reno, puso su cargo a disposición.

El agravante de la situación fue una denuncia por parte de la Agencia del Tabaco, Alcohol y Armas que alertó de la compra y almacenamiento masivo de armamento por parte de los miembros de esa comunidad asentada en Waco desde los años cincuenta. El historial de armas y la dudosa reputación exterior que sentían hacia el líder de la secta, David Koresh (cuya nombre auténtico era Vernon Howell) fueron la mecha que encendió el polvorín. ¿Y cual fue el resultado? casi dos meses de asedio que terminaron con un brutal asalto por parte de las autoridades, esta vez con el FBI dirigiendo el cotarro, en un cuestionado intercambio de tiroteos que anteriormente se había saldado con la muerte de cuatro agentes y cinco miembros de esa Iglesia.

Aquí entra la controversia de éste espeluznante y metódico documental donde, al detalle y tras una comisión de investigación que se celebró dos años después de los hechos, se ponen en entredicho ambas partes acerca de cómo y por qué, provocaron un enfrentamiento sin salidas diplomáticas efectivas al respecto y ni el garantizado compromiso de que las personas que habían en su interior, saldrían airosas de su interior. Desde razones económicas, de presión a la prensa con su consecuente clamor popular a tomar medidas radicales que no lograrían alcanzar un arreglo sobre ese conflicto sino a propiciar más preguntas sin respuesta sobre esa intervención...

Un documental excepcional que refleja con más claridad todos aquellos tristes hechos acontecidos en 1993 y que insta a bascular y tomar conclusiones más amplias sobre lo que sucedió en su día.

El siempre emocional y nostálgico Giuseppe Tornatore, con una carrera marcada para siempre con títulos imborrables como “Cinema Paradiso” y la inolvidable “Malena”, adaptó la obra “Novecento” de Alessandro Baricco, para la gran pantalla y convertirla en algo ya no nuevo de su cine: en un recordatorio de los viejos tiempos en que pasado y presente se confabulan en un cáliz emocional de recuerdos y emociones.

Si “Cinema Paradiso” era, en su contexto histórico, la cronología social y política a través de los ojos de un niño, un proyeccionista y un viejo cine de pueblo, aquí nos adentramos en el corazón de un transatlántico, el Virginia, y sus constantes viajes de ida y vuelta a través del Océano, y con la incesante música del pianista Novecento (Tim Roth) que toca para para ricos y pobres. Su llegada misteriosa en el barco y su educación en alta mar lo convierten en un personaje un tanto peculiar, conocedor del destino de los hombres y temeroso del suyo propio.

Como es habitual en las películas de Tornatore, la música, la fotografía, el humor y la lagrimita no faltan a lo largo de un metraje (que como en el caso de “Cinema Paradiso”) fue extendido de su estreno internacional de dos horas a casi tres. No obstante, la película nos brinda secuencias inolvidables como el duelo a piano entre el protagonista y Jelly Roll Morton (interpretado por Clarence Williams III).

En la línea de la increíble “El Mayor Espectáculo del Mundo” (The Greatest Show on Earth, 1952) de Cecil B. De Mille, el productor Samuel Bronston y el realizador Henry Hathaway (Niagara) ambientó en el mundo del Circo, la gira de una compañía norteamericana a su paso por Europa. El director Matt Masters (John Wayne) no solo debe hacer frente a los obstáculos que supone llevar todo el material sino que tiene que borrar el recuerdo de su trapecista y amante, Lilith (Rita Hayworth) cuya hija Toni (Claudia Cardinale), a su cuidado, sigue los pasos de ella.

Mezcla de melodrama y espectáculo con un reparto de estrellas que no pasó inadvertida por la ciudad de Madrid (las borracheras de la Hayworth y las escapadas de rodaje Wayne darían para extender un anecdotario) aunque su éxito de taquilla no llegó a la altura de otras superproducciones bronstonianas tales como la magnífica “55 días en Pekín” (55 days at Peking, 1963) de Nicholas Ray o “La Caída del Imperio Romano” (The Fall of the Roman Empire, 1964) de Anthony Mann. Todo bajo la sombra de Samuel Bronston, un productor que no reparó en gastos en poder desplegar sus películas en exteriores fuera de Hollywood y que le permitían, amén ede contar con miles de extras locales... Una carrera que se fue menguando por fracasos, deudas y un relevo al olvido que, no obstante, dejaría huella imborrable en la historia del cine-espectáculo.

La vejez y las ganas de vivir ante la inminente llegada de la Muerte, expuestas por Akira Kurosawa no podría definirse mejor con el desencanto y la indiferencia en el paso de los años y representado por el protagonista, un funcionario de los servicios públicos, en ésta imprescindible película ambientada en una invernal ciudad y en que el film nos lleva al principio del fin de un buen hombre al que le surgen las buenas intenciones e intenta atender a lo que contrariamente ha decidido llevar en su vida profesional e incluso personal, desatender.

Después de que Kanji Watanabe (Takashi Shimura) le diagnostican un cáncer de estómago, decide llevar a cabo todo lo que ha dejado atrás, por terminar, entre otros asuntos por resolver. El director de “Los Siete Samurais” (Sichinin no samurai, 1954) nos lleva así a una profunda reflexión sobre el sentido de la vida cuando Watanabe, hastiado de tanta rutina y cotidianidad, decide emprender su largo viaje por las calles, conociendo la vida nocturna al lado de un escritor de “novelas baratas” que lo lleva a diferentes locales. La influencia beat del escritor y en esos bares dónde se toca de jazz, podría resultar chocante en un film nipón pero acusa la influencia de Kurosawa, hecho que nunca ha negado al contrario, hacia el cine americano. Pero también podría brindar su aportación al neorrealismo (las míseras calles dónde Watanabe quiere intentar proyectar el sueño de los demás pero que resumirían (en la secuencia del columpio cantando una triste canción de despedida) la conclusión de una vida que termina.

La juventud (la compañera de trabajo del protagonista a quién le sigue durante el día en su intento de recuperar el tiempo perdido) y la familia (un hijo ansioso de herencia con quién habla bien poco) también están representados como una carencia de valores en el si de la sociedad nipona de la época, avanzando progresivamente después de la II Guerra Mundial. Watanabe es viudo, está solo y decide emprender esa última acción imprescindible antes de dejar el mundo de los vivos y del que el título de ésta gran película hace referencia.